Françoise Dedon ouvre un lieu d’art inédit à Hyères : une immersion totale dans un univers pictural unique

Et si le Sud devenait le nouveau cœur battant de l’art contemporain ? Dans un monde saturé de galeries formatées, une artiste peintre trace sa propre voie, entre élégance radicale, poésie et vision futuriste. Françoise Dedon ne montre pas ses œuvres : elle ouvre un monde.

À Hyères-les-Palmiers, une artiste singulière inaugure un nouvel espace d’Art, pensé comme une œuvre vivante. Françoise Dedon, reconnue en France et à l’international, invite à franchir le seuil de son imaginaire…

 

Peu d’artistes peuvent revendiquer un style aussi distinct

Les amateurs d’art le savent : Françoise Dedon est inclassable ! Ses tableaux, souvent centrés sur des figures féminines, dégagent une élégance étrange, comme suspendue entre modernité, poésie et silence. Son art est reconnaissable entre mille et c’est précisément cette singularité qui lui a permis de conquérir une audience fidèle, bien au-delà des frontières françaises, notamment à Paris, Barcelone ou encore dans la province du Fujian, en Chine.

Mais aujourd’hui, Françoise Dedon franchit une nouvelle étape : elle ouvre à Hyères un espace d’art immersif, radicalement personnel.

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Un lieu d’art conçu comme un manifeste

Loin du circuit parisien saturé, l’artiste a choisi de s’ancrer dans le Sud-Est de la France, au cœur d’une ville solaire et créative. Pendant deux ans, elle a façonné cet espace dans une démarche profondément indépendante, presque artisanale.
« Ce lieu est né d’une nécessité : celle d’offrir un écrin à mes œuvres, en dehors des codes, à la fois libre, élégant et cohérent avec mon univers », confie-t-elle.
Ce lieu vivant est bien plus qu’un atelier ou une galerie. C’est un monde en soi, une traversée artistique où le visiteur devient explorateur. Les œuvres y prennent place naturellement, dans une scénographie sobre mais puissante, propice à la contemplation, au mystère, à l’échange.

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Une démarche libre, connectée et avant-gardiste

L’inauguration de ce lieu marque aussi un virage stratégique. En supprimant les intermédiaires traditionnels, Françoise Dedon revendique une autonomie artistique rare, tout en restant connectée à une communauté de collectionneurs et d’amateurs d’art dans le monde entier. Un contact direct, pour les architectes, décorateurs ou marques de luxe souhaitant créer des projets sur mesure, en dialogue avec son univers visuel.
Grâce aux réseaux sociaux notamment Instagram, son travail circule aujourd’hui de Tokyo à New York. C’est cette révolution numérique qui lui permet de tracer un chemin indépendant, loin des codes parfois rigides du marché de l’art.

Une œuvre en expansion : site, éditions, collaborations

L’espace d’art de Françoise Dedon, riche d’une scénographie immersive autour de ses œuvres, a vocation à accueillir ses expositions. Il présentera aussi des événements, des rencontres autour de l’art, ou des collaborations transdisciplinaires.
À moyen terme, il sera le point d’ancrage de sa communication artistique, un repère dans le sud de la France, et un lieu ouvert à un réseau de collectionneurs, de journalistes, et de professionnels de la décoration, du design ou du luxe.

Une signature artistique forte

Née dans le Sud, bercée par la lumière de la Méditerranée, Françoise Dedon nourrit son art de cette Provence où les paysages vibrent de matière et d’intensité.
Aussi, ses nombreux voyages y déposent des fragments d’ailleurs, subtils, presque imperceptibles. Des traces qui traversent ses toiles, comme des échos d’une mémoire à la fois intime et universelle.
« J’essaie d’inventer une peinture qui parle à l’œil mais aussi à l’âme. Une peinture puissante, élégante, parfois décalée. Une peinture libre », résume-t-elle.
Peintre mais aussi paysagiste, elle co-dirige l’entreprise familiale Fredon Paysages de création de jardins remarquables.
Cette double pratique se reflète dans ses œuvres : précision du cadre, équilibre des formes, sens des matières.

 

Un repère artistique à Hyères

Ce nouvel Espace d’Art est destiné à vivre au rythme de la création : expositions personnelles d’œuvres originales, rencontres ponctuelles ou collaborations. Il s’inscrit comme un repère du paysage artistique du Sud, et un lieu ouvert aux professionnels curieux d’univers inédits : journalistes, curateurs, designers ou maisons de luxe.

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Visite presse sur rendez-vous

L’artiste accueille les journalistes et professionnels sur rendez-vous dans son espace d’art à Hyères-les-Palmiers.
Merci de prendre contact directement par mail : dedonfrancoise@gmail.com

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En savoir plus

Site web : https://francoisededon.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/francoise.dedon/

Œuvres : https://francoisededon.fr/oeuvres-originales/tableaux/

 

 

Dans les veines du bois, la jungle pousse : Anton Laborde lauréat des Ateliers d’Art de France dévoile sa première exposition personnelle à Bordeaux, du 11 avril au 30 mai 2025 avec la Galerie REVEL

Et si la jungle n’était pas à l’extérieur, mais au cœur même de nos architectures les plus maîtrisées ? Et si, entre deux moulures haussmanniennes, on trouvait des feuillages taillés dans du bois rare, des figures humaines aux paupières closes, et des objets oubliés du quotidien, brouettes ailées, pompes à essence, réfrigérateurs, égarés dans un enchevêtrement végétal métaphysique ?

C’est ce que propose Anton Laborde — 25 ans, plasticien français, lauréat des Ateliers d’Art de France, à la trajectoire singulière — dans Concrete Jungle, dans les jungles, la ville. Sa première exposition personnelle est présentée du 11 avril au 30 mai 2025 à Bordeaux chez Christie’s Maxwell-Baynes, dans le cadre d’un partenariat inédit entre la Galerie REVEL et le monde de l’immobilier de prestige.

Au croisement d’une technique ancienne — la marqueterie — et d’une vision résolument contemporaine, l’artiste compose des fresques en bois précieux, entre figuration et abstraction, qui interrogent avec une rare justesse nos liens au vivant, aux objets, à la mémoire. Dans un monde saturé d’images, Laborde taille dans la matière un contre-récit : lent, silencieux, minutieux — mais chargé d’une tension politique sourde.

Loin d’un accrochage conventionnel, Concrete Jungle est une proposition immersive, hybride, à lire comme une cartographie mentale de notre époque.

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Une jungle foisonnante au cœur de Bordeaux

Un œil fermé, puis l’autre. Le silence s’installe. Entre les feuillages et les paysages sculptés dans le bois, des figures émergent. Elles ne parlent pas. Elles regardent vers l’intérieur. Autour d’elles, des pompes à essence, des réfrigérateurs, des objets domestiques transfigurés par une jungle débordante.

Ce n’est pas un mirage, ni un songe tropical : c’est Concrete Jungle, dans les jungles, la ville — première exposition personnelle du plasticien Anton Laborde, présentée par la Galerie REVEL du 11 avril au 30 mai 2025 à Christie’s Maxwell-Baynes, à Bordeaux.

Dans cet espace inattendu — une agence immobilière de prestige transformée pour l’occasion en lieu d’exposition — s’élève une œuvre rare : des fresques en marqueterie, entre figuration et abstraction, réalisées délicatement au prix d’innombrables heures de travail. Bois précieux assemblés à la main, narration plastique à la fois méditative et critique.

L’artiste installe dans ce lieu, situé en plein cœur de la ville de Bordeaux, une jungle — non pas pour l’exotiser, mais pour en faire un espace énigmatique — à la fois matrice, mythe et miroir de l’humanité contemporaine.

 

Entre introspection et critique sociale

Dans les compositions de Laborde, la jungle n’a pas de frontière. Elle envahit tout, sans cadre ni hiérarchie. Elle devient territoire d’ambiguïté, espace de cohabitation entre le vivant, l’objet manufacturé, et la figure humaine. Ces dernières – souvent féminines, les yeux clos – flottent en apesanteur dans un écosystème saturé. Elles sont présences silencieuses, presque sacrées, qui incarnent le repli, l’intimité, mais aussi la résistance.

L’historienne de l’art Nathalie Viot résume : “Ses fresques monumentales, exclusivement consacrées aux jungles, sont à la fois figuratives et métaphoriques. Pour lui, la jungle contient tout : elle incarne l’humanité, ses tensions et son harmonie. [...] Il n’y a pas de cadre, la jungle déborde vers un univers infini, une turbulence cosmique.” Cette turbulence prend la forme de brouettes ailées, d’objets du quotidien surgis de l’enchevêtrement végétal, comme autant de symboles d’un monde en transition.

Une mémoire gravée dans le bois, le parcours d’Anton Laborde

Anton Laborde n’a pas choisi la marqueterie par hasard. Il s’y initie dès l’âge de 15 ans, auprès des Compagnons du Tour de France, et apprend les gestes fondateurs aux côtés du marqueteur d’art Dominique Ciamarone, Meilleur Ouvrier de France. Très tôt, il comprend que cette technique ancienne peut devenir un langage contemporain. En résidence chez le designer irlandais Joseph Walsh, il affine cette intuition : détourner l’artisanat pour l’inscrire dans une narration critique, sensible, poétique. Son enfance passée à Auroville, cité expérimentale fondée en 1968 sur une terre désertifiée du sud de l’Inde, nourrit en profondeur sa manière de voir le monde. Là-bas, les utopies collectives, la spiritualité laïque et la confrontation à un environnement recréé ont laissé des empreintes. Mais Anton Laborde s’en détache : “Je ne fais pas de la nature un sujet, mais un terrain d’écriture”, semble-t-il dire à travers ses œuvres. Les références picturales sont nombreuses : Rousseau pour les atmosphères végétales, Klimt pour les compositions denses, Botticelli pour la finesse des figures, Van Gogh pour l’énergie de la matière. Mais rien n’est citation, tout est réinvention. Laborde compose sa propre mythologie, où le bois, teinté ou brut, est la matière première d’un théâtre mental. Ses œuvres lui valent plusieurs distinctions précoces : Prix des Compagnons (2017), Prix national du Concours Général des Métiers et Prix du Rotary Club (2018), Prix Jeune Création des Métiers d’Art – Ateliers d’Art de France (2022). Son travail a été salué dans la presse spécialisée (Financial Times, IDEAT, ELLE Décoration, Le Figaro). Depuis 2019, il vit et travaille dans le Sud-Ouest de la France.

Une exposition dans le cadre d’un partenariat inédit

Depuis 2024, la Galerie REVEL et l’agence Christie’s Maxwell-Baynes à Bordeaux mènent un projet original : intégrer des expositions d’art contemporain dans un lieu dédié à l’immobilier de prestige, créant des correspondances inattendues entre patrimoine, et création artistique.

Concrete Jungle, dans les jungles, la ville est la troisième exposition née de ce partenariat. Ce format hors-normes permet de décloisonner l’expérience artistique, d’attirer un public nouveau, et de redéfinir l’espace d’exposition comme lieu de friction fertile entre architecture, art et société.

 

Informations pratiques

  • Exposition : Concrete Jungle, dans les jungles, la ville ;
  • Artiste : Anton Laborde ;
  • Dates : Du 11 avril au 30 mai 2025 ;
  • Lieu : Christie’s Maxwell-Baynes, 28 Cours du Chapeau-Rouge, 33000 Bordeaux ;
  • Accès : Libre, du lundi au vendredi, de 10h à 13h et de 14h à 18h ;
  • Organisateur : Galerie REVEL ;
  • Site web : www.galerierevel.com.

 

 

La Galerie REVEL, haut lieu d’expérimentations au rayonnement international

Fondée en 2021 et implantée au cœur de la région bordelaise, la Galerie REVEL est un espace dédié à l’art contemporain, reconnu pour son engagement artistique et son ouverture internationale. Portée par la volonté de soutenir des artistes émergents et à mi- carrière, elle propose une programmation d’expositions donnant la parole à des artistes du monde entier, dont les œuvres résonnent avec les préoccupations actuelles et les enjeux de demain.

Défendant des pratiques transversales et critiques, la Galerie REVEL s’affirme comme un espace d’exploration artistique et de valorisation de récits pluriels, ancrés dans les urgences contemporaines. Questions écologiques, identités de genre, cultures postcoloniales, migrations : autant de thématiques explorées par les artistes représentés.

Remarquée à l’international pour la singularité de sa ligne artistique et la cohérence de ses engagements, la galerie a été saluée à de nombreuses reprises dans des revues spécialisées de premier plan, telles que The Art Newspaper, The Financial Times, AD France, AD Italy, AD Spain, Elle Decoration France, The Sunday Telegraph ou encore The Design Edit. Autant de témoignages de reconnaissance qui confortent sa volonté de dépasser les frontières géographiques et de nourrir des dialogues interculturels.

Parmi les talents représentés par la galerie et désormais présents dans les collections muséales : l’artiste textile nigérian Samuel Nnorom, la céramiste zimbabwéenne Xanthe Somers, ou encore l’artiste et activiste espagnole Bisila Noha.

En savoir plus

Site web de la galerie : https://www.galerierevel.com/

Site web de l’exposition : https://www.galerierevel.com/exhibitions/18-anton-laborde-solo-exhibition/

Instagram : https://www.instagram.com/galerierevel

Facebook : https://m.facebook.com/galerierevel/

ANIMO par l’artiste Lina Khei : l’innovation “Human to Image” qui transforme les émotions en oeuvres d’art grâce à l’IA

Et si nos émotions pouvaient donner naissance à des œuvres d’art ? De la colère à la joie, nos expressions deviendraient un matériau créatif, un terreau fertile, à la fois inspirant et inspiré.

Longtemps considéré comme utopiste, ce rêve un peu fou est désormais une réalité grâce à une innovation technique et technologique mondiale développée par l’artiste Lina Khei : ANIMO.

Au carrefour de l’art contemporain et de la deeptech, ANIMO. une nouvelle IA de télécréation générative ouvre de nouvelles voies créatives et thérapeutiques enfin accessibles à tous !

Pour vivre cette expérience hors du commun, les amateurs d’art, les curieux,  les collectionneurs, les investisseurs et les médias ont rendez-vous à l’occasion de paris fashion week,  le 6 mars à 13h00, dans la scène événementielle prestigieuse Hôtel Le Marois France Amérique, située en plein cœur du célèbre triangle d’or à Paris.

Une première à Paris, les visiteurs pourront rencontrer l’artiste et les chercheurs de l’UTBM (Université de Technologie de Belfort-Montbéliard), …et surtout tester ANIMO !

Leurs émotions seront instantanément décryptées pour être transformées en une œuvre unique et personnalisée, en direct.

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Redéfinir les codes de l’art contemporain en offrant une nouvelle manière de créer

Reconnue sur les scènes artistiques internationales (Carrousel du Louvre, Times Square, MEAM Barcelone), Lina Khei combine son talent multidisciplinaire avec une vision profondément humaine. ANIMO est l’aboutissement de son ambition : faire de l’art un reflet des émotions, une passerelle entre la technologie et l’âme humaine. Une nouvelle technique de création artistique dans le domaine de l’art contemporain.

“L’art émerge non seulement comme un reflet de la société, mais aussi comme un puissant catalyseur de changement…”, explique Lina Khei. “Mon aspiration est de continuer à marquer le début d’une nouvelle dynamique pour les artistes contemporains, en explorant non seulement l’aspect physique, mais aussi l’esprit sous toutes ses formes. “

Si elle a imaginé le projet ANIMO dès l’enfance, elle a pu le concrétiser grâce au développement de l’intelligence artificielle. Ainsi, depuis 2024, elle s’est  consacrée à cette aventure artistique en collaboration avec l’Université de Technologie de Belfort-Montbéliard (UTBM).

“Human to Image”, une innovation inédite qui capture et retranscrit les émotions en temps réel

Grâce à un système de captation biométrique et une intelligence artificielle avancée, ANIMO identifie instantanément chaque émotion exprimée. Elles deviennent le pinceaux qui dessinent des œuvres interactives, uniques et évolutives, créées sous les yeux des visiteurs.

Le nom ANIMO est d’ailleurs inspiré du mot latin “anima”, qui signifie “âme”, “esprit” ou “souffle de vie”…Cette performance incarne ainsi parfaitement la fusion entre l’art, les émotions et la technologie.

C’est une révolution dans le monde de l’art et des innovations technologiques : l’humain est enfin placé au cœur du processus de création.

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Comment ça marche ?

Lina Khei, praticienne en art-thérapie, a imaginé cette nouvelle installation évolutive en collaboration avec les travaux d’analyse émotionnelle par caméra faciale et de captation biométrique réalisés par l’UTBM. L’artiste a ainsi créé une base de données contenant des milliers de créations visuelles et graphiques en parallèle de ses travaux de recherche colorimétrique, assimilés à la psychologie des couleurs et à leur résonance sur le cerveau humain, reliant ainsi la psychologie des couleurs et des graphiques aux résonances émotionnelles.

Ils ont ensuite, en collaboration avec le laboratoire CIAD (Connaissances et Intelligence Artificielle Distribuées) de l’UTBM, développé et alimenté une nouvelle IA capable de capter, d’interpréter et de générer en temps réel les émotions posées du public sous une forme graphique et artistique. Par ailleurs, le laboratoire ERCOS (Ergonomie et Conception des Systèmes) a contribué à amplifier l’exactitude des émotions perçues grâce à un système de captation biométrique non invasif, permettant une retranscription plus précise des données analytiques.

Un apport thérapeutique indéniable

ANIMO utilise les données émotionnelles recueillies pour enrichir les pratiques d’art-thérapie, en offrant un espace d’expression et de libération émotionnelle.

Il marque ainsi une étape clé dans l’intégration des technologies immersives au service du bien-être. Avec ANIMO, le public ne se contente pas de contempler une œuvre : il la créé, il la ressent et il en retire un bien-être émotionnel. Cette symbiose entre création et thérapie fait d’ANIMO une expérience unique et pionnière, redéfinissant la place de l’art dans le soin et la santé mentale.

L’IA d’ANIMO peut également être programmée pour intervenir activement, en générant des visuels apaisants et harmonisants lorsque des émotions négatives ou du stress sont détectés. Ainsi, chaque visiteur vit une expérience immersive, où l’art devient un véritable outil de réconfort et de guérison en temps réel.

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Save the date : un rendez-vous à ne pas manquer les 6 mars à 13h00

ANIMO sera présenté lors d’une démonstration live exclusive qui permettra d’échanger avec l’artiste Lina Khei ainsi que les chercheurs de l’UTBM sur les dimensions techniques et humaines du projet.

Cet événement représente une opportunité unique de découvrir :

  • une nouvelle méthode de création en direct ;
  • la bluffante interprétation artistique des émotions ;
  • une autre manière de concevoir l’art contemporain ;
  • une innovation française qui va être déployée à l’échelle mondiale : Lina Khei poursuit actuellement son exploration de toutes les facettes de la R&D avec les laboratoires de recherche auxquels elle à fait appel, tout en recherchant des financeurs et des investisseurs spécialisés dans la Tech, l’art et la culture.

Lina Khei, une artiste aux multiples facettes

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Mes œuvres sont une exploration des formes, des textures et des couleurs ; elles sont le reflet de mon engagement à repousser les limites de l’art contemporain, mettant en lumière la singularité et la richesse de l’esprit humain.

Lina Khei se positionne comme une avant-garde de la création contemporaine, une artiste française dont le travail multidisciplinaire franchit les seuils de l’art traditionnel pour s’ancrer fermement dans une dynamique sociétale transformatrice.

Son approche artistique, exprimée dans des lieux internationalement reconnus (Carrousel du Louvre, Paris, Times Square, NY, MEAM, etc.), se fonde sur une profonde réflexion sur la capacité de l’art à agir à la fois comme un miroir et un catalyseur de l’esprit humain.

En tant qu’artiste autodidacte, Khei mobilise une gamme de techniques, de la maîtrise artisanale en peinture, sculpture et couture, à des applications avancées dans le domaine numérique et technologique, telles que la modélisation 3D et l’intelligence artificielle. Son œuvre, allant des toiles acryliques aux installations numériques, est imprégnée d’une esthétique profondément réfléchie et d’une sensibilité qui résonne avec la condition humaine. Synthèse parfaite de l’intellect et du palpable, son art reflète la force émotionnelle et le mystère inhérent à la complexité de l’être. Khei crée des œuvres où la perfection technique sert un dessein plus grand : provoquer la réflexion et le changement.

Fondatrice de la structure culturelle et organisme de formation professionnelle « Les Ateliers Lina Khei » (LALK), Lina Khei démontre son engagement envers l’art comme outil de développement éducatif, professionnel et collectif. LALK incarne son ambition de faire de l’art un vecteur d’émancipation et d’innovation face aux enjeux sociétaux et environnementaux actuels.

La présence continue de Lina Khei dans des institutions prestigieuses et son approche innovante confirment son statut de figure de proue de l’art contemporain, une artiste dont la vision et la pratique continuent d’inspirer et de défier le discours artistique mondial.

Informations pratiques

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  • Dates : le 6  mars, à l’occasion de la Paris Fashion Week ;
  • Heure : 13h00
  • Lieu : l’Hôtel Le Marois France Amérique, 9-11 avenue Franklin Delano Roosevelt 75008 Paris.

En savoir plus

Site web : https://www.linakheiart.com/

Facebook : https://www.facebook.com/yukimakeup.artist?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/lina_khei/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/lina-khei-7856ab184/

Odyssart 2025 : Les jeunes artistes ont jusqu’au 2 décembre pour déposer leurs projets culturels entre la France et le Canada/Québec

Jusqu’à 30 000 € d’aides financières à la clef

Une résidence artistique à bord d’un voilier, la co-création d’un spectacle jeune public, le tournage d’un documentaire sur la danse ou encore un échange entre radios étudiantes… Chaque année depuis 2023, l’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ) prime une dizaine de projets dans le cadre d’Odyssart, un appel à projets culturels entre la France et le Canada/Québec. 

Cette 3ᵉ édition a vu les choses en grand : les jeunes de 18 à 35 ans qui verront leur projet retenu pourront obtenir des aides financières de 20 000 à 30 000€.

Mais attention, les dossiers doivent être déposés avant le 2 décembre à minuit !

Grâce à l’importance des fonds alloués, Odyssart a un réel impact positif sur la réalisation des projets sélectionnés.

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Une initiative qui soutient la coopération culturelle entre la France, le Canada/Québec

Odyssart, c’est une aventure XXL qui libère la créativité et encourage les échanges par-delà les frontières.

Des aides financières seront ainsi attribuées à des projets culturels et artistiques se déroulant en 2025, incluant de la mobilité entre la France et le Canada/Québec ou du Canada/Québec vers la France. Par ce biais, l’OFQJ souhaite accompagner les projets émergents ayant besoin d’un coup de pouce financier pour entamer leur réalisation.

Les projets éligibles peuvent concerner tous les secteurs culturels, du spectacle vivant (cirque, danse, théâtre) au design, en passant par l’architecture, les arts visuels et numériques, l’audiovisuel, l’édition, la littérature, la musique, les métiers d’art…

De nombreux types de mobilité sont éligibles, s’ils sont portés par de jeunes artistes : co-création, collaboration, résidences artistiques, enregistrements, tournages…

Comment participer ?

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L’appel à projets est ouvert jusqu’au 2 décembre à minuit.

Quelques clics suffisent pour s’inscrire, puisque le règlement et le formulaire de candidature sont disponibles directement sur le site de l’OFQJ : https://ofqj.org/odyssart.

Parmi les critères à respecter, il y a notamment :

  • Les projets sont portés par des structures françaises qui souhaitent se rendre au Canada (toutes provinces, notamment le Québec), ou par des structures canadiennes qui viendraient en France.
  • Le projet doit impliquer un ou plusieurs bénéficiaires, âgés de 18 à 35 ans révolus.
  • La ou les mobilités liées au projet doivent se dérouler en 2025.
  • Une dimension francophone doit être présente.

Le montant des aides octroyées aux lauréats, de 20 000 € minimum jusqu’à 30 000 € maximum, devra correspondre au maximum à 70% du budget total du projet.

Les prochaines étapes

En décembre, le jury de l’OFQJ va analyser chaque candidature en tenant compte de la qualité de l’initiative, la pertinence des objectifs, le caractère novateur du projet et son impact sur le parcours, l’émergence ou la consolidation d’un nouveau partenariat durable franco-canadien/québécois, et éventuellement la pertinence de la stratégie de diffusion pour toucher le(s) public(s) visé(s).

L’ampleur de la collaboration sera aussi récompensée : à qualité égale, les projets impliquant un plus grand nombre de participants à la mobilité seront priorisés.

Le nom des lauréats sera ensuite dévoilé en janvier.

À propos de l’OFQJ, générateur d’opportunités pour les 18-35 ans

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Depuis sa création en 1968, l’Office franco-québécois pour la jeunesse est un organisme bi-gouvernemental guidé par une conviction forte : les échanges entre jeunes adultes constituent un pilier essentiel du développement des jeunes, et de la coopération internationale. L’OFQJ est né de la volonté commune de la France et du Québec de favoriser la mobilité de leur jeunesse, en particulier dans un cadre professionnel et culturel.

Au fil des ans, l’OFQJ a su élargir son champ d’action à d’autres territoires, notamment dans les provinces anglophones du Canada, participant ainsi à la promotion de la langue française sur ces territoires.

Grâce à un réseau dense de partenaires tant en France qu’au Québec et dans l’espace francophone (institutions nationales, régions françaises, réseaux associatifs, réseaux d’entreprises), l’OFQJ s’attache à créer des ponts entre les différentes jeunesses francophones, qu’elles soient basées en Europe, en Afrique, en Amérique du Nord ou ailleurs dans le monde.

Zoom sur le Programme de Coopération culturelle à destination des jeunes professionnels de la culture

Lauréats Odyssart 2023-2024

L’appel à projets se renouvellera chaque année pendant 5 ans. L’appel à projets 2025 est donc la 3ᵉ édition.

D’autres opérations sont également réalisées par l’OFQJ pour accompagner les jeunes professionnels de la culture, des arts et des industries culturelles et créatives dans leurs projets de mobilité professionnelle temporaire au Québec.

Via son programme de Coopération Culturelle, l’Office apporte son expertise et son réseau de partenaires à travers l’organisation de missions thématiques sur des évènements internationaux (arts visuels et numériques, industries culturelles et créatives, musique, audiovisuel, spectacle vivant…). Un soutien financier régulier est accordé aux projets individuels ou de groupes ouverts à toutes les initiatives : rencontres professionnelles, voyages de prospection, ateliers de formation ou de perfectionnement, participation à des évènements, tournées de spectacle, expositions, résidences d’artistes, échanges entre structures…

En savoir plus

Le règlement de l’appel à projets : https://www.ofqj.org/wp-content/uploads/2024/10/OFQJ_Reglement_Odyssart-2025.pdf

Site web : https://ofqj.org/odyssart

Facebook : https://www.facebook.com/OFQJenFrance

Instagram : https://www.instagram.com/ofqj_france/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/company/office-franco-qu-b-cois-pour-la-jeunesse

Inclusion : Une bulle dans les nuages, l’association adaptative qui accompagne les personnes en situation de handicap à travers le sport et le CrossFit©

Alexis Hanquinquant (para-triathlon), Pauline Déroulède (tennis fauteuil), Ryadh Sallem (rugby fauteuil), Nélia Barbosa (para-canoë)… alors que le début des jeux paralympiques approche à grands pas, le public français s’apprête à vibrer avec des champions incroyables durant 11 journées riches exploits sportifs.

Mais si tous les projecteurs sont braqués (à juste titre !) sur ces athlètes d’élite, cette récente ferveur pour le parasport est aussi l’occasion de souligner le manque de visibilité et de moyens dont souffrent tous les autres sportifs en situation de handicap.

Savez-vous par exemple que dans le milieu du CrossFit©, la plupart des athlètes sont totalement laissés pour compte ? Faute de soutien, ils ne savent pas où se diriger pour pratiquer de manière sereine. Ils restent perdus et désemparés, par manque d’accompagnement matériel et administratif.

C’est pour en finir avec cette situation que l’association Une bulle dans les nuages a vu le jour.

Sa mission : faciliter l’inclusion des athlètes en situation de handicap dans le milieu du sport et surtout du CrossFit©.

Le sport fédère et rassemble par-delà les différences ! Fidèles à ces valeurs, nous voulons démocratiser l’accès au CrossFit© (mais pas que !) pour tous ceux et celles qui souhaitent pratiquer en loisir ou qui ont des ambitions de haut niveau.

Louise Retailleau, fondatrice de Force&Conseil et partenaire de l’association Une bulle dans les nuages

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Tout le monde doit avoir la même chance de s’épanouir !

Une bulle dans les nuages est une association familiale créée par Nathalie et Frédéric Belot, un ancien miliaire et AES (accompagnateur éducatif et social).

Elle est présidée par leur fils Axel Belot. Titulaire d’un CAP agent de sécurité, Axel a travaillé à l’aéroport de Brive, mais ses compétences les plus précieuses pour l’association sont issues de son vécu et de son parcours en tant que sportif : il est un athlète adaptive engagé au service des autres.

Grâce à la mobilisation de ce trio de choc, Une bulle dans les nuages commence à se faire un nom : l’association compte désormais 23 athlètes talentueux (handicaps visibles et invisibles).

Nous sommes très fiers des résultats de certains de nos membres, qui se qualifient régulièrement pour des compétitions CrossFit© de renommée nationale et internationale.

Frédéric Belot, co-fondateur

Promouvoir l’inclusion dans diverses activités sportives

Frédéric Belot

Étant donné que le Crossfit© n’a pas de fédération, la recherche des partenaires financiers reste difficile. C’est pour cela qu’aujourd’hui encore, tous les frais sont à la charge des athlètes (ex. : achat d’un fauteuil adapté).

L’association intervient donc pour accompagner toutes les personnes en situation de handicap afin de les aider à pratiquer cette discipline ainsi que d’autres activités sportives.

Ce projet riche de sens est déjà soutenu par des parrains et marraines passionnés, tous athlètes Crossfit© :

  • Stéphane Ossanga,
  • Jules Boudou,
  • et Julie Pommereul.

Portée par une forte demande, l’association prend d’ailleurs de l’ampleur : basée dans le Gard, elle a ouvert une antenne à Toulouse gérée par une des athlètes membres. Elle a aussi créé toute une gamme d’accessoires pour financer ses projets : tee-shirts, casquettes, sweats, débardeurs, shorts et gourdes.

Une nouvelle partenaire et adhérente : Louise Retailleau, artiste et fondatrice de Force&Conseil.

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Infirmière durant près de 10 ans, Louise Retailleau est une crossfiteuse qui intervient depuis deux ans dans le domaine du coaching mental auprès des sportifs et des entreprises.

Elle est aussi une artiste qui,  depuis le début de l’année, expose de superbes portraits d’athlètes. Elle rassemble aussi leurs témoignages afin de les partager sous format vidéo.

Avec une ambition : défendre et mettre en lumière les valeurs du sport (résilience, détermination, courage, partage, cohésion, entraide, humilité).

Louise a donc immédiatement été conquise par l’action d’Une bulle dans les nuages ! Aux côtés des autres bénévoles, elle souhaite d’ailleurs aider à développer d’autres partenariats avec des sponsors, médiatiser les enjeux et faire connaitre les parcours de chacun.

Nourrie par un esprit de “justice”, elle veut que les athlètes en situation de handicap aient autant de visibilité et de moyens que les autres.

Leurs parcours résilients m’inspirent énormément ! Ils méritent d’être mis en valeur pour que tous puissent s’en imprégner et transmettent à leur tour cette énergie incroyable.

Les œuvres de Louise seront exposées dans le 95 les 28 et 29 juin. Ces portraits d’athlètes partiront ensuite à l’étranger pour être présentées lors du mythique Arnold Classic Festival qui se déroulera à Madrid du 11 au 13 octobre.

Pauline Léandri JC Michel Toubi

De belles perspectives de développement

Une bulle dans les nuages, c’est avant tout un état d’esprit, une philosophie qui s’est construite autour de l’inclusivité des athlètes de toute la France.

Animée par la volonté de grandir, l’association cultive l’écoute, l’empathie et la proximité des athlètes. Avec une séduisante combativité : elle n’hésite pas à contacter des célébrités pour faire passer son message, riche de l’esprit de résilience de ses membres (“Ce qui ne vous tue pas, vous rend plus fort”).

Les membres fondateurs espèrent d’ailleurs récolter assez d’argent pour pouvoir travailler à temps complet sur les développements qu’ils aimeraient concrétiser :

  • Performer lors de compétitions de renom telles que All together throwdown (19 et 20 octobre)  et Crossfitunited together (décembre) ;
  • Entraîner des sportifs dans le domaine Hyrox, une course de fitness qui accueille déjà plusieurs athlètes adaptatives lors de ses compétitions ;
  • Poursuivre les préparations en vue des différentes éditions des Jeux Olympiques ;
  • Multiplier les interventions de sensibilisation (écoles, prisons…) ;
  • Continuer sa collaboration avec les  QPV d’Alès, un  cours de fitness pour des personnes en situation de handicap et en état de précarité.
  • Lancer une salle dédiée aux athlètes en situation de handicap.

À propos de Louise Retailleau

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Louise, 32 ans, est infirmière de formation.

Elle a exercé ce métier de cœur de 2014 à 2022… jusqu’au jour où elle a fini par raccrocher sa blouse. Le covid-19 et bien d’autres facteurs lui ont fait réaliser qu’elle ne trouvait plus sa place dans ce milieu. “J’avais perdu cette notion si importante et moteur de notre engagement : le sens”, explique-t-elle.

Louise est également une sportive accomplie qui pratique la compétition en CrossFit© depuis 10 ans. Passionnée et très engagée dans sa discipline à tout point de vue, elle a vécu un burn-out en 2018.

Ces deux épreuves sont aujourd’hui sa force, puisqu’elles lui ont tant appris ! C’est d’ailleurs animée par la volonté de transmettre ses connaissances qu’elle s’est reconvertie dans le métier de conseil et coaching.

Formée à la gestion du stress début 2022, elle a aussi été suivie par un préparateur mental à la fin de l’année dernière. Désormais, elle continue ce processus d’apprentissage en suivant une formation en PNP (préparation neuropsychologique).

Ainsi, elle reste fidèle à sa vocation, soigner, en accompagnant les individus pour les aider à guérir eux-mêmes. En parallèle, Louise a aussi d’autres projets d’écriture et de dessin en tête, toujours en lien avec le sport. Elle s’épanouit ainsi pleinement en transmettant ses valeurs aux gens.

Via Cemaforconseil, un organisme de formation certifié Qualiopi, Louise propose des accompagnements individuels ou collectifs :

  • En entreprise : gestion du stress ; développement personnel ;
  • Pour les sportifs amateurs : préparation mentale, gestion du stress, développement personnel.

En savoir plus

Une bulle dans les nuages

Instagram : https://www.instagram.com/une_bulle_dans_les_nuages/

Facebook : https://www.facebook.com/people/Une-bulle-dans-les-nuages/100088461911431/

Louise Retailleau

Site web : https://www.cemaforconseil.fr/accueil-2/

Instagram : https://www.instagram.com/louise_retailleau_forceconseil

Le Collectif By Les Hang’ART, la communauté en ligne des artistes visuels entrepreneurs, ouvrira ses portes à de nouveaux talents du 23 septembre au 18 octobre

Fragilisés par la crise économique, les artistes visuels doivent plus que jamais sortir de l’isolement pour mieux se réinventer. Car désormais, pour percer et réussir à vivre de leur art, ils ont tout intérêt à fonctionner comme de véritables entrepreneurs.

À l’image des “business clubs” qui sont légion dans l’entrepreneuriat, Le Collectif By Les Hang’ART fait la part belle à la solidarité, au réseautage et aux solutions concrètes pour aider les artistes visuels à avancer dans leurs projets.

Une aubaine pour tous les peintres, sculpteurs, dessinateurs, illustrateurs et photographes qui sont nombreux à vouloir rejoindre cette communauté dynamique et productive.

Mais tout le monde n’aura pas cette chance ! Si l’intégration à Le Collectif By Les Hang’ART est ouverte à tous, quel que soit le niveau d’avancement de leur carrière (les artistes qui ne sont pas déclarés sont aussi les bienvenus), le processus d’inscription est très encadré.

Pour rejoindre cette belle aventure, il faut :

  1. S’inscrire uniquement durant les Portes Ouvertes (prochaine session:  du 23 septembre au 18 octobre).
  2. Prendre un rendez-vous avec Christelle, la fondatrice : cet entretien de 30min permettra de s’assurer que les besoins et attentes de l’artiste sont cohérents avec ce que propose Le Collectif.

Durant ces Portes Ouvertes, nous prévoyons de recruter environ 80 artistes.

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Une communauté qui compte déjà près de 200 membres

Le Collectif By Les Hang’ART, c’est le coup de pouce qui fait décoller la carrière artistique des artistes motivés qui veulent vivre de leur art.

Les artistes peintres, sculpteurs, dessinateurs, illustrateurs et photographes trouvent au sein de cette communauté à taille humaine un formidable espace d’échange et de partage, ainsi qu’une palette de services dédiés.

Avec un objectif : permettre à chaque artiste de vivre de son art.

Un cabinet virtuel d’experts

 7 jours sur 7, les artistes peuvent poser des questions à un comptable/fiscaliste, à une experte administrative pour les artistes et à un avocat spécialisé.

Les artistes bénéficient aussi de rendez-vous mensuels d’experts : fiscaliste, coach en marketing et communication, commissaires d’expositions, galeristes,… Ex. de thématiques récurrentes : l’URSSAF, les contrats, les droits d’auteur…

Des groupes de travail

Composés de 5 ou 6 personnes, ils permettent aux artistes de s’entraider, de se soutenir et de travailler ensemble, sur le plan artistique ou dans leur communication.

Des sous-groupes de travail sont notamment mis en place sur plusieurs sujets : répondre à des appels à candidatures, par medium (aquarelle, photographes, acrylique…), ou par zone géographique pour des projets artistiques de groupe.

Des accompagnements de groupe

La fondatrice propose des coachings de groupe hebdomadaires, pour aider les artistes à se débloquer et à avancer.

Des ateliers pratico-pratiques

Les membres de la communauté peuvent participer à des ateliers de 3h axés sur le concret. Exemples de sujets abordés : écrire sa démarche artistique, créer un planning à 90 jours pour être enfin organisé, écrire son communiqué de presse, lancer sa stratégie de communication digitale, mettre en place en dossier de mécénat/sponsoring etc.

La plateforme centralisée d’entre-aide LES HANG’ART

Les membres de la communauté y partagent leur travail, accèdent à es outils gratuits, des liens vers les appels à artistes, et posent leurs questions, doutes, interrogations aux autres membres.

Des sessions partage d’écran & questions/réponses

Organisées par Christelle Dupart, elles aident à découvrir des outils simples et gratuits pour simplifier le quotidien, mais également à des sessions questions/réponses.

Tous les replays des lives (incluant ceux diffusés avant l’inscription) sont également accessibles.

On aime…

Les tarifs accessibles. Les tarifs ont été étudiés pour être à la portée du plus grand nombre : l’adhésion coûte 37€/mois ou 370€/an. Elle est finançable à 100% selon certains critères.

L’inclusivité. Pour que chacun.e puisse évoluer à son rythme, des sessions sont mises en place par niveau d’avancement. De plus, un parcours d’intégration avec 6 sessions de 2 heures a été prévu afin d’aider les artistes à savoir par où commencer.

Des rencontres virtuelles en tête à tête sont également organisées pour permettre des échanges privilégiés.

La fin des impasses. On oublie les vidéos en e-learning qui n’aident pas à débloquer les problèmes : avec Le Collectif By Les Hang’ART, les artistes ont l’assurance de bénéficier d’outils très concrets :

  • sessions en live sur zoom afin d’obtenir des réponses à leurs questions;
  • replays accessibles depuis février 2022 (soit plus de 300 heures de contenus) ;
  • permanence pour la communication digitale ;
  • relecture des dossiers d’artiste
  • des sessions plusieurs fois par mois sur la stratégie de développement de carrière.

Des opportunités à saisir.  Le Collectif By Les Hang’ART partage des listes de lieux d’exposition (France, Suisse, Belgique), des appels à candidatures, des transporteurs spécialisés, des exemples de dossiers de candidature…

Les Hang’ART, c’est aussi…

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Au-delà du Collectif, Les Hang’Art proposent :

Des accompagnements. Christelle Dupart propose des accompagnements individuels aux artistes qui souhaitent accélérer leur carrière.

Ces accompagnements sur mesure abordent plusieurs thèmes : organiser des expositions, construire son audience, combattre le syndrome de l’imposteur, utiliser le storytelling pour « raconter » son œuvre, ou encore écrire un dossier d’artiste.

Des ateliers. Les ateliers virtuels Les Hang’ART aident les artistes à développer leur activité avec des outils numériques gratuits

Portrait de Christelle Dupart, fondatrice de Les Hang’ART

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Christelle Dupart, 47 ans, est maman d’un petit ange de neuf ans. Pleine d’énergie, elle aime échanger, rencontrer, partager, rire et découvrir. Rien ne lui fait peur : plongée, saut en parachute, kitesurf, ski, ULM, avion-voltige, montgolfière et hélicoptère… elle adore les sensations fortes ! Elle est également férue de voyage, de développement personnel et de méditation.

Avant de s’épanouir dans le domaine de l’art, Christelle a travaillé pendant vingt ans dans le domaine des statistiques au sein de différentes sociétés. Mais elle a toujours su qu’elle lancerait un jour sa propre entreprise, inspirée par son grand-père entrepreneur dans les travaux publics, qu’elle admirait beaucoup et avec qui elle travaillait régulièrement.

Grande amoureuse du travail fait main, Christelle a toujours été attirée par le monde de l’art, et elle ouvre en 2019 un espace de coworking dédiée aux artistes. C’est une expérience riche et passionnante qui l’entraine rapidement dans un nouveau projet.

Christelle se rend en effet compte que de nombreux artistes souffrent du syndrome de l’imposteur et qu’ils ne savent pas se rendre visibles. Pour les aider, elle décide de se former pour pouvoir accompagner les artistes visuels dans le développement de leur carrière.

Aujourd’hui, Christelle est révélatrice d’artistes visuels : elle les aide à se promouvoir en ligne et en physique grâce à différents accompagnements.

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La genèse du concept Le Collectif

En côtoyant les artistes au quotidien, Christelle Dupart, fondatrice de Les Hang’ART, a fait un constat : comme ils passent une grande partie de leur temps seuls, ils manquent souvent de motivation et d’entrain et ont du mal à avancer sur leurs projets. Ils ne savent pas trop par quel bout commencer et ne connaissent pas le monde de l’art !

« En tant que soloentrepreneur, j’ai vécu la même chose à mes débuts et dès que je suis rentrée dans un groupe d’entrepreneurs, tout a changé ! », explique-t-elle. « Seul, on va plus vite, mais à plusieurs, on va plus loin ! ».

En novembre 2021, elle organise un challenge. L’effet groupe est énorme, générant de la motivation et du soutien au quotidien, des projets artistiques en commun, et des avis bienveillants sur les créations…

La création de l’application Le Collectif By Les Hang’ART s’est alors imposée comme une évidence pour Christelle, qui a toujours aimé rassembler et fédérer. « Je suis comme ça dans ma vie personnelle et je veux l’être également encore plus dans ma vie professionnelle avec ce collectif », souligne-t-elle.

En savoir plus

S’inscrire aux Portes Ouvertes : https://go.leshangart.com/le-collectif-information

Le Collectif : https://leshangart.com/lecollectif/

Instagram : https://www.instagram.com/christelle.dupart.leshangart/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/christelle-dupart-leshangart/

Facebook : https://www.facebook.com/christelle.dupart.leshangart/

Musées, monuments historiques et lieux culturels : les expériences immersives EXTRA ART engagent de nouveaux publics

Les musées et les autres établissements culturels français ont la cote auprès du public ! En 2023, nombreux sont ceux qui ont battu des records de fréquentation et retrouvé leurs niveaux d’avant 2019 (source).

Toutefois, ces chiffres encourageants ne doivent pas occulter une réalité plus contrastée.

D’abord, à côté des lieux connus dans le monde entier, comme Le Louvre ou le Musée d’Orsay, de nombreux sites présents dans les territoires peinent à fidéliser et à renouveler leur public.

Ensuite, les pratiques des visiteurs ont considérablement évolué depuis la pandémie. Ainsi, ils sont désormais près de 1 sur 5 à visiter virtuellement des musées et des expositions. Ils sont aussi 61 % à souhaiter des dispositifs numériques durant la visite (source : Baromètre Gece, publié en mars 2023).

Dans ce contexte, et pour répondre à une forte demande, la société de production IdeAL Film Prod crée des expériences numériques interactives, en réalités virtuelle ou augmentée. Ces productions, regroupées sous la marque EXTRA ART combinent grande qualité d’immersion et tarifs abordables.

Nos créations innovantes, inspirées du cinéma, du jeu vidéo et du web, permettent à nos partenaires, musées, lieux de culture ou de mémoire, de proposer des expériences engageantes qui attirent de nouveaux publics.

Arnault Labaronne, créateur d’EXTRA ART

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La médiation numérique, un excellent levier pour valoriser tous les patrimoines

La marque Extra Art héberge déjà une dizaine d’expériences numériques à 360°, en réalité virtuelle et réalité augmentée, accessibles depuis smartphones, tablettes, ordinateurs, écrans tactiles, casques de réalité virtuelle ou lunettes de réalité augmentée.

Implantée à Montpellier mais rayonnant sur toute la France, l’entreprise s’associe à tous ceux qui détiennent des patrimoines artistiques, historiques, industriels, culturels, scientifiques ou naturels.

Son objectif : co-construire des dispositifs de diffusion originaux et percutants pour tous les publics, avec une volonté affirmée d’allier grande qualité visuelle et sonore, exigence scientifique, confort et facilité d’utilisation…

 On aime…

Ses visites interactives à 360°, réellement bluffantes. Extra Art propose actuellement les visites les plus qualitatives du marché, en termes de créativité et de fluidité ergonomique. Sa force ? Revendiquer l’élégance, une valeur qu’Arnault tient de ses collaborations avec les secteurs du cinéma et du jeu vidéo. Il est toujours en quête des meilleurs points de vue, associés à des graphismes hyper-esthétiques.

Son positionnement unique. Sur le registre des expériences immersives, en prise de vue réelle ou en 3D, IdeAL Film Prod se situe dans une gamme de prix intermédiaire (dix à cent mille euros), loin des standards d’expériences full 3D à plusieurs millions.

La qualité de ses conseils en médiation numérique. Loin de vendre de la technologie à tout prix, la priorité de l’entreprise est d’orienter ses partenaires vers la meilleure expérience utilisateur au prix le plus abordable.

 

Quelques exemples d’expériences made by Extra Art à vivre in situ ou à distance

 

“Gaumont Palace VR” – Visible jusqu’au 25 mai au sein de l’exposition Gaumont du Festival Tropisme à Montpellier

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Sortez au cinéma comme au siècle dernier ! Plongez dans l’atmosphère mythique du Gaumont Palace, jadis plus vaste cinéma au monde. Cette expérience immersive à 360° dans un casque de réalité virtuelle vous invite à prendre place au cœur de la célèbre salle parisienne Art Déco des années 30, reconstituée en 3D, pour une séance de rétrospective cinématographique inédite. L’écran panoramique Cinérama se fait toile de fond pour une exploration thématique du prestigieux catalogue Gaumont.

Infos : https://www.tropisme.coop/agenda/gaumontrama-vr-festival-tropisme

 

“Au rythme de la Loire” – Visible les mercredis au Musée d’Histoire et d’Archéologie, Hôtel Cabu à Orléans

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Les visiteurs du musée embarquent avec Eustache, marinier de Loire, pour découvrir l’essor du commerce fluvial, le développement des vinaigreries et la construction des bâtiments remarquables du 19ème siècle.

Cette formidable expérience, composée d’une série de 3 films en réalité virtuelle, remet en contexte des illustrations d’époque et des photos d’archives, qui apparaissent comme par magie dans l’espace public. Un personnage animé en 2D sert de fil rouge à la narration.

Infos : https://www.orleans-metropole.fr/culture/musees-expositions/hotel-cabu-musee-dhistoire-et-darcheologie

“Les 12 Travaux d’Henriette” – Château de Longues-Aygues, à proximité de Montauban

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À vivre sur smartphone ou tablette (Android ou Iphone), cette visite interactive et gamifiée explore le château de Longues-Aygues en compagnie d’Henriette Vaïsse-Cibiel, propriétaire des lieux et véritable influenceuse avant l’heure.

Les visiteurs reviennent en 1910 pour découvrir sa propriété dans sa première jeunesse. Un système de mini-jeux permet de retrouver les 12 inventions ou innovations remarquables de ce château, proche de Montauban, aujourd’hui fermé à la visite car devenu centre de soins.

 

Les (grands) petits plus

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Une solide expertise au service des acteurs de la culture, de l’art et du patrimoine… mais pas que !

Dès qu’il y a un savoir-faire d’exception à montrer, nous créons les outils sur-mesure pour le transmettre de manière pédagogique et ludique au public.

La technologie et l’expertise développés pour la marque Extra Art vont être mis au service des professionnels de l’artisanat d’art, de la gastronomie, ainsi que des agences de communication et d’événementiel.

La société est déjà en relation avec des domaines viticoles qui veulent valoriser leurs techniques de vinification.

 

Une gamme complète de services

Pour répondre à tous les besoins, nous offrons une riche palette de compétences :

  • Conseil en médiation numérique ;
  • Visites interactives à 360° ;
  • Expériences immersives pour casque de réalité virtuelle ;
  • Applications de réalité augmentée ;
  • Formations / teambuilding / évènementiel.

 

A propos d’Arnault Labaronne, créateur d’EXTRA ART

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Né en 1972, Arnault Labaronne commence sa carrière dans la réalisation cinématographique à Paris à l’âge de 25 ans, tout en assurant des missions d’assistanat de réalisation pour les Guignols de l’Info sur Canal+.

En 2007, après plusieurs courts-métrages primés en festival, il fait le choix audacieux de tourner un premier long-métrage entièrement mis en scène via l’interface d’un Smartphone, démontrant ainsi sa capacité à innover et à embrasser les nouvelles technologies.

Arnault occupe ensuite pendant cinq ans le rôle d’Expert Mise en Scène chez Ubisoft, où il apporte son expertise à la franchise Assassin’s Creed. Il dirige ensuite trois ans durant les World Jams, des événements collaboratifs organisés par Wonda VR, l’Institut Français et l’INA. Sa contribution en tant que Directeur Artistique lui permet d’être aujourd’hui considéré comme un auteur visionnaire dans les écritures interactives et immersives.

En 2018, Arnault Labaronne fait le choix stratégique de s’installer à la Halle Tropisme à Montpellier, un environnement propice à la synergie des créations numériques. Il y fonde IdeAL Film Prod : une société de production spécialisée dans la création de fictions, de documentaires et d’expériences numériques interactives dédiées à la valorisation de nos patrimoines sous la marque Extra Art.

 

La genèse de l’aventure Extra Art

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Ce concept novateur est né durant la crise sanitaire de 2020.

Arnault a beaucoup d’amis travaillant dans les musées. Lorsqu’ils se sont retrouvés sans public au moment du premier confinement, Arnault a imaginé une alternative permettant aux visiteurs de découvrir les expositions temporaires interdites d’accès.

Le code développé pour ces visites a ensuite permis de créer des expériences immersives plus complexes, alliant photos et vidéos à 360°, graphismes en 2D et 3D.

Aujourd’hui, Arnault ambitionne de continuer à imaginer des expériences immersives pour les casques de réalité virtuelle intégrant prises de vues aériennes, narration et gamification. Le studio veut aussi s’imposer sur le marché des créations en full 3D, utillisant des techniques de photogrammétrie et de modélisation.

En savoir plus

Les offres pour 2024 : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2024/05/EXTRA-ART-Présentation-OFFRE-2024-V2.pdf

Site web : https://www.extraart.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/extraartxr/

Instagram : https://www.instagram.com/extraart_xr/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/extra-art/

SPIRIT Collection par Aurore Klein : 100 photographies qui résonnent avec la Terre et capturent l’essence de la Nature, en partenariat avec PLANET 2030 et l’ONU

Aurore Klein, artiste multidisciplinaire et idéaliste, fusionne sa passion pour la photographie avec son engagement envers la préservation de la planète. La collection “SPIRIT” incarne cette union, offrant un hommage visuel à la beauté du monde naturel et à l’urgence de sa protection.

Divisée en trois volets – Earth, Ocean, et Forest Spirit -, elle transcende la perception ordinaire, capturant à la fois le visible et l’invisible de notre réalité.

En fusionnant l’esthétique avec le rare, Aurore Klein réussit à créer avec SPIRIT une œuvre d’art qui transcende les limites de la perception ordinaire et offre une expérience visuelle unique.

Ce projet est aussi résolument engagé ! Aurore est inspirée par le travail visionnaire de l’association FREE SPIRIT et de PLANET 2030, un mouvement mondial mené par une coalition d’organisations à travers le monde dédié à la sensibilisation pour la restauration de la nature. Il est partenaire officiel de l’ONU et également associé aux Jeux Olympiques 2024, ainsi que de nombreux autres partenaires.

Aurore s’engage à reverser 50 % des bénéfices de chaque vente pour soutenir le plan de “Restauration des Écosystèmes” de la Décennie des Nations Unies.

Ce partenariat s’étendra sur 7 ans, de 2024 à 2030.

Chaque image est un témoignage de l’extraordinaire qui existe dans le quotidien, élevant la série SPIRIT au rang d’œuvre d’art singulière.

Aurore Klein

PARTENARIAT OFFICIEL PLANET 2024

Spirit : un hommage vibrant à la nature décliné en trois thèmes et 100 photographies

En tant qu’êtres spirituels, nous, humains, sommes les gardiens et enfants de la Terre. Notre rôle essentiel va au-delà de la préservation de l’environnement, incluant la croissance spirituelle pour assumer notre responsabilité protectrice. La trilogie artistique “SPIRIT” célèbre notre lien avec la Terre, l’Océan et la Forêt.

La nature, au-delà de ce que nos yeux voient, révèle des dimensions invisibles d’une splendeur infinie. Des galaxies lointaines aux motifs des flocons de neige, chaque élément porte une signature unique de la magnificence universelle. Cette perfection, dans l’immensité et le cœur des atomes, mérite notre respect et notre protection.

La trinité d’esprits, Terre, Océan et Forêt, transcende le temps, enveloppant notre existence dans une majesté ineffable. Chaque esprit, représenté dans la série “SPIRIT”, incarne une énergie unique : la solidité de la Terre, la fluidité de l’Océan et l’harmonie de la Forêt.

ĀTAMAK - OCEAN SPIRIT

ĀTAMAK – OCEAN SPIRIT

Une invitation à la sagesse, à l’inspiration et à la paix

Unies dans une trinité sacrée, ces collections photographiques célèbrent notre lien spirituel avec la nature. Aurore Klein, artiste visionnaire, transcende le visible et l’invisible à travers cette série unique. Son art, ode à l’amour, à la nature et à notre lien spirituel, invite à la sagesse, à l’inspiration et à la paix.

EARTH SPIRIT – 26 photographies capturées lors d’un instant hors du temps

Gardienne des montagnes, plaines et vallées, l’Esprit de la Terre offre solidité, force et refuge inconditionnel. Son amour maternel enseigne l’humilité face à la grandeur de la nature.

OCEAN SPIRIT - 35 photographies capturées dans l’éclat des embruns sauvages et libres

Source de vie, l’Esprit de l’Océan incarne la fluidité à travers ses eaux infinies, ses marées rythmées et ses vagues émotionnelles. Son amour guide notre âme dans les profondeurs de l’existence.

FOREST SPIRIT – 33 photographies capturées lors d’un instant magique en forêt

Sanctuaire de mystère, l’Esprit de la Forêt symbolise la croissance, la transformation et l’harmonie entre tous les êtres vivants. Son amour sage enseigne l’interdépendance et le respect de la vie sous toutes ses formes.

FAÍLTE - EARTH SPIRIT

FAÍLTE – EARTH SPIRIT

Une vision inspirée et inspirante

Au-delà de la célébration de la beauté, la trilogie “SPIRIT” a une mission plus large : sensibiliser à la préservation de l’environnement et susciter un engagement en faveur de l’intelligence du vivant.

Je voudrais contribuer à faire reconnaître la valeur de la nature et à prendre des mesures pour préserver son héritage.

En partageant cette vision, unis dans l’engagement envers la vie sous toutes ses formes, nous pouvons restaurer l’harmonie entre les hommes et la trinité sacrée des esprits qui habitent notre planète.

Aurore Klein, artiste engagée, invite chacun à contribuer à cette quête commune pour protéger et chérir notre planète.

À l’origine de ce beau projet : un moment magique vécu à Pasadena, près de Los Angeles…

MUUJIZA - FOREST SPIRIT

MUUJIZA – FOREST SPIRIT

Lors d’un voyage solitaire de trois semaines aux États-Unis, en quête d’une cascade au cours d’une randonnée, Aurore a découvert un lieu unique et magique, déclenchant une inspiration créatrice inattendue.

C’est la connexion profonde ressentie avec la nature, la magie de l’instant présent et l’attention minutieuse portée aux petits détails qui ont catalysé la naissance de la première entité de la trilogie artistique, “Forest Spirit.”

Cette expérience a été si puissante que, un an plus tard, sur la Côte d’Azur, sur un chemin de randonnée qui lui est cher et au bord d’une de ses plages favorites, de nouveaux moments suspendus dans le temps ont conduit à la création de “Ocean” et “Earth.”

ELÄMÄ - OCEAN SPIRIT

ELÄMÄ – OCEAN SPIRIT

Dans ces instants, Aurore était connectée à une énergie invisible, immortalisant ces clichés uniques à travers son objectif pour donner vie à la beauté spirituelle de la Terre, de l’Océan et de la Forêt.

Le projet SPIRIT émane ainsi d’une communion profonde entre l’artiste et la nature : cette collection photographique célèbre la magie du monde naturel. Chaque image est un témoignage de cette connexion intime, une invitation à partager ces moments extraordinaires avec le monde.

Cette trilogie artistique est une ode à la magie qui réside au-delà de notre vision quotidienne et rappelle la beauté éthérée qui nous entoure.

Une série atypique dans l’univers de l’artiste

ÖREN - FOREST SPIRIT

ÖREN – FOREST SPIRIT

Ce qui distingue véritablement la série “SPIRIT” d’Aurore Klein de ses autres travaux, réside dans son habilité unique à capturer l’invisible et à l’imprimer sur chaque photographie. Au-delà de l’esthétique classique, chaque image de la série est imprégnée d’une magie rare et d’une connexion profonde avec la nature.

Aurore ne se contente pas de photographier des paysages ; elle explore les dimensions invisibles de notre monde. Chaque photographie est une fenêtre ouverte sur des réalités que nos yeux ne peuvent pas saisir instinctivement. Elle parvient à rendre visible l’invisible, offrant ainsi une perspective unique sur les mystères universels qui nous entourent.

Cette capacité à transcender la simple représentation visuelle confère à la série une profondeur artistique qui va au-delà de l’ordinaire. Chaque image devient une expérience, une exploration de la beauté cachée qui réside dans les détails infimes de notre réalité. La série “SPIRIT” est une invitation à contempler la nature avec des yeux renouvelés, à percevoir l’éthéré qui danse dans chaque atome de notre univers.

Propager l’influence de “SPIRIT” à travers le globe…

JANMA - EARTH SPIRIT

JANMA – EARTH SPIRIT

L’idée de collaborations avec des agents artistiques et des galeries internationales émerge comme une voie pour propager son influence. Aurore souhaite que cette série devienne un langage universel, parlant à tous ceux qui apprécient la beauté de notre planète et veulent la préserver.

En contribuant à la “Restauration des Écosystèmes” de la Décennie des Nations Unies, Aurore s’engage financièrement, mais elle espère que cette série deviendra également un véhicule pour des actions concrètes. Cette campagne est une invitation à partager cette histoire d’amour et à devenir une partie intégrante de la mission de préservation.

Cette campagne aspire à créer une communauté engagée autour de la série “SPIRIT”. Aurore rêve de voir son travail accroché aux murs des galeries, mais aussi partagé dans des articles, des discussions, et au cœur de conversations sur la préservation de notre environnement et de notre lien intime au vivant.

C’est une célébration de la beauté qui peut-être un catalyseur pour un changement positif dans le monde.

Aurore Klein, une artiste française multidisciplinaire

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Aurore Klein évolue dans les domaines de la photographie, du cinéma, de la littérature et des arts graphiques. Autodidacte, elle a commencé sa carrière en tant que photographe, se spécialisant dans le portrait et l’événementiel.

Son projet inclusif “REGARD” met en lumière la diversité humaine, avec un regard particulier sur les personnes non-voyantes et malvoyantes. Aurore a participé à des expositions collectives et exploré la nature sauvage en Alaska, au Canada et au Yellowstone.

En tant qu’actrice, elle a joué dans deux pièces de théâtre pendant deux ans à Paris et une vingtaine de courts-métrages, elle fera une apparition prochaine sur la nouvelle série France 2 “Tom & Lola”. Elle a co-écrit et co-réalisé  le court-métrage “REVIENS”, primé 19 fois à l’international, et réalisé des projets tels que “IN PEACE” et “ROGUE WAVES”. Aurore est également l’auteure de la trilogie d’anticipation “Le Secret des Dieux”, un mélange de science-fiction, psychologie et spiritualité. Artiste peintre, ses œuvres astrales et contemporaines ont été exposées en France et en Italie.

L’art, un outil puissant pour la transformation positive

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Aurore détient un Baccalauréat Littéraire en Histoire de l’Art, une licence en Études Théâtrales et un DEUG d’Anglais. Elle a suivi des formations en art dramatique, coaching, et Ontobiologie, avec des interventions de personnalités telles que Bernard Werber, James Cameron et Idriss Aberkane.

Passionnée par le cinéma, la photographie, la danse, la musique et les sciences, Aurore incarne une vision artistique profonde centrée sur l’amour, l’harmonie et la réalisation de soi.

Amoureuse de la nature, Aurore puise son inspiration dans ses voyages et rencontres avec la faune sauvage. Sa connexion profonde avec la Terre se reflète dans chaque création, où l’éthéré de la nature devient visible.

Mon art est à la fois une expression artistique et une célébration de mon lien intime avec la nature. C’est elle qui me ressource et me guide dans ma quête pour révéler la beauté visible et invisible du monde.

En savoir plus

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Le projet Spirit

Spirit Collection par Aurore Klein : https://www.spiritcollection.art/

Le partenariat avec PLANET 2030 :

Aurore Klein

Site web : https://www.auroreklein.com/fr  – https://www.askvisionary.com

Facebook : https://www.facebook.com/aurore.klein6

Instagram : https://www.instagram.com/aurore_klein6/

Tout un Art Agency innove avec des offres de teambuilding axées sur la réalisation d’une œuvre d’art collective

Alors que les défaillances d’entreprise explosent (source), et que les difficultés de recrutement restent à un niveau élevé, il devient urgent de placer la performance relationnelle des équipes au cœur de la pérennité des organisations.

Car, aujourd’hui, 6 Français sur 10 se déclarent concernés par la reconversion professionnelle, qu’ils aient déjà franchi le cap ou qu’ils envisagent de le faire (source). Conscients que l’herbe peut être plus verte ailleurs, la question devient alors cruciale : comment leur donner envie de rester dans l’entreprise ?

La clé réside dans le renforcement du sentiment d’appartenance et de la coopération. Et pour atteindre cet objectif, Tout Un Art Agency a développé un teambuilding innovant “Communiquer, c’est tout un art” .

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Imaginons : des ateliers collaboratifs sur deux jours qui vont bien au-delà de simples exercices.

Ils donnent vie à une œuvre collective qui restera ensuite dans les locaux de votre entreprise, témoignant ainsi d’une expérience mémorable vécue ensemble.

Au-delà de la réalisation collective, cette expérience crée les conditions idéales pour une communication authentique entre les membres d’une même équipe. C’est bien plus qu’un simple teambuilding. C’est l’opportunité de tisser des liens forts et durables au sein de votre organisation.

Agathe Bourdrez, la fondatrice

Tableaux végétaux :

DIFFUSE FRAGILEFUSION

L’expérience par les métiers d’art comme levier de performance des entreprises

Destiné aux directeurs, managers et à leurs équipes, le teambuilding “Communiquer, c’est tout un art” est une expérience sur-mesure, façonnée selon les besoins concrets de chaque groupe.

Sa force ? Sa durabilité.

La création d’une œuvre d’art collective ne se contente pas d’être une activité ponctuelle. Elle génère des bénéfices durables qui continuent d’impacter positivement les collaborateurs sur le long terme. En permettant une mise en pratique immédiate des ateliers, cette expérience trouve sa résonance dans le quotidien professionnel.

Les teambuilding de Tout Un Art Agency vont notamment permettre de :

  • Fédérer les équipes
  • Améliorer la communication individuelle et collective
  • Renforcer la contribution au projet de l’équipe
  • Accueillir de nouveaux collègues
  • Développer la relation de confiance au sein de l’équipe
  • Stimuler le potentiel créatif et l’ouverture d’esprit
  • Révéler le potentiel de chacun et la capacité à travailler en équipe

Des ateliers animés par des coachs et facilitatrices certifiées

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Les entreprises sont accompagnées dans la mise en place des teambuilding et de leur expérience avec l’art par deux professionnelles qualifiées et expérimentées :

Agathe Bourdrez – La Coach

La fondatrice de Tout Un Art Agency est une coach certifiée Coach and Team ©, titulaire du certificat professionnel FFP Animation de groupes en formation professionnelle.

Également Agent d’artistes, elle a plus de 15 ans d’expérience en conseil, formation en stratégie et gestion de projets internationaux.

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Brigitte Sautier-Lenoble – La Facilitatrice

Titulaire du certificat professionnel FFP Animation de groupes en formation professionnelle, Brigitte a plus de 15 ans d’expérience dans l’accompagnement à la mise en œuvre et l’appropriation de démarches de prévention et de qualité de vie au travail.

Quelques références : SNCF, EDF, Airbus, Thalès, OPPBTP, FC2S Conseil, CHAUX SAINT ASTIER, SOTEL FORMATION…

Des créations qui utilisent les techniques de l’artisanat d’art

Pour interpréter les valeurs de l’entreprise dans un logo, un symbole ou une œuvre non figurative, les membres de l’équipe sont guidés par des artistes et des artisans d’art passionnés.

Bienveillants et attentifs, tous ont à cœur de transmettre leur savoir-faire et leurs techniques :

  • Plumasserie
  • Travail du verre
  • Marqueterie
  • Broderie
  • Ébénisterie
  • Horticulture papier
  • Céramique
  • Peinture
  • Art végétal…

Sculpture en verre :

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Horticulture papier :

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Marqueterie :

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Textile :

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Tout un Art Agency: l’agence qui fait le lien entre les artistes et les entreprises

Basée à Toulouse, Tout en Art Agency accompagne les artistes de façon personnalisée pour développer leur notoriété, leur visibilité et leurs ventes. L’agence propose des prestations de coaching individuel en France et à l’étranger, de conseil et de formation en stratégie de développement et marketing.

Tout un Art Agency travaille avec des entreprises de divers secteurs d’activité : aéronautique, hôtels, marques de luxe, architectes, décorateurs et galeries.

Forte de ces collaborations, et pour répondre à une demande croissante, l’agence propose aux organisations du coaching d’équipes et des teambuilding innovants axés sur la création d’une œuvre d’art collective.

À propos d’Agathe Bourdrez, la fondatrice

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Tout un Art Agency a été fondé par Agathe Bourdrez, une passionnée de voyages et de l’art « fait main ». Elle a parcouru les cinq continents pour découvrir des savoir-faire uniques et s’est initiée à la couture, à la gemmologie, à la taille de pierres, à la teinture textile ou encore à la linogravure.

Chargée de développement international pour la région Hauts-de-France pendant 11 ans, elle a décidé de changer de carrière en 2017. Après un CAP en tapisserie d’ameublement, elle a fondé Tout un Art Agency, pour mettre ses compétences en développement stratégique et en communication en tant qu’agent d’artistes. Certifiée coach professionnelle et formatrice en pédagogie, Agathe Bourdrez accompagne aujourd’hui les organisations et les équipes à révéler leur potentiel.

En savoir plus

Les teambuilding : https://www.tout-un-art.fr/teambuildings-tout-un-art-agency/

Site web : https://www.tout-un-art.fr/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/agathe-bourdrez/

©Nicolas Navarro, Studio Nosqua, Lucy Art Végétal, Studio Moka, Maud Caillet, Emmanuelle Braun, Laurent Barranco, Lou d’Adelaide

Culture 2024 : l’Office franco-québécois pour la jeunesse dévoile la liste des lauréats de son programme de financement Odyssart

L’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ), en partenariat avec la Fondation DRG, a créé le programme de financement Odyssart afin de permettre des échanges culturels entre la France et le Canada/Québec pour les jeunes artistes et professionnels des arts et de la culture.

Il vise ainsi à soutenir des projets émergents issus de tous les secteurs culturels qui :

  • Comprennent une forme de coopération et de mobilité entre la France et le Canada/Québec.
  • Sont portés par des jeunes de 18 à 35 ans :
  • Contiennent une dimension francophone ;

Les projets retenus sont récompensés par des aides financières allant de 20 000 à 30 000 €.

Et le concept cartonne ! Pour sa deuxième édition, après avoir ouvert un appel à projet du 2 octobre au 3 décembre, Odyssart récompense 11 projets d’une grande diversité, choisis pour leur qualité artistique et leur originalité. 

La liste des lauréats est dévoilée ce 18 janvier 2024.

Avec ce programme, l’OFQJ souhaite vivement soutenir l’émergence de jeunes artistes et professionnels de la culture sur les deux territoires.

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Faire rayonner les artistes et encourager la production de nouvelles collaborations francophones

Fin 2022, l’Office franco-québécois pour la jeunesse et la Fondation DRG décident de lancer un appel à projets culturels, renouvelé chaque année pendant 5 ans, pour financer la mobilité de projets culturels jeunesse entre la France et le Canada/Québec.

En 2023, le premier appel à projets Odyssart est lancé et 8 projets sont sélectionnés : 6 de la France vers le Québec, et 2 projets québécois vers la France.

Entre octobre et décembre, l’appel à projets 2024 a été lancé et 62 projets ont été déposés.

Au final, 11 projets ont été sélectionnés pour leur qualité, l’originalité de leur thématique et leur rayonnement potentiel dans leur collaboration franco-canadienne/québécoise.

Les (grands) petits plus

Un accompagnement qui soutient exclusivement les jeunes talents de 18 à 35 ans.

Un partage de cultures. Ce programme appuie des projets de co-création entre la France et le Canada/Québec pour renforcer les rencontres entre les jeunes, stimuler les échanges, et ouvrir sur le monde.

Des financements conséquents. Les participants reçoivent entre 20 000 et 30 000 euros, ce qui leur permet une grande marge de manœuvre pour la réalisation de leurs projets.

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Les 11 lauréats à découvrir

  • En voiture Simone !, une collaboration entre Coop SPIRA (Québec) et Périphérie Cinéma Documentaire (France) – Discipline : Cinéma documentaire.
  • Qu’est-ce que j’en ferais ?, une collaboration entre Acting for Climate Change Montreal (Québec) et La Maison des Jonglages (France) – Discipline : Cirque d’objets.
  • Rencontres chorégraphiques du Hip Hop, une collaboration entre Compagnie artistique Forward Movements (Québec) et Compagnie Art Track (France) – Discipline : Danse.
  • Dérives d’un livre de bord, une collaboration entre Jeunes Marins Urbains (JMU) (Québec) et Les Amis de Jeudi Dimanche (AJD) (France) – Discipline : résidence multidisciplinaire.
  • L’Harmonie De Notre Absence, une collaboration entre OYÉ visual art label (France) et Eastern Bloc (Québec) – Discipline : art digital.
  • Sur le terrain, des forêts froides, une collaboration entre Marianne Tricot (France) et Laboratoire International de Recherche sur les Forêts Froides de l’Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue (UQAT) (Québec) – Discipline : design d’illustrations scientifiques.
  • Le Québec s’en vient, une collaboration entre APPROSH (Québec) et Structure partenaire : APPROSH (France) – Discipline : musique.
  • Construire Ensemble – Volet France/Canada, une collaboration entre Compagnie KHOR (France) et New Works (Colombie britannique) – Discipline : danse.
  • VIB.E-MOTION, une collaboration entre Fheel Concepts et la Société des arts technologiques [SAT] (Québec) – Discipline : cirque hybride.
  • Relation Sylvestre, une collaboration entre La ruée outre-mer (France) et Arrondissement Ville-Marie (Montréal) – Direction de la culture, des sports et loisirs et du développement social (Québec) – Discipline : théâtre dans l’espace public.
  • Sur la même longueur d’onde, une collaboration entre Radio Campus Orléans 88.3FM (France) et CFAK 88.3FM (Québec) – Discipline : radio.

À propos de l’Office franco-québécois pour la jeunesse (OFQJ)

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L’Office franco-québécois pour la jeunesse est un organisme bi-gouvernemental implanté en France et au Québec depuis 55 ans. Il conseille et soutient chaque année près de 4 000 jeunes adultes de 18 à 35 ans dans leurs projets de mobilité outre-Atlantique et en francophonie.

L’OFQJ contribue au rapprochement des jeunesses française et québécoise par des programmes de mobilité axés sur le développement et le perfectionnement professionnels, dans les secteurs économique, culturel et social, tout en favorisant les découvertes interculturelles et le maillage des réseaux.

En savoir plus

Odyssart : https://ofqj.org/odyssart

Site web : https://ofqj.org

Facebook : https://www.facebook.com/OFQJenFrance

Instagram : https://www.instagram.com/ofqj_france/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/company/office-franco-qu-b-cois-pour-la-jeunesse

Des soirées d’opéra au plus près des artistes : Opera a Palazzo va jouer La Traviata et des Scènes d’amour de l’opéra italien dans un hôtel particulier d’exception à Paris

Et si l’on remettait de la beauté, de la magie et de l’émerveillement au cœur de nos vies ?

Depuis près de 3 ans, l’Opera a Palazzo connait un incroyable succès avec son concept inédit de soirées d’opéra au plus près des artistes dans un cadre somptueux, évoquant l’histoire et la culture de la capitale.

Chacune de ces représentations invite à vivre une expérience exceptionnelle, un moment hors du temps, riche en émotions jamais vécues et en émerveillements.

Ce projet un peu fou fait vibrer depuis près de 3 ans tous les amoureux de la musique classique, mais aussi tous ceux et celles à la recherche d’une sortie insolite à Paris.

Ces soirées confidentielles et atypiques ont ainsi eu l’honneur d’être accueillies par l’Hôtel Dosne-Thiers, le Musée Jacquemart-André, et la Monnaie de Paris.

En ce début d’année et jusqu’à la fin du printemps, Opera a Palazzo pose ses valises dans un hôtel particulier d’exception à Paris : l’hôtel Pereire, dans le 8e arrondissement, un site habituellement fermé au public.

Il ouvre ses portes spécialement pour l’occasion, invitant tous les participant.e.s à vivre une expérience inédite au sein du grand salon de la Fondation Simone et Cino del Duca.

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Deux productions d’opéra exceptionnelles vont permettre de (re)découvrir des grands classiques du patrimoine lyrique :

  • La Traviata, du 26 janvier au 20 juin 2024 ;
  • Gala de la St Valentin : “Scènes d’amour de l’opéra italien”, le 14 février.

Avec l’Opera a Palazzo, les spectateurs sont plongés au cœur même de l’opéra, à proximité des chanteurs et des musiciens. Les distances s’effacent, la musique et les voix emportent les cœurs et les âmes…

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La Traviata, dans une adaptation primée au Argus Angel Award, du 26 janvier au 20 juin 2024

Chaque représentation de cet opéra culte est toujours un plaisir intense et enchanteur, qui séduira autant les mélomanes avertis que les néophytes.

L’adaptation proposée par Opera a Palazzo est centrée sur les 3 rôles principaux, accompagnés par trois musiciens (piano, violon et violoncelle) avec une mise en scène de Patrizia Di Paolo et des costumes de Nicolao Atelier de Venise . Elle a été primée au Argus Angel Award.

Une dégustation du champagne Leclerc Briant partenaire privilégié d’Opera a Palazzo sera offerte durant l’entracte.

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Distribution

  • Violetta sera interprétée par Armelle Khourdoïan (26/01, 21/03, 04/04, 16/05), Emilie Rose Bry (15/03, 25/04, 13/06, 20/06) et Aurelie Loilier (29/03, 31/05, 07/06).
  • Alfredo sera interprété par Christophe de Solages (26/01, 15/03, 04/04, 25/04, 07/06, 20/06) et Matthieu Justine (21/03, 29/03, 16/05, 31/05, 13/06).
  • Giorgio sera interprété par Jiwon Song (26/01, 04/04, 07/06), Laurent Arcaro (15/03, 29/03, 16/05), Marc Souchet (21/03, 31/05, 20/06) et Benoit Gadel (25/04, 13/06).

Un gala exceptionnel pour la St Valentin : “Scènes d’amour de l’opéra italien” le 14 février

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Cette mise en scène originale sera entrecoupée d’un entracte avec dégustation de Champagne Leclerc Briant et de canapés.

Les spectateurs pourront découvrir les plus grands airs de :

  • Donizetti / Elisir d’amore : Ouverture, « Come Paride vezzoso », « Caro elisir » – « In guerra ed in amore », « Una furtiva lagrima » ;
  • Bellini / Norma : « Casta Diva » « Deh non volerli vittime » ;
  • Puccini / La Bohème : « Si. Mi chiamano Mimì », « O soave fanciulla », « In un coupé… O Mimi tu più non torni » ;
  • Verdi / Rigoletto : Ouverture , «Questa o quella », « Caro nome », »Cortigiani », « Si vendetta».

Distribution

. Soprano      Armelle Khourdoïan

. Ténor          Thomas Ricart

. Baryton       Benoit Gadel

. Pianiste        Yuko Osawa

 

Des artistes de talents qui se produisent sur les plus grandes scènes

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Les distributions qui ne sont pas fixes donnent une fraîcheur et une ardeur palpables à chaque représentation.

Les chanteurs et musiciens d’Opera a Palazzo sont de jeunes talents ou des talents plus confirmés qui chantent sur des scènes et des formations nationales et internationales (Les Chorégies d’Orange, La Scala de Milan et le Gran Teatre del Liceu de Barcelone…). Ainsi, une véritable troupe s’est constituée autour du projet Opera a Palazzo.

La sélection des artistes et les répétitions ont été assurées par le directeur artistique Hugues Rameau et des pianistes chefs de chants de l’Opéra de Paris et de l’Opéra-Comique, en étroite collaboration avec l’équipe de Musica a Palazzo – Venise qui a transmis toute l’âme de cette expérience unique.

La troupe d’Opera a Palazzo

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Les Sopranos

Armelle KHOURDOÏAN. Révélation Artiste Lyrique de l’Adami 2014, elle a fait ses premiers pas à l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris. A Milan ou sur la vaste scène Chorégies d’Orange, sa voix riche excelle dans de nombreux répertoires.

Aurélie LOILIER. Pianiste de formation, la soprano Aurélie Loilier possède un vaste répertoire avec une prédilection pour les héroïnes de Mozart. Elle chante merveilleusement la Traviata de Verdi et a enregistré des œuvres inédites de la compositrice Augusta Holmès.

Emilie-Rose BRY. Lauréate de nombreux concours, cette franco-américaine a déjà chanté sur plusieurs continents. Sur scène, interprète investie, elle défend un vaste répertoire de Monteverdi à Rossini avec une prédilection pour Mozart.

Les Ténors

Christophe DE SOLAGES. Il explore un vaste répertoire qui s’étend de la musique baroque au contemporain, tant à l’opéra qu’au concert interprétant aussi bien Bach, Verdi ou Strauss

Matthieu JUSTINE. Jeune ténor à la carrière des plus prometteuses, il vient de chanter avec un grand succès Alfredo (Traviata, Verdi) à l’Opéra de Reims après avoir été le Nemorino de L’elisir d’amore de la tournée des Chorégies d’Orange.

Thomas RICART. Le répertoire du jeune ténor Thomas Ricart comprend des rôles divers et variés, allant des grands rôles d’opéra à la mélodie. Nommé “Talent Adami Classique 2022″, Thomas Ricart est soutenu par la fondation Porosus et vient d’intégrer l’Académie de l’Opéra de Paris.

Les Barytons

Jiwon SONG. Après son diplôme obtenu à Parme, il se produit sur de nombreuses scènes d’opéras. Titulaire de récompenses et premiers prix, il remporte également un vif succès au concert ou en récital.

Laurent Arcaro. Le baryton Laurent Arcaro a interprété les grands rôles du répertoire du baryton lyrique. En outre, et au cours de sa formation et de ses concerts à travers le monde, il a eu l’occasion d’approfondir ses talents de comédien.

Marc SOUCHET. Avec sa voix puissante et chaude adaptée au répertoire italien, il a déjà incarné de nombreux rôles verdiens et pucciniens. Il a également exploré les opéras Français qu’il aborde avec la même facilité.

Benoît GADEL. Avec sa voix longue, il débute par les rôles de basse puis s’oriente vers le répertoire de baryton. Mozart, Puccini, Bizet mais aussi Verdi et les compositeurs baroques sont son quotidien.

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Les Pianistes et Chefs de chant

Katia WEIMANN. Elle commence le piano à l’âge de 6 ans et se passionne rapidement pour l’art lyrique. Elle entretient une étroite collaboration avec les chanteurs et accompagne, en tant que pianiste-chef de chant, la Maîtrise Populaire de l’Opéra Comique.

Philip RICHARDSON. Artiste aux multiples talents capable de transcrire ou de coacher, il est un familier de l’Opéra national de Paris ou de l’Opera Ballet Vlaanderen d’Anvers où il est demandé régulièrement.

Yuko OSAWA. Précoce, elle commence le piano dès l’âge de 2 ans. Elle obtient ses diplômes au Japon où elle exerce avant que sa passion pour le répertoire vocal, notamment français, la conduise à Paris. Très sollicitée, elle participe à de nombreux projets.

Les Violonistes

Annie GROPMAN. Elle obtient une médaille d’honneur de la ville de Bordeaux après avoir commencé le violon à l’âge de 8 ans. Sa carrière entamée à Rotterdam la conduit au Portugal puis en France où elle se produit dans différents ensembles prestigieux.

Estelle DIEP. Elle commence le violon à l’âge de 4 ans. Elle se produit régulièrement dans divers ensembles pour interpréter un vaste répertoire comme la musique de film. Elle participe à de nombreuses productions lyriques.

Les Violoncellistes

Cecilia CARENO. Née dans une famille de musiciens, elle assiste à son tout premier opéra derrière la fosse ! La musique classique a toujours fait partie de sa vie et sans surprise, elle se produit en soliste, en duo ou au sein d’orchestres réputés.

Carlotta PERSICO. Née à Paris, elle commence le violoncelle à l’âge de 4 ans. Entre Musique de Chambre et Orchestre, elle se produit dans différentes salles de concert parisiennes mais également à l’étranger notamment à Prague, en Italie et en Colombie.

Informations pratiques

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Les soirées d’Opera a Palazzo se dérouleront à la Fondation Simone et Cino del Duca, 10 rue Alfred de Vigny, 75008 Paris.

La durée est de 2h, dont 1h30 d’opéra ou de concert.

La Traviata de Verdi

  • Réserver : https://opera-palazzo.com/votre-soiree/
  • Dates :
    • janvier : le 26
    • mars : les 15, 21 et 29
    • avril : le 4 et le 25
    • mai : les 16 et 31
    • juin : les 7, 13 et 20/06
  • Ouverture des portes à 20h
  • Début de l’opéra à 20h30
  • Prix : 220 €/billet – Placement libre
  • Tenue de soirée demandée

Gala Saint Valentin – “Scènes d’amour de l’opéra italien”

En savoir plus

Site web : https://opera-palazzo.com/

Voir la nature autrement : “Les Yeux Fermés”, l’exposition de peintures et de sculptures de Joanna Painter, se déroulera à Valbonne du 9 au 21 avril

Une artiste qui regarde au-delà du réel… pour mieux voir

Alors que le monde entier prend conscience des enjeux liés à l’accélération du réchauffement climatique, les artistes ont toujours eu une longueur d’avance : depuis des années, ils interpellent, alertent et sensibilisent sur la fragilité et la grâce du monde qui nous entoure.

C’est notamment ce qui séduit dans la démarche de la franco-anglaise Joanna Painter, installée depuis 2020 dans l’emblématique village de Saint-Paul-de-Vence.

Cette artiste atypique crée en s’inspirant de la nature, de la lumière et de la beauté. Peut-être pour mieux comprendre qui est Dieu ou ce qu’est La Source ? Aujourd’hui, elle a surtout acquis une certitude : elle explore pour se sentir vivante.

Son travail est conçu comme une célébration et une révérence au vivant, ce qui amène l’artiste à aborder notre inconscience et apparente insouciance par rapport à des sujets en lien avec l’écologie : la pollution, le changement climatique, la protection de la nature, la biodiversité, les ressources naturelles, etc.

Une démarche singulière qui a séduit la mairie de Valbonne ! Le service culturel a proposé à l’artiste de réaliser une exposition solo à la Chapelle Saint-Esprit durant l’incontournable “Loca’Val”, un événement qui valorise depuis quatre ans les initiatives locales pour consommer de manière plus durable et plus responsable.

L’exposition “Les Yeux Fermés” sera à découvrir du mardi 9 au dimanche 21 avril 2024. 

Dans ma quête artistique, la beauté est fondamentale. Je veux partager des sensations que je ne peux pas articuler avec les mots. Envoutée, Ensorcelée…je glisse vers un aperçu d’un autre espace-temps.

Joanna Painter

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Un travail hyperréaliste qui intègre aussi le monde des yeux fermés

Par instants, Joanna Painter voit et ressent des choses qu’elle ne peut exprimer qu’à travers le processus créatif, par la peinture surtout, mais également en utilisant le dessin et la sculpture.

Elle essaie de saisir cette expérience ressentie. En la peignant, elle cherche à la faire revivre ou à la capturer dans son intégralité avec son mystère intact ; des qualités qui semblent être en dehors des mots.

C’est cette sensation d’émerveillement à la création, à la nature qui nous entoure, qu’elle rend en détail avec son travail hyperréaliste. Joanna cherche à voir, à vraiment voir.

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En même temps, elle intègre aussi le monde des yeux fermés : celui de l’imagination, des rêves, des désirs. Elle se rend compte qu’elle est volontairement aveugle, comme nous le sommes tous.

On fait le choix de voir ou de ne pas voir. Peut-être à cause d’un sentiment d’impuissance face aux souffrances dans le monde, les guerres interminables, la crise écologique. Mais Joanna assume pleinement d’admirer et de vénérer la nature, d’être sensible et à l’écoute.

“La pollution et la dégradation de l’environnement, l’épuisement des ressources et le changement climatique, il ne faut pas laisser faire ! Le devoir envers notre terre est de la respecter et de la protéger”, explique Joanna.

Ce sont tous ces sujets qu’elle aborde avec son exposition personnelle nommée “Les Yeux Fermés”.

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Une exposition qui se déroulera pendant le “Loca’Val”

Joanna soutient l’événement Loca’Val depuis sa toute première édition. Pour ce projet dédié aux initiatives locales invitant à consommer de manière plus durable et plus responsable, elle avait animé dès 2020 un atelier de papier mâché avec le public.

L’année suivante, elle avait aussi exposé quelques-unes des œuvres réalisées avec les élèves des classes qu’elle anime en tant qu’Intervenante en art.

En parallèle, Joanna participe aussi depuis plusieurs années avec la ville de Valbonne : elle a notamment intégré l’Artothèque, avec laquelle elle a déjà réalisé plusieurs expositions et événements.

Pour la 4ème édition de Loca’Val, Joanna va présenter une grande partie de son travail durant une exposition où tableaux et sculptures communiquent. Dans certains tableaux, les visiteurs les plus avertis remarqueront aussi une référence visuelle, un élément caché qui évoque une œuvre d’art célèbre.

Joanna, quant à elle, a hâte de découvrir les ressentis des spectateurs…

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L’avis de Patricia Civel, directrice de l’Artothèque Valbonne

“Douée d’un exceptionnel talent de dessinatrice, Joanna Painter, artiste anglaise au nom prédestiné, propose sa vision du monde à travers des toiles percutantes où la nature est notamment représentée dans toute sa force.

Joanna Painter, artiste anglaise installée à Saint Paul de Vence, a eu la chance au début de sa carrière d’être exposée à la “National Portrait Gallery” où ses talents exceptionnels ont été remarqués.

La Côte d’Azur lui apporte une qualité de lumière inédite pour elle et la conforte dans sa recherche absolue du détail. Si aucune photographie ni transposition ne s’interposent entre elle et son sujet (techniques souvent employées par les tenants de l’hyper-réalisme), son style s’apparente à ce courant où elle ne se reconnaît qu’à moitié. Sa maîtrise parfaite du dessin lui permet de représenter tout sujet avec une vérité criante.

Mais Joanna ne se contente pas de ce savoir-faire. Engagée au niveau de ses idées, passionnée par les combats de son époque (situation de la femme, lutte pour la protection de l’environnement, etc.), ses toiles prennent des allures de manifestes où elle n’hésite pas à se représenter en personne.

Consciente du pouvoir pacifique des images, elle revendique également une sorte de droit au bonheur pour tous.”

J’essaie d’ouvrir une porte entre la réalité et un autre monde que j’ai entrevu. Je me sens investie d’une mission: créer des tableaux de grande qualité qui ont le pouvoir de transporter les gens à travers leur imagination dans un lieu magique. Je veux qu’ils se sentent exaltés, connectés à une énergie plus forte, comme moi-même quand je peins…

 Joanna Painter

Une artiste bilingue aux multiples facettes

Cette exposition est une porte d’entrée qui permet de s’immerger dans l’univers de Joanna.

Au-delà des tableaux, dessins et sculptures originaux qui seront proposés à la vente de 500€ à 5000 €, les amateurs d’art, de beauté et de nature pourront aussi échanger avec l’artiste et, pourquoi pas, découvrir par la suite d’autres facettes du travail de cette artiste passionnée.

Impressions fine-art

Parce que l’art doit toujours rester accessible à tous, même avec un petit budget, Joanna propose des dessins et des impressions fine-art à des tarifs très abordables (de 45 à 150 €).

Commandes

Joanna réalise des tableaux “la commande” à partir de 500 €.

Cours d’art pour adultes et enfants à partir de 3 ans

Joanna a beaucoup travaillé dans les écoles en tant qu’Intervenante agrémentée en art pour l’Éducation Nationale. Elle a également travaillé avec une compagnie de théâtre pour enfants pour laquelle elle a dirigé les ateliers pour créer le décor et les accessoires pour leurs spectacles.

Un engagement qui lui tient particulièrement à cœur : “Il est fondamental de partager l’art avec les enfants, afin de développer leur créativité et leur expression artistique. Tout simplement parce que le futur leur appartient ! Pourtant, aujourd’hui, il y a peu de place pour valoriser leur inventivité dans le système éducatif…”

Aujourd’hui, de nombreux élèves, adultes comme enfants, participent à ses cours d’art plastique dans son atelier.

À propos de Joanna Painter

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Joanna est née à Changi (Singapour), car son père Rod Painter travaillait dans la Royal Air Force (l’armée de l’air britannique). Elle a ensuite grandi dans le Devon, en plein cœur de la campagne anglaise.

Elle a réalisé ses études à l’université de Warwick, mais Joanna a aussi beaucoup appris en regardant les œuvres dans les musées et galeries d’art, comme la Tate Gallery.

Le portrait a toujours été très important pour moi ! C’est en réalisant une série d’autoportraits que j’ai appris à me connaître. J’ai ainsi découvert la joie et la passion, deux moteurs qui m’ont d’ailleurs permis de surmonter une dépression.

Le talent de Joanna est très vite remarqué : en 1993 et 1994, elle est sélectionnée pour intégrer le BP Young Artist of the Year exhibition au National Portrait Galley à Londres.

Quatre ans plus tard, en 1998, Joanna emménage à Nice avec son mari. Puis, suite à la naissance de leurs enfants, toute la famille s’est installée à La Colle sur Loup.

En 2020, ils ont emménagé dans leur nouveau home sweet home, idéalement situé dans le village d’artistes de Saint-Paul-de-Vence.

Un parcours artistique résumé en quelques temps forts

​Formation 

  • BA in ART with qualified teacher status
  • Warwick Univesity 1989-92

Distinctions et récompenses

  • BP Young Artist of the Year Exhibiton 1993 & 1994
  • The National Portrait Gallery, London

Expositions Solo

  • Beaulieu sur-mer « Force Vitale » 2000 & « Cherchant l’Esprit de la Nature » 1999
  • Villefranche sur-mer « Quintessence »2001
  • La Colle sur Loup « Portraits d’un Artiste » 2011

Expositions Collectives

  • Royal West of England Academy, Beatrice Royal Gallery, Eastleigh, UK. Romainmôtier & Vevey Suisse
  • Nice, Bar sur Loup, La Colle sur Loup, Fréjus, Tourrettes sur Loup, Théoule-sur-Mer, Valbonne …..

Expériences professionnelles et manifestations marquantes

  • Intervenante en art (agrémentée Éducation Nationale) depuis 2009
  • Participation chaque année au Festival d’Arts Plastiques pour Enfants (FAPE à Mouans Sartoux)
  • Direction des ateliers pour enfants, création de décors et accessoires pour les spectacles de Beauville Arts (stages artistiques & théâtre musical)
  • Enseignante en art ; enfants et adultes avec l’association « Art Expression avec Jo Painter »
  • Participation aux manifestations : La Fête de la Rose et les Métiers d’Antan à La Colle sur Loup, Les 500 ans de Valbonne et la Commémoration de la 1ere Guerre Mondiale à Valbonne, artiste de l’Artothèque de Valbonne et de l’association Art Tisse…

Informations pratiques

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“Les Yeux Fermés” – Une exposition de peinture et sculptures de Joanna Painter inspirées par la nature.

  • Lieu : salle Saint-Esprit, rue de la Paroisse, 06560 Valbonne
  • Dates : du mardi 9 avril au dimanche 21 avril
  • Horaires : ouvert tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 18h
  • Vernissage : à partir de 18h, le mardi 9 avril
  • Dernissage : en présence du Maire, pour la fête de Loca’Val le dimanche 21 avril à 11h

En savoir plus

Site web : https://www.joannapainterart.com/

Facebook :

Instagram : https://www.instagram.com/joannapainterart/

TikTok : https://www.tiktok.com/@user4276717606121?_t=8i2XvTYYeYK&_r=1

Acapelart, la start-up qui révolutionne l’accès à l’Art et à la créativité, lance sa Marketplace

Les gens disent souvent qu’ils aimeraient laisser plus de place à la créativité dans leur vie. Mais en pratique, ce n’est pas si simple : quand on jongle avec des agendas surchargés, on n’a pas toujours le temps de s’inscrire à un atelier de chant gospel, de dessin ou de street art.

Pourtant, il y a bien d’autres manières de vivre sa créativité et de l’exprimer. À travers nos actions. Ce que l’on fait, ce que l’on expérimente, ou ce que l’on vit.

Mais aussi à travers ce que l’on porte, et ce que l’on possède, nous pouvons faire entrer l’Art et la créativité dans notre vie.

Tout simplement à travers les objets du quotidien.

Avec des objets qui divertissent l’âme.

Des objets qui font voyager l’imagination. Des odeurs, des images, des couleurs qui provoquent en nous des émotions. Et qui nous rappellent des moments heureux ou des souvenirs d’enfance.

C’est pour cela qu’Acapelart lance sa Marketplace : elle invite à vivre une expérience d’Artiste, à la fois pour les clients et pour les créateurs. 

Elle propose ainsi une sélection de produits qui participent à développer la créativité, l’inventivité, le beau.

Un large choix de créations inspirantes et uniques qui font grandir l’être humain

Via la Marketplace Acapelart, quelques clics suffisent pour accéder des objets inspirants qui développent la créativité, la curiosité, le bien-être, le plaisir de partager et de transmettre.

Des objets qui prennent soin :

  • De l’humain (corps, inspiration et esprit) ;
  • Et de l’âme (créativité, intuition et spiritualité).

On y trouve ainsi des pièces uniques (production originale) ou des petites séries artisanales telles que : de la papeterie, des bijoux, des produits pour le soin du corps, des livres sur l’Art, la créativité, le développement personnel et spirituel, des tableaux, des produits siglés Acapelart, des créations sur mesure d’artistes…

Un univers coloré et contrasté

Parce que “l’Art c’est la joie”, la Marketplace Acapelart respire la convivialité, le partage, l’envie de créer. Elle insuffle l’ambiance de la boutique de quartier, comme le marché du dimanche matin : il y a de la bonne humeur, de la proximité… mais en ligne.

Érika Galland, la fondatrice, connaît d’ailleurs personnellement tous les créateurs qui sont sur la Marketplace. Ainsi tous les produits sont choisis avec soin, puisqu’elle les utilise aussi !

Geneviève Eve Roussel ses créations sont sur la marketplace Acapelart (1)

Dénicher les talents d’aujourd’hui et de demain

N’avez-vous jamais rencontré une personne qui avait, comme on dit, de “l’or dans les mains” ?

Acapelart a déjà permis à des personnes de faire de leur musique un métier, de faire de leurs dons une activité professionnelle rémunératrice grâce à l’animation d’ateliers créatifs.

Avec cette nouvelle marketplace, elle poursuit cette mission : elle soutient les artistes créateurs et les artisans en leur permettant de vendre leurs produits en ligne et toucher ainsi plus de monde.

Ils se familiarisent en douceur avec le monde de l’entrepreneuriat, le monde du e-commerce et du numérique et goûtent aux joies de la co-création.

C’est pour cela que la marketplace a aussi vocation à se développer en accueillant de nouveaux créateurs et de nouveaux produits, tout en renforçant sa visibilité sur différents canaux de communication.

Par la suite, la marketplace sera ouverte aux Arts du monde.

Delphine Verrière Artiste peintre créatrice sur la marketplace Acapelart (1)

Mylène Vayssière Je Cosmétique suer la marketplace Acapelart (1)

Remettre l’humain au cœur du digital

Internet a joué un grand rôle dans la démocratisation des Arts créatifs et dans leur accessibilité. Les artistes créateurs se sont mis à créer des blogs, à être présents sur les réseaux sociaux pour partager leur processus créatif, parler de leur art, des techniques de création, pour inspirer, transmettre.

Cela a permis quelque part de revaloriser le métier d’Artistes créateurs et des artisans, en montrant qu’il s’agit d’un “vrai” métier.

Pour autant, il reste encore du travail à faire pour accompagner les Artistes pour qu’ils puissent vivre correctement de leur savoir-faire, tout en cassant les préjugés sur leur métier.

La Marketplace Acapelart va participer à cette évolution… mais pas que ! Elle a aussi été conçue pour favoriser les liens entre les Artistes créateurs et les artisans, pour créer une communauté soudée autour de la passion commune de l’Art, sous toutes ses formes

La création artistique est souvent une démarche solitaire où la concurrence est rude. Même s’il existe des maisons d’artistes, des structures dédiées à la création artistique, elles sont la plupart du temps consacrées à un seul Art. Les Arts visuels ensemble, la peinture contemporaine d’un côté, les Arts du cinéma de l’autre, etc. Tout est très cloisonné, les interactions quasi inexistantes.

Chez Acapelart, il n’y a pas de concurrence. Ici, il y a de la place pour tout le monde et pour toutes les sensibilités. Et surtout, on travaille en équipe. Chacun est riche de compétences et d’expériences, il peut en faire profiter les autres et en profiter lui-même.

C’est extrêmement motivant, on avance plus vite et ça permet de sortir de sa solitude.

Acapelart, c’est comme une famille : cette communauté d’artistes cultive un sentiment d’appartenance, car tous partagent des valeurs communes, les mêmes envies et besoins de réalisation ou de choix de vie.

Acapelart : Mettre la créativité au cœur de la vie

L'équipe Acapelart l'art et la culture pour tous Erika Galand (2)

 

L’Art est fait pour être partagé.

Depuis bientôt 4 ans, Acapelart met de la créativité dans nos vies avec la création et l’animation d’ateliers ludiques, créatifs et pédagogiques pour les particuliers mais aussi dans les écoles, les structures accueillant des publics à besoins spécifiques, les collectivités et les entreprises.

La partie web n’est pas non plus oubliée. Avec des propositions de cours en ligne collectifs et individuels, à l’année ou pendant les vacances scolaires.

Acapelart poursuit ainsi une double mission :

  • Rendre la Culture accessible à tous à travers la découverte et la pratique des Arts vivants et des langues ;
  • Valoriser le travail des Artistes créateurs et Artisans afin de les accompagner dans leur développement métier.

Et le concept cartonne !

Riche d’une équipe d’intervenants et de professionnels qualifiés, Acapelart intervient désormais dans une vingtaine d’écoles et de collectivités en région parisienne avec 60 ateliers hebdomadaires. Cette start-up dynamique propose également une quarantaine de stages et cours à l’année ainsi que des événements ponctuels.

Convaincue qu’il n’y a pas de petits ou de grands artistes, Acapelart lance à présent sa Marketplace pour soutenir le travail des artistes créateurs et leur donner de la visibilité en créant une plateforme web.

Acapelart ambitionne aussi de développer un centre de formations professionnelles métier pour les artistes. Elle proposera également une formation à l’enseignement ou la transmission par les Arts pour les équipes pédagogiques.

En effet, ces projets viennent soutenir la grande vision d’Acapelart : Créer un écosystème autour de l’Art et des métiers artistiques pour que l’Art fasse partie inhérente des besoins fondamentaux de chaque Être humain.

À propos d’Érika Galland, la fondatrice

Ma devise : “LA VIE, C’EST EXPÉRIMENTER. Essayer. Découvrir. S’amuser. Rire. Sourire. Apprendre. Partager. “

De responsable en développement durable à fondatrice d’Acapelart, il n’y a qu’un pas qu’Érika Galland franchit allègrement en pleine période de confinement.

Cette maman passionnée d’Art et de Culture depuis toujours a décidé un beau jour de printemps de concrétiser ses envies créatives en projet entrepreneurial. Acapelart est né.

“Enfant, j’avais le rêve de devenir chanteuse. Le métier d’Artiste m’attirait. Mais Artiste, ce n’est pas un métier, me répétaient mes parents”, explique-t-elle.

Alors, Érika part étudier en Angleterre. Revenue en France avec un diplôme en école de commerce en poche, elle travaille dans le domaine de la communication puis du développement durable au sein d’une multinationale française.

L’arrivée de ses enfants lui donne le premier élan, celui d’apprendre le piano et l’opportunité par la même occasion de se reconnecter à l’art. Puis, le confinement en 2020, lui offre le deuxième élan, celui de la concrétisation de sa vision, celle qui ne l’a jamais lâchée.

Elle explique : “Avec la pandémie, tout s’est arrêté du jour au lendemain. Les spectacles, les cours de musique, le sport n’étant pas de “première nécessité”, je me suis retrouvée à la maison avec mes enfants sans plus aucune activité culturelle ni contact humain.”

Elle donne alors naissance à Acapelart pour permettre l’accès aux Arts vivants et à la culture pour tous.

À partir de là, tout s’enchaîne très vite. En un week-end, Érika trouve les premiers intervenants, des êtres passionnés de leur art, qui ont à cœur de le transmettre. Les premiers ateliers en visio voient le jour.

Suivront la plateforme web, les stages, les ateliers créatifs en présentiel, les activités ludiques et pédagogiques pour les collectivités, les écoles et les entreprises, le blog, la boutique en ligne et désormais la marketplace.

En savoir plus

Marketplace : https://acapelart.com/marketplace/

Site web : https://acapelart.com/

Facebook : https://www.facebook.com/acapelart

Instagram : https://www.instagram.com/acapel_art/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/acapelart/

À ne pas manquer en décembre : Opera a Palazzo, l’opéra dans un lieu d’exception au plus près des artistes, annonce 6 dates dans le salon d’honneur de la Monnaie de Paris

Opera a Palazzo est un projet unique en France qui offre aux participants, en nombre limité, l’incroyable chance de découvrir et de vivre l’opéra autrement, au plus près des artistes.

Chacune de ces représentations invite à vivre une expérience exceptionnelle, un moment hors du temps, riche en émotions et en émerveillements.

Dans un cadre somptueux, évoquant l’histoire et la culture de la capitale, les spectateurs sont plongés au cœur même de l’opéra, à proximité des chanteurs et des musiciens. Les distances s’effacent, la musique et les voix emportent les cœurs et les âmes…

Ces soirées confidentielles et atypiques séduisent : après deux saisons à l’Hôtel Dosne-Thiers et au Musée Jacquemart-André, Opera a Palazzo est accueilli cette année dans le magnifique salon d’honneur de la Monnaie de Paris.

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Du 15 au 31 décembre, 6 représentations d’opéra exceptionnelles permettront de (re)découvrir les plus grands airs du patrimoine lyrique :

  • Trois soirées avec La Traviata, les 15, 29 et 30 décembre à 20h30 ;
  • Une matinée lyrique autour de grands airs d’amour de l’opéra italien avec des extraits de l’Elisir d’amore, de Norma, de la Bohème et de Rigoletto, le 16 décembre à 15h30 ;
  • Une soirée Mozart, le 16 décembre à 20h30, avec des scènes de Don Giovanni, Le Nozze di Figaro, Die Zauberflöte et Cosi fan tutte ;
  • Une soirée de gala pour le réveillon du Nouvel An, le 31 décembre à 20h30, avec un programme festif créé spécialement pour l’occasion avec de grands extraits d’opéras et d’opérettes viennoises.

Ces moments exclusifs permettent aussi de découvrir la plus ancienne des institutions françaises, au cœur de Saint-Germain-des-Prés, avec des vues exceptionnelles sur la Seine et le Louvre.

Ce format intimiste et la qualité des artistes enthousiasment aussi bien les mélomanes avertis que les curieux de soirées inédites.

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La Traviata – 15, 29 et 30 décembre 2023 à 20h30

Qui n’a pas déjà rêvé de partager une coupe de champagne avec Violetta ?

L’adaptation proposée par Opera a Palazzo est centrée sur les 3 rôles principaux, accompagnés par trois musiciens. Elle a été primée au Argus Angel Award.

Durée : 2h00 dont 1h30 d’opéra.

Les artistes

ARMELLE KHOURDOÏAN – Soprano

Révélation Artiste Lyrique de l’Adami 2014, elle a fait ses premiers pas à l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris. À Milan ou sur la vaste scène Chorégies d’Orange, sa voix riche excelle dans de nombreux répertoires.

CHRISTOPHE DE SOLAGES – Ténor

Avec un talent prononcé pour les langues, il explore un vaste répertoire qui s’étend de la musique baroque au contemporain, tant à l’opéra qu’au concert interprétant aussi bien Bach, Verdi ou Strauss.

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Les Barytons :

  • JIWON SONG , le 15 décembre. Après son diplôme obtenu à Parme, le baryton Jiwon SONG s’installe en France où il se produit sur de nombreuses scènes d’opéras. Titulaire de récompenses et premiers prix, il remporte également un vif succès au concert ou en récital.
  • MARC SOUCHET, le 29 décembre. Avec sa voix puissante et chaude adaptée au répertoire italien, le baryton Marc Souchet a déjà incarné de nombreux rôles verdiens et pucciniens. Il a également exploré les opéras Français qu’il aborde avec la même facilité.
  • BENOIT GADEL, le 30 décembre. Avec sa voix longue, Benoît Gadel débute sa carrière par les rôles de basse avant de s’orienter vers le répertoire de baryton avec facilité. Mozart, Puccini, Bizet mais aussi Verdi et les compositeurs baroques sont son quotidien.

Les Pianistes et Chefs de chant :

  • PHILIP RICHARDSON, le 15 et 30 décembre. Artiste aux multiples talents capable de transcrire ou de coacher, il est un familier de l’Opéra national de Paris ou de l’Opera Ballet Vlaanderen d’Anvers où il est demandé régulièrement.
  • YUKO OSAWA, le 29 décembre. Précoce, Yuko Osawa commence le piano dès l’âge de 2 ans. Elle obtient ses diplômes au Japon où elle exerce avant que sa passion pour le répertoire vocal, notamment français, la conduise à Paris. Très sollicitée, elle participe à de nombreux projets.

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Les Violonistes

  • ANNIE GROPMAN, le 15 décembre. Elle obtient une médaille d’honneur de la ville de Bordeaux après avoir commencé le violon à l’âge de 8 ans. Sa carrière entamée à Rotterdam la conduit au Portugal puis en France où elle se produit dans différents ensembles prestigieux.
  • ESTELLE DIEP, les 29 et 30 décembre. Elle commence le violon à l’âge de 4 ans. Elle se produit régulièrement dans divers ensembles pour interpréter un vaste répertoire comme la musique de film. Elle participe à de nombreuses productions lyriques.

Les Violoncellistes

  • CECILIA CARENO, le 15 décembre. Née dans une famille de musiciens, elle assiste à son tout premier opéra derrière la fosse ! La musique classique a toujours fait partie de sa vie et sans surprise, elle se produit en soliste, en duo ou au sein d’orchestres réputés.
  • CARLOTTA PERSICO, les 29 et 30 décembre. Née à Paris, Carlotta Persico commence le violoncelle à l’âge de 4 ans. Entre Musique de Chambre et Orchestre, elle se produit dans différentes salles de concert parisiennes mais également à l’étranger notamment à Prague, en Italie et en Colombie.

Matinée Lyrique - Scènes d’amour de l’opéra italien le 16 décembre à 15h30

Armelle Khourdoian

Cette mise en scène originale, entrecoupée d’un entracte avec dégustation de mignardises, permet de découvrir les plus grands airs de :

  • Donizetti / Elisir d’amore : Ouverture, « Come Paride vezzoso », « Caro elisir » – « In guerra ed in amore », « Una furtiva lagrima » ;
  • Bellini / Norma : « Casta Diva » « Deh non volerli vittime » ;
  • Puccini / La Bohème : « Si. Mi chiamano Mimì », « O soave fanciulla », « In un coupé… O Mimi tu più non torni » ;
  • Verdi / Rigoletto : Ouverture , «Questa o quella », « Caro nome », »Cortigiani », « Si vendetta».

Durée : 2h00 dont 1h30 de concert.

Les artistes

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ARMELLE KHOURDOIAN – Soprano

Révélation Artiste Lyrique de l’Adami 2014, elle a fait ses premiers pas à l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris. À Milan ou sur la vaste scène Chorégies d’Orange, sa voix riche excelle dans de nombreux répertoires.

MATTHIEU JUSTINE – Ténor 

Jeune ténor à la carrière des plus prometteuses, il vient de chanter avec un grand succès Alfredo (Traviata, Verdi) à l’Opéra de Reims après avoir été le Nemorino de L’elisir d’amore de la tournée des Chorégies d’Orange.

BENOIT GADEL – Baryton

Avec sa voix longue, il débute sa carrière par les rôles de basse avant de s’orienter vers le répertoire de baryton avec facilité. Mozart, Puccini, Bizet mais aussi Verdi et les compositeurs baroques sont son quotidien.

YUKO OSAWA – Pianiste & Cheffe de chant

Précoce, elle commence le piano dès l’âge de 2 ans. Elle obtient ses diplômes au Japon où elle exerce avant que sa passion pour le répertoire vocal, notamment français, la conduise à Paris. Très sollicitée, elle participe à de nombreux projets.

Le Gala Mozart - Le 16 décembre à 20h30

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Le génie de Mozart : scènes de Don Giovanni, Le nozze di Figaro, Die Zauberflöte, Così fan tutte

Quatre artistes de talent interpréteront les plus beaux airs du musicien prodige pour vous faire vivre une soirée inoubliable autour d’une coupe de champagne et une dégustation de caviar…

Durée : 2h00 dont 1h30 de concert.

Les artistes

EMILIE-ROSE BRY – Soprano

Lauréate de nombreux concours, la soprano franco-américaine Emilie Rose Bry a déjà chanté sur plusieurs continents. Sur scène, interprète investie, elle défend un vaste répertoire de Monteverdi à Rossini avec une prédilection pour Mozart.

CHRISTOPHE DE SOLAGES – Ténor

Avec un talent prononcé pour les langues, le ténor Christophe de Solages explore un vaste répertoire qui s’étend de la musique baroque au contemporain, tant à l’opéra qu’au concert interprétant aussi bien Bach, Verdi ou Strauss

MARC SOUCHET – Baryton

Avec sa voix puissante et chaude adaptée au répertoire italien, le baryton Marc Souchet a déjà incarné de nombreux rôles verdiens et pucciniens. Il a également exploré les opéras Français qu’il aborde avec la même facilité.

KATIA WEIMANN – Pianiste & Chef de chant 

Katia Weimann commence le piano à l’âge de 6 ans et se passionne rapidement pour l’art lyrique. Elle entretient une étroite collaboration avec les chanteurs et accompagne, en tant que pianiste-chef de chant, la Maîtrise Populaire de l’Opéra-Comique.

Le Réveillon Lyrique - Le 31 décembre à 20h30

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Pour la deuxième édition de ce Nouvel An Lyrique, Opera a Palazzo a imaginé un réveillon musical célébrant l’opéra et l’opérette viennoise.

Quatre artistes de talent se produiront dans un programme festif, conçu spécialement pour cette occasion unique. Un cocktail dînatoire d’exception élaboré à partir des meilleurs ingrédients sera aussi proposé accompagné de caviar et champagne.

Fêtons ensemble en musique le passage à l’année 2024 lors d’une soirée exceptionnelle !

Les artistes

ARMELLE KHOURDOÏAN – Soprano

Révélation Artiste Lyrique de l’Adami 2014, elle a fait ses premiers pas à l’Atelier Lyrique de l’Opéra de Paris. À Milan ou sur la vaste scène Chorégies d’Orange, sa voix riche excelle dans de nombreux répertoires

CHRISTOPHE DE SOLAGES – Ténor

Avec un talent prononcé pour les langues, il explore un vaste répertoire qui s’étend de la musique baroque au contemporain, tant à l’opéra qu’au concert interprétant aussi bien Bach, Verdi ou Strauss

MARC SOUCHET – Baryton

Avec sa voix puissante et chaude adaptée au répertoire italien, il a déjà incarné de nombreux rôles verdiens et pucciniens. Il a également exploré les opéras Français qu’il aborde avec la même facilité.

KATIA WEIMANN – Pianiste & Cheffe de chant

Elle commence le piano à l’âge de 6 ans et se passionne rapidement pour l’art lyrique. Elle entretient une étroite collaboration avec les chanteurs et accompagne, en tant que pianiste-chef de chant, la Maîtrise Populaire de l’Opéra Comique.

Informations pratiques

  • Dates : du 15 au 31 décembre 2023 ;
  • Lieu : Hôtel de la Monnaie de Paris 11 Quai de Conti, 75006 Paris ;
  • Dress Code : Tenue de soirée demandée ;
  • Prix : 220 €/billet pour la Traviata, 95 €/billet pour la Matinée Lyrique, 195 €/billet pour le Gala Mozart, et 595 €/billet pour le Réveillon Lyrique.

En savoir plus

Site web : https://opera-palazzo.com/

“NO ARTE”, le mouvement qui démocratise l’accès à l’art contemporain, exposera à Ajaccio du 16 au 27 octobre

Savez-vous que les prix des œuvres proposées dans les galeries d’art sont le plus souvent gonflés de façon artificielle ? Il y a 3 ans, écœuré par ces dérives qui éloignent les artistes du grand public, le peintre corse Pierre-Paul Marchini a lancé un mouvement inédit : NO ARTE.

Un concept hors norme, dans un marché dominé par une logique mercantile. Le principe est simple : en supprimant tous les intermédiaires, dans une dynamique de “circuit court”, NO ARTE propose des œuvres contemporaines à prix atelier.

Avec un objectif : démocratiser l’accès à l’art en osant la proximité avec tous ceux et celles qui sont sensibles au travail des artistes et à l’émotion qui se dégage des œuvres.

Une initiative qui cartonne ! Depuis 2019, de nombreux passionnés et néophytes soutiennent ce projet, notamment en achetant des toiles.

Aujourd’hui, le mouvement indépendant va encore plus loin en allant à leur rencontre : NO ARTE exposera du 16 au 27 octobre à l’espace culturel Locu Teatrale, 8 rue Hyacinthe Campinchi à Ajaccio.

Durant cette exposition, NO ARTE sera fidèle à son principe fondateur : l’Art n’est pas la propriété de quelques-uns… mais de tout le monde ! Les toiles cotées seront donc vendues à prix atelier.

Pierre-Paul Marchini, artiste peintre et fondateur de NO ARTE

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Une exposition sur le thème de l’Univers

À Ajaccio, NO ARTE casse les codes du petit monde feutré et habituellement très fermé de l’art contemporain.

Indépendant et libre, ce mouvement pas comme les autres a imaginé un événement qui fait la part belle aux échanges et à l’ouverture d’esprit.

“Ce sera un moment de partage, destiné à remercier toutes les personnes qui ont soutenu le mouvement, mais aussi en rencontrer de nouvelles” explique Pierre-Paul Marchini.

Les visiteurs pourront également acquérir des œuvres accompagnées de leur certificat d’authenticité Drouot Cotation et disponibles à prix atelier, avec une facilité de paiement mensualisé.

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Des œuvres qui interpellent et invitent à se projeter

Durant l’exposition, les visiteurs vont vivre une expérience unique en plongeant dans l’art pictural de Pierre-Paul Marchini.

Ses toiles, à l’abstraction tantôt lyrique tantôt décorative, interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste les emporte, avec une puissance conférée par une touche réaliste : son art est nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

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Un artiste à la renommée internationale

Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Ancien fils d’ouvrier, Pierre-Paul Marchini s’est imposé en quelques années sur la scène internationale. Il a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Il a également remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

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Portrait de Pierre-Paul Marchini, un “passeur d’émotions”

Rien ne destinait Pierre-Paul Marchini à devenir artiste peintre. Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier s’est passionné pour le football à l’adolescence. À l’âge de 12 ans, il intègre l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Des années plus tard, Pierre-Paul Marchini se découvre une nouvelle passion en feuilletant un magazine. Alors marié et père de famille, il a un coup de foudre pour la peinture de William Turner. Il se met à étudier son œuvre, et décide de manier lui aussi le pinceau.

Commençant avec la peinture à l’huile, Pierre-Paul Marchini apprend les techniques de base en autodidacte, se formant aux reflets et au jeu de l’ombre et de la lumière. Pour sa première toile, il choisit d’immortaliser les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ». L’artiste avait trouvé sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

Ce style atypique a fait la renommée de Pierre-Paul Marchini en France et à l’étranger.

Informations pratiques

  • Exposition NO ARTE
  • Dates : Du 16 au 27 octobre
  • Adresse : Espace culturel Locu Teatrale 8 rue Hyacinthe campinchi Ajaccio.

En savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Apprenez le Monde 2024 : les candidats ont jusqu’au 30 novembre pour s’inscrire et tenter de remporter 10 000 €

Donner vie à un projet écologique, humanitaire, éducatif ou artistique

Face au succès rencontré par l’édition 2023, la fondation d’entreprise Go&Live relance son prix “Apprenez le Monde” !

En s’engageant, en osant, en s’affranchissant de toutes les barrières, les jeunes talents contribuent jour après jour à dessiner un monde de demain plus solidaire, plus éthique et plus inspirant.

Pour leur donner un coup de pouce dans la réalisation de leurs projets à impact positif, la fondation d’entreprise Go&Live soutient chaque année les 18-28 ans grâce au prix “Apprenez le Monde”.

Pour cette 3e édition, une dotation de 10 000 € va être attribuée à une initiative écologique, humanitaire, éducative ou artistique qui :

  • FAVORISE les projets solidaires dans le monde entier ;
  • ENCOURAGE l’apprentissage et la pratique des langues ;
  • EVEILLE à la découverte des cultures ;
  • CONTRIBUE à l’accès à la formation et à l’éducation.

Les candidatures peuvent être déposées entre le 18 septembre et le 30 novembre 2023.

Nous sommes convaincus que permettre aux jeunes de voyager, de s’ouvrir au monde, constitue une des clés essentielles pour un avenir meilleur.

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Un prix pour aider les jeunes à devenir des citoyens du monde

Aider une école au Bénin en manque de fournitures scolaires, peindre des fresques murales mettant à l’honneur les différentes cultures du Monde, se lancer dans un tour d’Europe en trottinette pour faire des rencontres et transmettre les bonnes pratiques écologiques, lancer un site web destiné à faire découvrir les différentes langues du Monde…

Tous les projets écologiques, humanitaires, éducatifs ou artistiques peuvent être présentés au prix Apprenez le Monde. À une condition : ils doivent s’inscrire dans une dynamique de découverte et d’ouverture aux autres !

Pour participer, les jeunes de 18 à 28 ans (à la date de la remise des prix) résidant en France, en solo ou en groupe de 8 maximum, doivent simplement :

  • Compléter un formulaire pour s’inscrire sur le site de la fondation ;
  • Puis, par la suite, fournir une vidéo de 2 minutes maximum qui présente leur projet, ainsi qu’un budget prévisionnel de leurs dépenses pour la réalisation de celui-ci.

Le lauréat gagnera une enveloppe de 10 000 € pour mener à bien son projet, ainsi qu’un accompagnement par la Fondation d’entreprise Go&Live à chaque étape.

Les dates clés du prix Apprenez le Monde 2024

  • 18 septembre 2023 : Lancement du prix 2024 et ouverture des candidatures ;
  • 30 novembre 2023 : Clôture des candidatures. Tous les dossiers doivent être complets avant cette date butoir (formulaire complété, vidéo de présentation, budget prévisionnel) ;
  • 1er janvier au 15 février 2024 : Mise en ligne des vidéos des candidats sur la chaîne YouTube de la fondation d’entreprise. Étude des candidatures par le jury ;
  • 15 mars 2024 : Remise du prix Apprenez le Monde 2024 à Rodez.

Zoom sur la lauréate 2023 : Louna Ghezi et son “Tour de France des Écoles Écologiques et Solidaires”

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Louna Ghezi, professeure des écoles et professeure de français langue étrangère, allie les dimensions éducative et environnementale.

L’enseignante va réaliser un grand tour de France des écoles écologiques et solidaires afin de faire un état des lieux des pratiques innovantes, en échangeant avec les enseignants et les élèves.

Son objectif : créer des ressources pédagogiques clé en main et en libre accès qui comporteront, pour chaque action, une vidéo, un article et une fiche de préparation en français et en anglais en lien avec le programme de l’Éducation Nationale.

Un beau projet qui a commencé à se concrétiser : dès le mois de septembre, Louna a débuté son Tour de France. Elle va ainsi visiter et travailler avec plusieurs écoles engagées en France. Elle interrogera plusieurs thématiques indispensables pour l’éducation de demain comme : le zéro déchet à l’école, la permaculture, l’école dehors, la coopération, etc.

La fondation Go&Live soutient cette belle aventure en remettant à Louna Ghezi une dotation de 10 000 euros et en lui apportant un accompagnement dans ses démarches administratives.

La Fondation d’entreprise Go&Live : un tremplin pour éveiller les consciences

Lancée en 2019 par Jean Burdin et Xavier Obert alors respectivement Président du groupe et Directeur Général, la Fondation d’entreprise Go&Live aide tous les jeunes à devenir des citoyens du monde grâce au partage des connaissances, de la découverte du monde, et de l’apprentissage des langues étrangères & de nouvelles cultures.

Nous sommes convaincus que s’ouvrir aux autres cultures et civilisations du monde permet de transmettre des valeurs de respect, de connaissance et de partage !

Animée par cette philosophie, toute l’équipe se mobilise pour mettre en exergue des projets à vocation humanitaire, écologique, éducatif, artistique qui, sans le soutien de cette fondation, n’auraient sans doute jamais eu la chance de voir le jour.

Sa force : un engagement sincère et authentique.

Ainsi, même si Jean Burdin a aujourd’hui pris sa retraite, il a conservé sa fonction de Président de la Fondation d’entreprise Go&Live. De son côté, en tant que nouveau Président du groupe Go&Live, Xavier Obert a aussitôt tenu à reprendre le flambeau en relançant le prix Apprenez le Monde en 2023.

Une initiative couronnée de succès : plus de 100 candidatures ont été reçues. L’édition 2024 était donc assurée !

Go&Live, le spécialiste des voyages scolaires et des séjours linguistiques, culturels, éducatifs et sportifs pour les jeunes

Fort de près de 65 ans d’expérience, le groupe Go&Live est un des leaders dans son domaine.

Sa mission : faire des jeunes de demain des citoyens du monde et les accompagner tout au long de leurs parcours, afin de leur permettre de progresser en langue par la découverte du monde, de ses cultures et de ses langues.

Sa marque de fabrique : sa capacité à organiser des séjours et des concepts innovants.

Il possède 5 marques :

  • Nacel, le précurseur et le meilleur des séjours linguistiques depuis 65 ans, offre à des milliers de jeunes l’opportunité de vrais échanges ;
  • Club Langues et Civilisations, spécialiste des séjours linguistiques et culturels depuis 50 ans ;
  • Sports Elite Jeunes, spécialiste des colonies et stages sportifs, encadrés par des coachs et animateurs professionnels ;
  • American Village, les summer camps 100 % anglais, en France, pour apprendre l’anglais en s’amusant, en totale immersion dans la culture américaine ;
  • Sans Frontières, des voyages et séjours itinérants pour les 12 – 25 ans.

En savoir plus

Le prix Apprenez le Monde

La fondation Go&Live : https://fondation.goandlive.org/

Facebook : https://www.facebook.com/FondationGoandLive

Go&Live

Site web : https://www.goandlive.com/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/go&live-group

Facebook : https://www.facebook.com/goandlivegroup

Sculptures textiles : l’artiste française Annie Cicatelli réinvente le crochet dans ses tableaux upcyclés inspirés des fonds marins

Reflet des préoccupations de son temps, l’art contemporain évolue en permanence pour partager un autre regard sur le monde, interpeller les spectateurs.trices et susciter la réflexion sur les enjeux de notre société moderne.

À commencer par la nécessaire préservation de l’environnement, qui inspire les futurs grands noms de demain.

En France, Annie Cicatelli a choisi d’explorer cette thématique en empruntant une voie singulière. Cette artiste atypique donne vie à d’incroyables sculptures textiles, des tableaux colorés à la symbolique forte.

Créées en crochet, une technique qu’elle remet sur le devant de la scène, ses pièces inspirées des fonds marins sont exclusivement conçues dans des matériaux recyclés.

Depuis plusieurs années, toutes mes créations invitent à protéger la planète, et en particulier les océans.

Annie Cicatelli

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Une autre façon de créer pour mieux sensibiliser à la protection de la planète

L’art de demain sera écologique ou ne sera pas… Annie Cicatelli veut créer autrement, en intégrant un précepte clé de la mouvance “zéro déchet” : la ressource la moins polluante est celle qui n’a pas été produite.

Alors pour ses fils et ses supports, elle est devenue une adepte du recyclage. Pour donner vie à ses pièces, elle utilise des planches à repasser, des présentoirs de cartes postales, des grilles, des passoires, ainsi que nombre d’objets récupérés dans les encombrants ou chinés dans les vide-greniers et chez Emmaüs.

Ces matériaux insolites deviennent soudain précieux et occupent une place centrale dans la démarche de l’artiste.

En travaillant au crochet, Annie Cicatelli s’inscrit aussi dans une lignée d’artistes qui ont utilisé le textile dans notre pays, notamment dans la haute couture.

Un savoir-faire qui se transmet depuis des milliers d’années : savez-vous par exemple que le plus ancien témoignage textile retrouvé en France est un fragment de corde en fibres végétales daté du paléolithique, découvert dans la grotte de Lascaux ? Dès cette période extrêmement précoce, les habitants de ce territoire savaient filer et tordre les fibres végétales, première étape d’un processus de plus en plus complexe.

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Un univers à découvrir en France et en Belgique

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Tous ceux et celles qui aiment le travail d’Annie Cicatelli, ou qui souhaitent le découvrir, pourront aller à la rencontre de l’artiste durant plusieurs expositions accessibles en “entrée libre” dans les mois à venir :

  • 22 au 24 septembre : Expo4Art, Halle des Blancs Manteaux, Paris 4ème ;
  • 20 au 22 octobre : Art Shopping Paris, Carrousel du Louvre ;
  • 17 au 19 novembre : Saint-Leu Art Expo, exposition métiers d’art à Saint-Leu ;
  • 15 au 17 décembre : Expo4Art, Halle des Blancs Manteaux, Paris 4ème ;
  • 4 au 28 janvier : exposition à l’Espace Art Gallery, Bruxelles, Belgique ;
  • 17 au 21 janvier : salon d’Automne, La Villette.

À propos d’Annie Cicatelli

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Annie Cicatelli a longtemps fait du dessin pour la broderie et elle a d’ailleurs publié plusieurs livrets sur le sujet.

Passionnée par le crochet, elle a découvert cette technique au Brésil, où elle a vécu plus de 25 ans sur une île, dans une région qui œuvre pour la préservation de l’environnement et des tortues marines.

Là-bas, le crochet est très présent dans les objets du quotidien. Il est même très tendance : sur les réseaux sociaux, les gens et les artistes affichent fièrement leurs réalisations créées avec cette technique.

C’est cet état d’esprit et ce savoir-faire qu’Annie Cicatelli souhaiterait diffuser en France le plus largement possible.

Notre pays a une véritable culture textile ! Nous sommes réputés dans le monde entier pour la qualité technique et artistique de nos tapisseries, soieries, dentelles, broderies et étoffes imprimées. Il est donc temps de redonner toute sa place au crochet.

Dans quelques années, elle prévoit ainsi de lancer une structure pour accueillir d’autres adeptes du crochet, hommes ou femmes, à la retraite ou ayant des enfants en bas-âge (ce qui n’est pas compatible avec des horaires “de bureau”). Pour les aider à avoir un complément de revenus, cette structure leur fournirait du matériel, des patrons, et toutes les conditions nécessaires pour la confection d’objets déco ou vestimentaires. Ils pourraient ainsi être rémunérés en fonction de leur production.

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En savoir plus

Site web : https://www.anniecicatelli.com

Blog : https://anniecicatelli.wordpress.com/

Instagram : https://www.instagram.com/anniecicatelli/

Facebook : https://www.facebook.com/annie.cicatelli

Inclusivité : une exposition célèbre jusqu’au 20 septembre les 30 ans de la Théorie érotique du clocher de Collioure

Lancée en 1993 par Marc André 2 Figueres, la théorie érotique du clocher de Collioure est une des premières œuvres d’art inclusive qui préfigurait l’évolution de la société occidentale vers un monde non genré.

À sa sortie, elle a suscité un intérêt important du fait du caractère novateur, profondément intime et provocateur de cette vision artistique.

Elle fête aujourd’hui ses 30 ans, au travers d’une exposition commémorative et évolutive dans la galerie de l’ancienne mairie de Collioure.

À voir d’urgence, jusqu’au 20 septembre 2023.

Aujourd’hui, pour ces 30 ans, la Théorie érotique du Clocher de Collioure est devenue le symbole d’une société occidentale en transition vers un monde “dé-genré” qui ne dérange plus.

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Une vision artistique du territoire

La Théorie érotique du Clocher de Collioure est une vision artistique du territoire créée et développée par l’artiste Marc-André 2 Figueres.

Cette théorie désigne principalement l’ouvrage éponyme de l’artiste mais constitue, dans l’esprit et l’intention de son auteur, un acte artistique plus large qui comprend des peintures, des gravures et a inspiré une installation permanente de sculptures.

La baie de Collioure est révélée comme « hermaphrodite » avec son clocher « phallique » et une architecture du Port évoquant des courbes féminines.

La genèse d’une approche novatrice

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Le clocher de l’Église de Collioure est le seul au monde à avoir les pieds dans l’eau mais il possède une particularité encore plus singulière puisqu’il est surnommé : le clocher phallique.

À partir de cette idée, Marc-André 2 Figueres a élaboré une “Théorie Érotique du Clocher de Collioure”, articulée autour de 23 toiles, de dessins et d’une publication.

Cette théorie est alimentée par la confrontation de deux documents :

  • Une vue topographique de Collioure ;
  • Et une coupe anatomique longitudinale d’une femme enceinte, réalisée d’après des études de Léonard de Vinci sur le corps humain.

La comparaison va s’établir par le jeu d’associations anatomiques des différentes parties du port, observées à partir de deux points de vue particuliers, de près ou de loin. Celle-ci est une vue de l’esprit, une re-construction de la réalité un peu comme dans un procédé en trois dimensions.

Une transposition du paysage à partir de deux images juxtaposées, à priori identiques mais en réalité légèrement différentes parce que conçues l’une pour l’œil droit et l’autre pour l’œil gauche.

Les deux yeux ne voyant pas les mêmes choses, le cerveau va superposer les deux propositions pour n’en former qu’une seule, une image nouvelle, recomposée, imaginaire mais pourtant bien vivante, qui va synthétiser les nouveaux pôles topographiques attribués au corps.

Aller plus loin avec le livre éponyme

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La Théorie érotique du Clocher de Collioure est aussi un ouvrage de l’artiste Marc-André 2 Figueres paru en juillet 1993. Il est paru simultanément en français et en catalan.

Ce livre présente cette théorie avant-gardiste, soutenue pour la première fois en 1992 par l’artiste Marc-André 2 Figueres dans le chapitre 14 de sa thèse de doctorat “Territoire empreint – emprunt de territoire”.

L’artiste y livre sa vision artistique du territoire à partir d’une observation physique de ses caractéristiques. Il effectue ainsi une lecture « genrée » de la réalité du territoire et la fait partager au lecteur. Dans cette vision, la baie de Collioure est révélée comme « hermaphrodite » avec son clocher « phallique » et une architecture du Port évoquant des courbes féminines.

La Théorie érotique du Clocher de Collioure est composée de six chapitres :

  1. L’expérience générale d’observation du paysage particulier de Collioure.
  2. La description du clocher de Collioure.
  3. Le cœur de la « Théorie » : explication des points de rapprochement opérés par l’artiste entre une coupe longitudinale féminine (d’après une étude de Léonard de Vinci) et une vue topographique du Port de Collioure.
  4. La dualité et l’hermaphrodisme dans la vision artistique.
  5. Le concept de l’empreinte, auquel l’artiste donne une dimension spirituelle et artistique.
  6. Une courte conclusion sur la portée philosophique de la Théorie érotique du Clocher de Collioure dans la perception du territoire en général.

À propos de Marc-André 2 Figueres, artiste précurseur

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Après des études à l’École supérieure des Beaux-arts de Perpignan, Marc-André 2 Figueres entame des recherches sur les techniques de moulage et invente de nouveaux procédés. Parallèlement, il développe son travail autour des entonnoirs et du concept d’objets hermaphrodites à partir de 1987. Docteur en Art et sciences de l’art de l’Université de Paris I-Sorbonne en 1992, il y enseigne à partir de l’année suivante, avant d’y fonder le laboratoire ARTS (Arts, Recherches, Technologies, Sciences).

Marc-André 2 Figueres est l’auteur de la Théorie érotique du clocher de Collioure3, qui a donné lieu à l’installation d’un parcours de sculptures-cadres (cadres vides) : les Points 2 vue dans cette commune en 2005.

L’objet fétiche de l’artiste, vu par lui comme un symbole du genre, est l’entonnoir. Il y voit « la dualité du féminin et du masculin. Il contient la féminité et incarne la virilité à l’extérieur. » L’artiste l’a décliné sous différentes formes et différents supports tout au long de sa carrière. Une rétrospective, organisée en 2011 à Perpignan, a retracé l’ensemble de ces travaux dans cinq musées et à travers la ville. Marc-André 2 Figueres obtient le 8 septembre 2011 le record du monde Guinness pour la réalisation de l’entonnoir le plus grand du monde.

En juillet 2012, il crée le premier timbre-poste creux au monde pour la poste andorrane et construit sur le modèle du Point 2 vue.

En 2013, Marc-André 2 Figueres installe à Sorède (Pyrénées-Orientales) un cadran solaire monumental de douze mètres de haut en hommage au padre Himalaya qui construisit le plus grand four solaire de l’époque, en 1900, à Sorède.

L’installation en 2014 d’un nouveau cadran solaire monumental à Rivesaltes (Pyrénées-Orientales), Solart2, marque la spécialisation de l’artiste dans la réalisation de cadrans solaires monumentaux.

Ce dernier cadran solaire est par ses dimensions, trente mètres de long et vingt-deux mètres de haut, un des plus grands cadrans horizontaux d’Europe. Solart2 est le seul projet des Pyrénées-Orientales labellisé par l’UNESCO dans le cadre de l’Année internationale de la lumière et des techniques utilisant la lumière en 2015. En 2016, Solart222 est l’objet d’étude d’un projet pédagogique mené par l’école de Saint-Brévin-les-Pins en Loire-Atlantique et distingué en 2017 par la fondation La Main à la pâte, soutenue par l’Académie des sciences.

Informations pratiques

  • Exposition Théorie Érotique du Clocher de Collioure de Marc-André 2 Figueres
  • Lieu : Galerie de l’ancienne mairie
  • Adresse : 16 place du 18 juin 66190 Collioure
  • Dates : Jusqu’au 20 septembre

En savoir plus

Découvrir la Trilogie érotique du Clocher de Collioure : https://www.ma2f.com/trilogie-erotique/theorie-erotique-clocher-collioure/

Site web : https://www.ma2f.com

Facebook : https://www.facebook.com/ma2f

Instagram : https://www.instagram.com/defigueres

Jean-Pierre RIVES x Château de La Rivière : COCO SERIES by Rives, la nouvelle collection de bouteilles qui allient Art, Vin et Rugby

Artiste mémoriel, patriote et généreux, l’ancien rugbyman de légende Jean-Pierre Rives contribue au rayonnement de la France et célèbre, à travers une partie de son œuvre, la grandeur de l’hexagone et l’héroïsme de ses illustres représentants tombés sur le champ de bataille.

Une de ses sculptures a été inaugurée devant le Stade de France en compagnie du Président François Hollande. Dans l’Aisne, il a aussi réalisé, en mémoire des rugbymen tombés sur le Chemin des Dames, un monument aux morts.

En 2023, la Fondation Ferrasse, dont l’action est de venir en aide aux grands blessés du rugby, ainsi que l’association Le Colosse aux Pieds d’Argile – venant en aide aux sportifs victimes de violences sexuelles – ont pu, elles aussi, bénéficier de la magnanimité de Jean-Pierre Rives.

Désireux de s’affranchir de tous les carcans, cet artiste atypique ose aussi explorer les multiples facettes d’un art plus populaire, destiné à démocratiser l’accès à la culture.

Dans l’optique de rendre hommage à la France, au sport et au rugby en particulier, il a notamment créé une série populaire autour du coq, emblème hexagonal et sportif par excellence.

Ce sont ces œuvres qui ont séduit le prestigieux Château de La Rivière, propriété viticole bordelaise en appellation Fronsac (Libournais – Rive droite).

En collaboration avec Jean-Pierre Rives, il lance la gamme de vins COCO SERIES by Rives, avec des bouteilles ornées des étiquettes représentant les œuvres “Fier comme un Coq” de l’artiste.

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Une aventure collective née d’une belle rencontre

L’idée de cette collection a jailli lors d’échanges entre Jean-Charles Maurat, agent de l’icône du rugby mondial Jean-Pierre Rives, et Hervé Beaufils, imprimeur d’étiquettes de vins dans le Bordelais, passionné de rugby et de vins.

Ensemble, ils imaginent produire un vin qui serait proposé dans des bouteilles illustrées avec les œuvres de Jean-Pierre Rives. Un projet un peu fou, qui va pourtant prendre vie lorsque Hervé Beaufils va en parler à Xavier Buffo, le directeur général du château de La Rivière.

Présent sur le domaine depuis 1997, cet Ingénieur agronome et œnologue de formation est aussi un authentique amoureux du rugby ! Il y a d’ailleurs joué en amateur au niveau régional.

Enthousiaste, Xavier a donc proposé ses vins comme support aux œuvres de Jean-Pierre Rives.

Une collaboration cohérente avec l’implication culturelle du Château

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Le Château de La Rivière est une propriété historique du Bordelais : un château du 16ème siècle, grande propriété de 100 ha abritant 8 ha de caves souterraines, des vins reconnus dans le monde entier.

Déjà très fortement impliqué dans la culture, il organise depuis 2017 le Festival Confluent d’Arts. Un événement majeur dans la région, qui a déjà accueilli de grands noms de la chanson : Véronique Sanson (2023), Ben Mazué (2022), Catherine Ringer (2021), Thomas Dutronc (2019), Goran Bregovic (2018) et Yuri Buenaventura (2017).

Zoom sur la gamme COCO SERIES by Rives

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Cette belle gamme est composée de 3 vins sélectionnés avec soin :

  • Un Rouge : Château de La Rivière 2016 – AOP Fronsac – 35 € TTC (Prix public conseillé) ;
  • Un Blanc : Château de La Rivière 2021 – AOP Bordeaux Blanc – 21 € TTC (Prix public conseillé) ;
  • Un Rosé : Domaine de La Giscle 2022 – AOP Côte de Provence - 15 € TTC (Prix public conseillé).

COCO SERIES by Rives propose ainsi 9 lithographies représentées en Édition Limitée, chaque vin arborant 3 œuvres.

Mettre la culture à la portée de tous

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Ayant réinterprété les motifs, styles, éléments et idées de la culture populaire des années 50 – revisitation -, passant du brutalisme à l’abstraction géométrique sans jamais renoncer à son amour des grandes sculptures en IPN, Jean-Pierre Rives cultive et entretient son envie sincère de continuer à délivrer ses messages à travers son renouveau artistique.

La remise en question permanente de son art et de ses diverses mises en œuvre sont les caractéristiques intrinsèques de cet artiste singulier…

… qui n’hésite pas à créer la surprise en opérant une dichotomie entre l’artiste et le rugbyman.

Ses œuvres sont ainsi destinées à une clientèle de collectionneurs et aux musées, tant en France qu’à l’international puisque Jean-Pierre Rives expose aussi à Monaco, à Shanghai, à Sydney, au Cap, à Dubaï, à San Francisco, ou encore à New York.

Mais l’artiste va encore plus loin, en revendiquant son côté sportif et populaire. Il est par exemple le créateur du Trophée Garibaldi, venant récompenser, depuis 2007, le vainqueur du match opposant la France à l’Italie dans le cadre du Tournoi des VI Nations.

Il a aussi été sollicité afin de sculpter l’Oscar du meilleur joueur au monde décerné par le très réputé journal Midi Olympique.

Cette série limitée de bouteilles créée en partenariat avec le Château de La Rivière lui permet de s’appuyer sur la viticulture pour offrir un autre moyen d’accès à la culture. Ces vins pourront toucher tous les amateurs d’art et les mordus de rugby, via les restaurants et les cavistes.

À propos de Jean-Pierre Rives

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Jean-Pierre Rives, anciennement surnommé «casque d’or» par Roger Couderc, a été la première star mondiale du rugby.

Capitaine légendaire du XV de France, celui qui vit le jour à Toulouse le 31 décembre 1952 a vécu 1 000 vies.

D’abord rugbyman professionnel, international français, il devient plus tard acteur et apparaît dans quelques films au cinéma. Mais c’est bel et bien l’art qui l’attire et qui fera de lui l’artiste reconnu et respecté qu’il est aujourd’hui.

Dans la vie ou sur les terrains de rugby, la fibre artistique de Jean-Pierre Rives a toujours été plus prégnante que le sportif de haut niveau qu’il a été.

Élève de l’académicien et lauréat du Grand prix de Rome de sculpture en 1981 Albert Féraud, ainsi que de l’inventeur de l’abstraction lyrique Ladisnas Kijno, Jean-Pierre Rives a toujours consacré son temps à la création artistique.

À propos du Château de La Rivière

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Situé à Fronsac en libournais (Gironde), le Château de la Rivière est une bâtisse majestueuse de XVIe siècle. Il est entouré de 68 ha de vigne et 25 ha de zones boisées.

Ces reliefs vallonnés, alternant plateaux et coteaux, dominent la vallée de la Dordogne. Le terroir argilo-calcaire offre au domaine des vins complexes, d’un grand potentiel de garde, répartis sur 3 couleurs : rouge, blanc et rosé.

Sous la responsabilité de Xavier Buffo, directeur général, toujours en quête d’amélioration constante de la qualité des vins, le Château de La Rivière ne cesse de progresser et d’innover. Il est également à l’origine du festival Confluent d’Arts qui participe au rayonnement culturel du Libournais chaque année.

Les efforts qualitatifs engagés depuis plusieurs années, renforcés par son engagement environnemental et sociétal, font du Château de La Rivière une référence dans le paysage viticole bordelais.

Pour en savoir plus

Site web Château de la Rivière : https://www.chateau-de-la-riviere.com/

Site web Jean-Pierre RIVES : https://jeanpierrerives.com/

“IMMERSION : PARIS – TERIBERKA” : le photographe français Benoît Viallon représenté par I-Gallery. Intelligence expose à Saint-Pétersbourg du 25 mai au 8 juillet à la galerie MOIKA 104

I-Gallery. Intelligence présente « IMMERSION », un projet du jeune photographe Benoît VIALLON.

À première vue, le projet peut surprendre : organiser une exposition d’un photographe français en Russie, à Saint-Pétersbourg, dans le contexte actuel.

Mais à y regarder de plus près, on s’aperçoit de la justesse de cette initiative. Plus que jamais, dans cette atmosphère de tension, il est fondamental d’oser un autre regard, de retrouver ce qui est beau pour, pourquoi pas, apprendre à se reparler.

Le travail de Benoît Viallon est en effet dominé par une recherche de l’esthétique. Armé de son appareil photo, il a mené un voyage singulier, presque initiatique, qui l’a conduit de Paris à Teriberka pour trouver ce qui est beau.

Il a ainsi parcouru des milliers de kilomètres, riche d’un sentiment d’infini que le compteur de sa voiture a patiemment enregistré. Le jeune photographe a produit des centaines d’images de cette aventure, qui composent un véritable point de vue esthétique à l’échelle du continent Européen.

Cette immersion avec le réel, sans filtre, contraint par l’usage de la voiture, est devenue l’objet même du projet d’exposition « IMMERSION », qui se déroulera au sein de la galerie MOIKA 104, à Saint-Pétersbourg, du 25 mai au 8 juillet.

Ce projet sera relayé là-bas par l’Institut Français en Russie.

Prendre le temps de voir ce qui est beau

Ce sont les voyages qui ont façonné chez Benoît le souci du détail pour saisir les choses qu’il faut savoir capturer «ici» et «maintenant» et les rendre importantes.

Le sentiment du froid, l’impression d’un cheval qui s’approche sous la neige, un drôle de chien. Les visages amis, les sourires, l’attente de la lumière, la certitude d’une direction puis les doutes… tout aura participé à fabriquer une histoire aussi unique que la destination.
Si beaucoup imaginent les levers comme les couchers de soleil d’hiver dans le Grand Nord comme gris, ternes et tristes, ils se sont étonnamment révélés, pour l’appareil de Benoît, sous leurs plus belles couleurs : lumineuses et pastelles.

Ma photographie est toujours une recherche, elle montre ici les émotions des hommes et des paysages, que je vous partage pour que ces moments aillent aussi à votre rencontre.

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Sur les routes glacées du Nord, en passant par les immenses lacs du Belarus, cette aventure amène à capturer un monde dont il est impossible de ne pas tomber amoureux.« Je suis partout émerveillé des paysages, de l’accueil et de l’immensité qui m’attend. La route, infinie ; traverse le continent Européen vers le Grand Nord.

Si cette série prend le sous-titre d’une destination, c’est qu’elle est aussi une invitation au voyage et à la contemplation. Voyager de Paris à Teriberka c’est prendre le temps de voir ce qui est beau.

Sur ces routes apparaît alors le monde tel qu’il est, tel que l’appareil le capture.»

À propos de Benoît Viallon

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Benoît Viallon, né à Paris en 1983, est un photographe français travaillant principalement à Paris.

Après des études d’économie, Benoît Viallon intègre l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle dont il est diplômé en 2010. Il travaille plusieurs années dans un grand groupe de cosmétique avant de fonder en 2017 son propre studio de photographie www.supercastor.design avec lequel il accompagne des marques de luxe comme Yves Saint Laurent Beauté dans la construction de leur image.

Il a travaillé avec de nombreux artistes et designers, comme le célèbre designer français Arnaud Lapierre dont l’œuvre « Sapin de Noël » a été présentée par I-Gallery. Intelligence au musée MISP (МИСП) en 2021.

Depuis 2020 en plus de son travail pour de célèbres marques il parcourt le Belarus et la Russie en voiture, « ma photographie est toujours un effort d’immersion pour rentrer en contact avec le réel », indique Benoît.

C’est grâce à son ami Arnaud Lapierre, qui lui a permis de rencontrer la galerie I.Gallery Intelligence , que le projet de l’exposition « IMMERSION » est né.

Informations pratiques

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“IMMERSION : PARIS – TERIBERKA”, l’exposition de Benoît Viallon

  • Date : du 25 mai au 8 juillet 223
  • Lieu : Moika 104, au sein de la galerie MOIKA 104 à Saint-Pétersbourg
  • Horaires : du Mardi au Samedi de 12h à 19h
  • GPS : 59.927638, 30.292093

Pour en savoir plus

Benoît Viallon

Communiqué de presse au format pdf : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230502151222-cp-ewnl.pdf

Site web : https://www.supercastor.design

Instagram : https://www.instagram.com/benoitviallon

I.Gallery Intelligence

Nina Ryzhkova

Site web : https://www.i-gallery.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/igallery.intelligence/?hl=fr

L’artiste peintre Pascale Kosior expose son monde imaginaire à la Galerie de l’Europe à Paris du 5 au 18 juin

C’est un rendez-vous très attendu des amateurs d’art : l’exposition annuelle des œuvres de Pascale Kosior à la Galerie de l’Europe, idéalement située en plein cœur de Paris.

Devant cette nouvelle série de ses “Cartes Imaginaires”, qui seront exposées du 5 au 18 juin, chacun.e va se prendre à rêver, à chercher des formes familières, un peu comme lorsque l’on regarde les nuages…

Car le travail de cette artiste peintre séduit par son originalité : d’une grande finesse esthétique, il intrigue, interroge, invite à réinventer les contours de notre monde.

Je propose une représentation de notre monde (d’hier ou de demain ?) à la manière de cartes anciennes. Mon inspiration ? Les changements climatiques, qui peu à peu redessinent les contours des pays et des continents.

Pascale Kosior

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Une artiste française déjà reconnue à l’international

Passionnée depuis toujours par la peinture, Pascale s’est inscrite aux Beaux-Arts de Versailles durant ses études de sciences économiques. “Je nourris une véritable fascination pour la couleur et le trait”, explique-t-elle.

Au début des années 90, elle fréquente l’atelier parisien du peintre et musicien argentin, Juan Carlos Caceres qui lui enseigne l’art de la couleur et la conforte dans sa vocation. Depuis ses premières expositions au début des années 2000, Pascale s’affirme ainsi dans un style et une technique très personnels, entre abstraction et figuratif.

Je peins exclusivement à l’huile, crée mes propres couleurs et joue avec les pigments purs. Ma technique autorise une grande liberté d’expression et permet d’obtenir une luminosité incomparable, de jouer avec les transparences et de travailler mes sujets dans l’épaisseur.

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Aujourd’hui, Pascale vit à Paris. Elle a installé son nouvel atelier dans le quartier Saint-Louis de Versailles.

Chaque année, depuis 2017, elle expose à la Galerie de l’Europe, rue de Seine dans le 6e arrondissement parisien. En parallèle, elle a aussi été Directrice artistique de « L’Expo » pour l’entreprise Eiffage Construction en 2017 et 2018.

Les toiles de Pascale s’exportent désormais en Europe, aux États-Unis et au Moyen-Orient.

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La série “Un autre monde”

Pascale Kosior réinvente les contours de notre monde. Elle nous offre, avec ses cartes imaginaires, une représentation passée ou future de notre monde.

Elle étudie les multiples facettes de cet univers depuis plusieurs années : ses précédentes “Cartes Imaginaires” ont d’ailleurs déjà été exposées à la Galerie de l’Europe en 2020 et en 2022.

Très attachée à la nature, cette peintre atypique travaille aussi sur d’autres séries dans son atelier :

  • “Océans” : explorant d’autres façons de représenter la nature et sa fragilité, Pascale Kosior nous fait voyager sur des océans de fleurs inventées et hypnotiques ;
  • “Horizons” : pour laisser le regard se perdre dans l’infini.

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Précédentes Expositions

  • 2022 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris
  • 2020 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris 6
  • 2019 – Salon d’art contemporain EXPO4ART, Halle des Blancs Manteaux, Paris
  • 2019 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris
  • 2018 - Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris + Directrice artistique de « L’EXPO 2 » EIFFAGE, Galerie de l’Architecture, Paris
  • 2017 - Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris + Directrice artistique de « L’EXPO 1 » EIFFAGE, Galerie de l’Architecture, Paris
  • 2016 – Exposition collective « Turbulences et Renaissance », Espace Raspail, Paris + Exposition personnelle, Espace 42, Quai des Célestins, Paris
  • 2014 – Exposition personnelle, Espace 42, Quai des Célestins, Paris
  • 2005 – Exposition personnelle, Présence Rive Gauche Montparnasse, Paris
  • 2004 – Exposition collective « Lumière Noire », Espace Christiane Peugeot, Paris

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Informations pratiques

Exposition personnelle de Pascale Kosior

  • Lieu : Galerie de L’Europe, 55 rue de Seine, 75006 Paris
  • Dates : du 5 au 18 juin 2023
  • Horaires : de 11h à 19h, en présence de l’artiste

Pour en savoir plus

Site web : https://www.pascalekosior.com/

Instagram : https://www.instagram.com/pascalekosior/

Mal-être au travail : Acapelart s’engage pour préserver la santé mentale et physique des salariés

Alors que les entreprises ont de plus en plus de mal à recruter et à garder les talents, elles sont de plus en plus attentives à un élément longtemps considéré comme accessoire : la qualité de vie au travail (QVT).

Et pour cause ! Pour près de 1 actif sur 2 en France (48 %), il s’agit d’un critère de satisfaction majeur.

On assiste alors à un paradoxe :

D’un côté, de plus en plus de salariés sont touchés par le mal-être au travail (burn-out, bore-out, brown-out). Ce sentiment de malaise profond, qui s’installe dans la durée, va notamment avoir un impact sur la productivité. Ainsi, plus de 1 collaborateur sur 2 (54 %) se déclare fatigué et 70 % considèrent que cette fatigue est liée à leur emploi (étude Santé et QVT, Malakoff Humanis, 2019).

D’un autre côté, parce qu’elles sont confrontées à un contexte économique difficile, les entreprises réduisent tous les événements qui renforcent les liens humains et le bien-être : soirées d’entreprises, meetings, arbres de Noël… Pourtant, tous ces petits moments festifs étaient l’occasion, le temps d’une soirée ou d’un après-midi, de discuter avec ses collègues ou son chef autrement que dans une salle de réunion.

La solution ? Avoir le réflexe Acapelart ! Le concept : des animations créatives et festives qui ramènent la créativité, la joie et la légèreté au sein des entreprises.

Spécialement conçues pour les salariés, les cadres ou les dirigeants, ces activités mêlent les Arts vivants et la Culture, grâce à des ateliers entièrement personnalisés et animés par des intervenants passionnés (en région parisienne et partout en France).

L’Art et la culture sont pour moi fondamentaux et les piliers d’une société où chacun est heureux de travailler, créer, partager, grandir et vivre ensemble.

Érika Galland, la fondatrice

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Les multiples facettes du mal-être au travail

Le mal-être au travail est une réalité qui nous concerne tous, directement ou indirectement.

L’explosion du burn-out

Le burn-out est un épuisement professionnel, à la fois physique et psychologique, en forte hausse depuis la crise sanitaire : en un an à peine, il a doublé dans les entreprises (source : sondage OpinionWay pour le cabinet Empreinte Humaine, octobre 2021). Ainsi, en 2021, 2 millions de personnes ont été concernées et 44 % des salariés se sont retrouvés en détresse psychologique.

Une situation qui va en s’aggravant, comme le constatent “sur le terrain” les responsables RH (étude Empreinte Humaine, mars 2022) :

  • 2,5 millions de salariés sont en état de burn-out sévère, soit 34 % des salariés ;
  • 64 % des professionnels des RH sont en situation de détresse psychologique et 63 % en situation de burn-out (dont 34 % en burn-out sévère) ;
  • Près de 4 managers sur 10 sont également victimes d’un burn-out sévère, avec une augmentation des burn-out sévères de 25 % entre mai et octobre 2021. Et là encore, le problème s’aggrave : 44 % des managers se sont retrouvés en détresse psychologique en 2022 ;
  • Plus de 3 salariés français sur 10 étaient en détresse psychologique (burn-out) en octobre dernier.

Les pathologies encore trop méconnues : le bore out et le brown-out

À l’inverse de la surcharge de travail (objectifs inatteignables, heures supplémentaires), qui se solde souvent par un burn-out, le sentiment d’ennui est aussi catastrophique !

Il peut en effet donner naissance à deux autres types de souffrance au travail :

  • Le bore-out, un sentiment d’inutilité dévastateur qui touche entre 15 et 30 % des salariés ;
  • Le brown-out, une perte de sens de plus en plus répandue. Elle concerne tous ceux et celles qui exercent un travail en opposition avec leur éthique personnelle.

Prévenir les risques psychosociaux : une opportunité plus qu’une obligation

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Agir pour prévenir les risques psychosociaux dans l’entreprise, c’est prendre soin de ceux et celles qui la font vivre.

C’est aussi prévenir des problèmes ultérieurs, tels que de mauvais rapports sociaux (entre collègues ou avec la hiérarchie) ou des démissions liées à un sentiment d’absence de reconnaissance (au-delà d’éventuels cadeaux ou d’une augmentation de salaire).

Mais comment insuffler de la cohésion dans les équipes, insuffler un sentiment d’appartenance, apporter de la considération à chacun.e, remettre du sens, et offrir des moments pour décompresser ?

L’erreur, encore trop répandue, est de se perdre en diagnostics, mesures de prévention et procédures lourdes et parfois complexes. Les dispositifs de médiation, d’organisation du travail, de structures d’écoutes sont souvent beaucoup trop axés sur le mental…

… alors que la solution est beaucoup plus simple !

Selon l’OMS, la réponse est 100 % concrète : il faut faire entrer l’art dans la vie des gens. Piroska Östlin, directrice régionale de l’OMS pour l’Europe, explique notamment que des activités telles que la danse, le chant, les visites de musées et les concerts contribuent à “améliorer la santé physique et mentale” (étude OMS 2019).

Acapelart, un partenaire engagé auprès des entreprises et collectivités pour le bien-être de leurs salariés

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Chaque salarié doit avoir la possibilité de libérer sa créativité ou de réaliser des projets importants par rapport à son éthique de vie !

Entre la pression au travail, le contexte actuel anxiogène (inflation, guerre en Ukraine, crise économique et écologique….), et l’incertitude quant à l’avenir, il y a urgence à offrir à ses collaborateurs des moments qui donnent du sens à ce qu’ils font au quotidien.

Des petits moments qui permettent de tisser des liens entre les personnes, de se sentir considéré, utile et à sa place. Car le travail, c’est aussi un moyen de s’épanouir, de se réaliser et de se découvrir des compétences, de développer des savoir-être.

Le must ? Permettre à chacun.e d’exprimer des talents ou compétences qui ne sont pas habituellement utilisées dans les missions professionnelles.

Les activités créatives, personnalisées et originales organisées par Acapelart sont ainsi spécialement conçues pour :

  1. Redonner de la valeur aux moments de partage et de convivialité, à la créativité dans un contexte anxiogène ;
  2. Faire vivre des moments magiques ;
  3. Mettre des étincelles dans les yeux, le sourire sur les visages et la joie dans les cœurs ;
  4. Créer des souvenirs communs et un sentiment d’appartenance ;
  5. Au-delà du cadeau matériel, faire vivre une expérience aux équipes.

Quelques exemples d’activités

Ateliers ludiques et créatifs Acapelart Erika Galland

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Les activités, ultra-qualitatives, sont créées sur mesure pour intégrer les idées et besoins de chaque organisation.

Elles sont proposées aux entreprises et aux collectivités sous différents formats : évènements festifs, team building, ateliers, spectacles, family day, animations pour les enfants :

Cultures urbaines : Street Art, danse hip-hop, poésie slam, graff …

Arts du spectacle et de la scène : Arts du cirque, théâtre, improvisation, conte, magie, capoeira …

Arts manuels : dessin, dessin manga, peinture, loisirs créatifs, arts plastiques, sculpture, maroquinerie, ferronnerie, art textile …

Sciences et environnement : sciences ludiques, sensibiliser au tri des déchets, aquaponie, compost, cultures hors sol, ateliers philo …

Immersion musicale : chant, gospel, comédie musicale, atelier DJ, percussions, Ukulélé, concerts et jam sessions …

Bien-être : yoga, cosmétique bio DIY, cuisine ayurvédique, sonothérapie, yoga du rire, expériences olfactives, ateliers beauté  …

Sports : Sports d’équipe, arts martiaux, danse, olympiades …

Art de la table et des papilles : mixologie avec ou sans alcool, cuisine, œnologie, pâtisserie …

Évènements festifs : Arbre de Noël, kermesse, escape game, maquillage, halloween party, sculpture de ballon, spectacles, close up …

En donnant une impulsion, on découvre souvent des talents cachés ! Il y a Marcelle qui se met à chanter une chanson de son pays natal, Robert qui rejoue sa dernière négociation client à nous faire mourir de rire …

Les (grands) petits plus

Une solide connaissance du monde de l’entreprise….

Erika Galland a exercé durant 22 années au sein de multinationales dans la communication, le marketing, la gestion de projets et le développement durable à l’international.

… et de ses problèmes humains…

Elle a aussi vécu un burn-out il y a quelques années, lié à la pression et au manque de reconnaissance dans son travail. Elle est donc la première à savoir qu’il n’est pas facile d’en parler ! Erika a d’ailleurs fondé Acapelart pour développer une offre de services afin d’améliorer la qualité de vie au travail.

… qui garantissent une offre “zéro prise de tête”

Acapelart c’est :

  • La tranquillité d’esprit, car la Dream Team s’occupe de tout : création, animation, recrutement des intervenants, palier aux imprévus de dernière minute… ;
  • Des intervenants et animateurs passionnés et bienveillants, capables de s’adapter à tout type de public (y compris en cas de besoins particuliers) ;
  • Des interventions qui intègrent les valeurs de l’entreprise.

À propos d’Érika Galland, la fondatrice

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LA VIE C’EST EXPÉRIMENTER. Essayer. Découvrir. S’amuser. Rire. Sourire. Apprendre. Partager. C’est ma devise.

De responsable en développement durable à fondatrice d’Acapelart, il n’y a qu’un pas qu’Érika Galland franchit allègrement en pleine période de confinement. Cette maman passionnée d’Art et de Culture depuis toujours a décidé un beau jour de printemps de concrétiser ses envies créatives en projet entrepreneurial. Acapelart est né.

« Enfant, j’avais le rêve de devenir chanteuse. Le métier d’Artiste m’attirait. Mais Artiste, ce n’est pas un métier me répétaient mes parents. »

Alors, Érika part étudier en Angleterre. Revenue en France avec un diplôme en école de commerce en poche, elle travaille dans le domaine de la communication puis du développement durable au sein d’une multinationale française.

L’arrivée de ses enfants lui donne le premier élan, celui d’apprendre le piano et l’opportunité par la même occasion de se reconnecter à l’art. Puis, le confinement en 2020, lui offre le deuxième élan, celui de la concrétisation de sa vision, celle qui ne l’a jamais lâchée. Elle donne alors naissance à Acapelart pour permettre l’accès aux Arts vivants et à la culture pour tous.

À partir de là, tout s’enchaîne très vite. Érika trouve les premiers intervenants, des êtres passionnés de leur art, qui ont à cœur de le transmettre. Les premiers ateliers voient le jour. Suivront les cours en visio, la plateforme web, les stages, les ateliers créatifs en présentiel, les activités ludiques et pédagogiques pour les collectivités et les entreprises, le blog et la boutique en ligne.

Aujourd’hui, Acapelart c’est 7 coéquipiers motivés, 50 intervenants et profs passionnés et plus de 3 000 ateliers organisés et animés en 3 ans.

Pour fêter ses 3 ans d’existence, Acapelart organise son premier séminaire les 18 et 19 mai prochain pour ses intervenants, prestataires et son équipe… Au programme : un lieu d’exception en pleine nature, un moment de brainstorming créatif pour identifier les axes d’amélioration et faciliter le travail de chacun ainsi qu’une soirée détente autour d’un feu de camp.

Pour en savoir plus

Site web : https://acapelart.com/

Facebook : https://www.facebook.com/acapelart

Instagram : https://www.instagram.com/acapel_art/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/acapelart/

Le parcours hors norme de Pierre-Paul Marchini, un fils d’ouvrier devenu un célèbre artiste au rayonnement international

Il aurait dû devenir footballeur… et le voilà aujourd’hui l’un des artistes corses les plus reconnus au niveau international : Pierre-Paul Marchini a un parcours singulier qui dénote dans le milieu de l’art contemporain.

Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier a découvert la peinture sur le tard, à 40 ans. Il feuilletait un magazine quand il a eu un coup de foudre pour le travail de William Turner. Pierre-Paul Marchini a alors étudié passionnément l’œuvre de ce grand maître. Et puis, un jour, il s’est aussi mis à manier le pinceau.

Cela a été le début d’une vocation qui ne va plus jamais le quitter… jusqu’à faire de lui une référence dans son domaine. Car, aujourd’hui, Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence et Palerme.

Zoom sur un artiste multirécompensé qui continue de casser les codes pour démocratiser l’art corse.

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Des terrains de foot d’Ajaccio jusqu’aux expositions artistiques les plus prestigieuses

Enfant, Pierre-Paul Marchini se rêvait sportif, footballeur surtout. À 12 ans, il a intégré l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Mais sa vie va prendre un autre tournant… Il mène une carrière différente, il se marie et a des enfants. En lui, il y a pourtant une fibre artistique qui sommeille, puisqu’il s’intéresse depuis longtemps à la musique.

Sa “rencontre” avec la peinture de Turner va tout changer : il va enfin trouver un support qui lui permet de s’exprimer. Pierre-Paul Marchini commence à se former en autodidacte, avec la peinture à l’huile.

Il découvre les reflets, les jeux d’ombre et de lumière. Avec, chevillé au corps, son amour de la Corse : sa première toile immortalise les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

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Un style artistique unique, reconnu en France et à l’étranger

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ».L’artiste vient de trouver sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

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Pierre-Paul Marchini se démarque par la façon dont il se joue de la couleur, qu’il porte jusqu’à son paroxysme. Avec une ambition : aller au-delà de la simple représentation pour plonger dans la pure psyché.

Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces. En filigrane, le spectateur averti peut deviner l’accent chantant et la beauté brute de la Corse.

Salvatore Russo, critique d’art international, écrit à propos de cet artiste au tempérament affirmé :

“Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est en train d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste.”

Un imaginaire puissant, avec une touche réaliste

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L’art pictural de Pierre-Paul Marchini explore les multiples facettes de l’abstraction, qui devient sous son pinceau tour à tour lyrique ou décorative.

Le dénominateur commun entre toutes ces toiles ? Elles interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste est aussi nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

Un précurseur qui ose aller à contre-courant en créant le mouvement NO ARTE

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Écœuré par les dérives de l’art contemporain, actuellement dominé par une logique mercantile riche en pratiques douteuses (ex. : prix gonflés artificiellement dans les galeries), Pierre-Paul Marchini a décidé de s’affranchir de tous les carcans imposés dès 2019.

Pour démocratiser l’accès à l’art, il a supprimé tous les intermédiaires afin de proposer ses œuvres à prix atelier.

Cette indépendance et cette liberté vont ensuite faire jaillir « NO ARTE », un mouvement qui revendique une réelle proximité avec son public.

En tant que passeur d’émotions, j’apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à mon travail. Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Un artiste reconnu internationalement

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Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Qualifié de « grand protagoniste de l’art contemporain » par le critique d’art international Salvatore, il a remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Mathilde Bouthors, marchand d’Art, présente le sculpteur et peintre sur acier Julien Clar du 11 juin au 5 juillet à la Galerie 89 (Paris)

Julien Clar, 38 ans, est un jeune sculpteur et peintre sur acier à l’imagination et la créativité débordantes. Il façonne l’acier à l’envi, sculpte et réalise des tableaux.

Dans ses sculptures, il se fonde sur la Géométrie des Grecs de l’Antiquité. Pour ses tableaux, il se nourrit d’une double inspiration :

  • Boltanski, pour évoquer le portrait de ses aïeux mineurs qui tend à s’effacer sous la corrosion, marque de la marche du temps ;
  • Soulages, dans un dialogue entre l’objet et la lumière fugace.

La recherche de Julien Clar sur l’effacement du passé sous l’effet de la corrosion peut évoquer celle de Mascaro, sculpteur mondialement connu.

Aujourd’hui, il s’est installé dans une ancienne chapelle de 250 m², érigée par 12 mineurs dans les années 60. Avec une ambition : explorer l’étendue des possibilités que lui offre sa maîtrise technique de la matière.

Sa force ? Porter une attention toute particulière aux émotions qu’il souhaite transmettre et aux sensations qu’il est désireux de susciter.

Repéré par la marchand d’Art Mathilde Bouthors, Julien Clar exposera ainsi à la Galerie 89, du 11 juin au 5 juillet 2023, 89 avenue Daumesnil 75012 Paris.

Je rêve que la beauté, l’expression sensible du bien selon Platon, soit le propre de l’art sous toutes ses formes.

Mathilde Bouthors,  marchand d’art

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Un artiste qui fait jaillir la beauté du métal

Julien naît en 1984 en Bourgogne, près de Montceau-les-Mines qui, comme son nom l’indique, est une ancienne terre minière. L’artiste grandit dans cet environnement, scandé par la fermeture progressive des mines et l’extraction du charbon “le diamant noir”.

Dès son plus jeune âge, Julien trouve de l’inspiration partout autour de lui. Il se découvre d’abord un amour pour le papier. Il s’évade en manipulant l’Origami et le Kirigami, afin de créer des formes et des volumes.

Sa sensibilité continue ensuite de s’exprimer en utilisant d’autres supports, comme la guitare dont il apprend à jouer à l’oreille. Il intègre d’ailleurs un groupe de rock, dont il compose la musique.

En 2011, un peu par hasard, il découvre le travail du métal en fabriquant un vélo de type “chopper”. Il se découvre alors une passion qui ne le quittera plus, fasciné par l’extrême liberté offerte par cette matière pour créer des œuvres.

Avide de connaissances, et désireux de pouvoir donner vie à tous ses projets artistiques, Julien étudie alors la chaudronnerie, une technique de façonnage du métal à froid.

Depuis, il explore “l’émotion par l’habiter” dans ses diverses pièces, mixant les matériaux bruts, dans un processus artistique hors norme. Ainsi, ses œuvres sont conçues en papier, en bois, en cuir, en verre et bien sûr en métal.

Un talent déjà reconnu en France

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Prix 

  • 2021 / Atelier d’Art de France – Nominé pour la Bourgogne Franche-Comté – Moirans-en-Montagne, France
  • 2021 / Rotary Club – Nominé (2e place)– Troyes, France
  • 2021 / Rotary Club – 1ème prix du travail manuel – Montceau-les-Mines, France

Une équipe efficace

L’aventure de Mathilde Bouthors n’aurait pas la même saveur sans la participation et le soutien de l’agent de Julien, Alexia Kieffer.

Habituellement, les artistes s’attaquent au métal sans le connaître. Julien, lui, maîtrise les multiples facettes de cette matière singulière. Il la sublime dans des créations très esthétiques et sophistiquées. Cet amoureux du dessin ose aussi explorer d’autres supports.

Alexia Kieffer, agent de Julien Clar

 

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Expositions Collectives

  • 2023 / De main de maître par la Confédération Française des Métiers d’Art – Bastille Design Center – Paris, France
  • 2022 / De main de maître par la Confédération Française des Métiers d’Art – Bastille Design Center – Paris, France
  • 2022 / Salon IMMERSION/S par le FAFCEA (Fonds d’Assurance Formation des Chefs d’Entreprises Artisanales) – 14 rue Chapon – Paris, France
  • 2022 / FOCUS ART FAIR – Focus Art Boom par Curator Honglee – Carrousel du Louvre – Paris, France
  • 2021 / FOCUS ART FAIR – Focus on Identity par Curator Honglee – Atelier Richelieu – Paris, France

Publications

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  • 2021 / L’informateur de Bourgogne – Il croit en son art, la passion selon Julien Clar
  • 2021 / Journal de Saône-et-Loire – Julien Clar : Créateur à l’envie
  • 2021 / MontceauNews – Distinction : Focus Art Fair Paris

Un événement exceptionnel organisé par Mathilde Bouthors, marchand d’Art

Mathilde Bouthors

Marchand d’Art à Paris depuis octobre 2022, Mathilde a passé sa vie dans la recherche en éducation, après avoir enseigné la culture générale à des étudiants.

Passionnée d’art, elle a été sensibilisée à cet univers grâce à son environnement familial (peinture, sculpture, architecture) puis au collège et au lycée. Par la suite, Mathilde a suivi des cours d’Histoire de l’Art lors de ses études littéraires et à l’Association des Arts décoratifs. De plus, depuis toujours, elle fréquente assidûment musées et expositions.

Sa spécialité : la peinture et la sculpture de 1860 à nos jours, à savoir l’Art moderne et l’Art contemporain.

Ses activités se déclinent en 3 axes : le conseil et l’ accompagnement d’acheteurs, la promotion d’artistes contemporains vivants, et les conférences.

En voyant les réalisations de Julien Clar sur LinkedIn, Mathilde a reconnu en lui un artiste authentique. Dès leur première rencontre, elle lui a proposé d’organiser une exposition de ses œuvres à Paris.

L’Art, un investissement coup de cœur

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L’Art est un investissement qui permet de diversifier son patrimoine et de réaliser une plus-value. En effet, un dirigeant d’entreprise ou un cabinet libéral peut acheter un tableau ou une sculpture : le coût de celle-ci figurera sur les charges de sa société. Une fois amortie l’œuvre va ensuite sortir du stock. Par conséquent, elle n’aura aucun impact financier sur l’acquéreur.

De plus, les entreprises assujetties aux bénéfices industriels et commerciaux (BIC) ont droit, jusqu’au 31 décembre 2025, à une réduction fiscale conséquente pour l’achat d’une œuvre d’art originale d’un artiste vivant. Étalée sur 5 ans, elle peut atteindre 20 000 € par an ou 5 pour mille selon le volume du chiffre d’affaires hors taxe.

Pour en savoir plus

Mathilde Bouthors

Site internet : https://www.mathildart.com/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/mathilde-bouthors-6b443a267?trk=people-guest_people_search-card

« L’art du portrait, trait pour trait » : Paul Lebrun exposera 60 portraits de personnalités et d’anonymes du 14 au 21 mai dans l’ancien presbytère du Plan de la Tour

Les amateurs d’art connaissent bien Paul Lebrun, une “figure” incontournable de la Provence. Cet artiste du Bar-sur-Loup a su se faire un nom en dessinant et en peignant des portraits qui dégagent une grande vitalité.

Paul Lebrun réalise des portraits au crayon, au fusain, au pastel, au lavis, à l’aquarelle et à l’acrylique avec la passion d’offrir dans chaque réalisation un instantané de vie et d’émotion.

Il a déjà “croqué” plus d’un millier de célébrités ou d’anonymes, dont une grande partie sur le vif.

En février dernier, son exposition au Rouret (Alpes-Maritimes) a rencontré un vif succès : le public est venu nombreux pour admirer les portraits de Grace Kelly, Charles Aznavour, Marilyn Monroe, Johnny Hallyday, Patrick Fiori, Ray Charles, Pierre Richard, Romy Schneider…

Et du 14 au 21 mai, Paul Lebrun exposera à Plan de la Tour 60 portraits d’illustres inconnus et de célébrités, musiciens de jazz, grands navigateurs, acteurs, chanteurs.

Il animera également des ateliers d’initiation au portrait et réalisera des portraits sur le vif sur réservation.

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Les ateliers d’initiation au portrait : un rendez-vous incontournable à vivre en famille

Plébiscités au Rouret, les ateliers d’initiation feront également partie de l’exposition au Plan de la Tour (participation 5 €) .

Animés par Paul Lebrun, ils auront lieu tous les jours du 14 au 21 mai, entre 15h et 16h30. Ils s’adressent aux enfants à partir de 7 ans mais aussi aux adultes.

  • Pour les plus petits : Atelier Harry Potter sous forme de mangas ;
  • Pour les plus grands : Harry Potter en dessin ;
  • Pour les adultes : Atelier d’approche de la construction d’un visage à partir des volumes.

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Les inscriptions se font sur place à partir du 13 mai en fonction des disponibilités.

Les enfants de moins de 12 ans devront être accompagnés de leurs parents durant toute la durée de l’atelier.

L’Atelier 285 : le “temple” du portrait

Portraits d’après photo(s)

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Sur le site de Paul Lebrun, il est possible de (s’)offrir un très beau portrait, à des prix très accessibles, en quelques clics.

En effet, il suffit de :

  • Sélectionner la technique souhaitée : crayon, fusain, pastel, aquarelle ou acrylique ;
  • Choisir la taille du portrait ;
  • Envoyer la photographie à reproduire : il est recommandé d’en fournir plusieurs pour permettre à l’artiste de mieux cerner les caractéristiques physiques de ses modèles ;
  • Ajouter le cas échant un commentaire pour donner davantage de détails sur le portrait à réaliser ;
  • Valider la photo du portrait envoyée par Paul Lebrun.

Et c’est tout ! La réalisation du portrait prend en moyenne une quinzaine de jours. Il est ensuite livré roulé sous emballage de protection rigide, à plat sous enveloppe cartonnée spéciale, ou dans une caisse en carton pour les portraits montés sur châssis bois.

Plusieurs techniques sont proposées : le fusain, l’aquarelle, les carrés pastels, l’acrylique sur toile, les pastels secs.

Portraits sur le vif

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Sur les marchés, lors d’événements mais aussi dans son atelier du Bar sur Loup (sur rendez-vous), l’artiste réalise des portraits sur le vif à la demande.

Il faut compter environ 3/4 d’heure pour une séance de pose (prix : 70 €).

Durant l’exposition au Plan-de-la-Tour, les portraits sur le vif seront proposés au tarif préférentiel de 40 €. Prendre rendez-vous auprès de Paul Lebrun au 06 27 88 19 94.

À propos de Paul Lebrun

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Paul Lebrun est né en 1953 à Bergues, dans le Nord. Son père est contrebassiste dans l’orchestre de jazz local dans lequel joue aussi le carillonneur de Bergues dont s’est certainement inspiré le film Bienvenue chez les Ch’tis.

À l’âge de cinq ans, Paul quitte le Nord avec ses parents pour migrer sur la Côte d’Azur. Après un bac scientifique, il commence à étudier les lettres à l’université, mais est rattrapé par l’obligation du service militaire, qu’il fera à Montlhéry puis à Bar-le-Duc.

Lorsqu’il revient dans le Sud, Paul décide de changer d’orientation, troquant les lettres pour des études scientifiques à l’université de Nice. Lorsqu’il a du temps libre, il s’installe sur la Promenade des Anglais pour réaliser des portraits sur le vif et se faire de l’argent de poche. Quatre années d’études et trois certificats de maîtrise plus tard, il abandonne la physique-chimie pour devenir designer graphiste indépendant.

Dans un premier temps, Paul travaille en tant qu’illustrateur et créatif pour des agences de communication locales. En parallèle, il développe sa propre clientèle, composée essentiellement d’entreprises hi-tech dont La Spirotechnique, Texas Instruments, IBM, Digital, Alcatel, Lucent Technologies, Schneider Electric, Hewlett Packard, France Télécom, Marconi ou encore Philips.

En 2002, Paul, son épouse et un couple d’amis créent une société d’édition dédiée à l’art du doute et à l’approche critique scientifique de l’information, un concept innovant pour l’époque. Il participe à l’édition de près de 40 titres jusqu’en 2018 pour lesquels il réalise 39 portraits d’auteurs.

Du design graphique au dessin artistique

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En 2012, Paul Lebrun quitte définitivement le monde de l’entreprise.

Il confie les rênes de sa société Ideogram Design à son fils et se consacre pleinement au dessin artistique, et plus particulièrement aux portraits.

Il aménage son atelier à la campagne, au Bar-sur-Loup, s’y enferme, et travaille d’arrache-pied pour perfectionner ses techniques.

En 2014, il intègre la Maison des Artistes, l’association agréée par l’État qui rassemble et défend les artistes-auteurs. Cette année-là, il décide de mettre son savoir-faire en pratique sur les marchés estivaux de la Côte d’Azur, en réalisant des portraits sur le vif.

Il lance par ailleurs son site internet, où il propose des portraits sur commande. En huit ans, il signe plus de 1 500 portraits.

Aujourd’hui, Paul se fait discret sur les marchés, au profit des productions en atelier. Il partage régulièrement ses réalisations sur sa page Facebook, qui compte plus de 2 400 abonnés. Il est artiste certifié i-CAC, l’indice de cotation des artistes certifiés, depuis mai 2022.

Un portfolio d’une grande richesse

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Durant sa vie professionnelle de designer graphique, Paul Lebrun a à son actif de nombreux travaux commandés par des entreprises et des collectivités.

Il a notamment imaginé les affiches de la Loterie Nationale (en 1979 et 1980), et a créé le logo et la charte graphique de la ville de Valbonne-Sophia Antipolis.

Pendant sept ans, au sein de son entreprise de design graphique, Paul a dessiné les packagings des produits grand public européens de Texas Instruments (calculatrices, traducteurs, calepins, jeux éducatifs, etc.)

Il est également l’auteur du design du support à rouleau de la bouteille de plongée pour La Spirotechnique, une innovation primée, et a été sélectionné avec 70 artistes pour la création de l’affiche du 70ème Festival de Jazz de Nice.

Les domaines d’expertise de Paul Lebrun

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Paul Lebrun maîtrise :

  • Le portrait sur le vif à la sanguine, au fusain, au feutre… ;
  • La sanguine, la technique préférée des grands peintres pour les esquisses préliminaires ;
  • Le fusain ;
  • L’encre et le lavis ;
  • L’aquarelle ;
  • L’acrylique ;
  • Le trait d’eau-forte et de burin.

Informations pratiques

Exposition “L’art du portrait, trait pour trait” de Paul Lebrun.

  • Où : Ancien Presbytère – Rue Abbé Spariat 83120 Le Plan-de-la-Tour ;
  • Quand : du 14 au 21 mai 2023 ;
  • Horaires : de 15 h à 19 h ;
  • Entrée libre – Vernissage sur invitation.

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230413084605-p3-document-ogvp.pdf

Site web : https://www.portraitslebrun.com/

Blog : https://portraitslebrun.blogspot.com/

Facebook : https://www.facebook.com/portraits.Paul.Lebrun

Instagram : https://www.instagram.com/portraits_lebrun/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/paul-lebrun/

C’est une révolution dans le monde de l’art : les expos ont enfin le droit à leurs bandes annonces !

Choisir l’expo qu’il vous faut par la vidéo

Van Gogh ou Picasso ? Nicolas de Staël ou Mark Rothko ? Plus besoin de tergiverser, le magazine indépendant Arts in the City vous donne le coup de pouce que vous attendiez en inventant les bandes annonces d’expositions. 

Arts in the City, la première chaîne d’art de France, innove en lançant ainsi les bandes annonces des prochaines sorties culturelles. Un teaser “comme au cinéma”, pour tout visionner en avant-première et obtenir des réponses à toutes les questions que l’on se pose. 

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Une visite VIP, sans aucun autre visiteur, en avant-première

C’est une révolution dans le monde de l’art : les expos ont enfin le droit à leurs bandes annonces ! 90 secondes pour attiser la curiosité, convaincre, séduire, avant de finalement sauter le pas et visiter.

Via un téléphone, un ordinateur ou une tablette, Arts in the City offre un aperçu des plus grands rendez-vous culturels de la saison, des rétrospectives incontournables et événements immanquables, avant même qu’une exposition n’ouvre ses portes au public. Un trailer captivant cochant toutes les conditions des bandes annonces avec des formats flashs et des vidéos capsules redoutablement efficaces n’excédant pas les 2 minutes top chrono.

Dans chaque mini film, la rédactrice en chef du magazine indépendant Arts in the City, Fleur Baudon, livre son expérience de l’expo en posant les bases de l’intrigue, en abordant ses points forts, ses têtes d’affiche, ses œuvres clés, et en plongeant les spectateurs directement dans le décor avec des prises de vues réelles de l’exposition la veille de son ouverture au public.

Si ce format exclusif et immersif constitue la plus parfaite introduction à une exposition, le reste vous appartient. Le principe est simple : vous avez 2 minutes pour vous faire un avis, trancher et décider de votre prochaine sortie culturelle. Alors, on y va ?

Un coup de pouce pour faire le bon choix

Les bandes annonces d’Arts in the City, c’est le coup de pouce que l’on attendait. Si tout le monde n’a pas l’opportunité, le temps, la chance ou le budget de se déplacer, la chaîne YouTube, entend bien redistribuer les cartes en accompagnant les spectateurs dans leur réflexion.

Fini les visites fastidieuses, la peur d’entrer dans un musée sans savoir à quoi s’attendre ou le sentiment d’avoir raté l’expo du siècle, avec Arts in the City chacun profite d’une visite VIP à consommer sans modération.

Un avant-goût de la visite à partager entre amis

Un film qui a plu, une expo qui attire… En quelques clics, la vidéo est envoyée aux proches pour les convaincre de venir et de partager ensemble un bon moment.

Les bandes annonces d’Arts in the City constituent un moyen simple, vivant et gratuit pour pitcher une expo, motiver ses amis ou tout simplement les avertir d’une actu du côté des musées qui pourrait leur plaire.

À propos d’Arts in the City

Le petit magazine culturel qui monte, qui monte… Désormais n°2 des ventes presse de magazines d’art en France, Arts in the City a réussi à booster le marché de la presse culturelle en touchant un public plus jeune.

La raison de son succès ? Un mini format pocket qui tient dans le sac à main, un prix irrésistible de 5,50 € pour un magazine qui décrypte l’actualité culturelle du moment de manière enthousiasmante pour s’adapter à toutes les envies, des bons plans gratuits et des idées sorties en famille ou entre amis.

Au total, ce sont 130 pages de nouveautés et d’expos à venir, de sorties théâtre et cinéma, à Paris et en régions, à retrouver tous les deux mois chez les marchands de journaux.

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Le leader français des chaînes YouTube sur l’actualité artistique

Véritable guide des expositions, Arts in the City est aussi une chaîne YouTube actualisée chaque jour avec près de 5 millions de vues sur la plateforme. Fort de ses 21 000 abonnés, Arts in the City s’est rapidement érigée comme la chaîne d’art la plus suivie de France. Un succès qui repose sur ses vidéos capsules redoutablement efficaces pour tout comprendre d’une exposition en quelques secondes, montre en main.

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L’aventure continue sur Instagram !

Arts in the City propose un contenu inédit et instantané sur Instagram, là encore, en vidéo, avec un format encore plus court, qui défriche les bons plans à l’avance et les partage avec ses followers dans des capsules flash enthousiasmantes.

De l’œuvre monumentale d’Urs Fischer sur la Place Vendôme, à la très attendue exposition Van Gogh au Musée d’Orsay en passant par le spectaculaire show immersif Aura au Dôme des Invalides, les expo-trotteurs d’Arts in the City suivent de près l’actualité des rendez-vous artistiques à ne surtout pas manquer.

En une poignée de secondes, le spectateur a une vision globale de l’exposition et peut décider s’il souhaite prolonger un peu plus l’aventure en se rendant directement au musée…

Une association libre et engagée

Arts in the City réunit de jeunes talents journalistiques ou de formation artistique qui, guidés par leur passion, sillonnent la capitale et les régions pour décrypter les expositions. Si ce média a su conquérir le cœur de ses lecteurs, c’est aussi parce qu’il réussit à fournir une information de qualité, qui oriente sans juger, qui guide sans imposer, qui suggère sans submerger.

C’est Fleur Baudon qui est à la tête de ces expo-trotters et de cette association totalement indépendante des grands groupes de presse. Elle souhaite fournir une information de qualité, qui chasse les préjugés d’une culture ennuyeuse et poussiéreuse.

Pour en savoir plus

La Chaîne Youtube : https://www.youtube.com/Artsinthecity

Instagram : https://www.instagram.com/arts_in_city

Site web : https://www.arts-in-the-city.com/

Facebook : https://www.facebook.com/artsincity

Twitter : https://twitter.com/arts_in_city

Contact presse

Fleur Baudon

Email : fleur@arts-city.com

Téléphone : 06 67 64 55 30

« De sable et de couleur » : la céramiste Emmanuelle Stolar expose au salon Révélations 2023

Céramiste, sculpteure et coloriste installée dans le Luberon, Emmanuelle Stolar fait partie de la sélection de la Biennale Révélations qui se tiendra du 7 au 11 juin prochains au Grand Palais Éphémère à Paris.

Un salon qui met en valeur excellence, avant-gardisme et éclectisme et où cette artiste originale a toute sa place.

De sable et de couleur

Le sable, ou la sensation laissée sous la main par ces terres au grain particulier que choisit Emmanuelle Stolar pour composer ses sculptures de céramique : des terres brutes qui appellent la caresse, et que l’on a d’ailleurs le droit de toucher !

Le sable, c’est aussi celui des dunes, montagnes mouvantes caressées par le vent. La comparaison est légitime, cette magicienne de la terre donnant vie à des œuvres aux dimensions surprenantes telles cet « Arbre diabolique » en grès noir de près de 2 mètres de hauteur, ou aux formes douces et comme polies par le mistral qui souffle dans sa Provence d’adoption.

La couleur, elle, est omniprésente dans son travail. Ces teintes naturelles que l’on connaît déjà, des terres du Luberon où elle vit et travaille. Mais aussi celles que cette disciple de Marc Uzan fait naître dans son four (comme pour sa série « Dark Dahlias »), issues de sa recherche continue sur les émaux qu’elle crée à partir de roches et de fragments recueillis dans la nature. Dans son nuancier, pas de pigments, mais du cobalt, du fer ou du manganèse !

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Des émotions qui affleurent

Sensuelle, surprenante, évocatrice de paysages inventés ou de courbes féminines, la recherche créative d’Emmanuelle Stolar célèbre la fécondité plurielle et les harmonies surprenantes.

Ses familles d’œuvres aux noms poétiques (« Fly me to the moon », « Dans le vent des dunes »…) nous entraînent à leur suite dans des mondes à la fois proches et oniriques, où se marient force et douceur, intensité et légèreté.

Loin des recherches conceptuelles, son art puise sa source dans une pulsion de vie indestructible et sans cesse renouvelée. Ses pièces parlent à tous, réveillent des émotions et trouvent un écho particulier aujourd’hui auprès d’un public qui ne demande qu’à être libéré des années de crises et de contraintes qu’il vient de vivre.

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Un parcours atypique

Des études de lettres et de musique, une carrière dans les ressources humaines, l’enseignement du piano, puis un jour le coup de foudre pour l’art du feu découvert lors d’une mission pour Baccarat. Emmanuelle Stolar n’a pas choisi la ligne droite ni le parcours classique des étudiants en arts plastiques pour se révéler, même si elle a toujours eu une pratique artistique professionnelle.

Son chemin créatif suit sa vie, ses accidents et ses rencontres, et se nourrit tout autant de son histoire familiale et de son héritage culturel ashkénaze que de ses coups de cœur artistiques plus contemporains. Un art de la synthèse résolument moderne, et un parcours inspirant pour tous ceux qui rejettent les sentiers battus et les chemins linéaires.

Après le succès de ses expositions au musée de Baccarat en 2022 et dans de nombreuses galeries du Luberon, Emmanuelle Stolar part aujourd’hui à la rencontre d’un public international à la chapelle des Pénitents Blancs à Gordes (Pâques 2023) puis à la Biennale Révélations qui se tiendra du 7 au 11 juin prochains au Grand Palais Éphémère à Paris.

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Révélations. Du 7 au 11 juin 2023 au Grand Palais Éphémère, Paris

Biennale Internationale Métiers d’Art et Création. Créée et organisée depuis 2013 par Ateliers d’Art de France : www.revelations-grandpalais.com

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2023/03/Dossier-Presse-Emmanuelle-Stolar.pdf 

Site web : http://emmanuellestolarvelon.com/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/emmanuelle-stolar-v%C3%A9lon-4180748/

Art Digital : l’artiste peintre Pedro Viana Parente utilise l’art digital pour créer une nouvelle collection surréaliste

Connu pour ses peintures à l’aquarelle lumineuses et expressives, qui captivent les regards, l’artiste Pedro Viana Parente vous présente sa nouvelle collection d’œuvres d’art digital, où la technologie rencontre la créativité pour créer des œuvres d’art à couper le souffle ! Il fait parti des artistes peintres à suivre en 2023.

L’artiste franco-brésilien utilise notamment pour cette collection, centrée sur les femmes, les dernières avancées technologiques pour créer des œuvres d’art digitales uniques.

En utilisant des techniques numériques, je m’ouvre à de nouveaux horizons créatifs. Les œuvres d’art qui jaillissent ainsi transcendent les limites de ce qui est possible avec les pratiques traditionnelles.

Pedro Viana Parente

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Un style contemporain témoignant de valeurs essentielles

Pedro Viana Parente s’inspire des paysages, des bateaux et de la nature pour créer des œuvres évocatrices qui abordent avec finesse des thèmes écologiques importants.

Dès ses débuts, Pedro Viana Parente utilise principalement des matériaux contemporains comme l’aquarelle, également l’huile qui donna naissance à ses premiers tableaux.

Bateau de pêcheur sur le port de Marseille - Aquarelle 80 cm x 60 cm

Bateau de pêcheur sur le port de Marseille – Aquarelle 80 cm x 60 cm

Une évolution constante au service d’un art éternel

La technologie est un outil supplémentaire, ainsi pour Pedro Viana Parente, toutes les techniques peuvent être mises à l’honneur.

L’art digital complète en enrichissant sa palette de création. Seule demeure la beauté de l’œuvre et la volonté de transmettre un message, une émotion, une piste de réflexion. De donner à voir le monde autrement.

Les bateaux classiques chers à l’artiste, sont des symboles de cette quête constante de perfection et de durabilité.

Ma thématique principale est l’expression de la volonté de l’humanité de continuer à avancer et à explorer.

Bateau en carénage sur le port de Marseille - Aquarelle 60 cm x 80 cm

Bateau en carénage sur le port de Marseille – Aquarelle 60 cm x 80 cm

La création d’œuvres d’art de grand format

La technologie numérique diminue les contraintes de formats. Pedro Viana Parente peut ainsi créer des œuvres sans limites de dimensions incarnant son idée de recherche de perfection, de durabilité et d’écologie.

Une nouvelle forme d’expression artistique

Pour explorer les thèmes de la nature, de la technologie et de la conscience, Pedro Viana Parente combine des techniques de deep learning avec une créativité humaine. Il utilise des ordinateurs et des logiciels de dessin, travaille le montage et la retouche d’image, s’appuie sur les possibilités offertes par la 3D, le mapping vidéo et l’observation du rendu… pour produire des images surréalistes et complexes.

 S’affranchir des carcans imposés

Les photographies, par exemple, ont initialement été rejetées en tant qu’expression artistique, car elles étaient considérées comme trop mécaniques et sans créativité. Cependant, au fil du temps, les photographes ont commencé à utiliser cet outil de manière innovante pour concevoir des œuvres d’art uniques et expressives.

De la même manière, l’artiste espère que le recours à la technologie dans ses œuvres d’art numériques contribuera à démontrer que les outils modernes peuvent être utilisés pour produire des toiles authentiques et significatives.

L’art est une expression de l’humanité !

Une première collection d’art numérique centrée sur les femmes

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En utilisant le collage numérique, j’ai créé des images qui célèbrent la force, la beauté et l’individualité des femmes. Les formes et les couleurs sont équilibrées pour créer des œuvres d’art élégantes et inspirantes.

Dans cette collection expressive, les fleurs symbolisent la féminité, la sensualité et la beauté naturelle. Pedro Viana Parente les utilisent pour mettre en évidence la nature unique et colorée de chaque femme.

Grâce au collage numérique, il a pu combiner différentes images et textures pour créer des œuvres d’art surprenantes, uniques et en très grand format. Cette approche est aussi libératrice, car l’artiste joue avec leur limpidité, créant des effets de superposition et de transparence pour ajouter de la profondeur aux œuvres.

 

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À propos de Pedro Viana Parente

Pedro Viana Parente est un artiste peintre émergent franco-brésilien de 34 ans basé dans le Sud de la France.

Il a hérité de sa passion pour la peinture de sa grand-mère, une professeure d’art ayant exporté ses dessins en Europe dans de grandes maisons de luxe pour la production de foulards.

C’est elle qui lui a appris à peindre à l’huile dès son plus jeune âge. Pedro a ensuite grandi entouré de matériel de peinture, baignant dans l’ambiance de son atelier.

Aujourd’hui, il est le seul de ses petits-fils à avoir continué la tradition familiale.

Pedro Viana Parente artiste peintre émergent à suivre

Pour en savoir plus

Dossier artistique : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2023/02/BOOK-ARTISTIQUE_compressed.pdf

Site web : https://www.pedrovianaparente.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/pedrovianaparente

Instagram : https://www.instagram.com/pvp_art/

” L’artiste recherche des mécènes visionnaires qui croient en la puissance de l’art pour apporter du changement dans la société et qui souhaitent soutenir ses prochaines collections, expositions, foires, salons… “

 

Filtr’, la revue d’art pensée comme un espace d’exposition accessible aux personnes malvoyantes, lance son 3e numéro

Une revue collective et collaborative

La revue Filtr’ est une collection de livres-objets qui interroge les nouveaux espaces d’expositions à travers l’édition imprimée. Chaque numéro rassemble un ensemble d’auteur·ice·s et d’artistes réunis autour d’une thématique commune.

Ainsi, elle offre à tout artiste ou collectif l’opportunité d’être visible à travers une édition diffusée dans toute la France.

Sa particularité ? Être pensée comme une exposition. Chaque élément de l’édition est détachable et l’ensemble des projets artistiques peuvent être utilisés sous deux formats : celui du livre et celui de l’affichage.

La spécificité de cette édition est de permettre aux lecteurs de choisir son mode de lecture ainsi que l’espace approprié à chaque pièce. Rien n’est défini, les modes de lectures sont éphémères et aléatoires, la revue vit avec l’acteur de ses lectures.

Filtr’ n°2, le troisième numéro de la collection, aura pour thème “Effleurer l’invisible”.
Il sera publié en mars 2023, suite à la campagne sur KissKissBankBank.

Ici, les plis, textures, empreintes, transparences et couleurs donnent des espaces à toucher, manipuler, ressentir. Le lecteur devient acteur.

Marie Lorieux, fondatrice

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Une lecture libre, malléable et unique

La conception aléatoire de la revue se joue des sensibilités singulières de ses collaborateurs : auteurs, créateurs, partenaires…

Au fil des publications, cet objet unique se métamorphose, se transforme et se révèle. Une pièce unique, originale et signée, est également présente dans chaque exemplaire de toute la collection de la revue.

Les supports variés s’associent au point de vue des artistes, les pensées imagées se chevauchent dans un joyeux tumulte de papiers, volumes, grammages.

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Ouvrir ce livre, entre le support et l’objet d’art, c’est partager un tête-à-tête avec ceux qui font et racontent l’histoire de l’art, c’est vivre une expérience esthétique et sensorielle différente, ni tout à fait étrangère, ni tout à fait familière.

Quelle est la place de l’artiste dans l’espace d’un livre ? Quelle est la place du livre comme support de création ? Les questions sont posées, libres à chacun.e d’en écrire les réponses.

Filtr’ n°2 : “Effleurer l’invisible”

Marie Le Moigne - Filtreditions

Ce nouveau numéro, à paraître en mars, s’articule autour des gestes de lecture, des empreintes qui se distinguent à main nue, des reliefs tactiles, de la perception des vides, des pleins, du contraste entre le visible et l’invisible… Chacun.e pourra ainsi la toucher avec les yeux.

Créée en collaboration avec des professionnels de la chaîne du livre, cette thématique met l’accent sur des techniques d’impression et de façonnage particulières, afin de retranscrire le plus fidèlement possible, dans le livre, certaines œuvres en volume.

Qu’elles soient en volumes, sonores ou palpables, nous cherchons ici à transmettre et à approfondir une sensibilité aux matières, aux textures, aux odeurs… Infiniment déclinable, le papier a un potentiel précieux pour raconter les histoires.

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Une revue pensée AVEC et POUR les personnes malvoyantes

Explorer de nouveaux horizons, c’est aussi créer du lien, permettre la rencontre entre personnes malvoyantes et voyantes, et ouvrir le dialogue autour de l’édition artistique.
La nouvelle revue Filtr’ N°2 a donc décidé d’évoluer pour être accessible à ce nouveau public, habituellement exclu du monde des livres d’art.

L’équipe de Filtreditions a organisé un atelier et échangé avec des associations et avec des personnes malvoyantes pour donner naissance à un format privilégiant le toucher, l’audio et l’odorat. De plus, si les budgets sont suffisants, la revue sera entièrement transcrite en braille, pour compléter les QR codes de chaque projet.

Filtr’ N°2 a ainsi vocation à être diffusée via les associations, fondations, écoles et librairies spécialisées en déficience visuelle… Mais pas seulement ! En tant que livre d’exposition à part entière, elle pourrait être intégrée dans les formations d’arts plastiques, d’édition, de design, etc. Par des enseignants intéressés par cet objet polyvalent et ambitieux.

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Les (grands) petits plus

La reliure détachable

Les lecteurs choisissent leur méthode de lecture, car le livre peut aussi être exposé. D’ailleurs, certains se procurent une édition, car ils ont un coup de cœur pour une œuvre qu’ils souhaitent afficher chez eux. Les autres apprécient son côté très vivant et malléable : la revue se réinvente en permanence et se prête à de multiples utilisations.

Un livre-objet inédit sur le marché du livre d’art

Filtr’, c’est une exposition à voir chez soi à travers un livre présentant le travail de 7 artistes minimum par revue.

Avec de vraies différences :

  • Chaque exemplaire contient une pièce unique signée de l’artiste ;
  • Un événement de lancement pour chaque sortie de revue permet de rencontrer les artistes.

Une revue avec un supplément d’âme

Filtr’ est auto-éditée en partie (autoproduction de la pièce unique). Fabriquée en France sur des papiers durables, elle est aussi assemblée à la main pour garantir un objet final esthétiquement parfait.

Le tout à un coût très accessible pour une édition d’art.

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Filtreditions : une maison d’édition indépendante qui ose la singularité

Chez Filtreditions, nous essayons simplement de transmettre un peu de cette passion qui nous anime : l’amour des formes, des médiums, des possibilités, des livres ouverts, des portes entrebâillées par lesquelles passe la lumière.

Fondée en 2017, Filtreditions publie des objets imprimés, crée des événements culturels et lance des éditions artistiques pour des projets collectifs ou individuels.

Cette maison d’édition dynamique a décidé de créer la revue collective Filtr’ pour donner à des artistes émergents une nouvelle visibilité par une forme éditoriale singulière. L’idée originelle était de faire découvrir, par l’objet livre, des créations artistiques (toutes pratiques et médiums confondus) à la manière d’une salle d’exposition.

Son catalogue se compose aujourd’hui de 3 éditions d’artistes indépendants et des 3 revues de la collection Filtr’ (Le n°0 sorti en 2017 portait sur la thématique “Plastique” et le n°1 de 2019 sur “Point, ligne, plan”).

Et bientôt…

La revue Filtr N°2 a vocation à être diffusée dans tous les cercles d’amateurs et de collectionneurs d’art, notamment via les librairies spécialisées en art et en livres d’artiste, les galeries et les musées. Chaque édition peut en effet être intégrée à des expositions sur des thématiques communes et/ou transversales.

À propos de Marie Lorieux, la fondatrice

Marie Lorieux est entrepreneuse, résiliente et passionnée. À 31 ans, elle a déjà fondé sa propre maison d’édition, Filtreditions. Et collabore également avec des marques ou des agences, en tant que directrice artistique indépendante spécialisée en conception d’objets imprimés.

Marie a suivi des études de photographie à Lyon, et un Master en Média, Design et Art Contemporain à Paris.

Filtreditions voit le jour durant la dernière année d’études de Marie qui développe à côté sa clientèle professionnelle entre photographie, graphisme et le développement de projets créatifs. Sa maison d’édition lui donne l’occasion de créer et de gérer des événements culturels entre Paris, Bruxelles, Lyon et Bordeaux pour des expositions artistiques multidisciplinaires ou encore pour des lancements d’éditions.

Par la suite, elle s’intéresse et travaille petit à petit avec l’édition papier. Bénévolement, elle cherche à développer un maximum Filtreditions, et fidélise en parallèle des clients en direction artistique.
Marie a choisi, depuis plus d’une année, une vie nomade à travers l’Hexagone et partage désormais son temps entre des projets de création graphique ou éditoriaux auprès des particuliers, ainsi que des missions de créations digitales ou print avec des marques ou des entreprises.

La genèse de l’aventure Filtr

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À l’occasion d’une recherche bibliographique, dans le cadre de ses études, à la librairie Kandinsky au Centre Georges Pompidou, Marie fait une découverte dont le projet Filtr puisera ses racines. Every building on the Sunset Trip de Ed Ruscha ou Monter/Sampler de Yann Beauvais et Jean-Michel Bouhours, sont des réelles sources d’inspirations pour Marie qui devient très sensible à l’esthétique et la recherche autour des livres d’artistes, des livres d’auteurs et livres-objets.

La réflexion de son mémoire de fin d’études s’appuie notamment sur son amour des formes, des espaces, des matières, de l’architecture, du papier, du livre et de l’art. Ce mémoire portait sur l’association cinégraphique, les formes et usages des méthodes graphiques dans le cinéma expérimental.

Marie s’intéresse également au milieu de l’autoédition et aux mouvements d’art d’avant-garde. Elle est beaucoup inspirée de l’art conceptuel et Fluxus, grâce à ces œuvres qui sortent des musées et se réinventent pour se créer de nouveaux espaces. Elle aime également l’utilisation, le mouvement, l’espace autour des objets livres ainsi que leurs places dans les espaces d’expositions, comme les librairies, les galeries, et chez les collectionneurs et particuliers.

Mais Marie, toujours envahie par le syndrome de l’imposteur, est poussée à créer des éditions présentant le travail des autres plutôt que ses propres créations artistiques.

Cette démarche va cependant s’avérer positive, car elle va étancher sa soif de collaboration :

Les projets collectifs et humains ont une vraie valeur positive pour moi ! C’est d’ailleurs pour cela que j’ai voulu créer un projet d’art qui me ressemble, tant au niveau de l’esthétique que des valeurs.

Le projet de création, de la revue Filtr, est ainsi né. Une revue en papier, hybride, polyvalente, collective et collaborative, humaine, et surtout, un objet de création unique.

Pour en savoir plus

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La campagne sur KissKissBankBank : https://www.kisskissbankbank.com/fr/projects/filtreditions_filtr2

Site web : https://www.filtreditions.com

Facebook : https://www.facebook.com/filtreditions

Instagram : https://www.instagram.com/filtreditions/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/filtreditions

Kit media : https://drive.google.com/drive/folders/1BAWsTFd2roZwybxvGpeZHR29CQv7bpmh?usp=share_link

L’atelier Absolut Mosaïque fête ses 20 ans et se consacre désormais à la décoration murale et à la création pure

S’il y a un nom que les professionnels du monde de l’art connaissent bien, c’est celui d’Absolut Mosaïque : pendant 20 ans, l’atelier a été incontournable lorsqu’il s’agissait de restaurer les plus belles pièces en mosaïque de notre patrimoine. Aujourd’hui, il fête ses deux décennies en prenant un nouveau départ !

 

Absolut Mosaïque oriente résolument son activité vers la décoration murale unique et la création pure. L’atelier déménage aussi en Finistère, où il ouvrira un lieu de création et de partage dès la fin de l’année.

Je crois réellement que la mosaïque contemporaine a beaucoup de choses à dire et à montrer ! Nous sommes à l’aube d’un nouveau mouvement, prêt à éclore, je souhaite contribuer à son avènement comme Art à part entière.

Jérôme Clochard, le fondateur

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Trêve, triptyque dessin, peinture et mosaïque. Collection privée, 2018.

Une réelle maîtrise technique désormais au service d’œuvres personnelles

Pendant 20 ans, l’atelier Absolut Mosaïque s’est fait connaître pour son expertise en restauration de monuments historiques. Un savoir-faire qui représente aujourd’hui un tremplin fantastique et unique pour libérer la créativité de l’artiste, toujours aussi impliqué et motivé dans son travail.

Tout ce travail de création est représenté par la galerie Amelie Maison d’Art à Paris (75006) et la galerie PromenArts de Saint-Martin-de-Ré.

Certaines de ses œuvres ont d’ailleurs déjà rejoint des collections privées et publiques : suites du train Venise Simplon Orient Express (Voiture Léopold 1 et 2 – groupe Belmond), médaillon en mosaïque figurative pour le Musée de la truffe à Saint Ciers, décoration Hôtel “Mademoiselle”**** à Paris, installation de sculptures mosaïques dans la cour Castille de la Maison du Poitou-Charentes à Poitiers…

Toutes ces réalisations uniques ont été créées manuellement, sans recours au numérique. Elles sont aussi nourries de multiples influences, qui alimentent le style singulier de Jérôme Clochard : le fauvisme (Paul Gauguin, Kees van Dongen), l’expressionnisme abstrait (Joan Mitchell), Amedeo Modigliani, Antoni Tàpies, Marc Chagall et Gustav Klimt. Jérôme Clochard propose ainsi :

  • Des œuvres personnelles : création de tableaux ou de sculptures en mosaïque ;
  • Des œuvres de commande : des décors muraux.

Avec une ambition : travailler en collaboration avec des galeries d’Art et des architectes d’intérieur ou décorateurs. 20230119162438-p4-document-qapg

Interprétation libre en Mosaïque d’un tableau de l’artiste Charlotte Culot.

Quelques références notables en restauration

  • 2005 : Mosaïque La vierge à l’enfant, église de Coulonge sur Charente.
  • 2006 : Sol de la Chapelle Jeanne d’Arc, église Saint Ambroise, Paris. Partenariat Socra
  • 2010 : Mosaïque de Toffoli Les enfants jouant, Charenton-le-Pont. Partenariat Socra
  • 2012 : Pavement mosaïque du Ministère de l’Agriculture Paris. Partenariat Socra.
  • 2012 : Église St Philippe du Roule, Paris. Monuments Historiques, partenariat Pradeau & Morin.
  • 2012 : Opéra comique, Paris. Monuments Historiques, partenariat Socra.
  • 2014 : Mosaïque originale, tombe de l’artiste Guillaume Cornelis van Beverloo (dit Corneille).
  • 2016 : Mosaïques du pavement de l’Opéra Garnier, Paris. Monuments Historiques.
  • 2016 : Mosaïques de la coupole et du transept, Mausolée de Bourgogne.
  • 2017 : Lycée Albert Schweitzer, Le Raincy. Monuments Historiques, partenariat Pradeau & Morin.
  • 2020 : Voiture Cygnus, train Belmond British Pullman (Oeuvre originale de Marjory Knowles).

À propos de Jérôme Clochard

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Je suis quelqu’un de passionné et intuitif, qui recherche les voies non tracées. J’ai eu la chance d’hériter d’une sensibilité artistique, émotionnelle, et d’un coup de crayon. Ma motivation est le partage de l’émotion à travers mon Art.

Durant son enfance, passée sur l’île de Houat en Bretagne, Jérôme se découvre deux vocations qui ne le quitteront plus : la mer et le besoin de créer.

Pour assouvir un besoin impérieux de voyages, de découvertes et de vie intense, il se lance dans un premier métier d’aventure au sein de l’armée : pendant 12 ans, il devient nageur de combat dans les forces spéciales. Cette expérience lui apporte une grande confiance en lui et une capacité d’organisation exceptionnelle.

En parallèle, la création est toujours présente, sous différentes formes : photographie, dessin, sculpture et mosaïque.

La découverte de cette dernière discipline devient une véritable passion, car elle associe art et artisanat. Jérôme suit alors une formation technique en France et en Italie, afin de se reconvertir. En autodidacte, il apprend l’histoire de l’art et donne vie à ses premières œuvres artistiques.

En 2003, il crée Absolut Mosaïque. C’est le début d’une belle aventure qui va durer 20 ans ! Après des premières années difficiles, mais prometteuses, l’atelier s’impose comme une référence en restauration de monuments historiques. En 2023, Jérôme se fixe un nouveau cap : partir en quête de la beauté à travers la création personnelle.

Son travail de création est actuellement représenté par la galerie parisienne AMELIE MAISON D’ART et PromenArt à Saint Martin de Ré.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.absolutmosaique.com/

Instagram : https://www.instagram.com/clochardjerome/

 

BIXHOPE ART, un artiste peintre français pionnier de l’art automobile

Qui n’a pas déjà rêvé en voyant James Dean au volant de sa Mercury coupé noire dans “La Fureur de Vivre” ? Ou imaginé être à la place de Steve McQueen conduisant une Ford Mustang dans Bullitt ?

Depuis toujours, le cinéma et l’automobile sont deux univers intrinsèquement liés.

Deux passions fortes qui s’entremêlent et se répondent pour donner naissance à des œuvres d’art singulières, qui prennent vie sous le pinceau de Bixhope Art.

Entre hyperréalisme et pop art, son style unique et coloré réveille l’imaginaire, tout en rendant hommage aux belles mécaniques et à certains films de légende.

Avec une particularité : Bixhope Art peint chacune de ses œuvres originales à la main, sans recours au numérique. Il faut ainsi compter une centaine d’heures de travail pour chaque œuvre.

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Un personnage-signature : Bull The Dog

La passion de Bixhope Art pour les belles automobiles est née dans l’enfance, devant une Porsche 911 Orange. Elle ne le quittera plus…

Et un peu plus de 40 ans plus tard, c’est encore elle qui est au centre de toutes ses créations.

Bixhope Art a commencé par prendre le pinceau dans le salon familial, sur la table duquel trônait un petit bouledogue anglais en céramique qui lui faisait face et semblait le regarder peindre…

Un matin, je me suis réveillé avec une idée qui a beaucoup fait rire ma femme et mes enfants… « Je vais créer un personnage ! », un bouledogue anglais multicolore style Pop Art qui comme moi, aime beaucoup l’automobile et le cinéma.

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Bull The Dog by Bixhope Art venait de naître ! Depuis, il est devenu le compagnon de route de l’artiste : cette signature indiscutable est présente sur toutes ses réalisations originales.

Et il est aussi indissociable du succès grandissant du peintre français, qui dispose désormais d’un atelier dédié.

Des tirages d’art en édition limitée

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Au-delà des œuvres de commandes personnalisées et des créations uniques, l’artiste propose aussi des tirages d’Art en nombre limité (30 exemplaires).

Numérotés et signés, ils sont accompagnés d’un certificat d’authenticité et imprimés en 12 couleurs (très haute définition) sur un papier de qualité exceptionnelle (Arche 310g).

4 formats sont disponibles : 20 x 30 (90 €), 40 x 50 (210 €), 50 x 70 (350 €) et 100 x 70 (670 €).

A propos de Bixhope Art

Bixhope Art est un artiste peintre français, né en 1968.

Passionné d’automobile et de cinéma, cet autodidacte réunit ses deux univers pour donner naissance à des œuvres uniques. Avec, toujours, la signature qui le caractérise : son personnage “Bull The Dog”, un bouledogue anglais multicolore.

Après une carrière commerciale variée, j’ai décidé de me lancer dans l’art automobile. C’est une manière pour moi de prolonger ma passion en couchant sur le papier toutes les voitures qui me font rêver.

L’amour des belles mécaniques, transmis de père en fils

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C’est grâce à son père, un authentique mordu des courbes automobiles, que Bixhope Art va découvrir et aimer la beauté et la diversité des mécaniques françaises, italiennes, anglaises, américaines ou allemandes.

Il a eu son premier coup de cœur pour les voitures de sport à l’âge de 8 ans, émerveillé par une magnifique Porsche 911 Targa orange appartenant à un voisin. Ses lignes et le son inoubliable, si particulier, de son moteur, sont depuis ancrés dans son esprit.

Après une carrière commerciale variée, Bixhope Art s’est donc lancé dans l’art automobile en 2019.

Parcours artistique

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  • Expositions collectives : ART3F Monaco (2020), Art Shopping Deauville (2020), Salon Artshopping Paris (2021)… ;
  • Expositions personnelles : La P’tite Galerie 13 à Honfleur (2021) ;
  • Événements : participation au salon Auto Moto Retro Rouen (2021), Porsche Casting Deauville (2022), au “1000 ALPINE pour les 100 ans de Jean Rédélé” (2022)… ;
  • Publication : Akoun, Guide La Cote des Peintres, 2020 ;
  • 2022 : Exposition au Salon ArtShopping Deauville ;
  • 2023 : Réalisation de l’affiche officielle du rassemblement Alpine à Dieppe des 19, 20 et 21 mai 2023 pour fêter les 50 ans du titre de Champion du Monde des Rallyes de la marque Alpine Renault en 1973.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.bixhopeart.com/

Instagram : https://www.instagram.com/bixhope_art/

Facebook :

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/bixhope-art-712a99214

La jeunesse française se mobilise : la clôture des candidatures au Prix Apprenez le monde 2023 s’achève sur un record de participations

10 000 € pour lancer un projet écologique, humanitaire, éducatif ou artistique

Et si l’on disait stop aux clichés sur les jeunes ? Les moins de 25 ans sont souvent présentés comme étant désintéressés du monde qui les entoure… alors que la réalité est toute autre.

Savez-vous par exemple que près de 1 jeune sur 2 (48%) donne bénévolement de son temps au sein d’une association ou d’une autre organisation ? (source : baromètre janvier 2022 publié par l’Injep et le Crédoc).

Dans ce contexte, ils ont aussi été nombreux à répondre à l’appel à candidatures du Prix Apprenez le monde 2023 organisé par la Fondation d’entreprise Go&Live. 

Lors de la clôture du dépôt des dossiers, le 15 décembre à 14h, un record de participation a même été enregistré par rapport à la précédente édition.

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Une mobilisation autour de la promotion de belles valeurs

Le Prix Apprenez le Monde récompense des projets innovants en relation avec l’écologie, l’humanitaire, l’éducation ou encore l’art.

L’attribution d’une dotation de 10 000 € vient ainsi soutenir les initiatives qui partagent au mieux les valeurs de la Fondation d’entreprise Go&Live.

Elle permet ainsi de :

  • FAVORISER les projets solidaires dans le monde entier ;
  • ENCOURAGER l’apprentissage et la pratique des langues ;
  • EVEILLER à la découverte des cultures ;
  • CONTRIBUER à l’accès à la formation et à l’éducation.

Plus de 100 candidatures reçues

Pour candidater, les jeunes talents (seuls ou en groupe de 8 maximum) ont dû :

  • Compléter un formulaire sur le site de la fondation ;
  • Fournir une vidéo qui présente leur projet de 2 minutes maximum ;
  • Présenter un budget prévisionnel de leurs dépenses pour la réalisation du projet.

Nous sommes très heureux de constater l’engouement autour de ce Prix ! Nous avons reçu une grande diversité de projets, riches en idées qualitatives. Au total, 106 candidats ont tenté leur chance et nous avons validé 52 projets complets. Le choix va être difficile !

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Les dates clés du prix Apprenez le monde 2023

15 octobre 2022 : lancement de l’appel à projets.

15 décembre 2022 à 14h : clôture des candidatures.

1er janvier 2023 (et pas avant !) : publication des vidéos sur la chaîne YouTube de la Fondation d’entreprise Go&Live.

Du 1er janvier au 31 janvier 2023 :

  • Les internautes peuvent découvrir les projets et “liker” ceux qu’ils préfèrent. Ces “likes” seront pris en compte dans la notation du projet.
  • Les membres du jury procèderont aussi à la notation des projets.

31 mars 2023 : Annonce du lauréat et remise du prix « Apprenez le Monde » 2023 à Rodez en Aveyron (12).

La Fondation d’entreprise Go&Live : un tremplin pour éveiller les consciences

Lancée en 2019 par Jean BURDIN et Xavier OBERT, alors respectivement Président du groupe et Directeur Général, la Fondation d’entreprise Go&Live aide tous les jeunes à devenir des citoyens du monde grâce au partage des connaissances, de la découverte du monde, et de l’apprentissage des langues étrangères & de nouvelles cultures.

Nous sommes convaincus que s’ouvrir aux autres cultures et civilisations du monde permet de transmettre des valeurs de respect, de connaissance et de partage !

Animée par cette philosophie, toute l’équipe se mobilise pour mettre en exergue des projets à vocation humanitaire, écologique, éducatif, artistique qui, sans le soutien de cette fondation, n’auraient sans doute jamais eu la chance de voir le jour.

Sa force : un engagement sincère et authentique.

Ainsi, même si Jean Burdin a aujourd’hui pris sa retraite, il a conservé sa fonction de Président de la Fondation d’entreprise Go&Live. De son côté, en tant que nouveau Président du groupe Go&Live, Xavier Obert a aussitôt tenu à reprendre le flambeau en relançant le prix Apprenez le Monde.

L’édition 2023, au vu du nombre de participants, est déjà un succès !

Go&Live, le spécialiste des voyages scolaires et des séjours linguistiques, culturels et sportifs pour les jeunes

Fort de près de 65 ans d’expérience, le groupe Go&Live est un des leaders dans son domaine.

Sa mission : faire des jeunes de demain des citoyens du monde et les accompagner tout au long de leurs parcours, afin de leur permettre de progresser en langue par la découverte du monde, de ses cultures et de ses langues.

Sa marque de fabrique : sa capacité à organiser des séjours et des concepts innovants.

Il possède 6 marques :

  • Nacel, précurseur des séjours linguistiques, offrant à des milliers de jeunes l’opportunité de vrais échanges ;
  • Club Langues et Civilisations, spécialiste des séjours linguistiques et culturels depuis 50 ans ;
  • Sports Elite Jeunes, spécialiste des colonies et stages sportifs, encadrés par des coachs et animateurs professionnels ;
  • American Village, les summer camps 100% anglais, en France, pour apprendre l’anglais en s’amusant, en totale immersion dans la culture américaine ;
  • KeepSchool, spécialiste de la formation professionnelle ;
  • Sans Frontières, des voyages et séjours itinérants pour les 12 – 25 ans.

Pour en savoir plus

Le prix Apprenez le Monde

La fondation Go&Live : https://fondation.goandlive.org/

Facebook : https://www.facebook.com/FondationGoandLive

Go&Live

Site web : https://www.goandlive.com/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/go&live-group

Facebook : https://www.facebook.com/goandlivegroup

Passeur d’émotions, le peintre corse Pierre-Paul Marchini joue avec l’abstraction pour faire jaillir la lumière

“Une œuvre d’art qui n’a pas commencé dans l’émotion n’est pas de l’art”, écrivait le peintre Paul Cézanne.

C’est sans doute pour cela que le travail de Pierre-Paul Marchini touche au cœur : ses œuvres naissent d’une émotion forte, qu’il transmet en expression directe.

Car ce peintre atypique crée au couteau, un peu à la manière d’un sculpteur modelant la matière. Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces et nous emporte par la dynamique de ses toiles.

Maître de l’abstraction et de l’informel, il ose la rupture avec les canons classiques et porte la couleur à son paroxysme. “Ce qui m’intéresse, c’est de dépasser la simple représentation pour plonger dans la pure psyché”, explique-t-il.

Ombres, lumières et formes créent alors une unité d’ensemble, qui laisse entendre l’accent chantant et la beauté brute de la Corse natale du peintre.

Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est en train d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste.

Salvatore Russo, critique d’art international

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Un art pictural à l’abstraction tantôt lyrique, tantôt décorative

Les toiles de Pierre-Paul Marchini interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste les emporte, avec une puissance conférée par une touche réaliste : son art est nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

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Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

Le mouvement NO ARTE : faire éclater les carcans de l’art contemporain

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L’art contemporain a-t-il perdu son âme ?

En 2015, la graveuse, peintre et critique d’art Aude de Kerros disait déjà : “aujourd’hui, dans l’art contemporain, quand vous entrez dans un réseau, vous n’êtes plus libre : les acteurs du marché – galeristes, collectionneurs – exigent de vous la taille des œuvres, le style, et surtout l’agenda.” (source)

Un constat toujours d’actualité.

En évoluant dans le monde de l’art, Pierre-Paul Marchini a découvert un univers dominé par la spéculation financière. D’ailleurs, nombre de galeristes et organisateurs n’hésitent pas à gonfler artificiellement les tarifs des œuvres et à adopter des pratiques douteuses pour augmenter leur chiffre d’affaires.

Le but n’est plus de faire découvrir des artistes, ou d’aller à la rencontre du public, mais seulement de vendre. Une approche qui est aux antipodes de la démarche artistique…

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Alors en 2019, pour retrouver sa liberté et son indépendance, le peintre corse a décidé de proposer ses œuvres à prix atelier sans intermédiaires. Avec une ambition : démocratiser l’accès à l’art.

Un engagement sans concessions qui a ensuite donné naissance au mouvement « NO ARTE ». Pierre-Paul Marchini revendique ainsi une réelle proximité avec son public, qui le soutient fidèlement depuis des années.

En tant que passeur d’émotions, j’apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à mon travail. Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Un fils d’ouvrier devenu un artiste à la renommée internationale

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Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Il a également remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

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Portrait de Pierre-Paul Marchini

Rien ne destinait Pierre-Paul Marchini à devenir artiste peintre. Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier s’est passionné pour le football à l’adolescence. À l’âge de 12 ans, il intègre l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Des années plus tard, Pierre-Paul Marchini se découvre une nouvelle passion en feuilletant un magazine. Alors marié et père de famille, il a un coup de foudre pour la peinture de William Turner. Il se met à étudier son œuvre, et décide de manier lui aussi le pinceau.

Commençant avec la peinture à l’huile, Pierre-Paul Marchini apprend les techniques de base en autodidacte, se formant aux reflets et au jeu de l’ombre et de la lumière. Pour sa première toile, il choisit d’immortaliser les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ». L’artiste avait trouvé sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

Ce style atypique a fait la renommée de Pierre-Paul Marchini en France et à l’étranger.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

L’artiste plasticien transdisciplinaire Gaël Rouxeville exposera à Bruxelles et à Marseille

Un style épuré, simple et élégant. Une courbe vivante et poétique.

À la façon d’un haïku en 3 dimensions, les sculptures de Gaël Rouxeville sont suggestives et raffinées, créant un monde à mi-chemin entre figuration et abstraction.

“Mettant en résonance l’imaginaire et le vécu individuel, l’effet produit et le message délivré sont propres à chacun” explique l’artiste.

Car, derrière la simplicité apparente, se cache un long travail de maturation, ne laissant rien au hasard, du premier dessin à l’œuvre achevée. Progressivement, dans ses mains, la matière devient vivante et poétique.

La richesse contenue se révèle ensuite petit à petit à l’observateur, au fil du temps.

Un langage à la fois original et universel qui séduit : Gaël Rouxeville exposera au salon ART3F de Bruxelles du 25 au 27 novembre 2022, puis au salon de SIAC de Marseille du 10 au 13 mars 2023.

Ceux et celles qui n’auront pas la chance d’assister à ces événements internationaux peuvent également découvrir le travail de cet artiste plasticien transdisciplinaire à la galerie SISA de Flers (exposition permanente) ou dans sa propre galerie à Merléac.

 

..Les œuvres de Gaël Rouxeville peuvent être admirées sous tous les angles. Là, une hermine blanche dans des courbes presque féminines comme surprise dans son mouvement, ici l’envol majestueux d’un oiseau de mer fuselé toutes ailes déployées…

Ouest France

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Portrait de Gaël Rouxeville, avec son oeuvre "Hors Cadre"

Portrait de Gaël Rouxeville, avec son œuvre “Hors Cadre”

Une exploration de La Courbe Vivante

Né en 1970, Gaël Rouxeville est un artiste plasticien transdisciplinaire, dont les œuvres ont fait l’objet de nombreuses expositions individuelles et collectives, et ont intégré des collections, en France et à l’international.

Sa création s’appuie sur un savoir-faire riche, issu de la pratique du design industriel et de l’ébénisterie, et participe à une démarche écoresponsable : l’artiste français privilégie notamment l’upcycling, ainsi que les matériaux biosourcés ou non toxiques

 

Depuis plus de 20 ans, il explore les possibilités de “la Courbe Vivante”, notamment en sculpture, stylisant le mouvement et densifiant l’énergie.

La Courbe Vivante est à la fois mon langage expressif et le filtre qui me permet de décoder les complexités du monde.

Danseuse Agenouillée, bronze, copyright Gaël Rouxeville ADAGP

Danseuse Agenouillée, copyright Gaël Rouxeville ADAGP

Son travail aboutit à des formes organiques simples et libres d’interprétation. Il invite ainsi tout un chacun à mettre en jeu sa propre imagination pour découvrir un monde entre rêve et réalité, peuplé de personnages, d’animaux et de formes non figuratives.

Comme la lecture d’un poème zen, son œuvre procure une expérience intérieure, apaisante et hors du temps, comparable à une méditation, qui délivre un message d’amour universel d’une incomparable profondeur.

“Mon travail est généralement décrit comme étant beau, calme et apaisant…comme si le temps se trouvait suspendu.”

L'Air Marin, œuvre unique en bois, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

L’Air Marin, œuvre unique en bois, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Envol, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Envol, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Découvrir les œuvres de l’artiste français

Le travail artistique de Gaël Rouxeville ne nait pas d’une idée, mais d’une nécessité d’expression, quasiment vitale pour lui, qui remonte à l’enfance.

“Mes créations sont le prolongement de 25 années de sacrifices et de cheminement professionnel, et bien plus encore. Chaque expérience de mon parcours a façonné mon action d’aujourd’hui.”

Les événements auxquels il participe se placent dans cette perspective.

Maternité, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Maternité, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Salon ART3F à Bruxelles, du 25 au 27 novembre 2022

ART3F Bruxelles est un salon d’art contemporain qui réunit, sur plus de 6000 m², les artistes, les passionnés d’art et les collectionneurs. Sa particularité : revendiquer un côté humain et chaleureux, tout en offrant la plus belle représentation artistique du moment.

Salon SIAC de Marseille du 10 au 13 mars 2023

Le SIAC, qui se déroulera l’année prochaine au parc Chanot (Marseille), est un salon d’art contemporain au sein duquel les visiteurs sont accueillis par les artistes eux-mêmes, et non par des galeristes. Plus de 160 artistes, français et étrangers, présenteront ainsi leurs œuvres à plus de 16 000 amateurs d’art durant 4 jours.

Ressource copyright G Rouxeville collection of the crown prince of saudi arabia

Ressource copyright Gaël Rouxeville ADAGP collection du prince héritier d’Arabie Saoudite

La galerie d’art SISA

Du 2 juin au 10 juillet, Gaël Rouxeville a exposé dans la galerie LE 33 MAI, 21 rue Le Regrattier 75004 Paris, dans l’Île Saint Louis.

Depuis le mois de septembre, il est désormais représenté par la galerie SISA, située au 9 rue St Germain 61100 Flers.

La galerie personnelle de l’artiste

Gaël Rouxeville vient d’ouvrir sa galerie d’art au 25 Saint Léon 22460 Merléac, dans les Côtes-d’Armor. Sur rendez-vous, il rencontre tous les amateurs d’art désireux d’en savoir plus sur son travail.

Et toujours…

L’e-shop en direct de l’atelier

Via sa boutique en ligne, Gaël Rouxeville propose ses œuvres à la vente, sans intermédiaire.

Les créations sur commande

Il peut s’agir de pièces d’intérieur ou d’extérieur de toutes dimensions, monuments…

L’offre de services associés

  • Expositions ;
  • Mise en valeur d’espaces privatifs/publics ou d’événements ;
  • Présentation privée ;
  • Conférences ;
  • …

À propos de Gaël Rouxeville

L'artiste dans son atelier, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

L’artiste dans son atelier, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

 

Passionné et ouvert d’esprit, Gaël Rouxeville est né en 1970. Attiré par les pratiques artistiques depuis l’enfance, il est diplômé en ingénierie mécanique, design industriel (bac+4), et en menuiserie d’agencement (CAP). Il a aussi étudié les arts plastiques auprès de Jean Marc Desrues (Les Ateliers de l’ARC).

D’abord designer indépendant puis ébéniste d’agencement, Gaël mène en parallèle une carrière artistique dès 1997. L’année suivante, il débute la sculpture. Son style plaisant immédiatement à des collectionneurs, sa première œuvre est rapidement coulée en bronze.

Travaillant aussi le bois, la laque, les métaux, la pierre reconstituée, les résines, l’artiste aime à se jouer des matières qu’il utilise. On ne sait plus très bien ce qui se cache sous les patines mais c’est tout l’art de Gaël Rouxeville qui grâce à l’élégance de ses lignes et à la beauté des finitions nous transporte vers cette sensation de légèreté, d’apaisement et de liberté qui s’affranchit de la pesanteur.

Les thèmes de ses œuvres sont très variés : la danse, l’abstraction et les animaux, mais… toujours à sa manière !

Petit à petit, il fait son chemin parmi les artistes qui comptent. Sa sculpture Ressource vient d’ailleurs d’être acquise par le Prince Héritier d’Arabie Saoudite, au printemps 2020, et la moitié de sa clientèle est internationale.

Pour en savoir plus

Portfolio : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20221014095129-p3-document-yeiz.pdf

Site web : https://www.gaelrouxeville.fr/

Facebook : https://fr-fr.facebook.com/rouxeville.sculpteur/

Instagram : https://www.instagram.com/rouxevillegael/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/gaël-rouxeville-courbe-vivante

« L’art du portrait, trait pour trait » : Paul Lebrun exposera 60 portraits de personnalités et d’anonymes du 15 au 22 février 2023 au Rouret

Grace Kelly, Charles Aznavour, Marilyn Monroe, Johnny Hallyday, Patrick Fiori, Ray Charles, Pierre Richard, Romy Schneider… célébrités ou anonymes, Paul Lebrun, artiste du Bar-sur-Loup, est réputé pour ses portraits en dessin et en peinture.

Il en a déjà dessiné plus d’un millier, dont une grande partie sur le vif.

Un savoir-faire que les amateurs d’art pourront admirer au Rouret, du 15 au 22 février 2023, durant l’exposition “L’art du portrait, trait pour trait” qui se déroulera au Coin des Artistes – Maison du Terroir (9 route d’Opio).

Paul Lebrun y exposera 60 portraits (personnalités, musiciens de jazz, grands navigateurs, acteurs, chanteurs…) à l’aquarelle, au fusain, à la sanguine et au lavis.

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Une exposition vivante et didactique

Animé par la volonté de partager sa passion pour son art, Paul Lebrun a imaginé une exposition chaleureuse et pédagogique, qui dépasse de très loin le simple affichage de portraits.

Ainsi, l’exposition abritera des ateliers d’initiation au portrait destinés aux enfants et aux adultes. Ils proposeront une approche des techniques de dessin d’un portrait, la construction, le dessin des différents éléments du visage…

L’artiste y réalisera aussi, à la demande, des portraits sur le vif.

Un événement convivial à découvrir en famille, au Coin des Artistes dans la Maison du Terroir du Rouret, un bel espace bien connu dans les Alpes-Maritimes, dédié aux artistes et aux artisans d’art, qui met à l’honneur depuis près de 10 ans la transmission des savoir-faire provençaux.

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L’Atelier 285 : le “temple” du portrait

Les portraits réalisés “à la commande”

Sur le site de Paul Lebrun, il est possible de (s’)offrir un très beau portrait, à des prix très accessibles, en quelques clics. En effet, il suffit de :

  • Sélectionner la technique souhaitée : crayon, fusain, pastel, aquarelle ou acrylique ;
  • Choisir la taille du portrait ;
  • Envoyer la photographie à reproduire : il est recommandé d’en fournir plusieurs pour permettre à l’artiste de mieux cerner les caractéristiques physiques de ses modèles ;
  • Ajouter le cas échant un commentaire pour donner davantage de détails sur le portrait à réaliser ;
  • Valider la photo du portrait envoyée par Paul Lebrun.

Et c’est tout ! La réalisation du portrait prend en moyenne une quinzaine de jours. Il est ensuite livré roulé sous emballage de protection rigide, à plat sous enveloppe cartonnée spéciale, ou dans une caisse en carton pour les portraits montés sur châssis bois.

Plusieurs techniques sont proposées : le fusain, l’aquarelle, les carrés pastels, l’acrylique sur toile, les pastels secs.

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Les ateliers et les stages

Désireux de transmettre sa technique et son art du portrait, Paul Lebrun organise des stages et ateliers.

Ceux-ci sont ouverts aux peintres et dessinateurs souhaitant se perfectionner dans la maîtrise du portrait et l’art de la ressemblance. Ils rassembleront au maximum quatre personnes par session, et commenceront début 2023.

D’une durée de trois heures, les ateliers s’adressent principalement à des artistes locaux, installés sur la Côte d’Azur.

Les stages, quant à eux, s’étalent sur trois jours et offrent une possibilité d’hébergement. Ils s’adressent aux artistes de toute la France et au-delà.

À propos de Paul Lebrun

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Paul Lebrun est né en 1953 à Bergues. Son père est contrebassiste dans l’orchestre de jazz local dans lequel joue aussi le carillonneur de Bergues dont s’est certainement inspiré le film Bienvenue chez les Ch’tis.

À l’âge de cinq ans, Paul quitte le nord avec ses parents pour migrer sur la Côte d’Azur. Après un bac scientifique, il commence à étudier les lettres à l’université, mais est rattrapé par l’obligation du service militaire, qu’il fera à Montlhéry puis à Bar-le-Duc.

Lorsqu’il revient dans le sud, Paul décide de changer d’orientation, troquant les lettres pour des études scientifiques à l’université de Nice. Lorsqu’il a du temps libre, il s’installe sur la Promenade des Anglais pour réaliser des portraits sur le vif et se faire de l’argent de poche.

Quatre années d’études et trois certificats de maîtrise plus tard, il abandonne la physique-chimie pour devenir designer graphiste indépendant.

Dans un premier temps, Paul travaille en tant qu’illustrateur et créatif pour des agences de communication locales. En parallèle, il développe sa propre clientèle, composée essentiellement d’entreprises high-tech dont La Spirotechnique, Texas Instruments, IBM, Digital, Alcatel, Lucent Technologies, Schneider Electric, Hewlett Packard, France Télécom, Marconi ou encore Philips.

En 2002, Paul, son épouse et un couple d’amis créent une société d’édition dédiée à l’art du doute et à l’approche critique scientifique de l’information, un concept innovant pour l’époque. Il participe à l’édition de près de 40 titres jusqu’en 2018 pour lesquels il réalise 39 portraits d’auteurs.

Du design graphique au dessin artistique

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En 2012, Paul Lebrun quitte définitivement le monde de l’entreprise.

Il confie les rênes de sa société Ideogram Design à son fils et se consacre pleinement au dessin artistique, et plus particulièrement aux portraits.

Il aménage son atelier à la campagne, au Bar-sur-Loup, s’y enferme, et travaille d’arrache-pied pour perfectionner ses techniques.

En 2014, il intègre la Maison des Artistes, l’association agréée par l’État qui rassemble et défend les artistes-auteurs. Cette année-là, il décide de mettre son savoir-faire en pratique sur les marchés estivaux de la Côte d’Azur, en réalisant des portraits sur le vif.

Il lance par ailleurs son site internet, où il propose des portraits sur commande. En huit ans, il signe plus de 1 500 portraits.

Aujourd’hui, Paul se fait discret sur les marchés, au profit des productions en atelier. Il partage régulièrement ses réalisations sur sa page Facebook, qui compte plus de 2 400 abonnés. Il est artiste certifié i-CAC, l’indice de cotation des artistes certifiés, depuis mai 2022.

Un portfolio d’une grande richesse

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Durant sa vie professionnelle de designer graphique, Paul Lebrun a à son actif de nombreux travaux commandés par des entreprises et des collectivités.

Il a notamment imaginé les affiches de la Loterie Nationale (en 1979 et 1980), et a créé le logo et la charte graphique de la ville de Valbonne-Sophia Antipolis.

Pendant sept ans, au sein de son entreprise de design graphique, Paul a dessiné les packagings des produits grand public européens de Texas Instruments (calculatrices, traducteurs, calepins, jeux éducatifs, etc.)

Il est également l’auteur du design du support à rouleau de la bouteille de plongée pour La Spirotechnique, une innovation primée, et a été sélectionné avec 70 artistes pour la création de l’affiche du 70ème Festival de Jazz de Nice.

Les domaines d’expertise de Paul Lebrun

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Paul Lebrun maîtrise :

  • Le portrait sur le vif à la sanguine, au fusain, au feutre… ;
  • La sanguine, la technique préférée des grands peintres pour les esquisses préliminaires ;
  • Le fusain ;
  • L’encre et le lavis ;
  • L’aquarelle ;
  • L’acrylique ;
  • Le trait d’eau-forte et de burin.

Informations pratiques

Exposition “L’art du portrait, trait pour trait” de Paul LEBRUN.

  • Où : Le Coin des Artistes – Maison du Terroir, 9 Rte d’Opio, 06650 Le Rouret
  • Quand : du 15 au 22 février 2023
  • Horaires : de 11 h à 19 h
  • Vernissage sur invitation

Pour en savoir plus

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Cotation Paul Lebrun : https://www.i-cac.fr/artiste/lebrun-paul.html

Site web : https://www.atelier285.com

Facebook : https://www.facebook.com/portraits.Paul.Lebrun

Blogspot : https://portraitslebrun.blogspot.com/

Instagram : https://www.instagram.com/lebrun9253/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/paul-lebrun/

Apprenez le monde 2023 : les candidats ont jusqu’au 15 décembre pour s’inscrire et tenter de remporter 10 000 €

Donner vie à un projet écologique, humanitaire, éducatif ou artistique

Plus que jamais, dans le contexte de crise actuel, les jeunes talents ont besoin d’un coup de pouce pour donner vie à des projets à impact positif : ce sont eux qui contribueront à dessiner un monde de demain plus solidaire, plus éthique et plus inspirant.

Alors pour soutenir tous les 18-28 ans, la fondation d’entreprise Go&Live lance la 2e édition du prix “Apprenez le Monde” !

Une dotation de 10 000 € sera attribuée à une initiative écologique, humanitaire, éducative ou artistique qui :

  • FAVORISE les projets solidaires dans le monde entier ;
  • ENCOURAGE l’apprentissage et la pratique des langues ;
  • EVEILLE à la découverte des cultures ;
  • CONTRIBUE à l’accès à la formation et à l’éducation.

Les candidatures peuvent être déposées entre le 15 octobre et le 15 décembre 2022 à 14h.

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Un prix pour aider les jeunes à devenir des citoyens du monde

Aider une école au Bénin en manque de fournitures scolaires, peindre des fresques murales mettant à l’honneur les différentes cultures du Monde, se lancer dans un tour d’Europe en trottinette pour faire des rencontres et transmettre les bonnes pratiques écologiques, lancer un site web destiné à faire découvrir les différentes langues du Monde…

Tous les projets écologiques, humanitaires, éducatifs ou artistiques peuvent être présentés au prix Apprenez le Monde. À une condition : ils doivent s’inscrire dans une dynamique de découverte et d’ouverture aux autres !

Pour participer, les jeunes de 18 à 28 ans résidant en France, en solo ou en groupe de 8 maximum, doivent simplement :

  1. Compléter un formulaire pour s’inscrire sur le site de la fondation ;
  2. Puis, par la suite, fournir une vidéo de 2 minutes maximum qui présente leur projet, ainsi qu’un budget prévisionnel de leurs dépenses pour la réalisation de celui-ci.

Le lauréat gagnera une enveloppe de 10 000 € pour mener à bien son projet, ainsi qu’un accompagnement par la Fondation d’entreprise Go&Live à chaque étape.

Les dates clés du prix Apprenez le Monde

  • 15 octobre 2022 : ouverture de l’appel à projets ;
  • 15 décembre 14 h : clôture des candidatures ;
  • 31 mars 2023 : remise des prix.

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Zoom sur les lauréats de la précédente édition

Malgré une évolution compliquée en raison de la crise sanitaire, l’édition 2019 du prix Apprenez le Monde a été couronnée de succès.

Les 3 lauréats ont été sélectionnés et, même si leurs projets ont été impactés par la pandémie (délai, intention du projet, réalisation ou encore cérémonie de remise des prix annulée en mars 2020), ils ont réussi à s’adapter pour donner vie à des programmes ambitieux :

1er Prix Go&Live : “Raising Kenya” par Manon LETHIMONIER et Amélie PHEULPIN

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Grâce aux 10 000€ de dotation, les deux lauréates ont pu venir en aide aux enfants du bidonville de Kibera, à Nairobi au Kenya.

Elles ont notamment mis en place :

À l’école d’Ayany primary school : construction d’un terrain multisport et d’une piste de course dans la cour de récré, organisation de différents ateliers (manuels et scolaires, sportifs, jeux), préparation d’un repas pour les 1200 enfants de l’école et allocation de moyens financiers pour en réaliser d’autres, dons de matériel scolaire et créatif, etc.

À l’orphelinat Kibera Angels of hope Foundation : journée de partage, repas pour les enfants, don de 300 kg de nourriture, don de plus de 160kg de vêtements et doudous, don de nombreux produits d’hygiène, etc.

Prix Coup de cœur Nacel : “Wild in the City” de Mathieu COURDESSES

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Avec ses 1 000€ de dotation, Mathieu a réalisé une exposition immersive à Paris au jardin des serres d’Auteuil du 18 septembre au 7 novembre 2021.

Il a ainsi sensibilisé les visiteurs à la nécessaire protection de l’environnement en leur montrant la faune et la flore des jungles les plus sauvages de la planète.

Contrairement aux expositions animalières classiques, “Wild in the City” faisait appel à 4 de leurs 5 sens : la vue, l’ouïe (avec une bande-son évolutive selon les moments de la journée et des régions du monde), l’odorat (parfums de fleurs, de la végétation, humidité…), et le toucher (lianes, branches d’un bananier, gouttes de l’humidificateur…).

Prix Coup de cœur CLC : “Redonner la cote à l’Europe” d’Honorine SOTO

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Après avoir parcouru la Creuse et la Corrèze pendant 15 jours, Honorine a édité un petit magazine pour valoriser les richesses de ces deux départements et leur “redonner la cote” aux yeux des jeunes.

Ses écrits et les photos prises par son ami Hugo ont mis à l’honneur l’histoire et la beauté de ces territoires, mais aussi de belles rencontres avec des femmes et des hommes passionnants et passionnés.

La Fondation d’entreprise Go&Live : un tremplin pour éveiller les consciences

Lancée en 2019 par Jean BURDIN et Xavier OBERT, alors respectivement Président du groupe et Directeur Général, la Fondation d’entreprise Go&Live aide tous les jeunes à devenir des citoyens du monde grâce au partage des connaissances, de la découverte du monde, et de l’apprentissage des langues étrangères & de nouvelles cultures.

 Nous sommes convaincus que s’ouvrir aux autres cultures et civilisations du monde permet de transmettre des valeurs de respect, de connaissance et de partage !

Animée par cette philosophie, toute l’équipe se mobilise pour mettre en exergue des projets à vocation humanitaire, écologique, éducatif, artistique qui, sans le soutien de cette fondation, n’auraient sans doute jamais eu la chance de voir le jour.

Sa force : un engagement sincère et authentique.

Ainsi, même si Jean Burdin a aujourd’hui pris sa retraite, il a conservé sa fonction de Président de la Fondation d’entreprise Go&Live. De son côté, en tant que nouveau président du groupe Go&Live, Xavier Obert a aussitôt tenu à reprendre le flambeau en relançant le prix Apprenez le Monde pour 2023.

Go&Live, le spécialiste des voyages scolaires et des séjours linguistiques, culturels et sportifs pour les jeunes

Fort de près de 65 ans d’expérience, le groupe Go&Live est un des leaders dans son domaine.

Sa mission : faire des jeunes de demain des citoyens du monde, et leur permettre de progresser en langue par la découverte du monde et de ses cultures.

Sa marque de fabrique : sa capacité à organiser des séjours et des concepts innovants.

Il possède 6 marques :

  • Nacel, précurseur des séjours linguistiques, offrant à des milliers de jeunes l’opportunité de vrais échanges ;
  • Club Langues et Civilisations, spécialiste des séjours linguistiques et culturels depuis 50 ans ;
  • Sports Elite Jeunes, spécialiste des colonies et stages sportifs, encadrés par des coachs et animateurs professionnels ;
  • American Village, les summer camps 100% anglais, en France, pour apprendre l’anglais en s’amusant, en totale immersion dans la culture américaine ;
  • KeepSchool, spécialiste de la formation professionnelle ;
  • Sans Frontières, des voyages et séjours itinérants pour les 12 – 25 ans.

Pour en savoir plus

Le prix Apprenez le Monde

S’inscrire : https://fondation.goandlive.org/prix#inscription

La fondation Go&Live : https://fondation.goandlive.org/

Facebook : https://www.facebook.com/FondationGoandLive

Go&Live

Site web : https://www.goandlive.com/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/go&live-group

Facebook : https://www.facebook.com/goandlivegroup

 

Arts et culture pour tous : Acapelart lance des ateliers créatifs, ludiques et pédagogiques pour les collectivités et les entreprises

Et si l’art, la culture et les loisirs n’étaient pas réservés à quelques happy few ? Et si l’on arrêtait de toujours se focaliser sur les résultats, au détriment de la créativité ?

La crise sanitaire aura au moins eu une vertu : elle a montré la forte appétence des Français pour la culture (source), puisqu’ils n’ont pas hésité à explorer de nouvelles pratiques grâce aux supports numériques.

Pourtant, aujourd’hui encore, nombre d’adultes et d’enfants se sentent exclus de cet univers. Par peur d’être jugés. Parce qu’ils considèrent que ce n’est “pas pour eux”. Parce qu’ils n’osent pas essayer d’autres disciplines.

D’où le succès d’Acapelart ! Le concept : démocratiser l’accès aux arts, à la culture et aux langues en proposant des ateliers créatifs, ludiques et pédagogiques…

… avec un supplément d’âme : ici, il n’y a pas de compétition, de course à “qui est le meilleur”. Il y a juste le plaisir de partager, d’apprendre, de créer, de s’émerveiller.

Pour répondre à une forte demande, Acapelart propose désormais ses services aux collectivités (écoles, structures de soin, mairies, centres de loisirs, clubs de vacances, …) et aux entreprises, partout en France, en présentiel et en visio.

L’Art et la culture sont pour moi fondamentaux ! Ils constituent les piliers d’une société où chacun est heureux de travailler, créer, partager, grandir et vivre ensemble.

Érika Galland, la fondatrice

Logo Acapelart

Prendre la vie côté arty, pour (re)trouver le smile

Acapelart organise des ateliers récurrents à l’année ou pour des événements festifs. Des petites bulles de joie, durant lesquelles les participant.e.s apprennent à se découvrir sous un nouveau jour, et à se faire confiance.

Ils sont initiés à de nouvelles activités, se découvrent des vocations, font retomber le stress. Ils se créent des souvenirs heureux et savourent un moment différent du quotidien.

Sans jamais être jugés.

Les maîtres-mots d’Acapelart

Transmission

Les intervenants passionnés savent communiquer cette passion à leurs élèves et stagiaires du jour. Plus qu’une compétence, ils ont cette manière d’être qui leur permet de savoir transmettre, communiquer et intégrer tout type de personnalité ou de spécificité.

Personnalisation 

Toutes les prestations tiennent compte des particularités du public participant aux ateliers. Elles sont conçues pour accueillir tous les profils : enfants, adultes, personnes à besoins particuliers.

Nouveauté pour les apports pédagogiques

Les ateliers permettent de favoriser les échanges. Ils cultivent la bienveillance et la communication positive au sein des groupes, permettant ainsi à chacun.e d’apprendre à écouter les autres.

Atelier arts du cirque Acapelart Érika Galland

Sérénité

Tranquillité d’esprit, gain de temps, zéro prise de tête : Acapelart se charge de tout ! De la logistique à la charge administrative, en passant par le matériel et l’organisation… Il y a juste un contrat et une facture mensuelle.

Acapelart planifie les dates, organise les missions, trouve les intervenants et même les remplacements si besoin (y compris à la dernière minute).

Suivi régulier 

Tout au long de la mission, la Dream Team fait régulièrement le point avec ses clients pour vérifier si le contenu proposé correspond bien à leurs besoins, ainsi qu’à ceux de leurs stagiaires et bénéficiaires.

Éthique

Acapelart a choisi avec soin son partenaire en charge des paiements. Ainsi, ses clients ont la garantie que artistes/intervenants sont rémunérés rapidement, sans délai.

Nous adorons personnaliser nos prestations et inventer de nouvelles activités ludiques, originales et pédagogiques !

Quelques exemples d’ateliers

Les ateliers sont créés sur-mesure pour intégrer les idées et besoins de chaque organisation.

Cultures urbaines : Street Art, danse hip-hop, poésie slam …

Art du spectacle et de la scène : cirque, théâtre, contes, magie …

Art manuel : dessin, dessin manga, peinture, loisirs créatifs, arts plastiques, sculptures, maroquinerie, ferronnerie …

Sciences et environnement : construire ensemble la maquette d’une ville “durable”, sensibiliser au tri des déchets, aquaponie, compost, cultures hors sol, sensibilisation à l’environnement, applications concrètes…

Immersion musicale : chant, gospel, comédie musicale, atelier DJ, percussions, Ukulélé, piano …

Langues : chinois, japonais, anglais, espagnol, allemand, russe, arabe …

Bien-être : yoga, Qi Gong, cosmétique bio DIY, cuisine ayurvédique, sonothérapie, arts martiaux …

Art de la table et des papilles : mixologie avec ou sans alcool, cuisine, œnologie, pâtisserie …

Quelques témoignages

Parmi les clients d’Acapelart, il y a notamment des Groupes Scolaires (Jeanne d’Arc au Kremlin-Bicêtre, St Louis Blaise Pascal à Choisy-le-Roi, le Collège Desnos à Orly), des écoles Montessori (Rueil-Malmaison, Paris 9, Paris 19, Boulogne-Billancourt, le Kremlin-Bicêtre, Port-Marly, Nogent sur Marne et St Germain en Laye), des Structures de soins (l’Itep Le Coteau à Vitry-sur-Seine, les Jardins de l’ETAI au Kremlin-Bicêtre), des associations (CDKL5 alliance francophone, …) et des mairies (Boissy-sous-St-Yon, …).

Voici un aperçu de leurs témoignages :

Marie-Jeanne, Enseignante ULIS école République, Puteaux (92)

“En fin d’année, je souhaitais agrémenter et diversifier un peu mes classes virtuelles quotidiennes qui commençaient à être redondantes pour les enfants. Travaillant en ULIS, il a fallu trouver ce qui pourrait convenir à mes élèves et à leurs spécificités. L’anglais et la magie avec Acapelart ont été des sources formidables pour les motiver et développer le langage ainsi que la motricité. Une expérience enrichissante pour les élèves comme pour moi !”

Betty B., Directrice de l’école Asso Victor à la Trinité (06) et maîtresse de petite et moyenne section

“En cette fin d’année difficile, je voulais offrir à mes élèves un moment de bonheur. Impossible de faire venir à l’école des intervenants ou de leur proposer un spectacle. J’ai donc choisi une intervention théâtre en visio avec Acapelart. Aujourd’hui, même si le protocole s’assouplit, je renouvellerai l’expérience parce que les enfants ont vraiment aimé. Ils étaient captivés, attentifs et ont tous participé à l’activité. Je recommande à tous mes collègues de tenter l’expérience. Je n’aurai jamais pu faire mieux que ce que l’intervenante en théâtre leur a proposé. Lancez-vous sans hésiter !”

Une autre vision de l’enseignement artistique

Derrière l’aventure Acapelart, il y a Érika Galland, une passionnée de chant et de musique.

Pendant le confinement, animée par le désir de créer une entreprise, elle a constaté qu’adultes et enfants n’avaient plus accès, d’un seul coup, à leurs activités : cours/ateliers, aux salles de spectacles, aux divertissements, au sport, aux médiathèques, etc. …

Elle a donc démarré en lançant des cours collectifs en visio pour proposer des activités interactives, créatives et ludiques. Avec un objectif : remettre de l’humain dans les animations pour les enfants en dehors du seul contact école/parent. Érika voulait avant tout recréer des moments joyeux et du lien social même face à un écran.

Et puis, la mission d’Acapelart a trouvé une résonance par rapport à son expérience personnelle. Érika a repensé à son vécu durant ses cours au conservatoire, mais aussi avec ses enfants à travers l’éducation et la pratique d’activités extra-scolaires.

La manière dont on apprend la musique, la danse, le dessin, les arts en général est encore souvent une course à la performance. Si certaines personnes visent les premières places du classement, d’autres souhaitent juste pratiquer et progresser dans le plaisir.

Les activités artistiques, sportives et linguistiques ne sont pas encore assez valorisées, jugées non essentielles, alors qu’elles contribuent à un épanouissement et à l’acquisition de compétences clés (soft skills).

Atelier dessin manga en visio Acapelart Érika Galland

Alors avec Acapelart, Érika souhaite :

  • Proposer une approche alternative de la pratique des arts vivants et des langues qui prône la bienveillance, le plaisir de découvrir et de créer sans avoir un objectif de résultats ou de performance ;
  • Remettre du professionnel dans le métier de professeurs en arts et culture, de la passion et de l’humain dans la transmission des savoirs et compétences ;
  • Valoriser le travail des artistes et leur permettre d’en faire un vrai métier rémunérateur et reconnu ;
  • Et en même temps, permettre à tout un chacun de reconnecter avec la part créative en lui. Redonner confiance, apporter du bien être, du lien social, de l’envie de découvrir, apprendre, etc…

À propos d’Érika Galland, la fondatrice

Erika Galland fondatrice de l'entreprise Acapelart

 LA VIE C’EST EXPÉRIMENTER. Essayer. Découvrir. S’amuser. Rire. Sourire. Apprendre. Partager. C’est ma devise.

De responsable en développement durable à fondatrice d’Acapelart, il n’y a qu’un pas qu’Érika Galland franchit allègrement en pleine période de confinement. Cette maman passionnée d’Art et de culture depuis toujours a décidé un beau jour de printemps de concrétiser ses envies créatives en projet entrepreneurial. Acapelart est né.

« Enfant, j’avais le rêve de devenir chanteuse. Le métier d’Artiste m’attirait. Mais Artiste, ce n’est pas un métier me répétaient mes parents. »

Alors, Érika part étudier en Angleterre. Revenue en France avec un diplôme en école de commerce en poche, elle travaille dans le domaine de la communication puis du développement durable au sein d’une multinationale française.

L’arrivée de ses enfants lui donne le premier élan, celui d’apprendre le piano et l’opportunité par la même occasion de se reconnecter à l’art. Puis, le confinement en 2020, lui offre le deuxième élan, celui de la concrétisation de sa vision, celle qui ne l’a jamais lâchée. Elle donne alors naissance à Acapelart pour permettre l’accès aux Arts vivants et à la culture pour tous.

À partir de là, tout s’enchaîne très vite. Érika trouve les premiers intervenants, des êtres passionnés de leur art, qui ont à cœur de le transmettre. Les premiers ateliers voient le jour. Suivront les cours en visio, la plateforme web, les stages, les ateliers créatifs en présentiel, les activités ludiques et pédagogiques pour les collectivités et les entreprises, le blog et la boutique en ligne.

Aujourd’hui, Acapelart c’est 7 coéquipiers motivés, et 40 intervenants et profs passionnés, et plus de 2000 ateliers organisés et animés en 2 ans.

Après avoir commencé par proposer ses services en région parisienne en présentiel et en visio, Acapelart accélère sa croissance en développant son offre auprès des collectivités et entreprises partout en France.

Pour en savoir plus

Les ateliers pour les collectivités : https://acapelart.com/activites-aupres-des-collectivites/

Site web : https://acapelart.com/

Facebook : https://www.facebook.com/acapelart

Instagram : https://www.instagram.com/acapel_art/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/acapelart/

“Quand la poésie se marie à la musique : “Les Silences de Schubert” de Shani Diluka et à la photo : “Dualités” de Jean-Yves Cousseau, deux livres pour découvrir la poésie autrement.”

Les différents arts se répondent, s’enrichissent, se complètent. Ils inspirent, ouvrent des portes sur un ailleurs insaisissable.

Une intériorité qui a toujours un fil conducteur : la poésie, cet “intime dans tout” comme aimait à dire Victor Hugo.

Dans un monde tourmenté et complexe, elle est plus que jamais nécessaire pour nous ramener à notre intériorité.

La très belle maison Art 3 Éditions publie deux ouvrages permettant de plonger dans un univers poétique mis en lumière par un autre art :

“Les Silences de Schubert” de Shani Diluka

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Shani Diluka, pianiste de renommée internationale, navigue entre les salles de concert et l’intimité de sa plume.

Schubert devenu son compagnon de route, lui apprend la beauté des silences, là où la musique puise sa profondeur : du silence naît le son, surgit l’enfance des sentiments, apparaissent des paysages singuliers et l’intimité du monde.

Après son premier livre « Canopées » en 2018, (recueil qui figurait dans la liste des prix Poésie de l’Académie Française, déjà presque épuisé), Shani Diluka offre ici des poèmes et des aphorismes, sentiers vers de nouvelles perceptions et introspections, qui ne prétendent « pas tout dire ni dire le tout d’une chose ». Et chacun d’entre nous y trouvera le chemin vers d’autres lumières à travers un écho intérieur.

Les dessins de Jean Fléaca ponctuent ces pensées avec art et poésie, nous entrainant dans son monde de rêve.

“Canopée” de Shani Diluka

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Shani Diluka a conçu ce livre comme un jardin ouvert où se feuillètent les méandres de l’humanité.

Pianiste concertiste, la poésie fait parte de ses escales, de son chemin depuis toujours : « un cœur déstructuré qui regarde une réalité parfois difficile ou comme le suggère Novalis, tente de toucher le vrai par le prisme de la poésie, à la recherche de ce qui lui importe le plus, la place de l’homme dans l’ordre de la Nature et le sens de notre Être. » L’allégorie de la caverne de Platon est la trame invisible de ce recueil, de l’ascension des sous bois obscurs vers la Canopée tutoyant les étoiles : les vieux maçons de Tombouctou côtoient la physique quantique, le regard triste d’un tableau de Botticelli ou la simple courbe d’un fleuve, le long et difficile voyage des migrants, les terres irradiées de Fukushima, l’escalade de l’armement, les racines du mal vers le terrorisme ou l’évocation des Aubépines de Proust…

Chaque poème est ici associé à une œuvre musicale, univers sensible qui ouvre l’écoute avant, pendant ou après la lecture. « Une méditation dans ce monde vaste et complexe, entre beautés immortelles, Nature souveraine, féaux perpétuels et mythologies salvatrices, pour se retrouver quelques temps à la verticale de notre être, dans l’horizontalité des temps infinis.. »

 

Les auteurs

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Shani Diluka

Après de brillantes études au Conservatoire Supérieur national de Paris, couronnées par un premier prix à l’unanimité, travaille avec Léon Fleisher, Maria Joao Pires, Menahem Pressler, Murray Perahia. Elle est invitée en tant que soliste dans les plus grandes salles du monde : Concertgebouw d’Amsterdam, Philharmonie de Paris, Konzerthaus de Vienne, Mozarteum de Salzbourg, La Fenice à Venise, etc.

Elle a enregistré de nombreux disques salués par la presse internationale et ses prestations sont régulièrement diffusées sur les radios internationales. Elle collabore également avec des partenaires renommés tels que les Quatuors : Ebène, Isaÿe, Prazàk, Modigliani ou Teresa Berganza, Michel Portal ou Natalie Dessay. Shani Diluka a en outre réalisé plusieurs projets en collaboration avec de grands noms du cinéma : Sophie Marceau, Gérard Depardieu, Charles Berling ou Hippolyte Girardot.

Jean Fléaca

Diplômé de l’École des beaux-arts de Nantes, il a mené une carrière tout à la fois discrète et constante. Rentrer dans l’œuvre de Jean Fléaca, c’est se laisser aller à lire quelques mots, regarder quelques traits ou taches de couleur, entendre une petite musique. La chronologie de son travail n’est pas importante, l’esprit étant le même depuis l’origine : nous montrer, nous faire voir et entendre un moment du monde. Blandine Chavanne in Rêver le Monde

Informations pratiques

“Les Silences de Schubert” de Shani Diluka

“Dualités” de Jean-Yves Cousseau

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Jean-Yves Cousseau, coutumier des rapports entre littérature et photographie, a invité neuf femmes poètes — Claude Ber — Claudine Bohi — Sarah Clément —Hania Daoud — Carole Darricarrère — Catherine Jullien — Claire Le Cam — Marcelline Roux — Anne Talvaz — à choisir une série de dix photographies chacune, sur lesquelles elles ont apposé leurs mots, croisé leur texte.

Poésie et photographie ne sont pas ici illustratives l’une de l’autre, mais complémentaires.

Plaisir conjugué de l’œil et de l’esprit, ce livre apporte un nouvel éclairage sur le travail de Jean-Yves Cousseau, particulièrement les ouvrages Pas perdus – anthologie et voyage entre 800 ans de littérature et 30 ans de photographie, sur les conseils de Guy Debord – et Une ombre dans les intempéries de l’œil.

“Pas perdus” de Jean-Yves Cousseau

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800 de littérature face à 30 ans de photographies.

 Jean Yves Cousseau a composé cette anthologie littéraire à partir d’une liste de 63 auteurs – de Dante à Cocteau – proposée par Guy Debord avant sa mort.

Cette liste, perdue, fut retrouvée après la mort de l’écrivain dans sa correspondance. Jean Yves Cousseau a collecté pendant des années des extraits de textes correspond à l’esprit de Guy debord.

Les auteurs

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Jean-Yves Cousseau

Après de courtes études à l’École des Beaux-Arts de Nantes, Jean-Yves Cousseau voyage au Brésil, aux États-Unis et au Mexique puis s’installe à Paris. Engagé depuis de nombreuses années dans une démarche artistique liée à la photographie. Son écriture personnelle de photographe n’est pas tant dans le sujet et la représentation ou l’instantanéité que dans l’altération de l’œuvre photographique elle-même. Il a exposé à la MEP en 2017.

Les poètes et leurs thèmes

Claude Ber : matérialité ; Claudine Bohi : luminosités ; Sarah Clément : nébulés ; Hania Daoud : affinités ; Carole Darricarrère : traversée ; Catherine Jullien : picturalité Claire Le Cam : urbanité ; Marceline Roux : proximité ; Anne Talvaz : brièveté.

Informations pratiques

“Dualités” de Jean-Yves Cousseau

À propos d’Art 3 Éditions

Charles-Yves et Françoise Plessis, c’est une histoire pas banale qui mène de salons en salons – de la chaussure à l’Art contemporain – de la pharmacie à l’édition.

Dans une vie, on peut en faire des choses, avec exigence, quand la curiosité et la passion vous tiennent au corps.

La Céramique et la pharmacie

En 1972, Charles-Yves est modéliste dans une usine de chaussures de luxe dans un petit village de Maine-et-Loire ; l’entreprise ferme, il troque alors le cuir et les tranchets pour l’argile et le four de potier, pour vivre sa passion, la céramique. Du grès, il passe à la porcelaine et des pièces utilitaires aux œuvres de création qui seront sélectionnées à Faënza et entreront au musée des Arts déco de Berlin.

Françoise, en même temps, vit aussi sa passion et gère sa pharmacie dans ce petit village – il faut bien faire bouillir la marmite pour élever quatre enfants. Et la pharmacie, c’est de la chimie, c’est donc à quatre mains et deux têtes que, le soir, Charles-Yves et Françoise travaillent les formules d’émaux afin que les plus riches habillent élégamment les céramiques. Rapidement, le Salon des métiers d’Art remplace pour eux le Salon du cuir à la Porte de Versailles. Un bonheur, que ces moments partagés avec les autres artistes – Goudji l’orfèvre, Monod le verrier, Mazlo le bijoutier et les autres…

La Galerie Suffren

Les artisans sont tous dans le même bateau avec la difficulté de trouver des acheteurs. Alors Françoise lance une idée folle : ouvrir une galerie d’objets d’art intemporels à Nantes pour promotionner leurs œuvres et celle des amis. En 1977, c’est chose faite, belle aventure interrompue hélas en 1981 alors que tout allait bien…

La Galerie ART 3 Plessis

1986 – Françoise ne supporte plus la vie sans les artistes qui nourrissaient ses moments de liberté. Nouvelle aventure, toujours folle, à Nantes, une galerie de peinture voit le jour. Pas toujours facile de percer dans ce milieu, quand on présente des artistes difficiles à comprendre en province. Et pourtant, en 1995, la FIAC leur ouvre ses portes, puis Art Fair à Francfort.

Art 3 Plessis Editions

En 2005, tout semble s’arrêter pour une vie calme de retraités. Mais est-ce possible ? L’édition les rattrape avec les ouvrages de Jean-Paul Marcheschi, peintre, sculpteur et écrivain. Depuis, Charles-Yves et Françoise Plessis ont continué des ouvrages “coups de cœur” : des livres d’art encore et toujours, mais aussi des recueils de poésie, des romans, des essais sur la musique et le cinéma… En bref, de la culture au sens large.

Avec, toujours, une culture de l’excellence : Art 3 Plessis Editions publie des beaux livres et des romans cousus collés.

Pour en savoir plus

Commander les livres :

Site web : https://www.plessis-art3.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/art3_editions/

Facebook : https://www.facebook.com/galerieplessis.art

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/fran%C3%A7oise-plessis-36981b5a/#experience-section

Twitter : https://twitter.com/art3editions

Des panneaux électoraux au service de l’art : le parcours Art en Territoires, proposé par 17 communes du Vexin Val de Seine, démocratise l’accès à l’art contemporain

Les musées en France sont de plus en plus visités (ils représentent 67 millions d’entrées en 2019 selon le Ministère de la Culture) et l’art contemporain est particulièrement prisé par le public.

La fréquentation des fonds régionaux dédiés (1,7 million de visiteurs en région en 2019) et des centres d’art (près de 1 million de visiteurs) est en constante hausse.

Toutefois, souvent éloignés de ces lieux d’expositions, et parfois trop intimidés pour pousser la porte des galeries, les habitants de zones rurales restent exclus de cette offre culturelle foisonnante.

Dans ce contexte, pourquoi ne pas utiliser les panneaux électoraux, inusités en dehors des périodes électorales, pour exposer des reproductions d’œuvres d’artistes contemporains ?

C’est le projet un peu fou qui a vu le jour en 2021 grâce à Arterritoires.

Pendant l’été et à l’occasion des journées du Patrimoine, s’appuyant sur cette offre novatrice, plusieurs parcours culturels ont été mis en place par des communautés de communes.

Dans le Val d’Oise, le parcours ‘Art en Territoires’ avait rassemblé 15 communes lors de sa toute première édition dans la Communauté de Communes Vexin Val de Seine.

Face au succès rencontré, ‘Art en Territoires’ revient en 2022 avec une programmation enrichie :

  • À partir de la mi-juillet : des expositions sont mises en place dans les 17 communes du Vexin participant à cette opération ;
  • Fin août : 3 rencontres sont organisées sur les lieux d’exposition avec des artistes habitant le territoire, suivies, pour celles et ceux qui le souhaitent, par une visite guidée de leurs ateliers ; une action soutenue par la DRAC Île-de-France.
  • En septembre : 3 parcours de visite des expositions et du patrimoine local sont proposés en collaboration avec le Parc Naturel régional du Vexin français, à pied, à vélo et même en canoë, accompagnés par des guides du territoire.

Le programme complet est proposé en libre-service sur chaque lieu d’exposition invitant les visiteurs à découvrir l’ensemble des expositions et les villages alentour.

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A travers Arterritoires nous offrons à tous  la possibilité de découvrir le travail d’artistes contemporains, d’explorer de nouveaux horizons et d’ouvrir les portes de leur imaginaire !

Marie Czapska, fondatrice de Arterritoires

Des expositions d’art contemporain à toute heure et en accès libre !

De la mi-juillet jusqu’au mois de novembre, à travers 17 communes du Vexin français, habitants et touristes pourront parcourir des expositions d’artistes aux univers très différents.

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Une sélection très éclectique compose ce second parcours  ‘Art en territoires’:

  • Anne-Sophie Tschiegg – ‘Landscape’ à MAUDÉTOUR-EN-VEXIN et à VÉTHEUIL ;
  • Annick Mischler - ‘Precarious shelters’ à VIENNE-EN-ARTHIES ;
  • Aurélie Mathigot – ‘Paysages vus du train’ à CHÉRENCE ;
  • Caroline Dahyot – ‘Aux murs de ma maison’ à LA ROCHE-GUYON ;
  • Chemsedine Herriche - ‘Ostraca’ à HODENT ;
  • Clément Bedel – ‘On the other side of the sea’ à SAINT-CYR-EN-ARTHIES ;
  • Fanny Allié – ‘Les Porteurs’ à CHAUSSY ;
  • Henri Blommers – ‘Plastic Utopia’ à BRAY-ET-LÛ, MAGNY-EN-VEXIN et VILLERS-EN-ARTHIES ;
  • Julie Savoye – ‘Dirty lines #1’ à SAINT-CLAIR-SUR-EPTE ;
  • Julien Colombier – ‘Tropicalistic’ à GENAINVILLE ;
  • Pattara Chanruechachai – ‘No colors in the air’ à SAINT-GERVAIS ;
  • Sabine Krawczyk – ‘Une année en Vexin’ à OMERVILLE et à WY-DIT-JOLI-VILLAGE ;
  • Thomas Lesigne – ‘Étés, 2020-2021’ à HAUTE-ISLE .

Chaque exposition est composée de huit affiches : 7 très belles reproductions d’œuvres et 1 texte de présentation de l’artiste et de son travail.

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Les temps forts à ne pas manquer

• Rencontres avec les artistes :

Exceptionnellement certaines expositions seront présentées par les artistes qui les ont créées.

Les plus curieux auront même le privilège d’une expérience particulière : la visite de leurs ateliers.

  • Dimanche 21 août à 16h : Pattara Chanruechachai présente ‘No colors in the air’ à Saint-Gervais.
  • Samedi 27 août à 15h : Caroline Dahyot présente ‘Aux murs de ma maison’ à La Roche-Guyon.
  • Dimanche 28 août à 15h : Sabine Krawczyk présente ‘Une année en Vexin’ à Wy-dit-Joli-Village.

Attention : le nombre de places étant limité, il est indispensable de s’inscrire par mail (contact@arterritoires.com) ou par téléphone au 06 60 46 68 99.

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• 3 sorties ‘Culture et Patrimoine’ animées par des guides du territoire :

À vélo / Dimanche 18 septembre de 14h30 à 17h30.

Au départ de Magny-en-Vexin, Olivier Gervot guidera les visiteurs à travers Saint-Gervais, Hodent et Omerville.

Sortie gratuite à l’occasion des Journées du Patrimoine.

Inscriptions au 06 85 55 71 74 ou par mail : oliviergervot@free.fr.
Réservation de vélos électriques au départ de Magny-en-Vexin (30€ pour la demi-journée) au 07 49 95 38 21 ou contact@velofilduvexin.com.

En canoë / Dimanche 18 septembre de 9h30 à 17h

Une sortie au départ de Vétheuil jusqu’à Haute-Isle en canoë, avec un détour à pied par Chérence, en compagnie de Julien Masson.

Participation : 20€. Réservations au 06 81 09 49 82 ou par mail : randovelovexin@gmail.com. Prévoir un pique-nique. Il est indispensable de savoir nager.

À pied / Dimanche 25 septembre de 15h à 18h

De Chaussy à Genainville, une promenade guidée par Milena Esturgie.

Participation : 5€. Inscriptions au 07 81 54 93 32 ou par mail : lesvisitesguidees@gmail.com.

Une offre unique qui valorise le territoire et augmente son attractivité

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A travers ce nouveau parcours culturel “Art en Territoires” la Communauté de communes Vexin Val de Seine (CCVVS) contribue à :

  • Mettre en perspective le patrimoine local ;
  • Créer du lien entre les communes ;
  • Mutualiser la communication ;
  • Améliorer la coopération entre les différents services.

Grace aux expositions proposées par Arterritoires sous la forme de campagnes d’affichage, la CCVVS s’engage dans une démarche culturelle novatrice.

L’effet de surprise que provoque la présentation de ces reproductions de très belle qualité sur des panneaux électoraux surprend les passants et les amène à considérer favorablement le travail qui y est presenté.

Ainsi, à ce jour, les expositions n’ont subi aucune dégradations durant les 1 à 4 mois de présentation en extérieur… à l’exception des “tags” « Superbe expo! » et « Belle initiative » retrouvés sur une affiche de l’exposition de Grégoire Hespel dans la commune de Doudeauville dans le cadre d’un parcours mis en place dans 14 communes de la Communauté de communes du Vexin Normand (Eure/Normandie).

Ces expositions, faciles à mettre en place pour un coût très modéré (entre 400 et 700 € par exposition), peuvent également être présentées en intérieur (établissements scolaires, hôpitaux, maisons de retraite, entreprises…).

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Rendre l’art contemporain accessible à tous

La rencontre avec une œuvre d’art est pour chacun de nous une expérience essentielle. Elle offre un regard neuf sur le monde qui nous entoure, alimente notre imaginaire et élargit notre horizon.

Elle nourrit notre bien-être.

La rencontre collective avec l’art est toujours l’occasion d’échanges et de partage. Elle peut être le point de départ de processus créatifs et citoyens.

Arterritoires rend visible à tous des expositions d’artistes via un dispositif ouvert : l’affichage, et grâce à des supports disponibles dans toutes les villes : les panneaux électoraux.

Sur son site internet, Arterritoires propose à ce jour 75 expositions d’artistes, soigneusement choisies par un comité de sélection ouvert et exigeant.

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Peinture, dessin, photographie, gravure, sculpture, art numérique, toutes les formes d’expression sont proposées sur Arterritoires et de nombreuses thématiques abordées.

Grâce à notre offre d’expositions et aux différents outils que nous avons conçus, les communes et les communautés de communes peuvent construire une programmation culturelle sur mesure.

Acquérir un tirage en édition limitée

Après avoir découvert le travail d’un artiste qui les a touchés, les visiteurs peuvent s’offrir une très belle reproduction à des tarifs accessibles (à partir de 66 €).

Plus de 200 œuvres, extraites des différentes expositions, sont proposées en tirages limités.

À propos de Marie Czapska, fondatrice de Arterritoires

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Marie Czapska habite depuis plus de 20 ans un hameau situé dans le Vexin (95).

Collectionneuse curieuse et éclectique, elle a été longtemps directrice artistique de salons professionnels internationaux et a collaboré durant plus de 25 ans avec des artistes du monde entier.

Animée par la volonté de faire connaître leur travail au plus grand nombre, elle a conçu Arterritoires pour offrir au public de nouveaux horizons et aux artistes de nouveaux publics.

Après trois années de gestation, passées à construire et peaufiner son projet, Marie a lancé Arterritoires en 2020.

Pour en savoir plus

Plaquette : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2022/07/%E2%80%A2Plaquette-Arterritoires-ComCom.pdf

Site web : https://www.arterritoires.com/

Facebook : https://www.facebook.com/Arterritoires

Instagram : https://www.instagram.com/arterritoires/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/arterritoires-2021/

Ethique dans la haute joaillerie : Globethics.net signe un partenariat avec la joaillère parisienne de renom Sandra Bérété

Depuis quelques années, l’amélioration des conditions d’extraction des pierres précieuses et de l’or utilisés dans la joaillerie de luxe s’impose comme une question fondamentale, tant pour les créateurs que pour leurs clients.

Il s’agit désormais de protéger l’environnement et les mineurs, dans une démarche écoresponsable globale. Le but étant de transformer en profondeur un secteur qui emploie près de 60 millions de personnes dans plus de 50 pays.

Actuellement, il existe bien le label Fairmined pour l’or artisanal et les petites mines, mais c’est loin d’être suffisant.

Sandra Bérété, joaillière parisienne au talent reconnu et originaire d’Afrique de l’Ouest, explique : “en tant que créatrice de haute joaillerie, située en aval de la chaîne de production, j’ai aussi besoin d’outils pédagogiques et d’encadrement adéquats.”

En effet, elle doit pouvoir échanger et collaborer efficacement avec ses interlocuteurs : des mines de petite taille (small scale), des exploitants artisanaux d’Afrique de l’Ouest, des localités et des communautés de villageois.

Une démarche positive plébiscitée par Globethics.net ! L’agence genevoise des relations pour l’action éthique internationale a annoncé un partenariat avec Sandra Bérété, reconnaissant ainsi la contribution artistique singulière qu’elle a apportée à l’ensemble de la filière. 

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Insuffler de la valeur ajoutée dans toute la filière

Ce partenariat est destiné à créer un environnement éthique approprié pour l’extraction des pierres qui serviront à la production de créations originales.

Il a été annoncé le 22 juin dernier suite à une réunion à Genève au siège social de la Fondation entre le professeur Dr Obiora Ike et Mme Bérété. Ensemble, ils ont discuté des fondements de Globethics, de leur vision commune et de leurs missions respectives.

Tous deux ont souligné leur croyance dans une nouvelle économie de l’intégrité qui construit sa richesse sur la confiance et l’éthique. 

L’institution Globethics me fait bénéficier d’une expérience éducative et éthique exceptionnelle, me permettant d’aborder ma collaboration avec des miniers locaux en Afrique de l’Ouest avec des outils d’analyse adaptés.

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Globethics.net : un réseau mondial de réflexion et d’action autour de l’éthique

Basée à Genève, Globethics est une institution dirigée depuis 2016 par le Professeur Dr Obiora Ike. Elle est régie par un Conseil de fondation composé de personnalités éminentes.

Via sa plateforme Globethics.net, elle apporte à toutes les populations du monde les informations utiles à la réflexion et à l’action sur les questions éthiques. Elle a aussi lancé à Genève sa propre bibliothèque numérique : elle est aujourd’hui la plus importante au monde concernant l’éthique.

Globethics est donc un interlocuteur de référence pour toutes les questions éthiques concernant l’exploitation minière et sa valeur ajoutée.

Un partenariat qui va renforcer l’engagement de la marque de haute joaillerie

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Forte d’une réelle notoriété, Sandra Bérété est très souvent contactée par les communautés minières locales d’Afrique de l’Ouest.

Grâce au partenariat avec Globethics, elle va donc pouvoir agir concrètement pour renforcer l’intégrité environnementale et sociale des activités minières de cette région.

Je suis très attachée à mes racines ! C’est pour cela que ma maison a vocation à être un pont culturel et économique entre l’Europe et l’Afrique. Je veux promouvoir de façon stratégique et éthique le patrimoine des métaux nobles et des pierres précieuses africaines.

Un style unique influencé par une histoire familiale hors norme

Née et vivant à Paris, Sandra Bérété puise son inspiration dans ses origines métissées : son père est issu d’une famille noble d’Afrique de l’Ouest et sa mère est antillaise.

Elle se nourrit ainsi de plusieurs influences :

  • Les formes surdimensionnées et stylisées de l’art africain, qui donnent naissance à des bijoux imposants magnifiant ceux et celles qui les portent ;
  • Les fleurs exotiques des tropiques, qui peuplent ses collections souvent décrites comme étant “naturalistes” ;
  • Les lignes géométriques et graphiques de l’art contemporain, son premier médium d’expression, et de l’Art Déco ;
  • Le glamour hollywoodien et les diamants qui lui sont associés.

Zoom sur deux collections emblématiques

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Cette collection constitue un hommage à René Sim Lacaze, premier directeur artistique de la Maison Van Cleef & Arpels.

D’une grande finesse, d’une élégance intemporelle et d’une éternelle modernité, elle a été imaginée pour les galas, les soirées de cocktail et le tapis rouge en diamants blancs, de qualité E/F vvs, sertis sur or blanc.

Une version de cette collection, composée d’un rubis exceptionnel en pierre de centre serti sur or blanc, a été présentée par une galerie lors de la dernière Biennale des Antiquaires à Paris.

ÉLÉVATION

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Cette sublime bague mixte rend hommage à l’Art africain via l’Art Déco. Elle peut être portée à l’annulaire ou à l’auriculaire.

Chicissime, elle est composée d’un diamant central taille émeraude réhaussé de diamants taille baguette et taille brillant, sertis sur platine.

Sandra Bérété, une princesse africaine inspirée et inspirante

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Sandra Bérété est née à Paris d’une mère antillaise et d’un père originaire d’Afrique de l’Ouest. Elle est issue, côté paternel, de la lignée directe de la famille impériale de l’Empire Wagadou-Ghana et de la reine Sassouma Bérété, co-fondatrice de l’empire du Mali. Tout en suivant une formation à l’Institut de Gemmologie de Paris, Sandra se met en quête d’un atelier qui lui permettra de concrétiser sa vision.

Après une formation à l’Institut de Gemmologie de Paris, la maison Sandra Bérété voit le jour il y a une dizaine d’années. Elle a su évoluer et se remettre en question pour mieux répondre aux demandes du marché. Principalement axée sur le bijou design, la créatrice se réoriente rapidement vers la haute joaillerie, travaillant avec des ateliers de la place Vendôme et changeant de démarche marketing.

Tout comme son mentor Henri Gargat, c’est aux États-Unis qu’elle trouve un public enthousiaste. Elle participe à deux salons spécialisés à Las Vegas, le premier sous le pavillon français et le second avec les designers américains, à la demande des organisateurs du salon.

Elle s’envole ensuite pour la Jewellery Week à Dubaï avant de faire escale au Festival de Cannes, présentant ses propres collections ainsi que des pièces de prestige qu’elle a imaginées autour de pierres exceptionnelles mises à disposition par de grands diamantaires belges et français.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.sandra-berete.com/

Instagram : https://www.instagram.com/sandraberete/

Pierre-Paul Marchini, l’artiste corse précurseur du slow art, lance un nouveau site internet pour démocratiser le concept du “NO ARTE”

Pierre-Paul Marchini est une des figures montantes de l’art contemporain.

Exposé à Paris (Louvre et Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, Palerme… sa peinture séduit avec son abstraction tantôt lyrique, tantôt décorative.

Des œuvres fortes, créées au couteau, en expression directe. À partir d’une base de couleurs, il laisse jaillir des couleurs, des ombres, des lumières et des formes qui créent une unité d’ensemble.

Résolument libre, il a choisi en 2019 de s’affranchir des codes du marché de l’art pour proposer ses œuvres à prix atelier sans intermédiaires.

Une démarche avant-gardiste qui va donner naissance au mouvement “NO ARTE”.

Après des débuts réussis sur Facebook et porté par une forte demande, Pierre-Paul Marchini continue à démocratiser l’accès à ses toiles en lançant son tout nouveau site internet : “Un monde ailleurs”.

Mon affaire est de dessiner ce que je vois, non ce que je sais.

William Turner.

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Un peintre de la lumière et de l’abstraction

Il n’y a aucune certitude dans l’art. Le peintre tâtonne dans le noir jusqu’à ce qu’il trouve sa voie. Pierre Paul Marchini apprend et expérimente quotidiennement, c’est sans doute l’apanage de l’artiste éveillé.

Couteau à la main, il fait jaillir la lumière dans ses toiles. Son langage est celui de l’abstraction dont il maîtrise parfaitement ses intonations et son champ lexical. Le peintre à son propre accent, chantant, de sa Corse natale. Son regard sonde depuis toujours la beauté brute de la nature.

L’imaginaire de Pierre Paul Marchini est bercé par le reflux des vagues et les petites merveilles qui l’entourent. Son art ne s’affranchit pas du réel et c’est peut-être ce qui en fait sa plus grande force.

Un univers poétique atypique

L’œuvre est accessible, fluide et c’est un tour de force dans la création abstraite souvent déconnectée de l’expérience du regardant.

L’artiste nous offre des paysages sensibles, mouvants, ouverts à la contemplation. Il compose une mélodie qui sonne différemment à l’oreille de chacun. L’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, la virtuosité du mouvement guident les mains du peintre. C’est l’exigence du geste qui fait sa signature.

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Son approche est presque celle du sculpteur qui modèle directement dans la matière. Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces et nous emporte par la dynamique de ses toiles.

L’artiste tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, tout en distillant sa poésie singulière.

Dans la vie comme dans l’art, Pierre Paul Marchini suit le meilleur chemin, le sien.

NO ARTE : une autre vision de l’art contemporain

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Lancé en 2019, le No-Arte est né d’une volonté de se libérer des contraintes et des dérives mercantiles de l’art contemporain.

En proposant des œuvres à prix atelier sans intermédiaires, l’artiste ouvre la voie du slow art et démocratise l’accès à ses toiles. La sensibilité, le choc esthétique, le goût des belles choses, la volonté de laisser son empreinte sont universels.

Créer est un acte de résistance contre le temps et le conformisme qui gangrène notre société.

Pierre Paul Marchini est un passeur d’émotions ne se laissant jamais emporter par le courant… à l’image de son île de beauté.

Il a aussi su rester fidèle à lui-même : parce qu’il se considère comme un homme du peuple, il revendique le statut d’”artiste populaire” et apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à son travail.

À propos de Pierre-Paul Marchini, homme et artiste libre

Originaire d’Ajaccio, Pierre-Paul Marchini s’inscrit dans les 50 nouveaux maîtres de l’art contemporain, aux côtés des maîtres comme Kandisky ou Pollock, selon un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie (diffusé dans des galeries d’art moderne, auprès des collectionneurs).

Peintre de l’abstraction et de l’informel, il a débuté la peinture il y a une quinzaine d’années, trouvant très vite sa voie : le travail à l’huile, qui lui permet de créer des effets incomparables.

L’artiste précise :

En passant du pinceau au couteau avec un geste plus large, je me sens plus proche de ma réalité émotionnelle et artistique.

Ses œuvres absolument modernes oscillent entre un abstrait tantôt lyrique, tantôt décoratif.

Ses méandres géographiques traduisent les élans de son âme. On retrouve aussi dans son travail son amour de la Corse, avec un style qui exprime la diversité de tons et des nuances de l’Île de Beauté.

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En détournant la théorie des couleurs et en exploitant chacun des matériaux, il opère une rupture avec les canons classiques. Pierre-Paul Marchini dépasse la simple représentation en plongeant dans la pure psyché. La couleur est portée à son paroxysme sous une grande liberté.

Il souligne :

L’Art est vie, l’Art est violence ! Il naît dans les dissonances, dans les courants tumultueux, jamais dans le calme et le silence. Celui qui crée transmet une idée, il la prend au fond de lui-même mais en fait, elle vient d’ailleurs, de ces mondes inconnus et hauts qui font notre être. Il crée comme il crierait, rompant l’harmonie établie puis redevient serein, un court instant, comme en pause entre deux vies.

Un critique d’art international, Salvatore Russo, écrit à son sujet : « sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est entrain d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste ».

Pierre-Paul Marchini expose régulièrement en galeries parisiennes et corses. Il a exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

La Grande Cueillette de la Culture le 3 juillet 2022 au Palais-Royal à Paris : un jardin géant de plus de 3000 ballons au cœur des colonnes de Buren avec à la clé des milliers de cadeaux culturels

La première cueillette culturelle de France

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Après deux ans de pandémie, qui se sont soldés par l’annulation de nombreux événements, la culture fait enfin son grand retour en France !

Le dimanche 3 juillet, l’association Culture and the City, qui célèbre cette année ses 10 ans et édite depuis 2014 le magazine Arts in the City, organise La Grande Cueillette de la Culture au Palais-Royal.

Un cadre époustouflant pour cet événement hautement symbolique et complètement gratuit ! Le concept est simple : un immense jardin de plus de 3000 ballons flottant au cœur des colonnes de Buren, chaque ballon donnant accès à un précieux cadeau culturel.

Places d’expositions, invitations au théâtre, entrées dans les monuments… Il suffira de se saisir d’un ballon pour repartir avec un merveilleux cadeau. À vos marques, prêts, cueillez !

La très grande majorité des institutions a répondu présent à cette réunion de famille, contribuant chacune à leur échelle à cette folle aventure en offrant plusieurs dizaines, parfois centaines d’invitations pour leurs programmations.

Les musées les plus iconiques de la capitale seront évidemment au rendez-vous à l’instar de l’incontournable musée du Louvre, du Centre Pompidou, du Petit Palais ou du mythique musée Grévin.

Cet événement artistique joyeux et coloré, qui va redonner toute leur Superbe à nos belles institutions françaises et le sourire à leur public, s’annonce comme la plus grande célébration culturelle française de cette année 2022.

Parmi les invités, le public retrouvera également l’élégant musée Marmottan Monet, le délicieux musée de Montmartre ou le somptueux Palais Galliera mais aussi des institutions muséales plus confidentielles à l’image du musée de la Vie romantique ou du musée Jean-Jacques Henner.

Paris ne serait pas Paris sans ses nombreux théâtres, ses affriolants cabarets, son emblématique Moulin Rouge et sa Revue Féerie, l’immanquable comédie musicale du Roi Lion à Mogador et tant d’autres. Le Théâtre du Palais-Royal, le Théâtre des Variétés, le Grand Point-Virgule et l’Alhambra, pour ne citer qu’eux, compléteront les rangs des institutions mettant à l’honneur le spectacle vivant.

Que les amateurs de photographies se rassurent, ils pourront sans doute admirer les clichés d’Henri Cartier-Bresson à la Fondation qui porte son nom, s’évader face aux paysages à couper le souffle de Matthieu Ricard ou bien rougir devant les audacieuses photographies d’Araki.

Les amoureux du patrimoine se laisseront quant à eux séduire par l’appel de nos beaux monuments avec des billets d’entrée donnant accès aux plus riches institutions françaises, du Panthéon des Grands Hommes à l’Hôtel de la Marine, de la Conciergerie au Musée de Cluny tout juste restauré.

Une bulle culturelle grandiose en plein cœur de Paris où la Culture sera Reine

Au pied du ministère de la Culture, au cœur des mythiques colonnes de Buren, c’est un champ de fleurs sensationnelles qui accueillera les participant.e.s à La Grande Cueillette de la Culture.

Une forêt flottante et éphémère, au caractère hypnotisant, composée de plus de 3000 marguerites et autres sphères de couleurs, toutes réalisées à l’aide de ballons gonflables. Ce bouquet géant est un spectacle en soi, avec ses stries qui reprennent les rayures-signatures de l’artiste.

Sa beauté saisissante est aussi troublante : les bandes noires et blanches se confondent les unes avec les autres, créant une illusion d’optique qui invite à la contemplation.

De très belles surprises avec des ballons 100% gagnants

Chaque ballon sera porteur d’un merveilleux et mystérieux cadeau : un billet d’exposition, une pièce de théâtre, une invitation au cabaret, une entrée dans un monument, etc.

Tous les participants et amoureux de la culture vont pouvoir repartir des étoiles dans les yeux puisque tous les tickets seront gagnants ! Vers quel ballon ira votre choix en sachant que vous ne pouvez en cueillir qu’un seul ?

Sur place, des équipes passionnées et attentives seront disponibles pour réaliser la médiation culturelle autour de chaque donation, afin de contribuer au rayonnement de lieux connus ou plus confidentiels, en racontant quelques anecdotes accessibles à tous.

Un moment suspendu et hors du temps, riche en beaux souvenirs.

Ces équipes auront une autre utilité : faire de la prévention et veiller à ce que ce bel événement ne soit pas synonyme de gaspillage inutile.

L’association Culture and the City prévoit plusieurs dispositifs à cet effet :

  • des ballons 100% recyclables pour cet événement ;
  • un balisage réalisé avec un matériau novateur biodégradable ;
  • des cueilleurs qui accompagneront chaque participant pour éviter les envolées intempestives de ballons, dangereuses pour l’environnement ;
  • une urne spéciale dans laquelle les participants pourront laisser la tige du ballon en vue d’une prochaine réutilisation ;
  • un stand d’information qui sera dédié à la sensibilisation du public au recyclage des ballons, avec des tutos sur la réutilisation à l’infini des ballons aux formes les plus excentriques.

Rappelons-le, cet événement porte une vocation culturelle qui invite le public à s’amuser sans polluer !

L’objectif de cette grande Cueillette est avant tout la mise en avant de notre beau patrimoine culturel, un patrimoine vivant, accessible et généreux, qui s’unit autour d’une action commune en allant à la rencontre de son public.

Une parenthèse féérique et fédératrice, fruit d’une mobilisation collective

Née dans l’esprit des fondateurs de l’association Culture and the City, Fleur Baudon et Arnaud Chedal-Anglay, cette grande célébration répond avant tout à un profond besoin de rassemblement. À travers ce bel événement, les créateurs ont souhaité fédérer le monde de la Culture, dans toute sa diversité, réunissant aussi bien les musées que les monuments ou les centres d’art, les théâtres que les producteurs de spectacles. Une première en France.

Nous avons constaté un manque. Il n’y a pas aujourd’hui en France d’événement qui réunisse toute notre belle famille culturelle, mêlant les arts et décloisonnant les corps de métiers, pour ne faire qu’un. Parler d’une seule voix, sortir des institutions culturelles pour aller à la rencontre de notre public avec un discours enthousiasmant autour d’une culture généreuse et ouverte à tous, plurielle et florissante.

Fleur Baudon

Informations Pratiques

Grande Cueillette de la Culture, le dimanche le 3 juillet, au Palais-Royal – espace des Deux Plateaux de Daniel Buren à partir de 14h30.

Pour qui ?

Une fois n’est pas coutume, c’est au tour des parents d’être couverts de cadeaux ! Exclusivement réservée aux adultes, la Grande Cueillette de la Culture s’adresse uniquement aux personnes majeures.

Les enfants présents lors de l’événement seront seulement autorisés à accompagner leurs parents. Mais que les plus petits se rassurent, ils auront la possibilité de repartir avec le ballon cueilli au préalable par leur parent. L’association Culture and the City réserve également un espace avec quelques ballons en plus (sans place d’exposition à la clé !) à destination des enfants.

Combien ça coûte ?

Cet événement est totalement gratuit.

Les soutiens et partenaires de cette Grande Cueillette culturelle

Pour organiser cette grande manifestation culturelle, placée sous le signe du partage et de la convivialité, l’association Culture and the City a bénéficié de nombreux soutiens, partenaires et mécènes :

  • le Centre des Monuments Nationaux lui a permis d’accéder à un lieu emblématique de l’art, en plein cœur de la capitale ;
  • les Institutions culturelles contribuent au fleurissement des cadeaux avec leurs généreuses donations de billets d’entrée et autres dons artistiques ;
  • Les jeunes volontaires en service civique participent activement à la médiation autour de l’événement, aussi bien lors de sa préparation que lors de sa mise en place le jour J ;
  • Afin de rendre heureux le plus grand nombre de cueilleurs, l’association Culture and the City a décidé d’acheter elle-même des places d’expositions pour certains des plus grands musées parisiens qui manquent à l’appel de ce bel événement à l’image de la Bourse de Commerce, du Musée d’Orsay ou des Arts Décoratifs.
  • Les billets à gagner : https://www.arts-in-the-city. com/2022/05/13/evenement-la-grande-cueillette-de- la-culture-les-billets-a-gagner/

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A propos de l’association Culture and the City

Depuis 10 ans, l’association Culture and the City démocratise l’art en l’ouvrant à tous les publics.

Elle a déjà réalisé plusieurs événements d’envergure, comme une grande pêche culturelle dans les fontaines de Paris, un jardin de milliers de lanternes au pied de la Tour Eiffel, ou une chasse aux expositions dans les plus beaux jardins de la capitale.

Culture and the City, c’est aussi :

Arts in the City, le magazine culturel qui dépoussière le monde de l’art

Depuis 2014, Arts in the City permet de découvrir des expositions, des artistes, des lieux, des théâtres, de bonnes adresses (meilleures tables, petits cafés, jardins cachés…), partout en France. Avec, toujours, la volonté de valoriser l’éclectisme de nos institutions.

Ce petit guide, coloré et pratique avec son format poche, est vendu à prix coûtant à moins de 5 euros dans les points presse. Il s’est aujourd’hui imposé dans le cœur des Français pour son approche résolument moderne et son ton décomplexé, léger et sympathique.

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Le site web

Totalement gratuit, le site web est une porte ouverte sur des actualités artistiques originales et sympathiques. Il permet aussi d’être tenu au courant des nouvelles initiatives, des expositions en cours ou à venir, des salons et foires, des sorties théâtre, des adresses gourmandes ou des prochaines ventes aux enchères…

La chaîne YouTube 

Pour faire rayonner les plus belles expositions de France,  les expo-trotters de l’association proposent des films de moins de 3 minutes avec un décryptage sur la chaîne YouTube Arts in the City. Une approche inédite et immersive pour permettre au public de choisir sa prochaine visite d’exposition, tout autant qu’elle offre à ceux qui n’en ont pas la possibilité physique de se rendre dans ces expositions gratuitement depuis chez eux.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.arts-in-the-city.com/

Facebook : https://www.facebook.com/artsincity/

Instagram : https://www.instagram.com/arts_in_city/

YouTube : https://www.youtube.com/channel/UC9NmlZnGn7fwnKBS4mT7xYQ/

Twitter : https://twitter.com/arts_in_city

DESSINE MAINTENANT une exposition collective, le dessin au sens LARGE – jusqu’au 18 septembre au Musée d’Art et Archéologie de Soulac-sur-Mer :

Ils sont 18. Ils viennent d’ici ou d’ailleurs.

Certains ont été exposés au sein d’institutions de renom (Musée Guggenheim de Bilbao, Musée du Louvre, Villa Médicis, Biennale de Lyon, FRACs…). Ils se sont vu décerner des prix (Drawing Now Paris, Prix de Paris, Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres…). D’autres sont soutenus par des communautés plus confidentielles. Ils sont rassemblés par le biais de leurs propositions, en convergence ou divergence selon les circonstances.

DESSINE MAINTENANT tisse des liens entre ces singularités, réunit en un espace et pour un temps, des œuvres qui ont toutes comme point commun le dessin, mais chacune à leur manière.

Cette exposition collective annuelle autour d’une vision du dessin au sens large existe depuis 2017, sous l’impulsion de Heidi Moriot, artiste plasticienne, fondatrice et directrice artistique de l’association SEA.

C’est la cinquième édition cette année et elle s’invite au Musée d’Art et Archéologie de Soulac-sur-Mer, jusqu’au 18 septembre 2022. Vernissage le 27 mai.

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Montrer, penser, transmettre

C’est quand un dessin fait penser qu’une pensée se dessine.

Au milieu des années 70, l’idée originale d’une fondation regroupant les artistes d’Aquitaine a vu le jour. De cette idée est né le Musée d’Art et d’Archéologie de Soulac.

Entre achats et dons, le musée est aujourd’hui riche de 265 œuvres toutes tendances confondues. Soulac-sur-mer, est une des rares communes dans le Médoc à avoir son propre musée d’art.

La rencontre entre la ville de Soulac-sur-Mer, l’association SEA et le FRAC Nouvelle-Aquitaine Méca poursuit cette belle aventure, avec la volonté commune de rendre l’art accessible à toutes et à tous.

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La particularité de l’exposition collective DESSINE MAINTENANT ? Offrir une belle présence artistique, qui permet la rencontre de têtes d’affiches et de talents soutenus par des communautés plus confidentielles.

Ils utilisent des supports différents (papier, mur, corps…) et des outils variés (crayon, mine de plomb, fusain, feutre, stylo bille, gomme, limaille de fer, scie, post it….).

Ils travaillent l’abstraction ou la figuration, explorent les œuvres participatives ou les installations in situ, créent autour de la disparition et du glissement, innovent avec des vidéos performance.

Chaque artiste a son style et son univers, à découvrir le temps de belles rencontres.

L’exposition se déroulera jusqu’au 18 septembre (week-end de la Fête du Patrimoine), avec un vernissage le 27 mai.

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18 artistes, 18 regards croisés

En côtoyant ces multiples approches, chacun pourra d’où il est, d’où il vient, chercher et trouver plaisir et contentement, matière à penser.

En parallèle de DESSINE MAINTENANT, une performance collective organisée avec des partenaires locaux aura lieu dans l’espace de l’association SEA in situ à Port Médoc : COULEUR MAINTENANT (modalités et programme à venir).

Des ateliers, rencontres, performances et visites dynamiques sont organisés pendant toute la durée de l’exposition, à destination du public local, scolaire, périscolaire et touristique.

Et dans le Hors les Murs, Yann Muller (artiste basé à Soulac), propose une fresque monumentale à partir de la thématique DESSINE MAINTENANT. À découvrir dans la rue de la plage de Soulac-sur-mer, dès la fin du mois de juin.

Participeront à l’exposition collective :

Pauline Beugniot - Isabel Bisson Mauduit - Laure Boin – Enna Chaton

Alexandre Clanis - Nicolas Daubanes - Nicolas Fenouillat – Alexandre Gilibert

Miles Hall - Mounia Kansoussi – Heidi Moriot - Cédric Torne - Sarah Trouche

Hors les murs : Yann Muller

Frac Nouvelle-Aquitaine méca : Serge Comte – Pascal Lièvre – Richard Monnier

Collection du musée : Gérard Sendrey

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SEA, l’association qui amène l’art contemporain sur un territoire insolite et isolé

Pourquoi SEA?

Il y a de l’eau. Beaucoup. Elle est cette impermanence ; perturbante, calmante, fluctuante, changeante…

SEA c’est un entre deux (eaux), un milieu, un à côté, un interstice. Une présence entre et parmi d’autres. Entre le ici et le ailleurs. Entre nous et pour nous, mais aussi pour vous, pour toi.

Des lieux où on se donne la liberté de se rencontrer, se mélanger, s’entremêler, partager, échanger… sur l’art… ou pas, mais de tous les horizons.

L’association dispose déjà de :

  • Un espace pluriel à Port Médoc qui allie espace d’exposition d’art in situ, espace atelier et en devenir un espace de résidence d’artistes.
  • Un point de médiation - Durant la grande période estivale, SEA cherche à placer au coeur de Soulac sur Mer, une vitrine d’art. C’est un lieu qui fait point de médiation vers ses actions et événements artistiques d’ici, d’ailleurs et d’au-delà (!). Ce point indispensable pour rencontrer le public (hors leurs événements); est aussi un lieu pour présenter les artistes et un point de vente dans l’idée de proposer un soutient  pour toutes les facettes artistiques que peut avoir un artiste (éditions, tirages, illustrations, carte postales…)

Prochainement, elle sera aussi un espace «tiers-lieu» en devenir à Soulac-sur-mer : un espace de développement économique, un espace de travail, ouvert à tous, au sein d’un environnement artistique et culturel.

Ainsi, les 250 m2 de l’ancien casino de Soulac sont en réhabilitation pour la création de bureaux partagés avec des salles de réunion, une cuisine et un grand atelier qui sera le lien avec le développement artistique et culturel. Cet espace partagé engendrera des rencontres, des opportunités professionnelles grâce à l’animation de réseau.

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Un ancrage territorial fort

À la pointe du Médoc, face au Phare de Cordouan. Entre le Verdon-sur-mer et Soulac-sur-mer. Entre deux eaux ; l’estuaire et l’océan.

L’art et l’environnement font entièrement partie de notre ADN. De par notre territoire et nos valeurs, il a toujours été (aussi) question de sensibiliser sur l’environnement et sur l’écologie via l’Art.

Ainsi, l’espace à Port Médoc est très souvent dédié à cela, et ce, depuis sa création en 2017.

Pour chacune de ses actions artistiques, SEA travaille avec les structures et acteurs locaux. La collaboration, le participatif et le collectif sont très importants dans l’idée de la transmission.

Par exemple en 2019, le projet plastique et l’œuvre “une bouteille à la mer” ont permis de sensibiliser sur la collecte, le recyclage… avec une belle participation locale qui a permis de rassembler des écoles de surf, le CPIE, le parc marine du Verdon-sur-mer, des écoles, des artistes …

Le projet in situ 2022 : “COULEUR MAINTENANT”, sera le pendant de l’exposition “DESSINE MAINTENANT”.

Cette action proposera aux écoles, parents, habitants…, de récupérer des pots de peinture (sans solvant) lors d’une grande collecte sur le territoire puis de repeindre tout l’espace, du plafond au sol en suivant une ligne artistique. Un coloriage commun monumental. Cette œuvre in situ offrira une expérience immersive colorée.

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À propos d’Heidi MORIOT, la fondatrice et directrice artistique de SEA

Heidi MORIOT est une artiste contemporaine pluridisciplinaire (plasticienne, dessinatrice, illustratrice).

Originaire de la Cornouaille (sud-ouest de l’Angleterre), et après un parcours professionnel essentiellement européen, elle vit et travaille aujourd’hui à Soulac-sur-Mer.

Suite à l’obtention de son master en arts plastiques et en histoire de l’art de l’École des Beaux-Arts de Montpellier, elle a participé à, et présenté, de nombreuses résidences et expositions sur la scène nationale et internationale, de Paris à New York, en passant par Berlin.

Elle travaille à la fois le dessin monumental, la vidéo, la photo, l’installation, la broderie ou mêmes des découpages dans des tapis, ce qui fait d’elle une artiste transdisciplinaire qui maîtrise plusieurs médias artistiques.

Le travail d’Heidi est basé sur une recherche et une expression visuelle du monde qui l’entoure. Elle aborde le monde de façon sarcastique, presque absurde.

Son envie première : passer par des formes repérables et littérales afin de provoquer des phénomènes de reconnaissance et de réflexion. Le cliché, le stéréotype, les codes… Sa démarche consiste à interroger de visu cette perception et la prédisposition de ce regard, de tenter de renverser et de réinventer les valeurs, permettant ainsi de passer d’une perception pratique à une émotion visuelle. Des images qui racontent, aussi bien que l’ont fait Buster Keaton ou Erwin Wurm, à quel point notre monde est absurde, et combien nous sommes fragiles mais touchants face à lui.

Détourner la place et le fonctionnement des choses. Questionner la place de lʼartiste, lʼobjet, le geste, le signe; une place donnée dans un environnement donné. Ainsi, elle alimente des sortes de « données » issues de cette digestion du quotidien.

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À Exposé avec/à : Lebenson Gallery – Paris & Londre, la foire d’Art Contemporain de New York, le 104 – Paris, TPTP space – Paris, Galerie place à Elles – Paris, Main d’Oeuvres – Paris, La ville Arson – Nice, Platforme Münstrasse – Berlin, sélectionné pour la Biennale des Jeunes Créateurs d’Europe et de la Méditerranée – France, Egypt & Italie…

Heidi Moriot est engagée dans la transmission artistique et culturelle, elle conçoit et participe à divers projets qui lui ont permis de développer ses compétences au sein de différentes structures et professions artistiques :

  • Artiste plasticienne 
  • Illustratrice et dessinatrice indépendante.
  • Professeur d’art plastique remplaçante au sein de l’Éducation nationale – niveau collège, Paris et Soulac-sur-Mer ;
  • Co-créatrice de réseaux pour échanges et résidences d’artistes entre la République Tchèque et la France ;
  • Co-créatrice et co-gérante de l’espace TPTP (espace pluriel – galerie/atelier) – Montmartre, Paris ;
  • Assistante de galeries d’art et d’artistes dans plusieurs structures privées et publiques, notamment à l’atelier Etex, Grey area gallery, le Palais de Tokyo, le 104 Paris, et le FRAC Paca et Languedoc-Roussillon… ;
  • Assistante de post-production dans le cinéma – Witstudios, Paris ;
  • Assistante-modéliste chez le créateur Christian Louboutin, Paris ;
  • Assistante chez Fleurus et Mango Édition ;
  • Fondatrice de Nouvelle Vague Création - propositions de soirées cinéma en plein air en Médoc (court-métrages, longs métrages, documentaires…) 
  • Créatrice et animatrice d’ateliers artistiques au sein de différentes structures – le scolaire, les centres de loisirs, RAM, MAM … ;

En 2017, Heidi fonde L.A.C – Lieu d’Art Contemporain – en 2017 au Verdon sur mer. En 2019, cette association devient S.E.A – Site d’Expression Artistique, dont elle est la directrice artistique.

Pour en savoir plus

Logo IG

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2022/05/SEA_-DESSINE-MAINTENANT_Dossier-de-presse-V3-_A4.pdf

Facebook : https://fr-fr.facebook.com/seamedoc

Instagram : https://www.instagram.com/seagalerie/

Prix St Jean-Paul II 2022 le 1er juin : un essai scientifique, un essai témoignage et une oeuvre artistique récompensés pour promouvoir la Famille, l’Amour et la Vie

Pour 72% des Français, c’est la famille qui rend le plus heureux, devant la vie sociale et la vie amoureuse (source).

Pourtant, force est de constater que nombre de personnes sont confrontées à des difficultés majeures dans notre société contemporaine : qu’il s’agisse de l’éducation des enfants, de maintenir une cohésion familiale ou de préserver son couple, les problématiques semblent se multiplier à l’infini.

Il y a donc urgence à promouvoir une approche différente de ces questions, basée sur la foi catholique.

D’une étonnante actualité et incarnant une façon d’être missionnaire, à contre-courant de la culture dominante de notre temps, le Prix Saint Jean-Paul II pour la Famille, l’Amour et la Vie, récompense chaque année un essai scientifique, un essai témoignage et une œuvre artistique.

Il sera remis le 1er juin 2022 avec la participation de Mgr Marc Aillet, évêque de Bayonne, Lescar et Oloron. La cérémonie aura lieu à 14h15 à la Maison de Saint François-Xavier, Salle Saint-François – 7, place du Président Mithouard Paris 7°. Patrice Martineau apportera une touche musicale avec quelques chansons bien dans le thème…

Ce jeune Prix, dont c’est la deuxième édition, est abrité par L’Institut pour la Famille en Europe, l’association mère de L’Accueil Louis & Zélie, de LIFE Editions et de Marie qui guérit les couples.

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Un prix créé pour mettre en lumière l’immense pasteur et docteur que fut Saint Jean-Paul II

Saint Jean-Paul II a compris et accompagné les situations difficiles vécues par les familles et les couples en prenant en compte les particularités et cheminements individuels. Il a offert à tous la lumière de la vérité qui réchauffe et réconforte.

Aujourd’hui, innombrables sont les fidèles qui se nourrissent de ses enseignements et les hommes de bonne volonté reconnaissent en Saint Jean-Paul II un témoin de la vérité et de l’amour.

Le Prix Saint Jean-Paul II lui rend hommage en visant à stimuler l’écriture d’ouvrages et la réalisation d’œuvres d’art destinées à promouvoir la doctrine catholique sur le mariage et la famille, telle qu’elle a été magnifiquement mise en lumière par Jean-Paul II.

Un jury prestigieux pour un prix au rayonnement national & international

  • Guillaume d’Alançon – Président, Fondateur de l’Institut pour la Famille en Europe ;
  • Xavier Blandin - Président de l’Institut pour la Famille en Europe ;
  • Jennifer Carrupt – Présidente de la Fondation pour la famille (Suisse) ;
  • Michel Deguy – Cardiologue, directeur de la revue médicale Alsoha (Liban) ;
  • Olivier Dehaudt – Président de l’association “Choisir la Vie” (Suisse) ;
  • Abbé Henri Delavenne – Curé de la Paroisse Saint-Georges-de-Boscherville, docteur en théologie ;
  • Jokin de Irala – Professeur d’épidémiologie et de santé publique à l’Université de Navarre (Espagne), membre de l’Académie Pontificale pour la Vie ;
  • Anne Lecointre – Responsable de l’Accueil Louis et Zélie de Lorient, étudiante à l’Institut Karol Wojtyla ;
  • Olivier Minvielle – Écrivain, agrégé d’histoire et enseignant dans l’enseignement catholique ;
  • Aude Mirkovic – Maître de conférence en droit privé et porte-parole de l’association “Juristes pour l’Enfance” ;
  • Philippe Nicolardot – Contrôleur général des Armées (2s) ;
  • Augustin Oudot de Dainville – Ingénieur École centrale de Paris, étudiant en théologie à l’Institut Catholique de Toulouse ;
  • Jean-Paul et Hélène Perez - Médecins. Communauté du Verbe de Vie. Institut Jean-Paul II, Collège des Bernardins. Membres du Conseil Famille et Société de la Conférence des évêques de France ;
  • Grégor Puppinck – Directeur du Centre Européen pour le droit et la justice, docteur en droit ;
  • Yves Semen – Président et fondateur de l’Institut de Théologie du Corps, docteur en philosophie ;
  • Raphaëlle Stevenson – ENS, ESM Saint Cyr, animatrice Teenstar, éducatrice à la vie affective relationnelle et sexuelle (CLER) ;
  • Jean de Tauriers - Président de Notre-Dame de Chrétienté ;
  • Gabrielle Vialla – Écrivain, formatrice méthode billings, lauréate du Prix Saint Jean-Paul II 2021.

3 lauréats récompensés

L’édition 2022 du Prix Saint Jean-Paul II est particulièrement riche en créations qualitatives !

Sont récompensés :

Section Essai : “Encyclopédie sur la sexualité humaine, l’amour et la fécondité”, sous la direction de José Noriega et de René et Isabelle Ecochard, publiée aux Éditions Téqui

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Cette encyclopédie est la version française du Dizionario su sesso, amore e fecondità, publié à Rome par l’Institut pontifical théologique Jean‐Paul II pour les sciences du mariage et de la famille en 2019. Elle regroupe des articles de biologie, théologie, médecine, mais aussi des travaux en sciences humaines ou philosophie. C’est un outil fantastique pour toute personne qui étudie l’être humain.

Sous la direction de Mgr Noriega et de René et Isabelle Ecochard, les 170 articles sont rédigés par plus de 120 professeurs et experts internationaux.

Section Témoignage : “La voie de l’éducation intégrale” de François-Xavier Clément, publié aux éditions Artège

1 ere de couv Prix JPII 2022 Section témoignage

L’enfant n’est pas seulement un cerveau avec un cartable, l’enfant ne se réduit pas à une boîte à savoirs. Fort de cette conviction, tout parent désire l’épanouissement de son enfant dans toutes ses dimensions. C’est le pari de l’éducation intégrale.

À une époque où les repères s’effacent et les structures éducatives sont à la peine, seule une vision moderne de l’éducation fondée sur la foi chrétienne est en mesure de répondre aux défis posés par le monde contemporain.

Nourri d’une irremplaçable expérience de terrain dans le monde scolaire, l’auteur développe une approche innovante et accessible à tout parent comme à tout enseignant. Principes théoriques et applications pratiques sont ainsi parfaitement mariés pour donner naissance à un ouvrage qui, pour la première fois, synthétise avec grand talent l’éducation intégrale dans toutes ses composantes.

François-Xavier Clément est père de famille, philosophe de formation. Enseignant, puis chef d’établissements scolaires du second degré, il a été directeur de l’enseignement catholique de la Loire. Il est également auditeur de l’Institut des hautes études de la Défense nationale (IHEDN).

Section Oeuvre d’art – Statue La Bella Pastora, de Javier Viver, pour la Communauté Iesu Communio, en Espagne

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Iesu Communio est l’un des nouveaux instituts religieux pour femmes qui a attiré le plus de vocations ces dernières années. 200 religieuses – dont la moyenne d’âge est très jeune – sont réparties dans 2 maisons. Elles vivent un charisme particulier entre prière contemplative et engagement apostolique. Elles accueillent des milliers de pèlerins, dont beaucoup de jeunes.

Au cœur de l’institut religieux se trouve la Vierge Marie, représentée par une sculpture que les religieuses appellent la “Bella Pastora”, la Belle Bergère. Cette statue possède une esthétique particulière représentée par une jeune femme enceinte, assise, qui serre les mains contre son cœur.

Javier Viver est sculpteur et photographe. Espagnol, son travail consiste à essayer de faire connaître l’invisible.

Pour en savoir plus

Découvrir le Prix Saint Jean-Paul II : https://www.life-europe.fr/prix-st-jp-ii

Site web : https://www.life-europe.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/LIFE-europe-381007062286375/

Biennale de Venise du 23 avril au 27 novembre : le peintre Somsak Hanumas, représenté par Asiart Gallery, a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center

“Les couleurs de l’Asie” au Palazzo Bembo

Âgé de 40 ans à peine, le peintre thaïlandais est en train de devenir une véritable référence parmi les artistes émergents de l’art contemporain.

Depuis bientôt 10 ans, ses toiles sont présentes dans de nombreuses fondations et chez des collectionneurs du monde entier. Chaque œuvre de Somsak Hanumas s’inscrit de fait dans l’espace qui lui est destiné, comme une évidence de son but, de son besoin de présenter aux regards une représentation.

Aujourd’hui, Somsak Hanumas a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center, au Palazzo Bembo, durant la Biennale de Venise qui se déroulera du 23 avril au 27 novembre 2022. Une opportunité exceptionnelle pour un artiste aussi jeune !

Il sera représenté lors de cet événement par Asiart Gallery, qui bénéficie d’une exclusivité mondiale sur son œuvre. 

Lorsque je crée, j’ai l’impression d’enfin pouvoir m’exprimer, en peignant librement, en étant pleinement en accord avec mes émotions, mes sentiments et mon imagination à travers chacune de mes œuvres.

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Une incroyable visibilité pour un peintre à l’univers singulier

Somsak Hanumas est originaire de Bangkok, où il a vécu toute son enfance ainsi que la majeure partie de sa vie d’adulte. D’abord destiné à une carrière d’ingénieur, il rejoint l’Institut Royal de Technologie de Ladkrabang, mais n’oubliera jamais sa passion première, la peinture.

Jeune diplômé, Somsak décide de prendre les pinceaux et de laisser libre cours à sa vocation et ne se séparera dès lors plus jamais de son art. Il peint maintenant depuis plus de 15 ans grâce à une technique qu’il a appris en autodidacte.

Paddy Fields

Paddy Fields

Après avoir peint un fond sur la toile, Somsak y ajoute de nombreux points colorés, dont il parsème la toile en suivant un dégradé dont l’idée générale est gravée dans son esprit. Après cette étape, Somsak, à l’aide d’un pinceau plus fin, trace des séries de lignes en superpositions sur les points, jusqu’à en couvrir l’ensemble de la toile.

Ce travail, dont la longueur et la répétitivité nécessitent une extrême patience, lui convient tout à fait – il lui offre le temps de réfléchir au sens de sa peinture et, plus loin encore, au sens de la vie et du temps qui passe. Une toile nécessite en moyenne 8 à 12 semaines avant d’être achevée.

Souvent, Somsak peint également des paysages qui l’ont marqué – une plage de Bangkok, un champ battu par la mousson, la lisière d’une jungle – en y ajoutant une touche personnelle, propre à sa technique. À charge à l’observateur de percevoir – ou non – le paysage qui apparait en filigrane derrière les lignes et les points.

Un collectionneur d’art a également dit de lui qu’il a “le génie des couleurs”.

In the city

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Biennale de Venise : L’exposition “Les Couleurs de l’Asie” au Palazzo Bembo

Selon Somsak Hanumas, l’art contemporain doit être accessible à tous. Pour ce faire, l’artiste privilégie des dispositifs qui conduisent le spectateur à la prise de conscience de son état de contemplateur.

L’artiste affirme son indépendance face à l’académisme traditionnel, aux beaux-arts, à la notion du “Beau”.

L’art contemporain n’est pas nécessairement “beau”, au sens classique du terme, mais il porte sens, produit de l’effet, sollicite nos émotions et notre intellect. La beauté s’inscrit alors dans les liens établis entre l’œuvre et le spectateur, dans l’expérience esthétique même et non dans l’objet.

Radiance

Plus de 500 journalistes et plus de 800 000 visiteurs du monde entier pourront vivre cette expérience unique lors de la Biennale de Venise, en venant découvrir son travail lors de l’exposition “Les Couleurs de l’Asie” de l’European Center au Palazzo Bembo, du 23 avril au 27 novembre prochain.

Aujourd’hui, il y a beaucoup d’artistes qui travaillent le point, le trait ou le mélange des couleurs. Mais aucun n’est parvenu à ce degré de maîtrise ni à un tel sens des couleurs. Somsak Hanumas a une “patte” unique, exceptionnelle.

 Dominique Sibade, Asiart Gallery

Touch of Blue

Touch of Blue

Asiart Gallery et Somsak Hanumas, l’histoire d’un coup de foudre artistique

C’est grâce à Asiart Gallery que Somsak Hanumas a pu faire évoluer son travail. La galerie spécialisée dans l’art asiatique, et plus particulièrement thaïlandais, a rencontré cet artiste au hasard d’une rencontre, dans un minuscule atelier de Bangkok.

Une véritable passion pour son œuvre est née et la galerie est aujourd’hui la seule à vendre les toiles de l’artiste grâce à un contrat d’exclusivité international.

Dominique et Joëlle Sibade reçoivent dans leur showroom de Lormont, à côté de Bordeaux, des collectionneurs férus d’art asiatique, éblouis par les tableaux de Somsak Hanumas, par ses abstractions qui nous font rêver et nous évader…

Blue Lines

Blue Lines

Plus de 10 ans d’implication aux côtés des artistes

À l’origine, Asiart Gallery était un antiquaire d’art spécialisé sans l’art asiatique (meubles, bronzes, statuaires, porcelaines, peintures…).

En 2012, l’antiquité asiatique se raréfiant, Asiart Gallery s’est tournée vers des artistes contemporains en peinture ou en sculpture. Après avoir travaillé avec 7 artistes, uniquement thaïlandais, la galerie se concentre désormais essentiellement sur le travail de Somsak Hanumas.

En 10 ans, la côte de cet artiste talentueux a pris une côte énorme, suscitant l’engouement de grands collectionneurs et fondations dans le monde.

Pour en savoir plus

Découvrir les œuvres de Somsak Hanumas : http://www.asiart.fr/artistes/somsak-hanumas/

Site web : http://www.asiart.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/somsak_hanumas/

Facebook : https://www.facebook.com/somsak_hanumas-102324039055296/

Jeremi Ca, l’artiste breton qui joue avec le mouvement et l’illusion pour laisser une trace dans l’œil des spectateurs

Le marché de l’art contemporain ne s’est jamais aussi bien porté : en 2021, malgré la crise sanitaire, des records de vente ont à nouveau été battus pour atteindre 2,7 Mrd$ de chiffre d’affaires (source).

Mais, derrière ce terme d’ “art contemporain”, il y a une grande diversité de styles et de mouvements. Certains artistes n’hésitent pas à puiser dans la quintessence de différents courants pour donner naissance à des œuvres singulières et inclassables.

C’est notamment le cas du breton Jeremi Ca, dont le travail a été maintes fois exposé à Art Paris au Grand Palais, un événement incontournable qui rassemble les galeries d’art du monde entier.

Sa démarche est au carrefour de :

  • L’art optique, ou Op Art, qui désigne les pratiques artistiques basées sur les effets d’optique et d’illusions ;
  • L’art cinétique, une forme d’art issue de l’abstraction et fondée sur le caractère changeant de l’œuvre, son mouvement apparent ou réel ;
  • L’abstraction géométrique, qui se caractérise par l’utilisation de formes géométriques et de couleurs disposées en aplats dans un espace bidimensionnel.

Il a gardé de ces courants la puissance des effets visuels de mouvement et d’illusion, par l’utilisation des formes et des couleurs.

Longtemps empreinte de figuration, l’œuvre de Jeremi Ca a progressivement évolué vers l’abstraction, et plus particulièrement vers ce travail répétitif et obsessionnel de la ligne. Une forme simple qui ouvre un infini champ des possibles.

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Une créativité nourrie par l’influence d’artistes célèbres

Chaque artiste a ses “Maîtres”, d’illustres prédécesseurs qui ont ouvert la voie, expérimenté des techniques et des univers graphiques.

Le travail de Jeremi Ca a ainsi été fortement marqué par :

Jean Dubuffet 

Dans le travail de Jeremi Ca, on retrouve l’importance et l’impact du rôle de la ligne des créations du peintre et sculpteur de l’Hourloupe qui a fondé le mouvement de l’art brut.

Hans Hartung

Hans Hartung a eu une influence dans l’utilisation d’outils dans la création de l’œuvre : l’apport d’outils va affecter l’esthétique de l’œuvre en donnant une identité propre composée par la complexité de cette combinaison main et outil. Les travaux picturaux de Jeremi Ca sur la ligne en sont un bel exemple : il utilise notamment un tube de ketchup comme contenant pour faire couler la peinture à la surface de ses tableaux.

Victor Vasarely

Les nombreux croquis préparatoires des toiles de cet artiste nous montrent des espaces visuels marqués par la volonté de créer des illusions de tout genre (aspirations, formes en 3D, impression de mouvement).

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Un travail protéiforme toujours dominé par l’acte de peindre

Dans l’espace intime de l’atelier, Jeremi Ca développe ses séries qu’il nomme ses « axes de recherche ».

L’espace public de la rue va ensuite devenir un terrain d’expression dans lequel il crée des installations ou fresques qui font écho à ses questionnements.

Ces œuvres, qui ont pu voir le jour dans plusieurs pays (France, Belgique, Portugal, Inde, Pérou), sont à chaque fois liées à leur contexte spécifique. En effet, selon Jeremi Ca, l’environnement détermine une approche technique, stylistique en lien avec un propos.

Avec, toujours, la volonté de toucher les spécialistes comme les néophytes. Jeremi Ca estime qu’il s’agit là de l’essence même de l’art : la communication au plus grand nombre. Il estime donc avoir atteint son but lorsque certaines de ses œuvres intègrent des collections et quand le public non initié est attiré par son travail.

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Une réflexion sur les rapports de l’homme à l’art

Les recherches de Jeremi Ca interrogent sur la perception que nous pouvons avoir des œuvres d’art. D’où son attachement aux effets créés par la technique et la fabrication d’outils favorisant la création de rendus stylistiques différents.

En tant que sujet ou spectateur, l’humain est au centre de mon œuvre. Mes différentes implications sont destinées à questionner l’existence de la peinture par l’interprétation active du regard.

Comme pour la sculpture au sens général, Jeremi Ca veut que ses peintures puissent s’observer sous différents angles. Ainsi, le déplacement du spectateur donne naissance à une œuvre évolutive, car les aspects de ses toiles, fresques et installations changent selon la position du regardeur.

C’est aussi ce qui explique la sensation d’une perte de repère : le jeu des lignes et des couleurs interpellent, provoquant des sensations de profondeur, de mouvement, de déformation et d’illusion.

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Une exploration des possibilités offertes par la sculpture

Depuis quelques années, Jeremi Ca travaille la sculpture. La tridimensionnalité lui permet de rendre l’œuvre vivante.

Ses sculptures prennent souvent la forme de colonnes, sur lesquelles le travail pictural donne une illusion de mouvement et de déformation de la surface.

Une sélection d’œuvres emblématiques de sa démarche artistique

Installations d’art éphémère

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Fresques

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Vortex

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Variations autour du noir

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Perspectives uniques

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A propos de Jeremi Ca

L’art est le medium qui permet une meilleure compréhension du monde.

Jeremi Ca est un artiste vivant et travaillant en Bretagne. Après un Master en Art à l’université de Rennes, il décide de se consacrer entièrement à la pratique de la peinture depuis 2006.

Après plusieurs périodes balançant entre figuration et abstraction, la thématique de la Ligne lui est apparue lors de dessins « rudimentaires », réalisés sans prétention. Ces dessins composés essentiellement de hachurages marquèrent fortement son attention par la puissance de leur graphisme.

Depuis 5 ans, le thème de la ligne occupe l’essentiel de ses recherches par l’infini des possibilités qu’il offre.

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Dans un monde paradoxal, à la fois superficiel et complexe, Jeremi Ca considère qu’il est important de se tourner vers l’essentiel. C’est pourquoi le choix de peindre en exploitant la contrainte de la ligne (élément banal que l’on retrouve partout) est pour lui un moyen de renouer avec le concret.

Jeremi Ca a exposé dans de nombreuses galeries françaises, en Europe (Espagne et Belgique), ainsi qu’en Malaisie. Il a notamment exposé à Art Paris, une des plus grandes foires d’art contemporain qui rassemble certaines des plus grandes et prestigieuses galeries. Il est représenté par la Galerie Wagner.

En 2021, Jeremi Ca a participé à trois expositions collectives à Paris (“Mesures/Démesures#2″, “Carrés”, “Trésor de Papiers#2″) et réalisé deux expositions personnelles à Nantes (“Rainbows, Mars” – Galerie Sabrina Lucas) et à Saint-Malo (“Ondes bleues” – 4e lieu, La Grande Passerelle).

Colonne cinétique installation

Pour en savoir plus

Son site internet : https://www.jeremica-art.net/

Instagram : https://www.instagram.com/jeremi_ca/

Facebook : https://www.facebook.com/Jeremicaofficial/

Pierre-Paul Marchini, un artiste “populaire” et rebelle, exposé dans le monde entier, qui veut démocratiser l’accès à l’art

L’artiste côté sort du moule pour rendre l’art contemporain accessible au plus grand nombre

Même si les Français sont de plus en plus préoccupés par leur pouvoir d’achat (source), ils ont une véritable soif de culture et d’art. À titre d’exemple, alors que Le Louvre a été fermé près de 6 mois l’année dernière en raison de la crise sanitaire, il a malgré tout enregistré une fréquentation en hausse de +30% par rapport à 2020 (source).

Pourtant, alors que notre pays accueille un grand nombre d’artistes talentueux (peintres, sculpteurs, graveurs…), le marché de l’art contemporain reste inaccessible au grand public… justement parce qu’il est dominé par une logique spéculative.

Concrètement, les amateurs d’art doivent se contenter de visiter les musées, les galeries et les expositions, sans jamais pouvoir acquérir une œuvre. En effet, dès que le travail d’un artiste est reconnu, sa cote grimpe… et les prix flambent.

L’art contemporain est donc devenu totalement inabordable, réservé à quelques “happy few” appartenant à une élite.

C’est pour en finir avec cette situation que l’artiste Pierre-Paul Marchini, à la notoriété internationale, a décidé de casser les codes du marché en lançant le mouvement NO ARTE.

Le concept : démocratiser l’accès à l’art contemporain, en recréant un lien direct entre l’artiste et les amateurs d’art. Vendues sans intermédiaires, ses toiles cotées chez DROUOT sont proposées à des tarifs abordables.

Elles sont aussi proposées via un média original dans le milieu très fermé de l’art : une galerie en ligne d’exposition permanente disponible sur Facebook.

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Un fils d’ouvrier devenu footballeur puis artiste renommé

Rien ne destinait Pierre-Paul Marchini à devenir artiste peintre.

Né en Corse, à Ajaccio, il mène une enfance paisible et, à l’adolescence, il fonde un petit groupe de musique avec les copains du quartier. Sa passion ? À l’époque, il se passionne pour le football et pour l’ACA (Athletic Club Ajaccien), rencontre grâce à son grand-père les stars du moment.

Il intègrera le club à l’âge de 12 ans, puis, suite à son dépôt de bilan, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio). À 17 ans, il signe à nouveau à l’ACA en DH (division d’honneur, désormais nommée Régionale 1). Par la suite, il intègre l’USHA, un club corpo prestigieux.

Marié et père de famille, il feuillette un jour un magazine, quand il découvre la peinture de William Turner. C’est un coup de foudre. Il se renseigne sur son travail, étudie son œuvre… et se lance à son tour dans l’aventure.

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Du jour au lendemain, en autodidacte, Pierre-Paul Marchini apprend la technique de base. Il se forme aux reflets, au jeu de l’ombre et de la lumière… Il débute à l’huile et peint pour la première fois une toile sur les Calanches de Piana.

Viennent ensuite les personnages qui se détachent d’un fond sombre, aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Et puis, au début des années 2000, sur les conseils d’un artiste italien, il essaye le couteau. Cette petite spatule fine va tout changer : Pierre-Paul Marchini bascule définitivement vers l’art abstrait.

C’est d’ailleurs ce qui lui vaudra le surnom “Il Spadaccino”, donné par les Italiens pour son habileté à manier le couteau et créer ses toiles abstraites.

Pierre-Paul Marchini a enfin trouvé “sa patte” : une expression directe, née d’une base de couleurs et qui évolue au gré de son inspiration. Les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent et font jaillir une unité d’ensemble.

C’est cet art atypique qui va faire sa renommée, tant en France qu’à l’étranger.

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Un artiste qui expose aux quatre coins du globe

Le talent de Pierre-Paul Marchini ne passe pas inaperçu. Après avoir exposé à la Galerie Arcane à Ajaccio au début des années 2000, sa notoriété va grandissant.

L’artiste a ainsi créé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions notamment à Paris (Louvre et Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, Palerme…

Il a notamment exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il est sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les cinquante artistes internationaux liés à l’art abstrait contemporain. Il remporte ensuite le titre prestigieux “Leonardo Da Vinci” à la maison Borghese à Florence.

Un critique d’art international, Salvatore Russo, écrit à son sujet : “Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est en train d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste “.

Mais cette gloire soudaine ne le change pas : Pierre-Paul Marchini reste un homme simple, ancré dans sa Corse natale. Il se définit d’ailleurs comme un “artiste corse” et impose d’être présenté ainsi lors des salons internationaux.

Très vite, il découvre les travers du monde de l’art, ces dérives dont personne ne parle. Il y a notamment les tarifs artificiellement gonflés, certains professionnels du secteur (galeristes, concepteurs de sites payants, organisateurs de salons) qui se lancent dans l’art uniquement pour spéculer…

Alors progressivement, il gagne en liberté, choisit de participer ou non à une exposition ou à un salon.

Et puis un jour, il décide de tout plaquer. Le mouvement “NO ARTE” vient de naître !

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NO ARTE : une autre vision de l’art contemporain

Lancée en 2019, “NO ARTE” est une dynamique singulière, née de la volonté de s’affranchir de la mainmise du système sur les créations des artistes.

Via une galerie en ligne d’exposition permanente disponible sur Facebook, Pierre-Paul Marchini vend ses toiles cotées à des tarifs abordables. Des prix “direct atelier”, à mille lieues de ceux qui sont pratiqués par les galeries d’art.

Il peut aussi échanger directement avec tous ceux et celles qui apprécient son travail.

Les gens venaient me voir pour me dire que mes toiles étaient sublimes, mais qu’ils n’avaient pas les moyens de se les offrir. Je suis un homme du peuple et me considère comme un artiste populaire. J’ai adapté mes tarifs. Ce qui n’a pas été du goût de tous. Ce monde n’est pas le mien, je sais d’où je viens !

Un concept qui cartonne ! Malgré la crise sanitaire, Pierre-Paul Marchini a pu continuer à vendre ses toiles à des amateurs d’art séduits par ses œuvres modernes qui oscillent entre un abstrait tantôt lyrique, tantôt décoratif.

Une exposition à Ajaccio en 2022

Plus actif que jamais, Pierre-Paul Marchini continue de peindre et il prépare actuellement une exposition qui se tiendra au Lazaret Ollandini à Ajaccio, un superbe site qui accueille des événements temporaires à côté de la collection permanente des œuvres du sculpteur Marc Petit.

Pour en savoir plus

Le mouvement NO ARTE : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Mindful Art X Afghanistan : un événement solidaire 100% en ligne et un crowdfunding pour aider les activistes des droits des femmes et journalistes Afghans

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Tout le monde a encore en mémoire les scènes de chaos qui ont suivi la prise de pouvoir des talibans en Afghanistan (source). Des dizaines de milliers d’Afghans ont fui ce nouveau régime de terreur et des milliers de réfugiés sont bloqués à la frontière, au niveau de l’Iran et du Pakistan. La plupart ont tout perdu. Aujourd’hui, la situation est particulièrement difficile pour tous les journalistes, activistes féministes et défenseurs des droits de l’homme présents sur place.

S’ils restent à l’intérieur du pays, leur vie est menacée (un militant a d’ailleurs été tué en octobre dernier, source) et ils se retrouvent confrontés à une violence inouïe. S’ils partent, ils sont en proie à des blessures psychologiques et à la précarité. Il serait catastrophique de les laisser avec le sentiment d’avoir été abandonnés et laissés aux mains des talibans. Il y a urgence à s’engager et à faire preuve d’humanité envers tous les Afghans qui aspirent à des valeurs telles que la liberté et l’égalité. Plus que jamais, ils ont besoin de se sentir soutenus et épaulés par la communauté internationale.

Dans ce contexte, Mindful Art organise un CROWDFUNDING du 6 décembre au 15 janvier & un EVENEMENT exceptionnel 100% en ligne le 16 janvier pour célébrer la beauté de l’Afghanistan, la créativité, la solidarité et la bienveillance. Mindful Art X Afghanistan permettra de collecter des fonds pour aider  ces Afghans qui défendent les droits fondamentaux de tous les êtres humains. Capture

Mindful Art X Afghanistan : un événement caritatif exceptionnel qui met à l’honneur la beauté de l’Afghanistan

Alors que l’actualité se focalise sur le nombre de morts liés aux exactions des talibans, Mindful Art X Afghanistan propose de vivre une autre expérience en partant à la découverte de l’âme de ce pays. Le dimanche 16 janvier, chacun va ainsi pouvoir s’émerveiller devant les multiples facettes de cette terre riche d’histoire et de culture. Ce voyage intérieur est une invitation à se connecter, grâce à l’art, à soi et aux autres. À recréer du lien avec notre humanité commune.

Prendre du temps pour soi devient ainsi un geste altruiste et solidaire : participer à un beau projet, qui fait du bien autour de soi, augmente le sentiment de bien-être de tous. Le Crowdfunding Mindful Art X Afghanistan accueillera des œuvres d’artistes, venus de différents horizons, qui seront mises en vente du 6 décembre au 15 janvier à l’occasion de Mindful Art x Afghanistan. Mindful Art X Afghanistan crée des passerelles pour mieux expérimenter l’universalité de la condition humaine. 2

Cette performance méditative, poétique et humaniste, nous permet d’être acteur de ce que nous observons, et d’être entièrement en phase avec nos sens et émotions.

 

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Un programme éclectique et inspirant

Les temps forts de la journée du dimanche 16 janvier :

Dimanche 16 janvier :

15h00 – Poésie Persane et Pachtoune.

15h15- Dr Pierre Lemarquis, neuroscientifique – “Art : se connecter à la conscience de la beauté comme clé pour aller vers un monde plus empathique” avec traduction anglaise.

16h15 - Mindful Art experience by Marjan Abadie avec traduction française.

17h30- Reza Deghati – Essential is invisible.

18h30 - Marjan Abadie - Comment la pratique de la conscience de la beauté peut apporter un monde plus apaisé ? Pleine conscience et chemin soufi par Marjan.

18h50 - Poésie persane et pachto avec traduction anglaise.

19h00 - Danse soufie afghane par Fahima Mirzaei danseuse tourbillonnante d’Afghanistan.

19h15 - Discussion ouverte  en anglais et français.

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Mindful Art X Afghanistan crowdfunding du 6 décembre au 15 Janvier :

Rejoignez les artistes qui soutiennent l’Afghanistan! Des artistes peintres, sculpteurs, calligraphes, photographes venus de différents horizons et parfois reconnus internationalement, vont offrir certaines de leurs œuvres afin qu’elles soient mises en vente durant la période du 6 décembre au 15 janvier Parmi la liste des artistes conviés, un d’entre eux fait partie des collections du British Museum et un autre est titulaire du prix Pulitzer. Les fonds récoltés contribueront à aider les défenseurs des droits de l’homme en Afghanistan. Toutes les informations sont sur https://mindful-art.eu/mindful-art-afghanistan .

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Comment seront utilisés les dons ?

Afin de soutenir les journalistes, les activistes féministes et les défenseurs des droits de l’homme, les dons récoltés durant le Mindful Art X Afghanistan seront reversés en totale transparence à la Fondation Massoud pour la formation des filles ainsi qu’aux organismes de défenses des droits des femmes et des journalistes.

À propos de Mindful Art, une expérience sensorielle unique

12 Les témoignages :

“Une expérience (…) qui, dans un monde où tout doit aller vite, fait beaucoup de bien” – Dominique, Paris

“Enfin une approche de l’art qui me parle : celle qui m’aide à vivre l’essentiel d’une rencontre avec une œuvre d’art” – Lucie

“J’ai été très étonnée de sentir que cela pouvait être aussi puissant, cela a été très efficace pour moi.” – Tina, Bruxelles

 

Mindful Art est un concept inédit qui propose de s’arrêter, de s’offrir la possibilité d’être touché et absorbé par la rencontre avec une œuvre d’art. À l’heure du tout-connecté, quand les visiteurs d’un musée s’arrêtent en moyenne 9 secondes à peine devant une œuvre, Mindful Art propose une autre voie : ralentir pour mieux ressentir.

Une expérience ouverte à tous, sans distinction d’âge, d’origine ou d’appétence pour l’art, pour apprendre ou réapprendre à :

VOIR. Prendre le temps de ralentir, regarder en ayant pleinement conscience de l’œuvre. En empathie et sans jugement, se laisser surprendre. Découvrir. Voyager dans le temps comme si c’était maintenant.

PERCEVOIR. Se laisser imprégner par les nuances, les différences et les ressemblances. Ressentir les formes, les couleurs et les odeurs. Cette délicieuse curiosité de l’autre nous permet de nous ouvrir, de nous émerveiller de nos différences.

S’ÉMOUVOIR. Ressentir l’œuvre, loin de tout discours, en oubliant nos connaissances.

Mindful Art Experience pour qui ?

Pour les tous les visiteurs, les personnes averties comme néophytes à l’art, qui souhaitent :

  • Explorer des clés d’accès plus intimes, émotionnelles, sensorielles aux œuvres, jusqu’ici inédit ;
  • Passer un moment de bien-être et d’ouverture à soi et d’ouverture à l’altérité

Pour les musées et les villes qui veulent :

  • Faire découvrir leur Musée et lieu culturel autrement, via un service innovant qui fait parler des collections de façon différenciante ;
  • Surprendre leurs donateurs en créant un événement qui marquera les mémoires.

Pour toutes les entreprises qui souhaitent :

  • Se démarquer dans le cadre de leur politique RSE en soutenant une initiative créative de cohésion sociale et ambassadrice de valeurs fortes, positives et fédératrices ;
  • Mettre du “waouh” dans les yeux et dans le cœur de leurs collaborateurs et partenaires en leur offrant un moment inoubliable.

Portrait de Marjan Abadie, la fondatrice

Passionnée d’art et férue de poésie soufie, en créant Mindful Art Experience, elle offre une démarche méditative abordant chaque œuvre de manière à la fois personnelle et universelle avec les qualités de présence, sérénité, ouverture et finesse pour voir ce qu’on ne « voit bien qu’avec le cœur ». Thérapeute cognitive et superviseur certifiée ( MBCT) Mindfulness Based Cognitive Therapy, elle est la directrice de l’Institut-Mindfulness.be à Bruxelles. 20211026124540-p2-document-vbnx

Pour en savoir plus

Présentation : https://mindful-art.eu/wp-content/uploads/2021/12/Mindful-Art-X-Afghanistan-2.pdf

Site web : https://mindful-art.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/InstitutMindfulnessStressManagement/

Instagram : https://www.instagram.com/mindfulart_experience/

LinkedIn Marjan Abadie : https://www.linkedin.com/in/marjan-abadie-029970/

Festival Photo Montier du 18 au 21 novembre : le photographe animalier français Philippe Ricordel exposera ses clichés sur des espèces rares de primates en danger

Le Festival Photo Montier est un événement international incontournable qui rassemble chaque année tous les amoureux de la photographie animalière et de nature.

Unique en Europe, il accueille durant 4 jours plus de 44 000 visiteurs venus admirer une centaine d’expositions photos, participer à + de 40 heures de conférences & débats, et échanger avec + de 200 exposants.

De nombreuses personnalités ont déjà participé au festival telles que Yann Arthus Bertrand, Vincent Munier, Laurent Ballesta, Hubert Reeves, Isabelle Autissier, Kyrikos Kaziras, Matthieu Ricard, Hans Silvester …

Cette année, le photographe français Philippe Ricordel vient présenter ses clichés sur un sujet rarement vu et exposé en France & dans le monde : les rhinopithèques de Roxellane et de Biet.

Ces primates d’Asie sont deux espèces classifiées comme étant en danger par l’IUCN (Union internationale pour la conservation de la nature) et endémiques de l’ouest de la Chine.

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La pieta
Une jeune mère de rhinopithèque de Roxellane tient près d’elle son jeune âgé de 3 semaines environ dans une attitude de protection.

Une exposition pour alerter sur la disparition des rhinopithèques

Les rhinopithèques sont des primates qui ne vivent qu’en Asie. Alors que les données scientifiques les concernant sont encore maigres, ces singes au nez retroussé sont désormais menacés d’extinction.

Philippe Ricordel a ramené de ses derniers voyages des clichés saisissants sur deux espèces caractéristiques de l’Ouest de la Chine. Ses photographies témoignent de l’existence de ces singes méconnus et offrent en seconde lecture une réflexion sur la nécessité de la préservation de la nature, de l’état environnemental de la planète. :

Rhinopithèque de Roxellane

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Le groupe
Une attitude commune de regroupement de la part de ces femelles autour du mâle dominant

 

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Le baiser
Toujours fugitif, c’est une caractéristique de ces jeunes singes de s’embrasser comme parfois le font de jeunes enfants.

 

Un article complet sur le rhinopithèque de Roxellane a été publié par le magazine Nat’Images sur la base du récit de Philippe et ses images (N°65 – Décembre 2020)

Rhinopithèque de Biet

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Mâle dominant
Ses lèvres roses hypertrophiées le distinguent des autres rhinopithèques, et ici indique sa dominance sur le groupe.

 

Rhinopithèques de Biet

Le jeune
Le pelage de ce jeune rhinopithèque de Biet n’a pas encore pris sa couleur définitive, alors qu’il est en train de se nourrir de sa principale source de nourriture, le lichen.

 

Philippe Ricordel, un photographe engagé pour la protection de la nature

Photographe par passion, voyageur du monde passionné par la beauté de la terre, il témoigne avec ses images réalisées au plus près des espèces dans leurs habitats de l’état du monde animal sur les six continents.

 

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Animal attitude
Quand le mâle dominant est sur le qui-vive, prêt à réaffirmer sa domination auprès de certains membres turbulents

 

Sensible à la protection de la nature, Philippe est particulièrement impliqué dans la sauvegarde des primates. Au-delà des grands singes, très connus car emblématiques, il s’attache aux espèces les plus menacées, connues comme méconnues.

Associant les notions de liberté, de plaisir et de passion, il aime à partager sa passion et sa volonté à montrer la beauté fragile de notre planète, motivé qu’il est par son désir de partager son empathie pour le monde sauvage et le respect qu’il lui porte.

Artiste indépendant, son éthique éco-responsable et son regard sur la nature qui l’entoure lui permettent d’atteindre une forme de relation éphémère mais complice avec l’animal, ce dernier acceptant la capture de l’essence même de son être au travers du regard du photographe.

Philippe est membre de l’International Primate Society (IPS) et de la SFDP (Société Française de Primatologie) et travaille en collaboration avec diverses associations comme Selamatkanyaki (Indonésie) et BBPP (Guinée équatoriale).

Il est l’auteur de 3 ouvrages techniques sur l’utilisation de logiciels de développement numérique aux Éditions Eyrolles, et a contribué à l’illustration d’ouvrages scientifiques (Sous la peau de l’ours. L’Humanité et les ursidés : approche interdisciplinaire, K. Hoffman-Schickel, P. le Roux, É. Navet, Paris, Éd. Connaissances et Savoirs, 2017, et également Au seuil de la forêt – Hommage à Philippe Descola l’anthropologue de la nature, G. Cometti, P. le Roux, T. Manicone, N. Martin,  Paris, Éd. Tautem, 2019)

Il fait partie du collectif DR et contribue également au Podcast Baleine Sous Gravillon.

« Je pense que la vulgarisation, l’éducation sont des éléments clés dans la prise de conscience de l’évolution de l’environnement, les podcasts de Baleine sous gravillon sont là pour ça, les interviews de spécialistes des sujets, comme Jean-Michel Bernard pour l’épisode sur le loup ou bien encore celui sur les cachalots avec François Sarano correspondent parfaitement à cet esprit d’éveil des consciences que moi-même j’essaye d’avoir dans ma démarche photographique. »

A chaque voyage, seul ou en accompagnés de photographes passionnés, en territoire connu ou méconnu, son approche naturaliste se mêle à sa vision artistique  pour créer des images inspirantes.

Ses images sont distribuées par l’agence Naturagency (www.naturagency.com) et ont déjà fait l’objet de plusieurs parutions (Nat’images, 30 Millions d’amis, Journal de Mickey, Espèces, Paris Match, …)

Pour en savoir plus

Site web : https://www.philippericordel.com/

Facebook : https://www.facebook.com/PhilRicordel1/

Instagram : https://www.instagram.com/philricordel/?hl=fr

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/philippe-ricordel-016aba/

La Condamine, une communauté solidaire et apprenante d’artistes entrepreneurs qui aide les acteurs de l’art et de la culture à vivre de leur métier

Et si on tordait le cou aux clichés et aux stéréotypes qui entourent les créatifs ? L’image d’Épinal de l’artiste maudit, seul dans son atelier, est dépassée…

Aujourd’hui, les artistes ne sont plus des êtres en marge, peu organisés, vivant au jour le jour.

Conscients que le talent ne suffit pas pour réussir, ils fonctionnent désormais comme de véritables entrepreneurs. Ils cherchent donc à structurer leur activité, définir et hiérarchiser leurs priorités, organiser leur temps, financer leur création, et communiquer efficacement afin de diffuser leur œuvre et vivre de leur art.

Reste un challenge de taille : apprendre comment procéder pour appliquer des méthodes et des techniques adaptées à la réalité de leur métier.

C’est à partir de ce constat qu’Arthur Bouvyer et Pierre-Benoît Roux ont lancé La Condamine en 2016.

Le concept : une communauté solidaire d’artistes entrepreneurs qui propose aux artistes, artisans et créatifs indépendants un écosystème complet alliant formation à l’entrepreneuriat, accompagnement individualisé, conférences, appels à projets, diffusion et mise en relation.

Et ça marche ! Aujourd’hui, ils sont plus de 1 500 à participer à cette aventure entrepreneuriale partagée.

” Avec La Condamine, nous portons un projet positif et fédérateur : permettre à tous les acteurs de l’art et de la culture de développer un modèle économique viable et stable. “

Arthur Bouvyer et Pierre-Benoît Roux

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Une approche entrepreneuriale à 360° pour développer des modèles économiques pérennes

Pour développer leur activité et vivre de leur art, les artistes entrepreneurs de La Condamine accèdent aux outils enseignés dans les grandes écoles et utilisés dans les entreprises qui prospèrent.

Car oui, les artistes sont tout à fait capables de :

  • gérer un fichier client ;
  • mettre en place une communication efficace sur les réseaux sociaux ;
  • et analyser leur environnement économique pour développer une stratégie efficace et adaptée.

Pour reprendre l’expression de Brigitte Camus, artiste et écrivaine récemment décédée qui s’est intéressée au modèle innovant proposé par La Condamine, les artistes et les artisans ne sont « ni borderline, ni bordéliques » !

Arthur et Pierre-Benoît confirment :

” Les artistes contemporains manquent simplement d’outils simples, puissants et adaptés. Nous leur proposons donc des solutions innovantes, grâce à une pédagogie créée par des personnes qui ont à la fois été artistes et formées aux outils de gestion, de valorisation sémantique et de développement économique. “

Les professionnels de l’art et de la culture sont de plus en plus nombreux à embrasser cette vision transversale et pluridisciplinaire de leur activité. Animés par une forte volonté de réussir et conscients des freins auxquels ils sont confrontés, ils remettent en question leurs méthodes et sont déterminés à progresser.

En modifiant leur approche, ils s’inscrivent dans un marché complexe en perpétuelle évolution.

C’est aussi pour cela que les artistes entrepreneurs de La Condamine ne sont pas simplement formés. Ils sont aussi accompagnés, pendant plusieurs mois, de façon individuelle et spécifique. C’est ce qui leur permet de devenir ensuite pleinement autonomes dans leur développement entrepreneurial.

Et le concept cartonne :

” Les résultats sociaux et économiques sont visibles tous les jours, pour tous. Pour nous, c’est cela l’art durable. “

Déjà plus de 300 professionnels accompagnés

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La Condamine est un Organisme de formation soutenu par le Ministère de la Culture et certifié Qualiopi. Sa pédagogie, adaptée aux créatifs, rend accessible à tous la compréhension d’outils marketing, commerciaux, et la définition d’une stratégie en fonction d’un environnement donné. Tout modèle présenté fait l’objet d’une mise en application adaptée au projet de chacun.

Pour bénéficier d’une formation, les artistes plasticiens, artisans, artisans d’art, musiciens, graphistes, galéristes, metteurs en scène, comédiens doivent faire une demande d’inscription en précisant leur situation et les points sur lesquels ils souhaitent être accompagnés.

Les sélections se font sur analyse du dossier, en prenant en compte le sérieux du projet, la qualité du travail et la motivation du candidat.

Les formations peuvent être financées jusqu’à 100 % par les opérateurs de compétences chargés d’accompagner la formation professionnelle (OPCO).

Arthur et Pierre-Benoît précisent :

” La Condamine peut aussi choisir de soutenir des artistes pros ou engagés dans un processus de professionnalisation qui ne disposent pas de droits à la formation ou de moyens suffisants pour auto-financer un accompagnement sur mesure, afin de leur donner les moyens de développer leur activité de façon sereine à court comme à long terme. Ce qui compte, c’est avant tout la qualité de leur projet et leur implication. “

Les candidats sélectionnés bénéficient :

  • d’un réseau de partenaires varié afin de leur donner des pistes de développement adaptées ;
  • d’une équipe pédagogique composée de conseillers disposant d’une sensibilité artistique éclairée et d’une solide connaissance du marché ;
  • d’une équipe administrative dédiée à l’obtention d’une prise en charge de leur formation ;
  • d’un suivi en distanciel ou en présentiel au choix ;
  • d’un accompagnement sur-mesure adapté à chaque professionnel.

Une innovation sociale et pédagogique : la communauté apprenante

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La Condamine est une initiative avant-gardiste qui propose de créer un espace de rencontre, d’échange de bonnes pratiques entrepreneuriales, de retours d’expériences (bonnes ou mauvaises), de formation et d’accompagnement.

Avec un objectif : démultiplier les opportunités de diffusion et de développement pour les artistes, artisans et travailleurs indépendants.

La force de La Condamine ? Favoriser la mise en relation, la rencontre et l’apprentissage par les pairs.

Arthur et Pierre-Benoît expliquent :

” Ici, nous ne voulons pas d’ “experts” qui font redescendre leur savoir, pas toujours adapté, à ceux qui pratiquent le marché et ses difficultés. Le savoir vient de toutes et tous, du terrain et de ses évolutions. “

Concrètement, ce sont donc les artistes qui font émerger des bonnes pratiques. Certains deviennent ensuite ambassadeurs et participent aux activités de La Condamine aux côtés des fondateurs et de l’équipe qui les accompagne. La matière brute est créée de manière horizontale, au sein d’un projet collectif : chaque nouvelle personne vient pour progresser, et, ce faisant, fait progresser, par l’apport de son expérience, de ses questions et de son réseau, les individus et le groupe.

Chacun se nourrit en fonction de ses besoins et alimente la communauté en retour.

La Condamine est ainsi une sorte d’organisme vivant, constitué d’autant de cellules qu’il y a de membres.

Comment rejoindre cette belle aventure collective ?

L’adhésion à La Condamine coûte 75€/an (du 01/01 au 31/12).

Les membres ont accès à :

  • toutes les conférences/webinaires de l’année en cours ;
  • tous les comptes-rendus détaillés ainsi que les enregistrements de ces événements ;
  • la bibliothèque de La Condamine avec les comptes-rendus détaillés des conférences & fiches de l’année passée ;
  • des permanences mensuelles avec les partenaires de La Condamine (conseil juridique, relecture portfolio, audit site web, etc.) ;
  • des missions et appels à projets (expositions collectives ou solo, résidences, prestations pour les partenaires et clients de La Condamine dans le cadre du studio de production) ;
  • un réseau de plus de 1 500 professionnels de la culture ;
  • une lettre d’information mensuelle

A propos de la Dream Team

Arthur Bouvyer

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Diplômé du Conservatoire, après 15 ans de piano et des concours internationaux, Arthur effectue un Master en gestion à l’ESSCA puis un Mastère Spécialisé en Management des biens et activités culturels à l’ESCP Europe. Il obtient aussi un Master Laureale en gestion de la culture à l’Université Ca’Foscari de Venise.

Son parcours professionnel l’a notamment amené à travailler avec le Guggenheim de Venise, Céleste Productions, Universal Music UK, Les Concerts de Poche ainsi que des grandes entreprises des secteurs de la finance, du e-commerce et de la grande distribution.

Pierre-Benoît Roux

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Pierre-Benoît est diplômé de Lettres modernes et titulaire du D2E Entrepreneuriat de Sorbonne Universités. Le savoir-être, la relation commerciale et la gestion de projet sont ses principaux domaines de compétence.

Après avoir travaillé dix ans comme directeur de la communication au sein de la Compagnie des Livreurs, il cofonde La Condamine en 2016.

La genèse de ce concept novateur

En 2016, Pierre-Benoît travaille chez Les Livreurs, une association culturelle de promotion de la lecture à voix haute rattachée à La Sorbonne, en tant que directeur de la communication et formateur.

En parallèle, Arthur Bouvyer occupe 3 postes cette année-là : il est chargé de production chez Céleste Productions, puis occupe un poste semblable chez Universal Music UK (au sein de l’équipe de production d’opéra à Paris), puis est attaché de direction artistique chez Les Concerts de Poche.

Insatisfaits de leur impact, conscients des difficultés rencontrées par les artistes de notre temps pour continuer à produire et à vivre de leur travail, ils décident de quitter leurs fonctions pour unir leurs forces et se consacrer au développement de leur nouvelle mission : créer une communauté solidaire d’artistes entrepreneurs à même de soutenir les artistes contemporains dans la pérennisation de leur activité.

La Condamine, de « condamina », « terre commune » ou « terre arable » en Occitan, prend véritablement forme début 2017.

Aujourd’hui, La Condamine relance les interactions au sein de sa communauté, propose des opportunités d’exposition physiques et virtuelles, tout en poursuivant le développement de partenariats clés à même d’apporter de nouvelles possibilités aux artistes de sa communauté.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.lacondamine.org/

Facebook : https://www.facebook.com/LaCondamine.org/

Instagram : https://www.instagram.com/communautelacondamine/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/arthur-bouvyer-168b5ab2/

French Pair : de l’art pour la maison, accessible et tendance, grâce à des affiches minimalistes signées et des tirages d’art exceptionnels

L’univers de la décoration est en pleine évolution, porté par de jeunes talents qui rivalisent de créativité. Les frontières entre le design et l’art s’estompent, les lignes se font plus sobres, les “objets déco” deviennent des œuvres à part entière.

À l’avant-garde de ce mouvement, il y a notamment French Pair, une jeune pousse parisienne qui crée à la main des tirages d’art et des affiches inédites au style minimaliste en explorant des thèmes singuliers (cinéma, art, sports, humour…)

Un concept hors-du-temps, à l’élégance rare, qui apporte une touche d’esthétique dans tous les intérieurs.

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Des affiches inédites et des tirages d’art de haute qualité 100 % made in Paris

Intemporel, l’univers créatif French Pair se joue des carcans et ose s’aventurer dans des mondes très différents : du cinéma à la pop culture, en passant par le sport ou les cartes de lieux, chaque sujet est traité sous un angle original, avec un réel parti pris esthétique.

Le style minimaliste, qui fait écho aux codes du luxe, permet de mettre en valeur les motifs représentés et de donner du relief à la déco de la pièce.

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Les affiches et les tirages d’art, tous signés pour garantir leur authenticité, ont aussi un supplément d’âme : ce sont des créations originales, réalisées par le studio French Pair en région parisienne. Les impressions sont ensuite réalisées à Paris en petite quantité en fonction des commandes.

Du choix du papier jusqu’aux techniques d’impression utilisées, chaque détail a été pensé avec soin pour offrir un rendu ultra-qualitatif. Avec, en prime, un packaging raffiné. L’idéal pour un cadeau !

Zoom sur une sélection de must-have

Les affiches minimalistes signées

Toutes les affiches sont tirées sur du papier haut de gamme 200 g. Elles sont signées à la main au dos.

Les tirages sont soigneusement emballés dans un papier de soie et livrés dans des enveloppes cartonnées (pour les petits formats) ou roulés et placés dans un tube d’expédition (pour les grands formats).

Ile de Ré 

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Prix : à partir de 22 € selon le format choisi.

Kaamelott

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Disponible en blanc et en beige.

Prix : à partir de 22 € selon le format choisi.

Clint Eastwood

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Disponible en blanc et en beige.

Prix : à partir de 22 € selon le format choisi.

Les Tirages d’art signés

Chaque Tirage d’art fait l’objet d’une impression Fine art (qualité galerie) sur papier haut de gamme Hahnemühle 300g.

Le Fine Art est une technique haute définition à base d’encres pigmentaires qui permet de réaliser des impressions d’art de grande qualité, résistantes à la lumière et dans le temps.

Hotel California (édition limitée et numérotée de 1 à 100)

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Prix : à partir de 65 € selon le format choisi.

Chanel Paris

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Prix : à partir de 43,50 € selon le format choisi.

Et bientôt…

Très dynamique, la jeune pousse continue de se développer :

  • Une gamme de tote-bags et de t-shirts va être lancée prochainement ;
  • La marque souhaite également intégrer les boutiques et des concepts stores ;
  • À moyen terme, elle va ouvrir son studio d’art graphique pour accompagner les marques dans leur communication visuelle et direction artistique.

Venez rencontrer French Pair !

French Pair organise deux événements majeurs cette année pour faire découvrir ses collections à un large public. Les amateurs.trices de déco et de beaux objets pourront découvrir de vraies pépites :

Au BHV Marais

French Pair sera présent du 6 au 10 octobre sur un stand créateur (au deuxième étage).

Aux Galeries Lafayette Haussmann

Durant la période de Noël, du 8 au 14 décembre, French Pair rencontrera ses client.e.s au dernier étage cadeaux, sur les stands créateurs.

A propos de Caroline et Charles, les fondateurs

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Caroline est Directrice artistique Freelance, diplômée de l’ECV Paris en 2016. Charles est Illustrateur, diplômé du Campus Fonderie de l’image en 2021.

Tous deux sont passionnés depuis toujours par l’art et la création, mais aussi par le cinéma et le sport.

Après 3 années passées ensemble, ils décident de s’associer et de se lancer dans l’aventure French Pair en 2020.

Ce que nous souhaitons avant tout, c’est de réunir nos passions communes pour proposer des affiches décoratives uniques et inédites, mais aussi des peintures en tirages Fine Art, de qualité galerie pour sublimer tous les intérieurs.

Pour en savoir plus

Présentation : https://drive.google.com/file/d/1Vq3iNaKnzWkg266c9FNUPu3Ig9w-EkF5/view?usp=sharing

Site web : https://www.frenchpair.com/

Facebook : https://www.facebook.com/french.pair

Instagram : https://instagram.com/french.pair/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/french-pair

Art Shopping : Linou, l’artiste numérique qui dévoile le sens caché des choses grâce à la réalité augmentée ou à la vidéo, exposera au Carrousel du Louvre à Paris du 18 au 20 juin

Art Shopping est un salon international d’art contemporain accessible, éclectique, vivant et audacieux. Annulé l’année dernière en raison de la crise sanitaire, le retour de cet événement incontournable est particulièrement attendu.

Du 18 au 20 juin, dans le cadre exceptionnel du Carrousel du Louvre à Paris, chacun va pouvoir admirer des œuvres dans toutes les disciplines (peinture, photographie, art numérique, sculpture, street art…), acheter un “coup de coeur” à un prix abordable, mais aussi échanger très simplement avec plus de 100 artistes et galeristes venus du monde entier.

Cette bulle artistique de 3 jours est aussi une formidable occasion de découvrir des talents français qui explorent d’autres territoires, en utilisant notamment des technologies modernes.

C’est notamment le cas de Linou, une artiste qui s’appuie sur la réalité augmentée et la vidéo pour donner à vivre une expérience unique transportant les spectateurs dans un ailleurs rassurant, apaisant et dynamisant. 

Durant le salon Art Shopping, elle présentera sa dernière collection : “INSIDE”.

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Même le logo est en réalité augmenté !

Lever le voile invisible qui enveloppe le réel

Nous vivons dans 2 mondes : le monde réel qui nous entoure, et… celui qu’on ne voit pas, qu’on suppose, qu’on imagine. Linou nous invite à prendre conscience que le voile séparant les deux est invisible ; nous sommes donc tous libres d’y aller à chaque instant.

Je ressens un vrai décalage avec ce monde dans lequel nous vivons où il faut faire et paraître. Rien n’arrive au hasard et ne se passe sans qu’il n’y ait un sens caché. Tout a une raison d’être et d’exister. Je suis persuadée qu’il existe autre chose, un ailleurs…. Pas géographique mais plutôt symbolique.

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Un monde de coïncidences, de synchronicités, d’intuitions, de réflexions, de solutions, d’idées, de motivation, de renouveau, de ressources, d’échanges post mortem mais aussi un monde de fun et de bizarreries. Le monde de l’infini !

Cet endroit se veut rassurant, apaisant, dynamisant par moment.

Cet ailleurs, c’est chez moi, c’est chez vous. Il fait bon y passer du temps pour y puiser la force nécessaire à notre survie et y trouver quelques pistes de réflexions à nos questionnements sur ce pourquoi nous sommes ici, dans cette vie, à cette époque.

Il ne s’agit pas de fuir une réalité mais bien d’aller puiser une sorte de “substantifique moelle” pour aller vers plus d’épanouissement.

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En tant qu’artiste, Linou perçoit ces deux mondes, mais elle sait qu’elle n’est pas la seule. En tant qu’être humain sensible et peut-être même intuitif, nous pouvons tous les percevoir.

Le but de l’artiste est alors d’essayer de permettre à chacun d’entrevoir cet autre monde, pour que nous puissions tous y vivre des expériences extraordinaires.

Elle invite les spectateurs de ses œuvres à s’aventurer dans cet autre monde… impalpable, mais pourtant bien réel !

Un aperçu des œuvres emblématiques de la nouvelle collection “INSIDE”

Œuvres d’art avec réalité augmentée

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Pour faire l’expérience de la réalité augmentée, il suffit de lancer l’application Artivive et de fixer l’oeuvre. Il ne reste plus qu’à laisser opérer la magie !

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Comme une envie d’évasion, comme un souvenir d’enfance, un bord de mer où l’on se promène et qui nous lance un appel au large.

Prix : à partir de 1 500 € selon la taille et le support choisi.

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Nous sommes au bord de l’autre monde, il n’a jamais été aussi proche. Il suffit d’un battement d’aile, et vous y êtes!

Prix : à partir de 1 500 € selon la taille et le support choisi.

Œuvres d’art en vidéo

Chaque œuvre en vidéo est un exemplaire unique. En mouvement, elle joue en boucle perpétuelle pendant 24 heures. Chacun peut ainsi se laisser transporter et découvrir une nouvelle façon de vivre avec un art qui bouge.

INSIDE THE NINE

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Prix : 1500 € pour un tirage d’art vidéo encadré écran 10′ – En cadeau, une clé USB est offerte contenant l’exposition virtuelle de la dernière collection de Linou (lisible sur tous les écrans).

INSIDE THE ONE

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Prix : 1800 € pour un tirage d’art vidéo encadré écran 10′ – En cadeau, une clé USB est offerte contenant l’exposition virtuelle de la dernière collection de Linou (lisible sur tous les écrans).

A propos de Linou

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Linou est surtout connue pour ses œuvres numériques en réalité augmentée et ses dispositifs vidéo interactifs.

Son parcours artistique commence en 2016 suite au décès brutal de son fils, qui l’amène vers une descente aux enfers. Une partie d’elle alors s’éteint.

Elle décide de parcourir le monde pour alchimiser sa douleur et donner sens à son existence. Repoussant les barrières de la langue, elle communique avec formes, couleurs et rythmes.

Par son travail d’œuvres murales grand format, elle nous transporte aux frontières d’un autre espace. Comme une invitation à faire l’expérience de ce monde de l’ailleurs aujourd’hui invisible à nos yeux.

Pour en savoir plus

La collection INSIDE : https://www.linou.net/oeuvres

Linou au salon Art Shopping : https://www.artshopping-expo.com/info_artiste/12555/linou.html

Site web : https://www.linou.net

Instagram : https://www.instagram.com/linou_art/

LinkedIn : www.linkedin.com/in/linouart

Street Art Parc au Château de Môh (37) : une exposition de plus de 40 œuvres d’artistes contemporains et un hommage à Marcel Duchamp du 1er juillet au 31 août

Le Street Art est sur le point de devenir la forme d’art la plus populaire aujourd’hui. En l’espace de quelques jours et de quelques nuits les artistes du Street Art insufflent à un lieu leur énergie personnelle. Ils s’adaptent immédiatement à un site et à la nature éphémère. Leurs œuvres émerveillent, étonnent, interrogent.

Elles parlent à tous, petits et grands. Au Château de Môh, situé à Candes-Saint-Martin en Val de Loire, le Street Art Parc est un véritable Musée d’art urbain en plein air. 

Au bord de la Loire, sur 5 hectares, ce nouveau lieu éphémère consacré à l’art urbain propose la juxtaposition de l’art contemporain et du végétal. Un mariage réussi de l’art, de la nature, du patrimoine et de la création contemporaine. Plus de 40 œuvres de graffeurs, de street arters et d’artistes sont exposées, dans un état d’esprit iconoclaste. En 2021, huit artistes sont invités en résidence du 11 au 16 mai afin de créer in situ sur le thème : Hommage à Marcel Duchamp.

Le comédien humoriste Eric Judor a accepté d’être parrain de cette édition 2021 consacrée à Marcel Duchamp. Nous aurons le plaisir de sa présence 2 jours durant la semaine de résidence. Le Street Art Parc sera ouvert au public du 1er juillet au 31 août, ainsi que les week-ends de fin mai et juin si la législation le permet. logo 8Z3A5136chateau-candes-3

Une balade en plein air au cœur de la création contemporaine

Le Street Art Parc du Château de Môh est un lieu magique. En 2019, plus de 20 artistes ont été invités à venir s’installer en résidence au Château de Môh et en leur proposant des supports dispersés sur les 5 hectares du parc du Château.

Un mois plus tard, ils avaient réalisé 40 œuvres !

En 2020, cette superbe collection s’est enrichie de créations de nouveaux artistes (Docteur Bergman, Fabienne Teyssier Monnot, Martin Peronard, Latigro, Clèment Schoëvaërt).

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Artistes : Alan Reuiller et Moha

Et ce n’est qu’un début ! En 2021, des artistes qui ont participé à la création du Street Art Parc ont été invités en résidence afin de créer des œuvres directement sur place :

  • Artofpopov
  • Alan Reuiller
  • Julien Bur
  • Sitou
  • Skio
  • Stayreo

La résidence s’ouvre aussi à de nouveaux talents, en accueillant cette année deux jeunes graffeurs de Tours. (Ben et Vico)

Réveiller les consciences avec un hommage à Marcel Duchamp

Artiste : Stayreo

Artiste : Stayreo

Comme un antidote aux confinements successifs, avec leurs contraintes difficiles à supporter, le Street Art Parc va ouvrir cette année en proposant un hommage à Marcel Duchamp. Il s’agit en effet de valoriser la liberté de créer, de sortir du cadre, d’oser s’exprimer. Les artistes en résidence ont donc été invités à donner naissance à des œuvres faisant écho à cette démarche avant-gardiste.

Monique Pignet, fondatrice et propriétaire, souligne :

Duchamp était avant tout un esprit libre qui voulait casser les codes. Nous voulons inciter les visiteurs à s’interroger sur la notion d’art et d’objet d’art, mais aussi à évaluer l’héritage artistique de Marcel Duchamp. Car comme lui, ce que nous “aimons dans l’art, c’est avant tout les artistes” !

Retrouver le plaisir de la spontanéité

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Artiste : Drope

Déambuler au gré de ses envies, discuter devant les œuvres, prendre son temps, admirer cet écrin de nature et la beauté du château… Après une année 2020 compliquée, le Street Art Parc apparaît comme une bouffée d’oxygène, une escapade ressourçante et fédératrice, à vivre seul.e, en couple, en famille ou entre amis. L’image du château et du châtelain est désembourgeoisée, il y a ici une dynamique de territoire qui rend l’art contemporain accessible.

Les maîtres mots du projet : liberté, simplicité et pédagogie. A travers un parcours au détour des allées, les visiteurs pourront découvrir les différentes techniques de l’art urbain. Une démarche qui vise à questionner le rapport à la nature, à révéler tout l’imaginaire que contient le paysage. Il s’agit également d’encourager les artistes émergents en créant de nouveaux lieux d’expression artistique et d’aller à la rencontre des publics.

A propos de Didier et Monique Pignet

Voyageurs et infatigables bâtisseurs, Didier et Monique sont deux grands amateurs d’art contemporain. Propriétaires du Château de Môh, ils ont consacré 7 années à la rénovation de ce lieu d’exception, désormais loué pour des événements (ex : mariages).

Pour héberger les visiteurs, ils ont ensuite créé un véritable pôle touristique en rénovant des petites maisons de village autour du château, et en offrant à leurs occupants l’accès à la piscine du château. Ils se sont ensuite attaqués à un autre challenge : mettre en valeur les 5 ha de cette belle forêt, plantée d’arbres centenaires, qui part de la terrasse du château et offre une vue majestueuse sur la confluence de la Loire et de la Vienne. Elle s’étend jusqu’au bord de la Loire, qui constitue aujourd’hui l’entrée du parc.

Monique précise :

L’idée de faire appel à des artistes de street art est née lors d’un dîner entre voisins avec nos amis du musée d’art contemporain du Château de Montsoreau, à 2 km de Candes, et l’artiste Candais Jacques Halbert.

invitation ot Aussitôt dit, aussitôt fait ! 2 mois plus tard, en 2019, le parc accueille ses premiers visiteurs. En 2020, le Street Art Parc s’enrichit de 5 nouvelles œuvres dont l’artiste Land Art Fabienne Teyssier Monnot et le Dr Bergman avec sa représentation du Covid.

Passionnés, Didier et Monique sont aussi les créateurs de lieux touristiques sur l’ile de Saint Barthelemy et au Québec, toujours avec leur esprit artistique décalé. Tous ces espaces ont un point commun : ils sont unis par le Gorille Môh, une mascotte devenue emblématique. 8Z3A6086chateau-candes

Pour en savoir plus

Site web : https://www.street-art-parc.com/
Instagram : https://www.instagram.com/chateaudemoh/

Galerie Mont-Blanc : les plus grands classiques de la peinture, à prix tout doux, grâce à des reproductions à l’huile qui ont un supplément d’âme

Qui n’a pas rêvé d’exposer un jour dans son salon un tableau de Van Gogh, Kandinsky ou Gauguin ? De pouvoir admirer à sa guise ses œuvres favorites ?

Ce désir un peu fou se heurte vite à la réalité : soit ces chefs d’œuvres sont exposés dans des musées, soit ils sont réservés à de rares collectionneurs, des privilégiés qui peuvent se permettre d’investir des sommes folles. A titre d’exemple, un petit tableau de Botticelli a été adjugé 92,2 millions de dollars en janvier dernier (source).

Il existe bien sûr des posters ou des impressions mais le rendu est loin d’être suffisant : il manque le relief, les pigments, et tout ce qui donne une réelle dimension à une œuvre d’art. Une affiche ne procure pas la même émotion, elle ne partage pas la dimension essentielle de la peinture.

Dans ce contexte, la Galerie Mont-Blanc se lance un challenge un peu fou : démocratiser l’art en proposant de très belles reproductions à la peinture à l’huile des plus beaux chefs-d’oeuvre de l’histoire de l’art, toutes créées à la main par de véritables artisans-peintres expérimentés. 

Avec un objectif : insuffler de la beauté, de l’émotion et du “waow” à tous les styles d’intérieur.

 

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La référence en reproductions d’œuvres d’art

Lancée en 2020, la Galerie Mont-Blanc est à la fois : une galerie en ligne, un showroom à Genève, et désormais une galerie physique qui ouvrira cet été à Nice.

Sa marque de fabrique : traiter chaque demande façon personnalisée de A à Z. Disponibles en trois tailles, les tableaux peuvent d’ailleurs être commandés sur-mesure.

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Ils sont ensuite créés à la main par des artistes de talent, puis livrés en deux semaines montés sur un châssis en bois et accompagnés d’un certificat d’authenticité. Ainsi, chaque toile est unique.

Le service client est aux petits soins pour répondre à toutes les demandes et conseiller les clients, tout en leur apportant des services adaptés.

Les (grands) petits plus de la Galerie Mont-Blanc

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Un service sur-mesure

La Galerie Mont-Blanc peut reproduire absolument toutes les œuvres issues du domaine public.

Une démarche éthique

Toutes les peintures sont livrées montées sur un châssis en bois éco-responsable (FSC). Issues du commerce équitable (label Swiss Fair Trade), elles garantissent une relation gagnant-gagnant avec les partenaires de la galerie en Asie.

Une garantie de qualité

Chaque peinture est inspectée par un expert d’art, Jean-Sebastien Altmann, membre de la Chambre nationale des experts spécialisés qui délivre un certificat d’authenticité pour chaque œuvre expédiée. La Galerie a aussi instauré un partenariat avec Pierre Rosso Encadrement, un prestigieux encadreur de Genève.

La Galerie Mont-Blanc dispose enfin d’un service après-vente réactif basé à Genève, et d’une politique « satisfait ou remboursé » sans détour.

L’accessibilité

Le prix proposé reste relativement bas pour des reproductions d’exception entièrement réalisées à la main par des artistes de talent.

Zoom sur une sélection d’œuvres cultes pour sublimer son home sweet home

Le Baiser – Gustav Klimt

Le Baiser

Il s’agit du travail le plus populaire de Gustav Klimt. Il peint cette œuvre entre 1907 et 1908, à l’apogée de sa période dorée.

L’œuvre présente un couple qui s’embrasse, dissimulé sous un immense drap d’or qui donne une dimension d’éternité au couple qu’elle enserre et protège : du côté de l’homme, on observe des symboles de force, de virilité et de masculinité; du côté de la femme, Klimt présente plutôt des symboles de féminité et de maternité.

Prix : à partir de 269€ selon la taille de la toile et des options choisies (avec ou sans cadre).

Amandier en fleurs – Vincent Van Gogh

Amandier en fleurs

Vincent Van Gogh choisit de représenter les branches d’un amandier – l’un des arbres les plus précoces au printemps – pour symboliser l’éclosion d’une vie nouvelle, celle de son neveu aussi appelé Vincent. L’artiste s’inspire ici des estampes japonaises et accorde une attention inédite à chacune des fleurs peintes.

Prix : à partir de 269€ selon la taille de la toile et des options choisies (avec ou sans cadre).

 Jaune-Rouge-Bleu – Vassily Kandinsky

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On peut observer dans cette œuvre phare de Vassily Kandinsky la succession des trois couleurs primaires, jaune, rouge et bleu articulés de manière à créer une opposition entre la gauche et la droite. Un grand équilibre se dégage entre tous ces éléments.

Prix : à partir de 269€ selon la taille de la toile et des options choisies (avec ou sans cadre).

La Grande Vague de Kanagawa – Hokusai

La Grande Vague de Kanagawa

Cette œuvre de Katsushika Hokusai est un symbole de la façon dont les Japonais ressentent la fragilité de leur pays, qui est soumis aux agressions de la nature. De l’infiniment grand à l’infiniment petit, la vague évoque un mouvement continu et perpétuel. Le bleu et le blanc sont clairement dissociés, les formes marquées d’un cerne noir caractéristique du style d’Hokusai, et l’équilibre est parfait entre les formes, les pleins et les vides.

Prix : à partir de 269€ selon la taille de la toile et des options choisies (avec ou sans cadre).

Témoignages de client.e.s

Galerie Mont-Blanc est notée 9,9/10 sur AvisVérifiés.

Voici un aperçu des témoignages laissés par les client.e.s :

“Peinture d’excellente qualité. Le suivi de la commande pendant la réalisation et la livraison est très appréciable. Je recommande cette entreprise pour son professionnalisme et la qualité de la réalisation des peintures.”

“Qualité du tableau “le baiser” vraiment exceptionnelle. De plus les conseils qui m’ont été donnés pour le choix ont été très appréciés. Une enseigne à recommander absolument pour son sérieux.”

“Excellent service. Les collaborateurs sont à l’écoute du client et les délais toujours respectés. Très bonne qualité des produits. Rien à dire, je conseille sincèrement d’essayer au moins une fois ce service à tous les passionnés de peinture.”

“J’ai offert une reproduction du Baiser de Klimt à ma femme pour notre anniversaire de mariage. Elle était stupéfaite.”

“Tableau magnifique, le rendu des couleurs et l’épaisseur du trait sont très réussis et je ne me lasse pas de l’admirer comme si c’était l’original.”

A propos de la Galerie Mont-Blanc

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Derrière la Galerie Mont-Blanc, il y a trois entrepreneurs passionnés d’art.

Ils ont eu l’idée de ce projet lors d’une discussion au bureau, lorsqu’ils étaient collègues de travail. Parce qu’ils déplorent un manque flagrant d’offre dans le domaine de la décoration murale, ils décident d’effectuer un sondage auprès de leurs connaissances et d’une centaine de personnes.

Deux conclusions s’imposent :

  • La peinture à l’huile est le support que les gens préfèrent, pour ses reliefs, sa qualité artisanale et l’émotion qui s’en dégage.
  • Un grand nombre d’amateurs d’art se laisseraient volontiers tenter par une jolie reproduction de leurs œuvres favorites.

Vincent Baile, co-fondateur, souligne :

Les chefs d’œuvres traversent les générations et continuent de passionner les gens. Pourquoi pas leurs copies fidèlement reproduites ? Via la Galerie Mont-Blanc, nous voulons offrir à tous la quintessence des œuvres originales et agir concrètement pour démocratiser l’accès à l’art.

Le projet, né en décembre 2018, prendra plus d’un an à être concrétisé. En 2019, toute l’équipe est en effet partie dans plusieurs pays d’Asie pour aller à la rencontre de centaines d’artisans-peintres et effectuer une sélection rigoureuse.

Début 2020, la Dream Team a lancé sa société et rencontré différentes personnes intéressées par cette aventure novatrice et riche de sens. L’intérêt suscité a permis d’effectuer rapidement une première levée de fond.

Aujourd’hui, la Galerie Mont-Blanc souhaite développer de nouvelles collections pour compléter les reproductions de tableaux de maîtres. Elle projette notamment de proposer des collections exclusives en collaboration avec des artistes locaux et d’ouvrir une galerie physique à Nice cet été. L’accès au showroom en vieille ville de Genève est déjà possible sur rendez-vous (Rue de l’Évêché 1, 1204, Genève, Suisse).

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Pour en savoir plus

Site web : https://galeriemontblanc.com/

Facebook : https://www.facebook.com/galeriemontblanc/

Instagram : https://www.instagram.com/galeriemontblanc/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/galeriemontblanc/

Cbonart : des cuvées spéciales de vin naturel en éditions limitées habillées par des œuvres d’artistes

L’univers de l’art et du vin, deux fleurons de la culture française réputés dans le monde entier, ont beaucoup en commun : ils sont le fruit d’une passion, d’un savoir-faire, d’une exigence, d’une lente maturation et de la capacité à se réinventer.

Ils partagent aussi une même singularité : comme un artiste, un vigneron a un univers qui lui est propre, une façon de travailler, un style et une personnalité qui le caractérisent.

L’art et le vin se répondent, en écho, en exprimant une sensibilité unique.

Alors pour marier ces deux mondes, Cbonart lance un concept inédit : des cuvées spéciales de vin naturel, produites en éditions limitées et proposées dans des bouteilles habillées par des artistes. 

Sa première collection est consacrée au peintre français Bernard Dufour.

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Une aventure collective qui mêle Vin & Art pour sublimer chaque bouteille

Si le projet Cbonart a séduit des vignerons réputés comme le Domaine Jacques Selosse, Pierre Ménard ou le Domaine Richaud, c’est avant tout pour l’originalité de sa démarche, qui allie excellence et esthétique.

Artistes et vignerons s’investissent dans la découverte d’un projet et d’un univers différent, pour le plus grand plaisir des amateurs de bons vins et d’œuvres d’art.

Le concept est simple :

  1. Cbonart opère une sélection exigeante de vins naturels en édition limitée, choisis pour leurs qualités et l’engagement des petits vignerons qui les produisent ;
  2. Les vignerons choisissent un ou plusieurs tableaux parmi la pré-sélection envoyée par Cbonart ;
  3. Les étiquettes de face reprennent les tableaux choisis, et celles au dos de la bouteille toutes les informations légales (vigneron, provenance, degré d’alcool, etc).

Victor Kalczuga, co-fondateur, précise :

Les vignerons s’impliquent vraiment dans le choix des tableaux car nous leur présentons uniquement des œuvres – peintures ou dessins – qui font écho aux particularités topographique ou gustatives de leurs cuvées.

Cbonart met aussi l’accent sur la qualité en supervisant chaque étape : la Dream Team se charge notamment de la réception des bouteilles, fait réaliser les étiquettes et les colle en interne sur chaque bouteille.

Des vignerons sélectionnés pour leur implication

Cbonart, c’est aussi un état d’esprit qui va au-delà de la simple production de vin.

Tous les vignerons sélectionnés travaillent sur de petits domaines familiaux et sont tous animés par une véritable vision, une philosophie et des valeurs.

Victor souligne :

Les talents qui travaillent avec nous perçoivent leur domaine comme un organisme agricole autonome et vivant, lié à l’écosystème environnant. Ils favorisent la biodiversité avec la plantation d’arbres fruitiers, de nichoirs pour oiseaux ou de plantes et bannissent tout intrant chimique, herbicides ou pesticides.

Tous les vins proposés sur Cbonart sont donc certifiés bio, biodynamique, sains ou nature.

Une première collection créée autour du peintre Bernard Dufour

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Le premier artiste mis à l’honneur par Cbonart est le grand-père de Rose et Louis, le peintre, écrivain et photographe Bernard Dufour.

Né en 1922 et décédé en 2016, cet ancien ingénieur agronome commence à être exposé à Paris grâce à une œuvre abstraite puis, à partir des années 1960, se tourne vers une peinture figurative. Il développe un attrait particulier pour le nu, en prenant pour modèle son propre corps et celui de sa femme Martine, afin d’explorer le registre de l’intime.

300 de ses œuvres figurent dans les collections publiques françaises, notamment dans les collections permanentes du Musée d’Art moderne de la ville de Paris et du Musée National d’art moderne, le Centre Pompidou.

Une exposition est prévue prochainement au Musée Balzac en mai 2021 autour du film “La belle noiseuse” de Jacques Rivette dans lequel il joue la main de Michel Piccoli et figure exclusivement ses toiles.

La rencontre entre le vin nature et la peinture de Dufour relève d’une vision brute, rendant l’objet unique.

Zoom sur une sélection de must-have au style unique

Edition limitée Bernard Dufour & Brendan Tracey

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Vin nature – Pineau d’Aunis 2019, Brendan Tracey, Sainte-Anne Vallée de la Loire.

Pur et précis, ce vin offre une explosion de fruits rouges et de légères notes poivrées. Le pineau d’aunis de Brendan Tracey se boit comme un nectar.

Suggestion de dégustation : Un vin facile à boire en apéritif avec une bonne planche de charcuteries ou des viandes blanches.

Prix : 17,90 €

Edition limitée Bernard Dufour & Domaine Les Noades

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Nature et Progrès – Cour des Filles 2018, Les Noades, AOP Saumur Puy Notre Dame, Vallée de la Loire.

Un vin rouge vif aux arômes intenses et gourmands de fruits rouges et noirs (cassis, framboises). Les tanins sont souples et peu marqués, la bouche ample et un côté crayeux très agréable.

Suggestion de dégustation : Idéal pour accompagner une viande blanche, une raclette, une assiette de charcuteries ou encore des grillades et des légumes grillés.

Prix : 17,50 €

Edition limitée Bernard Dufour & Pierre Ménard

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Vin nature – La Varenne de Chanzé 2019, Pierre Ménard, Vallée de la Loire

Ce grand vin a une magnifique vivacité, une fraicheur aromatique et notes de coing, d’agrumes – mandarine, citron – confits. Un vin droit d’une très belle longueur.

Suggestion de dégustation : ce vin est à découvrir avec un fromage, un filet de veau aux champignons ou une quiche aux cèpes.

Prix : 27,90 €

Edition limitée Bernard Dufour & Domaine Richaud

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BIO – AOC Côtes-du-Rhône 2019. Cuvée Terre d’Aigles 2019 du Domaine Richaud.

Ce magnifique vin de table a une robe dense et profonde, couleur grenat. Un nez floral, fin et rond avec des notes expressives de fruits rouges et noirs, d’épices et de fumé.

Suggestion de dégustation : A apprécier avec des charcuteries, des entrées type caviar d’aubergines, poivrons grillés ou des plats à base de viande ou de poisson (côte de boeuf, grillades, thon, espadon..).

Prix : 15,90 €

Edition limitée Bernard Dufour & Pierre Ménard

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Vin nature – Clos des Mailles 2019, Pierre Ménard, Vallée de la Loire

Ce vin blanc offre une belle tension, avec sa fraicheur aromatique et des notes de coing, de fruits blancs légèrement confits. Une longueur exceptionnelle et subtile amertume.

Suggestion de dégustation : ce vin se savoure avec un fromage, un filet de veau aux champignons ou une quiche aux cèpes !

Prix : 27,90 €

A propos de la Dream Team

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Victor, Rose et Louis sont  trois passionnés de vin naturel et d’art ayant décidé, après avoir écumé domaines, caves à vin, galeries et musées, de réunir ces deux univers grâce à un site de vente en ligne, Cbonart.

Victor est diplômé de l’Université Paris-Dauphine en Développement durable et du WSET3. Il travaille depuis plus de 2 ans dans l’e-commerce du vin naturel. À l’initiative de Cbonart, il pilote l’activité et développe les relations avec les vignerons.

Rose est diplômée d’un Master 2 en droit à Paris I Panthéon Sorbonne. Elle est passionnée par l’ivresse qu’offre l’art sous toutes ses formes. Elle se charge de dénicher les futur(e)s artistes Cbonart et responsable de la communication.

Louis est neuropédiatre à l’hôpital Robert Debré, il sillonne les caves de vin nature à Paris et ailleurs depuis plusieurs années à la recherche de jolis canons et de belles étiquettes pour régaler les amis. Pour Cbonart, il aime échanger avec les vignerons et communiquer sur les avancées de l’aventure.

La genèse du concept

Rose et Louis sont les petits-enfants du peintre Bernard Dufour. Ensemble, ils cherchaient un moyen de continuer à promouvoir l’oeuvre de leur grand-père.

Et puis un soir d’été, ils invitent Victor à partager une bonne bouteille de vin naturel. En regardant les tableaux accrochés au mur, Victor a eu l’idée du concept Cbonart puis contacté ses vignerons “coup de cœur”. Tous ont accepté de collaborer à ce projet original et riche de sens.

Le projet s’est donc d’abord construit autour de l’œuvre Bernard Dufour, ce qui est d’autant plus cohérent que cet artiste avait participé à l’édition 1963 du Château Mouton Rothschild.

L’équipe, aux compétences complémentaires, travaille désormais a présenter de nouveaux talents. Victor est en charge du site web tandis que Rose et Louis interviennent sur la communication et la gestion opérationnelle.

Une belle aventure qui prend de l’ampleur

Aujourd’hui, Cbonart ambitionne de multiplier les collaborations entre les artistes et les vignerons afin de créer des synergies entre ces deux univers souvent intrinsèquement liés. Avec un objectif : élargir son offre de cuvées uniques en éditions limitées.

En parallèle, des rencontres et dégustations vont être organisées entre passionnés de vin et/ou d’art lors de vernissages ou d’événements lorsque la situation sanitaire le permettra.

Pour en savoir plus

Site web : https://cbonart.com/

Facebook : https://www.facebook.com/Cbonart-122427109673142

Instagram : https://www.instagram.com/cbonart_/

WE ART From PARIS Beaubourg réveille la capitale avec un concept store de créateurs qui est aussi un lieu à la croisée des arts

Crise sanitaire ou pas, la créativité vibre encore à Paris !

Plus que jamais, les talents d’aujourd’hui et de demain ont à coeur d’exprimer toutes les facettes de leur savoir-faire. Objets d’arts, de design, de mode, d’artisanat… ils rivalisent de savoir-faire et d’originalité pour donner naissance à des créations uniques et authentiques.

Leur lieu de rendez-vous ? WE ART from PARIS Beaubourg, le nouveau concept-store en plein cœur de la capitale.

Bien plus qu’une simple boutique, ce lieu à la croisée des arts donne à vivre une expérience immersive, en suivant un parcours permettant de lire, regarder, écouter… pour mieux plonger dans chaque univers artistique.

Une bonne adresse qui va vite devenir incontournable à Paris.

Crédit : Ellen Barboza Photographie

Crédit : Ellen Barboza Photographie

Remettre la proximité et l’humain au cœur de la création

WE ART from PARIS Beaubourg, c’est une autre vision de la création. Ici, il n’y a qu’un seul mot d’ordre : “Le talent d’abord !”.

Le concept store adopte donc une démarche avant-gardiste en supprimant toutes les barrières qui éloignent les artistes et les talents de leur public. L’équipe du lieu, les créateurs et les clients se rencontrent, se stimulent, s’inspirent mutuellement. Afin de soutenir encore davantage les créateurs, WE ART from PARIS a fait le choix de fonctionner au forfait mensuel, reversant ainsi aux créateurs 100 % du chiffre d’affaires dégagé par les ventes.

L’espace fait d’ailleurs la part belle à la découverte : plus qu’un produit, les acheteurs font l’acquisition d’un morceau de savoir-faire, d’un autre regard, d’une histoire propre à chaque créateur. Des étiquettes, des supports audio & vidéo… leur permettent de s’immerger dans l’univers du talent ayant imaginé le produit qu’ils tiennent entre leurs mains.

Marion et Aldo, les fondateurs, soulignent :

Avec WE ART from PARIS, nous avons voulu créer un lieu atypique, une bulle de créativité qui offre un vrai lien entre les créateurs et les clients. Les amateurs de design, de mode et de beaux objets participent ainsi à une belle aventure : en se faisant plaisir, ils soutiennent les créateurs qui produisent en plus petites quantités, et même à la main pour certains.

Crédit : Ellen Barboza Photographie

Crédit : Ellen Barboza Photographie

Le concept store : une immersion au cœur de la création contemporaine

Le concept store, c’est avant tout une sélection pointue de produits originaux, tant dans leur apparence que dans la manière dont ils ont été conçus.

3 catégories sont ainsi mises en avant :

  • éco-responsable & matière végétale ;
  • fait main & pièce unique ;
  • personnalisation & pré-commandes.

Marion et Aldo précisent :

Nous passons beaucoup de temps à étudier les projets de chaque créateur. Car nous voulons avant tout valoriser leur singularité, leur univers et la rareté de leurs œuvres.

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Crédit : Ellen Barboza Photographie

Un e-shop pour offrir toujours plus de visibilité aux talents

Distanciation sociale, confinements, couvre-feu… Parce que cette période est particulièrement compliquée pour les créateurs, WE ART from PARIS ne se contente pas de les accompagner.

Pour leur apporter un soutien à 360°, un e-shop a également été mis en place pour leur permettre de se faire connaître et de vendre leurs produits partout en France.

Les clients y gagnent aussi : via la boutique en ligne, en quelques clics, ils ont accès à des accessoires de mode, des objets déco, des soins de beauté naturel, des vêtements tendance… à offrir et à s’offrir pour se faire plaisir et soutenir une démarche éthique.

Zoom sur les must-have du Printemps

Accessoires originaux

  • Lampe cuivre abat-jour par Mes insomnies
  • Bougies illustrées de Folke
  • Bracelet en jonc de Chapitre Maison
  • Bérets en soie faits mains de Marais Béret
  • Culottes “j’expire in love” et “avec ou sensuel” de l’Atelier Béguin
  • Plantes arty par Diaiwaie
  • Casquette de Coeur Brisé

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A propos de WE ART from Paris

WE ART from PARIS a été fondé par Marion et Aldo. Responsables d’une agence de communication et à l’origine d’une communauté artistique et créative, ils ont eu souvent besoin de trouver des espaces dédiés à la création, et se sont rendu compte qu’ils n’étaient pas les seuls.

Les créatifs, les freelances du milieu de la communication ont cette même problématique, renforcée par un besoin de travailler dans un environnement stimulant tant en termes de personnes que d’activités riches et inspirantes. C’est donc pour leur offrir un lieu capable de répondre à leurs besoins que les deux entrepreneurs ont lancés WE ART from PARIS.

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Après le succès rencontré par l’espace du 15eme arrondissement, il y avait une réelle volonté de s’étendre et d’aller plus loin tout en innovant : un concept store de créateurs et un espace adapté à des expos et évènements, ouvert en août 2020

Ils ont ainsi choisi un lieu hyper central, au 69 rue Saint Martin, pour offrir un maximum de visibilité et d’accessibilité aux coworkers, mais aussi aux artistes et aux créatifs de Paris et de ses alentours.

Pour en savoir plus

Site web : https://weartfromparis.com/

Facebook : https://www.facebook.com/weartfromparis/

Instagram : https://www.instagram.com/weartfromparis_/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/organization-guest/company/we-art-from-paris

Jade Sculptures participe à REVELATIONS, la 5ème Biennale internationale métiers d’art et création à Paris du 09 au 12 juin

Créé et organisé par Ateliers d’Art de France depuis 2013, Révélations est devenu, au fil des éditions, comme le rendez-vous incontournable des métiers d’art et de la création contemporaine.

Pour cette 5e édition, Révélations prend ses quartiers dans un lieu prestigieux, au Grand Palais Éphémère, sur le Champ de Mars, face à la Tour Eiffel. La salon mettra cette année le continent Africain à l’honneur.

Il accueillera du 09 au 12 juin plus de 37 500 visiteurs venus découvrir le travail de plus de 500 créateurs issus de 33 pays.

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Parmi les talents présentés cette année, il y aura notamment la sculptrice française Jade, venue présenter son univers onirique, singulier et intemporel dans sa ville de cœur. Elle dévoilera à cette occasion de nouvelles pièces inédites.

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Une nouvelle exposition dans un cadre exceptionnel

Alors qu’elle n’a pas participé à un salon parisien depuis de nombreuses années, Jade a immédiatement été séduite par l’idée d’exposer lors de la Biennale Révélations.

Elle soutient pleinement cette démarche de mise à l’honneur des métiers d’art, et de tous ses acteurs qui créent par la matière, très importante dans le contexte post-covid.

Jade partage ainsi la philosophie de cet événement d’exception, résumée par les propos d’Aude Tahon Présidente d’Ateliers d’Art de France et Présidente du salon Révélations : “Dans un monde en mutation où nos vies et nos habitudes sont bousculées chaque jour, les métiers d’art incarnent des valeurs sociétales fortes et universelles : la création, la transmission, la durabilité, l’authenticité.”

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Les œuvres de Jade seront exposées dans un écrin exceptionnel : le Grand Palais Éphémère, sur le Champ de Mars, face à la Tour Eiffel.

Signé Wilmotte & Associés Architectes, ce bâtiment innovant, modulaire et respectueux des impératifs environnementaux accueillera désormais les événements habituellement organisés dans la Nef du Grand Palais, le temps des travaux de rénovation de ce joyau parisien.

La scénographie de la biennale sera signée par Adrien Gardère, qui reprendra les principes épurés et aériens des précédentes éditions (dont les claustras de bois séparant stands et allées constituent la signature visuelle). Elle s’adaptera aussi à son nouveau lieu d’accueil et revisitera certains de ses espaces de mise en lumière des pièces.

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L’émotion qui jaillit de la matière…

Dans le silence de son atelier, Jade sculpte. Cette artiste atypique, qui a découvert la terre à l’âge de 5 ans, sait depuis ses 12 ans qu’elle sera sculpteur.

Je modèle et grave dans l’argile des petites âmes chargées d’émotions. Prisonnières dans leur manteau, comme une seconde peau tatouée, scarifiée. Le visage est précis, le corps est évoqué. J’enveloppe mes personnages, tisse des cocons d’argile.

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Les Visages captent les regards, saisissent les cœurs. Les yeux clos, un regard mystérieux et lointain, une bouche entrouverte comme dans un souffle… Dans chaque détail, Jade fait jaillir une émotion de la terre, qui fait écho avec la sensibilité de la personne qui regarde son œuvre.

Et quand les regards de ses sculptures deviennent trop présents et les corps trop bavards, Jade retourne à la poésie des maisons, des arbres et des paysages. Un univers intime comme sorti d’un conte sans âge et sans époque où se mêlent douceur et mélancolie. L’imaginaire se confie à la matière.

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Des pièces uniques, entièrement modelées à la main dans l’atelier de l’artiste

Entre les doigts de Jade, la terre est battue et étirée, elle se fend et se déchire.

Elle est modelée, sa surface incisée, gravée de manière superficielle ou plus en profondeur comme une scarification. Une étoffe est estampée, un oxyde révèle les empreintes laissées par le passage répété d’un sceau, un émail à la cendre est essuyé, plus ou moins effacé, un engobe est déposé en minuscules gouttes pour imiter un plumetis. Une porcelaine est liée à un grès par des centaines d’entailles.

L’argile est façonnée avec rapidité pour obtenir une vision synthétique et spontanée, pour inscrire une émotion dans la terre. Un travail réalisé sans armature qui invite à trouver immédiatement l’équilibre d’une pièce.

C’est le commencement d’une sculpture.

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Beaucoup de vibrations intérieures dans le travail de l’artiste. Ses personnages ne nous apparaissent pas dans des postures démonstratives, encore moins académiques, mais bien au contraire dans une invitation au dialogue intérieur, tout en retenue, tout en suggestion. Elle sollicite notre capacité à poursuivre l’histoire qu’elle nous propose. L’œuvre devient pérenne par le message sensible qu’il détient. Comme un secret qui nous est offert en partage.

Mais aussi plein de vibrations extérieures mues par d’infinis détails qui peuplent ses sculptures. Jade sculpte, certes, mais grave, aussi, de multiples signes qu’il convient de décrypter comme autant de paroles et de mots empreints dans la terre, comme les traces de tous les chemins empruntés auparavant. De petits visages émergent dans les coiffes comme de petites âmes qui viendraient du tréfonds pour nous révéler quelques beautés cachées. Chaque mystère a son visage …

Ils sont assis au bord du monde ou nous apparaissent comme des anges, ils voyagent sur l’épaule d’un autre ou portent leur maison sur le cœur, l’humanité de Jade nous raconte nos rêves, sans frontières, pour que chacun puisse s’y blottir pour l’éternité.

Portrait d’une sculptrice passionnée

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Née en 1974 à Clamart, Jade a vécu à Verrières-le-Buisson jusqu’en 2004 où elle a eu son premier atelier. Aujourd’hui elle vit et travaille à Anthy-sur-Léman (Haute-Savoie),dans l’ancienne maison du charron du village, au bord du lac Léman, une grange entièrement restaurée et réhabilitée.

Elle étudie l’art à Penninghen et à l’ATEP à Paris après 15 ans passés à l’atelier du Vieux Chatenay.

Depuis 1998, Jade expose son travail à l’occasion de salons comme le GMAC, Art contemporain 2000, Figuration critique, Maison et Objet… et en galerie ou dans des boutiques en France et à l’étranger (USA, Belgique, Suisse).

Elle est lauréate du concours jeunes créateurs pour Maison et Objet à Paris en 2008, elle expose à plusieurs reprises au Musée de  Malicorne-sur-Sarthe qui fait l’acquisition d’une de ses œuvres.

Jade a également réalisé une commande publique d’un ensemble de 12 personnages pour la mairie d’Anthy-sur-Léman.

Pour en savoir plus

Le catalogue :

Site web : https://jade-sculptures.fr/

Film : Jade Sculptures light – HD 1080p Film presse Elisa

Facebook : https://www.facebook.com/jadesculptures/

Instagram : https://www.instagram.com/jadesculptures/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/jade-sculptures-b257a815b/

Pinterest : https://www.pinterest.fr/JadeSculptures/_created/

Le peintre Pierre Paul Marchini dénonce l’exploitation des artistes par le “monde de l’art” et lance son propre canal de vente

Attention, rien ne va plus dans l’univers de la Culture ! De plus en plus de voix s’élèvent pour contester les pratiques abusives dans un secteur pourtant très rentable : chaque année, la culture et la création rapportent 100 milliards d’euros à l’économie française (source).

Le chanteur Pascal Obispo vient de créer sa propre application pour échapper à la mainmise des maisons de disques (source), les dessinateurs et auteurs de BD ont signé un appel à boycotter le Festival d’Angoulême qui ne les rémunère pas et interpeller sur leur précarité (source)…

Dans le milieu des arts plastiques, c’est l’artiste peintre Pierre Paul Marchini qui “claque la porte” du “Monde de l’art” institutionnel.

Après une vingtaines d’années passés à pratiquer les expositions et les salons, Pierre Paul Marchini dénonce les abus de ce milieu élitiste, qui exploite les artistes et empêche le grand public d’acquérir des œuvres en pratiquant des tarifs prohibitifs.

Le peintre ne mâche pas ses mots :

J’ai assisté à des dérives plus que douteuses dans le milieu artistique ! Des galéristes aux concepteurs de sites payants pour artistes, en passant par les organisateurs de salons, nombre d’acteurs voient l’art comme un investissement sans en apprécier la profondeur. Ils se contentent de spéculer, comme à la Bourse, et de courir après la reconnaissance…

L’artiste a donc décidé de suivre une autre voie en lançant NO ARTE (marque déposée), sa propre galerie en ligne d’exposition permanente disponible sur Facebook.

Son objectif : démocratiser l’accès à son art, en recréant un lien direct entre l’artiste et les amateurs d’art.

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Des toiles cotées chez Drouot proposées à des tarifs abordables

Savez-vous que les galéristes prennent, a minima, une marge de 50% sur la vente des œuvres ? Que les tarifs exorbitants réclamés aux artistes qui exposent dans les salons, le plus souvent sans la moindre garantie (nombre et profil des visiteurs), sont répercutés en partie sur le prix des pièces présentées ?

Ainsi, les artistes et les amateurs d’art sont les grands perdants du système actuel, qui finit par oublier l’essentiel : chaque création est le fruit d’une histoire, d’un cœur et d’une âme.

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Il est grand temps de sortir d’une logique de pur business pour remettre l’humain et l’émotion au centre du circuit artistique.

Cette démarche passe, également, par la fin d’une surcotation des œuvres à des fins spéculatives.

Pierre Paul Marchini précise :

Bien que cotées chez Drouot, toutes mes toiles seront accessibles au plus grand nombre sur No Arte. Je compte notamment proposer des prix abordables, des paiements échelonnés et des réductions pour les grandes occasions. Parce que les artistes ne sont rien sans leur public, je préfère que mes efforts aillent vers le peuple plutôt que vers les profiteurs.

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Zoom sur une sélection d’huiles sur toiles qui seront proposées sur NO ARTE

Toutes les œuvres exposées sur NO ARTE sont vendues avec un certificat d’authenticité. De plus, cet achat plaisir est aussi un investissement judicieux puisque la cote de l’artiste ne changera pas.

Envolée Sauvage

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Abstraction d’un vol d’oiseaux.

Dimensions : H. 100 x L. 100 cm

Délivrance

Délivrance

Dimensions : H 90 x L 90 cm

La mer

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Dimensions : H 60 x L 70 cm

Printemps de Corse

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Dimensions : H 66 x L 80 cm

A propos de Pierre-Paul Marchini, homme et artiste libre

Originaire d’Ajaccio, Pierre-Paul Marchini s’inscrit dans les 50 nouveaux maîtres de l’art contemporain, aux côtés des maîtres comme Kandisky ou Pollock, selon un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie (diffusé dans des galeries d’art moderne, auprès des collectionneurs).

Peintre de l’abstraction et de l’informel, il a débuté la peinture il y a une quinzaine d’années, trouvant très vite sa voie : le travail à l’huile, qui lui permet de créer des effets incomparables.

L’artiste précise :

En passant du pinceau au couteau avec un geste plus large, je me sens plus proche de ma réalité émotionnelle et artistique.

Ses œuvres absolument modernes oscillent entre un abstrait tantôt lyrique, tantôt décoratif.

Ses méandres géographiques traduisent les élans de son âme. On retrouve aussi dans son travail son amour de la Corse, avec un style qui exprime la diversité de tons et des nuances de l’Île de Beauté.

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En détournant la théorie des couleurs et en exploitant chacun des matériaux, il opère une rupture avec les canons classiques. Pierre-Paul Marchini dépasse la simple représentation en plongeant dans la pure psyché. La couleur est portée à son paroxysme sous une grande liberté.

Il souligne :

L’Art est vie, l’Art est violence ! Il naît dans les dissonances, dans les courants tumultueux, jamais dans le calme et le silence. Celui qui crée transmet une idée, il la prend au fond de lui-même mais en fait, elle vient d’ailleurs, de ces mondes inconnus et hauts qui font notre être. Il crée comme il crierait, rompant l’harmonie établie puis redevient serein, un court instant, comme en pause entre deux vies.

Un critique d’art international, Salvatore Russo, écrit à son sujet : « Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est entrain d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste ».

Pierre-Paul Marchini expose régulièrement en galeries parisiennes et corses. Il a exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

Pour en savoir plus

NO ARTE :  https://www.facebook.com/ma4chini

WE ART from PARIS : Le concept-store qui regroupe des créateurs de talent & propose une sélection de cadeaux originaux et uniques

Durant le confinement, les Français ont réalisé l’importance de la culture, de la création, de l’artisanat d’art et du foisonnement de talents qui font la réputation de notre beau pays dans le monde entier.

Maintenant que les espaces créatifs peuvent à nouveau ouvrir leurs portes, ils sont nombreux à vouloir (s’)offrir de beaux objets et produits qui incarnent la beauté, le savoir-faire, et l’originalité.

WE ART from PARIS  Beaubourg, le concept store qui regroupe les créateurs de talent, propose pour les fêtes une sélection fine et originale de beaux produits design, mode, maison… tous créés en petites séries ou à la main.

Pour l’occasion, un concours de Noël est organisé : il est possible de gagner un bon d’achat de 200€ dans le concept store.

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WE ART from PARIS : Le talent d’abord !

Entrer dans le concept store de la rue Saint Martin, c’est pénétrer dans l’univers de WE ART from PARIS mais surtout s’immerger dans le monde des différents talents qui ont conçus les créations exposées. L’équipe passe ainsi beaucoup de temps à étudier le projet de chaque créateur afin de choisir les produits qui valoriseront leur démarche.

Objets d’arts, de design, de mode, d’artisanat…. chaque création est forcément unique et précieuse, riche d’une histoire et d’un supplément d’âme.

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Car dans ce temple de la créativité, on cultive l’excellence, l’originalité et la rareté.

Marion et Aldo, les fondateurs, soulignent :

Tous les créateurs sélectionnés produisent en petites quantités, et même à la main pour certains. Nos clients découvrent donc une autre façon d’acheter, plus éthique et responsable, tout en se faisant plaisir.

Au-delà d’une simple boutique, WE ART from Paris est d’ailleurs un lieu unique et atypique qui propose du coworking pour les professions créatives, des expositions et des évènements divers. Cela donne naissance à une réelle alchimie et à un vrai lien entre les créateurs, les coworkers et les clients, puisque les rencontres et les échanges sont favorisés par l’équipe.

Une sélection pointue et originale de créateurs et créatrices de talent

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La sélection présentée met à l’honneur les talents d’aujourd’hui et de demain, avec la volonté de proposer de belles pépites à partir de 20 €.

Chaque achat réalisé est aussi un acte éthique et engagé qui vient soutenir les créateurs en cette période d’année cruciale. L’ensemble du chiffre d’affaire réalisé grâce aux ventes est reversé aux créateurs. C’est aussi pour cela que WE ART from PARIS a décidé de supprimer les barrières géographiques et de démocratiser l’accès aux plus belles créations en lançant son e-shop.

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Plusieurs catégories de produits sont proposés :

Pour la maison : Pour la maison et faire mouche à tous les coups : des plantes aux pots illustrés, des bougies en petites séries et aux senteurs naturelles, des poteries humoristiques, des affiches artistiques, …

Pour les femmes :  des chemises indémodables Made in France, des sacs en cuir végétal, des bérets nouvelles génération, …

Pour les hommes :  des accessoires et vêtements aux imprimés arty, …

 

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Pour (se) faire plaisir : un jeu de cartes rêveur, des plateaux en roche volcanique, des parfums, …

Un super concours pour Noël avec des bons d’achat de 200 €

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Pour participer au concours WE ART from Paris, c’est très simple puisqu’il suffit de :

  1. Se rendre dans le concept store pour découvrir les créations des artistes ;
  2. Acheter une œuvre ou un bel objet ;
  3. Flasher le QR Code qui figure sur le ticket remis à chaque achat.

Parmi les tickets :

3 tickets Gold permettent de gagner un bon d’achat d’une valeur de 200 € à dépenser à WE ART from PARIS.

50 tickets Silver ouvrent un moment cocooning grâce à une boisson offerte.

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A propos de WE ART from Paris

We Art From Paris a été fondé par Marion et Aldo. Responsables d’une agence de communication et à l’origine d’une communauté artistique et créative, ils ont eu souvent besoin de trouver des espaces dédiés à la création, et se sont rendus compte qu’ils n’étaient pas les seuls.

Les créatifs, les freelances du milieu de la communication ont cette même problématique, renforcée par un besoin de travailler dans un environnement stimulant tant en termes de personnes que d’activités riches et inspirantes. C’est donc pour leur offrir un lieu capable de répondre à leurs besoins que les deux entrepreneurs ont lancé WE ART from PARIS.

Ils ont trouvé la perle rare dans le 15ème arrondissement de Paris, dans un ancien atelier d’architecte qu’ils ont transformé en espace de coworking.

Trois ans après le lancement de WE ART from PARIS, grâce au succès rencontré par cet espace convivial et facilitateur de créativité, Marion et Aldo ont la volonté de continuer à se développer et à innover pour répondre à d’autres besoins de leur communauté.

Ils ont ainsi choisi un lieu hyper central, au 69 rue Saint Martin, pour offrir un maximum de visibilité et d’accessibilité aux coworkers, mais aussi aux artistes et aux créatifs de Paris et de ses alentours.

Pour en savoir plus

Site web : https://weartfromparis.com/

Facebook : https://www.facebook.com/weartfromparis/

Instagram : https://www.instagram.com/weartfromparis/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/organization-guest/company/we-art-from-paris

Requiem Scolopendra, un artiste graphique prolifique à l’univers singulier

Il y a des artistes atypiques, à l’univers marqué, qui explorent de multiples supports pour laisser libre cours à leur créativité et faire jaillir des œuvres singulières.

Requiem Scolopendra est de ceux-là.

Artiste prolifique depuis son enfance (il dessine depuis l’âge de 11 ans), il utilise toutes les possibilités créatives qui lui sont offertes pour exprimer son imaginaire, ses angoisses et ses désirs. Il se nourrit aussi de son expérience de la vie : à 48 ans, il a déjà fait plusieurs métiers (La Poste, Magasinier-cariste….) et il se passionne pour de nombreux domaines en dehors de l’art.

S’il est familier du dessin, de la peinture, de la sculpture, de la photographie et du stylisme, Requiem Scolopendra s’aventure aussi du côté de l’écriture.

Sa marque de fabrique ? Une recherche autour de l’asymétrie, particulièrement marquée dans ses dessins. Elle est sa griffe, sa signature, que les amateurs d’art reconnaissent facilement.

Il a déjà quatre livres édités sur Edilivre, et neuf autres sur Amazon. Actuellement, Requiem Scolopendra vit à Nantes.

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Une riche palette artistique

Comme l’artiste qui leur a donné naissance, les œuvres de Requiem Scolopendra sont multiples, riches et foisonnantes.

Chacune a son intérêt propre, une dimension à part. Ensemble, elles constituent une mosaïque qui suggère toutes les facettes de la personnalité  du peintre-dessinateur-photographe-écrivain.

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Un aperçu de l’univers de l’artiste

Cosmos créatif et récréatif pour lequel mon esprit a fait tilt ! Un univers très personnel dans lequel tout le monde peut s’inviter et se perdre. Moi j’adore !

Sylvie, avis laissé sur Amazon

Les photographies : le Photobook

 

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Des photos d’animaux, de sculptures, de lieux emblématiques…. Ces clichés, essentiellement en noir et blanc, ont été pris à Nantes et dans ses environs.

Les peintures : Gologobook

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Ces différentes peintures, créées de mai à juillet 2020, représentent des personnages mignons, innocents, sur fond orange ou rose.

La série des “Cosmos Créatifs”

Cette série donne à voir des petites sucreries, des délires graphiques, destinés à éveiller un élan vers l’art, comme Requiem Scolopendra l’a eu enfant.

Il souligne :

Je ne donne aucun ordre. Je souhaite, comme à moi, un semblant d’émerveillement à ce qui nous entoure ou nous dépossède de notre raisonnable sagesse à vouloir effacer le fantastique qui nait sous nos yeux et plus profondément dans nos cœurs d’enfants turbulents.

Monstres et Portraits

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Série de 200 dessins réalisés durant le mois de mai 2020.

Grands personnages

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De grands personnages et de grandes entités monstrueuses

Dessins et encrage

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82 dessins sélectionnés sur plus de 500 oeuvres.

 Peintures et Sculptures

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Bad painting, néo-expressionniste, nouveaux fauves, voilà l’évolution de mes peintures au fil des années. Tantôt minimaliste dans l’expression, monochrome dans le champ de la peinture, une émotion jaillit des toiles. Bonne ou mauvaise, c’est au goût de chacun. S’y joint deux sculptures géométriques, amusantes et intrigantes.

Jim Le Poète

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Une centaine de portraits, aux lignes graphiques qui témoignent d’une “patte” propre à l’artiste.

Comment se procurer les oeuvres de Requiem Scolopendra ?

Les toiles, dessins, photographies, sculptures peuvent être achetés directement auprès de l’artiste.

Les livres présentant ses travaux sont disponibles sur Amazon et sur Edilivre.

Pour en savoir plus

Site web :  https://www.facebook.com/Requiem-Scolopendra-multiartiste-587710565042497

WE ART from PARIS ouvre un nouvel espace à Beaubourg : coworking 100% créatif et concept store de créateurs

Ça bouge à Paris ! La capitale des arts et de la culture, s’enrichit d’un nouvel espace 100% créatif : WE ART from PARIS Beaubourg.

Dès le 30 juillet, les photographes, peintres, graphistes, réalisateurs, managers d’artistes, facilitateurs graphiques, décorateurs, stylistes, DA… pourront disposer d’un lieu atypique, à la fois espace de coworking artistique et concept-store de créateurs.

Ici, il n’y a qu’un seul mot d’ordre : “le talent d’abord”.

Grâce aux expositions, au concept store et aux pop-up stores, le grand public va ainsi pouvoir découvrir des concepts innovants, des artistes inspirés, les futurs grands noms de demain, des tendances émergentes (design, art, mode…) et échanger directement avec les artistes & créatifs.

Les professionnels de l’art et les structures culturelles viendront y dénicher des talents prometteurs, prendre le pouls du foisonnement créatif contemporain, et nouer de nouvelles collaborations fructueuses.

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L’événement de l’été : WE ART from PARIS Beaubourg ouvre le 30 juillet

A la fois coworking artistique & concept store de créateurs, WE ART from PARIS Beaubourg est un lieu avant-gardiste qui propose une nouvelle façon d’aller à la rencontre de l’art et de la création.

Les talents présentés sont tous sélectionnés avec soin par une équipe de passionnés pour leur originalité, leur palette créative, la richesse de leurs projets et leur potentiel. Il y a aussi un foisonnement culturel puisque WE ART from PARIS Beaubourg est un carrefour où se croisent et se mêlent les arts graphiques, le spectacle, la mode et les métiers d’art.

Les visiteurs venus découvrir une exposition ou la sélection du concept store en plein cœur de Paris découvrent bien plus qu’une galerie et une boutique. Ils vivent une expérience unique qui les plonge au cœur de l’univers de créateurs via de nombreux supports : le parcours immersif débute par la lecture de livrets de créateurs suspendus, il se poursuit avec des étiquettes personnalisées sur chaque produit et se prolonge avec une expérience numérique (QR codes) et auditive, où les clients peuvent écouter chaque créateur leur expliquer leur positionnement et leurs valeurs.

Le concept store de WE ART from PARIS a été pensé comme un carrefour d’expériences entre visuel, touché et auditif pour être immergé dans les univers des créateurs. Le but final est que l’acte d’achat ne se fasse plus uniquement en fonction d’un produit mais parce que l’on adhère au concept du créateur.

Pour mettre en lumière les talents d’aujourd’hui et de demain, WE ART from PARIS Beaubourg consacre aussi une partie de la zone concept store à un artiste visuel (photographie, peinture, illustrations, gravures, etc). Ces expositions immersives et très variées changent très fréquemment (4 expositions par mois).

En plus de cela, une zone d’accueil du public a été pensée en partenariat avec LECASE, qui propose une sélection de cafés d’exception à la vente et à la dégustation. Son créateur, l’ancien international All Black Casey Laulala souhaite faire découvrir aux visiteurs une expérience de dégustation différente et inspirée des manières de faire néo-zélandaises et de sa culture sportive.

Save the Date : les temps forts du mois d’août à ne pas manquer

Du 30 juillet au 12 aout : Exposition « Journal de vie » par Matthieu Ferrier
Mises bout à bout, les photos de cette exposition nous révèlent des secrets et nous content une histoire. La sienne, la vôtre.

Du 25 au 31 août : L’exposition “Nébuleuse” des artistes Guillaume et Laurie

Ce sont les artistes Guillaume et Laurie qui ont créé la façade éphémère WE ART from PARIS pour l’ouverture du lieu.

29 et 30 août : Week-end de découverte de macramé & punch needle, en collaboration avec le collectif lesloversdeco

Pendant ces deux jours, des ateliers seront proposés aux enfants et aux adultes. En parallèle, le sous-sol accueillera une mise en scène utilisant ces deux formes atypiques d’art.

Et à partir de la rentrée :

Octobre : Festival de l’Art digital & Gaming, en collaboration avec l’école de design 1984

Durant un mois, ces nouvelles formes d’art seront mises à l’honneur. WE ART from PARIS Beaubourg veut initier et surprendre tous ceux/celles qui n’ont encore jamais osé entrer en contact avec cet univers nouveau et très riche.

Toute l’année : des week-ends pop-up stores

Ils représenteront l’opportunité de découvrir de nouveaux artistes, des tendances créatives, et des collaborations fructueuses.

Un temple de la créativité de 220 m² en plein cœur de Paris

WE ART from PARIS Beaubourg reste fidèle à la philosophie qui a déjà fait le succès de l’espace de coworking dans le 15ème arrondissement : proposer des tarifs accessibles aux artistes (225 € HT/mois/poste de travail) et des installations de pointe pour concrétiser tous les projets (studio photo/vidéo, salle adaptable pour de la répétition, lab créatif).

Avec, toujours, la volonté de faire la part belle à un état d’esprit communautaire : des déjeuners jusqu’aux formations, en passant par les job datings et les mises en relation, les ateliers & masterclass, les rendez-vous individuels de suivi des projets, chacun.e peut se développer et de belles synergies émergent.

Marion, co-fondatrice, souligne :

WE ART from PARIS Beaubourg a été conçu comme un écosystème créatif, offrant aux uns et aux autres la possibilité de rencontrer de nouvelles personnes, de gagner en expertise ou en recul, et de profiter de cette émulation pour faire avancer tous les projets.

Les créatifs profitent d’un lieu pour travailler, réaliser des shootings et des tournages, préparer et présenter des spectacles, faire connaître leur travail et rencontrer leurs clients dans un lieu innovant, facile d’accès et très passant.

A propos de WE ART from PARIS

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WE ART From PARIS a été fondé par Marion et Aldo. Responsables d’une agence de communication et à l’origine d’une communauté artistique et créative, ils ont eu souvent besoin de trouver des espaces dédiés à la création, et se sont rendus compte qu’ils n’étaient pas les seuls.

Les créatifs, les freelances du milieu de la communication ont cette même problématique, renforcée par un besoin de travailler dans un environnement stimulant tant en termes de personnes que d’activités riches et inspirantes. C’est donc pour leur offrir un lieu capable de répondre à leurs besoins que les deux entrepreneurs ont lancé WE ART from PARIS.

Ils ont trouvé la perle rare au 40 rue Castagnary, dans le 15ème arrondissement de Paris, dans un ancien atelier d’architecte qu’ils ont transformé en espace de coworking.

Trois ans après le lancement de WE ART from PARIS, grâce au succès rencontré par cet espace convivial et facilitateur de créativité, Marion et Aldo ont la volonté de continuer à se développer et à innover pour répondre à d’autres besoins de leur communauté.

Ils soulignent :

Le nouvel espace WE ART from PARIS est situé dans un lieu hyper central, au 69 rue Saint Martin, pour offrir un maximum de visibilité et d’accessibilité aux coworkers, mais aussi aux artistes et aux créatifs de Paris et de ses alentours.

Pour en savoir plus

WE ART from PARIS, 69 rue Saint Martin 75 004 Paris

Site web : https://weartfromparis.com/

Instagram : https://www.instagram.com/weartfromparis/

Facebook : https://www.facebook.com/weartfromparis/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/organization-guest/company/we-art-from-paris

 

Crédit photos : Aglographie

Galerie.XYZ le site qui fait tache sur le marché de l’art !

Le circuit court, qui valorise la relation directe entre le producteur et le consommateur, a le vent en poupe. Les Français plébiscitent cette nouvelle façon d’acheter, plus éthique et avantageuse pour tous.

Il est ainsi devenu fréquent de se procurer du fromage, des oeufs, des légumes, du pain et de la viande en circuit court.  Les nouveaux paysans inventent un monde à notre échelle, plus humain. Les AMAP  – Associations pour le maintien d’une agriculture paysanne – permettent par exemple de se procurer de bons produits de qualité à moindre prix…

Mais que devient l’art dans tout ça ?!! Pourquoi dans ce nouveau monde, voulu par tous les partisans d’une vie meilleure, l’artiste peine encore à trouver sa place ?

Le marché de l’art, tel qu’il existe actuellement, est un monde étrange, paradoxalement très éloigné des artistes et des amateurs d’art. Il est plutôt le résultat d’une entente entre investisseurs boursiers.

Les chiffres astronomiques annoncés dans les médias, le dernier record de vente d’une salle des ventes, des milliers ou des millions d’euros pour une oeuvre d’art… ne représentent qu’un marché réservé à une élite.

Fatigués, désespérés même (!), de cet univers froid et fermé qui ne reflète pas leurs valeurs, des artistes ont décidé de réagir.

Ensemble, ils lancent la Galerie.XYZ et proposent de découvrir, après le panier paysan, le Panier Culturel !

Le concept : un circuit court, adapté au milieu de l’art, pour promouvoir les artistes et le développement d’un investissement raisonné et sensible.

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Stop aux intermédiaires inutiles dans le milieu de l’art !

Les artistes cherchent, rêvent et travaillent tous les jours dans chaque ville et village de France.

Mais aujourd’hui, ils ne se retrouvent plus dans le milieu de l’art contemporain. Celui-ci s’est trop souvent éloigné des régions et du public. Dans les salles de vente, les budgets sont colossaux et les œuvres présentées si souvent difficilement compréhensibles (art conceptuel).

Quant aux galeries d’art, indispensables pour permettre aux amateurs d’art de voir les œuvres “en vrai”,  le problème vient de la multiplication des intermédiaires.

Au départ, le fonctionnement des galeries est relativement simple. Les galeristes demandent une commission sur les ventes aux artistes qui est justifiée par leur mission d’accueil du public, leurs conseils et leur disponibilité. Ils sont précieux pour la carrière d’un artiste, et bien souvent ils jouent aussi un peu le rôle de confidents et de soutiens.

Mais aujourd’hui, avec l’explosion du numérique, il existe une grande quantité de pseudo-galeries en ligne qui sont surtout attirées par l’appât du gain. Ces intermédiaires, des entreprises naviguant souvent sur la vague du “Fabriqué in France”, ou du “Fait main”, ou autre titre ronflant et à la mode, investissent des budgets colossaux pour apparaître sur les premières pages des moteurs de recherche.

Elles contactent ensuite un par un les artistes pour les inciter à rejoindre leurs listes froides et impersonnelles. Et lorsqu’elles ont fait assez de bénéfices, elles sont vendues à des grands groupes industriels, cotés en bourse, et pas toujours franchement français !

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Au final, tout le monde y perd :

Les artistes qui, pour être visibles, sont alors contraints :

  • de passer par un de ces coûteux intermédiaires, qui facturent une commission sur les ventes + le prix d’une location d’exposition à l’artiste ;
  • de créer un site web et une boutique en ligne, qui sera hélas uniquement accessible à son propre réseau.

Les amateurs d’art, qui découvrent uniquement par hasard les sites des artistes, relégués au fin fond des pages Google, ou autres annuaires.

C’est pour en finir avec cette situation qu’un collectif d’artistes a créé l’association Chez.xyz afin d’éditer un blog/magazine et de proposer la Galerie.XYZ, une galerie “nouvelle génération” qui casse les codes du monde de l’art.

Nous souhaitons recréer un tissu social, replacer l’art et l’artiste au sein de nos communautés humaines, notamment en réunissant au même endroit les amateurs d’art, les entreprises et les artistes.

Galerie.XYZ, le site qui fait tache dans le monde de l’art !

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La Galerie.XYZ a été conçue par des artistes et cela change tout !

Eric Caminade – Batistin, co-fondateur, souligne :

Nous ne prélevons aucune commission sur les ventes, quel que soit le nombre d’œuvres présentées ou vendues. Certains services sont même accessibles via une simple inscription gratuite. L’adhésion annuelle est de 30 €/an, et puis c’est tout !

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Chaque artiste a sa galerie personnelle pour y présenter et y vendre ses œuvres, et son blog pour se faire connaitre un peu mieux, y présenter son atelier, ou y écrire ses humeurs ! Les artistes profitent ainsi d’une vraie mise en valeur de leur travail et d’une relation en direct avec les amateurs d’art, en respect du principe du circuit court.

Un concours artistique mensuel (gratuit) est également organisé pour offrir à un artiste par mois sa Galerie en ligne gratuite pour une année + la diffusion d’une oeuvre pendant un mois à la “une” du site.

Les artistes qui le souhaitent peuvent en prime profiter d’une palette de services supplémentaires “à la carte” : un pressbook, une cotation de leur travail, une parution dans les magazines ou une participation à des expositions à des tarifs préférentiels, l’impression de leurs oeuvres, un service de comptabilité, un service d’envoi de colis, l’accès à des investisseurs…

Le savon pour nettoyer la tache :-)

Le savon pour nettoyer la tache :-)

Un investissement raisonné pour les amateurs d’art

Comment acquérir une oeuvre d’art dans des conditions avantageuses ? Quelle est la valeur réelle de tel ou tel artiste ?

Pour de nombreux amateurs de belles œuvres, le marché de l’art peut sembler opaque et déroutant. Il y a la peur de se tromper, de payer trop cher, de ne pas s’y connaître assez…

C’est pour cela que la Galerie.XYZ offre un véritable accompagnement grâce à ses partenaires :

  • Akoun Cotation aide à certifier la valeur d’un artiste ;
  • Art Collector Invest qui sait vous proposer l’achat d’œuvres en leasing.

De plus, il y a ce petit plus qui fait tout le charme du circuit court : le contact direct avec un.e artiste, passionné.e par son métier, qui pourra répondre à toutes les questions et partager sa vision de l’art.

Et comme il n’y a pas d’intermédiaire inutile les tarifs des œuvres sont nettement plus attractifs !

Un partenariat fédérateur avec les entreprises

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La Galerie.XYZ propose à des entreprises de rejoindre cette belle aventure collective en devenant Partenaires (Mécènes).

En contrepartie d’un don de 120 euros/an, elles profitent d’une palette d’outils performants pour présenter leur activité, tout en soutenant l’artiste de leur choix (l’adhésion annuelle lui est alors offerte) ou toute l’association.

Pour booster leur notoriété en ligne, elles profitent ainsi de :

  • la réalisation de leur bannière entreprise par les graphistes de la Galerie.XYZ ;
  • l’affichage de leur bannière en mode aléatoire sur toutes les pages du site ;
  • un lien vers leur site web ou vers une fiche détaillée réalisée par la Galerie.XYZ ;
  • une diffusion sur les réseaux sociaux de la galerie/de ses bénévoles culturels/des artistes + des publicités affichées dans le réseau de partenaires de la galerie ;
  • la présence d’une bannière (fiche entreprise) visible depuis l’accueil du site dans la rubrique “Entreprises Partenaires”.

Une belle opportunité de mettre en valeur son image de Marque !

Pour en savoir plus

Site web : https://galerie.xyz

Facebook : https://www.facebook.com/chez.xyz

Sortie livre : “ART Volume 4″ de Rémi Bertoche – Récits, peintures du surfeur voyageur Rémi Bertoche

Comment un artiste baroudeur qui cherche l’inspiration en surfant au milieu des icebergs se retrouve à peindre pour le Prince Albert II de Monaco, pour les superstars des tapis rouge aux 4 coins du monde et au Carlton lors du Festival de Cannes ? Explications…

Derrière les photos que les artistes postent sur les réseaux sociaux, il y a tout un travail de fond, des instants passionnants et de vrais moments de galère, de belles réussites et des moments de doute…

C’est toute une vie créative qu’il est bien difficile d’imaginer en regardant une oeuvre.

Le livre “ART Volume 4″ fait découvrir aux lecteurs l’univers de Rémi Bertoche, un artiste contemporain, surfeur et voyageur, qui s’est forgé au fil des années une belle notoriété. À mettre entre toutes les mains, ce livre invite à voir en couleur et en grand que tout est possible dès lors qu’on n’arrête pas d’y croire.

De ses prestations en direct lors de grandes rencontres sportives (GP de F1 de Monaco, HSBC Golf Championship d’Abu Dhabi), des Art Fair de Miami et des Emirats Arabes Unis en passant par les hôtels les plus prestigieux de Hawaï, Tokyo et des Seychelles, le récit plonge les lecteurs au cœur de la vie et des créations de Rémi et le rend captivant de la première à la dernière page.

Paru le 1er décembre.

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Une sortie très attendue par les amateurs d’art, de voyages et de sports

Les trois premiers volumes de 180 pages de la série “Art” de Rémi Bertoche, publiés en 2002, 2004 et 2007 ont connu un beau succès dans le monde entier. Ils ont ainsi été traduits en français, anglais, espagnol et japonais pour toucher une audience internationale.

Mais depuis le dernier volume publié il y a plus de dix ans, il s’est passé beaucoup de choses !

Cette aventure pleine de rebondissements est racontée dans ce volume 4.

Il était une fois, la suite d’une belle histoire, d’une inspiration prenant sa source au cœur des océans. Des icebergs aux barrels translucides, des îles où il fait chaud, très chaud, de la jungle sauvage, urbaine, aux tapis rouges des événements de prestige.

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La sortie du livre était très attendue, comme l’a montré le succès de la campagne de financement participatif sur KissKissBankBank avec plus de 200% du projet financé.

Ce nouvel ouvrage, à paraître en décembre, contient 272 pages en couleur d’œuvres d’art, de live painting et de photos d’ambiance retraçant le parcours de l’artiste. Il y a aussi tout l’envers du décor : les touches qui ne prennent pas, les paris perdus, ou au contraire tous les détails de folles péripéties qui le conduisent par exemple à peindre devant et pour le Roi du Bahreïn une gigantesque fresque de 15 m² le représentant sur son cheval …

Rémi Bertoche, un artiste contemporain au parcours atypique

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Rémi Bertoche a déjà eu plusieurs vies. Né le 21 Décembre 1977 à Biarritz, il a grandi dans les Landes, et il a installé son atelier à Seignosse depuis 10 ans.

Mais il a aussi été Pro surfer sur le WQS (World Pro Surfing Tour) entre 1998 et 2007, créateur d’une revue (Freegolf / Freesurfing magazine) et co-fondateur de “Le salon des Glisseurs” en 2010 (renommé ” Glissexpo ” en 2012) .

Rémi est surtout un artiste “No Limit” qui considère que rien n’est impossible. Mieux : plus le challenge semble difficile à relever, plus il a envie de le faire ! Il foisonne d’idées nouvelles, sans cesse à la recherche d’un moyen pour surfer sur les obstacles. Rémi vise toujours plus haut, toujours plus loin, et il ne se satisfait jamais d’un petit résultat.

Aujourd’hui, il est référencé sur le marché de l’art chez ARTPRICE et AKOUN. Une toile d’1m x 1m signée Rémi Bertoche est estimée à 15 000 €.

Un extrait de la préface d’Alain Gardinier

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« Rémi Bertoche vit pour et avec l’élément liquide qu’il exprime en couleurs ou en noir et blanc sur de magnifiques grands formats. C’est cette existence de folie, ces surf trips dans la glace ou au bord du désert, ces créations folles dans des lieux plus extravagants les uns que les autres et sur tous les supports existants (toile, papier, murs, blockhaus…) qu’il raconte aujourd’hui dans ce Tome 4 de ‘Remi Bertoche Art’ : 272 pages d’art mais aussi d’aventures et d’anecdotes hallucinantes vécues par un personnage résolument hors du commun. Il y a des artistes et il y a … Rémi Bertoche. »

Rencontrer l’artiste pour une dédicace du livre

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Suite au lancement du livre le 1er décembre, Rémi Bertoche est présent tous les Samedi de décembre de 13h à 19h pour échanger avec son public, présenter son livre et ses œuvres, dédicacer ses ouvrages…

Sur rendez-vous.

Informations pratiques

  • “ART Volume 4″ de Rémi Bertoche
  • 272 pages
  • Livre couleur
  • Couverture rigide
  • Format 60 x 21,5 cm ouvert
  • Tarif : 49 €

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20191115130952-p3-document-nvxr.pdf

Site web : https://www.bertoche.com/

La boutique des reproductions : https://www.bertoche.com/10-tableaux

Facebook : https://www.facebook.com/remibertoche/

Instagram : https://www.instagram.com/remibertoche/?hl=fr

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/donald-carre-20b61b57

Théâtre de la coupe : une pédagogie ludique et corporelle du théâtre par l’improvisation

Ré-volutionnairement enfantin !

« Le texte, au théâtre, c’est encore ce qu’il y a de moins important. » – (Ne réveillez pas Madame) (source)

Si le dramaturge l’a dit, c’est au théâtre de la coupe que l’on peut s’en rendre compte.

Par la méthode Gulu Monteiro, le théâtre de la coupe a à cœur de faire travailler les acteurs non plus à partir d’un texte, mais à partir du corps, des sens, des émotions. En effet, la technique du jeu dispensée est une pédagogie enfantine, ludique, corporelle.

La créativité prend alors tout l’espace, jusqu’à ce que le cogito ergo sum de Descartes s’inverse : je suis, donc je pense. Le théâtre de la coupe propose ainsi de laisser les costumes pendus en coulisses pour offrir au spectateur comme à l’acteur, une mise en abîme de soi-même au rythme des gestes et des mouvements d’un corps libéré.

La rencontre entre amateurs et professionnels, entre deux corps d’une manière plus générale, encourage aussi le plaisir de jouer et de composer avec l’Autre. Improviser avec Soi, comme avec l’Autre, c’est être tout à la fois dramaturge, metteur en scène, scénographe, et acteur pour développer l’écoute et l’échange, pour proposer une performance de et sur l’instant.

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Partir à la (re)découverte de son Soi grâce à une approche du théâtre innovante

Au théâtre comme dans la vie, le texte n’est pas le plus important. Le regard, la gestuelle, la façon de se mouvoir, les expressions du visage… notre corps est notre premier outil de communication.

Les neurosciences montrent d’ailleurs que le corps, ainsi que les sens et les émotions, joue un rôle déterminant dans les prises de décisions et dans l’empathie.

Jeanne Gounod, actrice, metteuse en scène et auteure au théâtre de la coupe souligne :

Le moindre mouvement d’une partie de corps transforme la relation entre plusieurs individus.

C’est pour cela que le théâtre de la coupe a développé une approche totalement inédite qui mixe :

  1. une pédagogie innovante : utilisation d’une technique théâtrale mêlant le clown, le mime et la danse
  2. une nouvelle pratique permettant de redécouvrir son Soi : élaborée par le metteur en scène Gulu Monteiro, très connu aux USA et en Grande-Bretagne, cette méthode de construction de personnages révolutionnairement enfantine permet au corps de leurrer le cerveau et obtient des résultats véritablement époustouflants (ils ont été observés par le neuro-scientifique Antonio Damasio, auteur du livre « L’erreur de Descartes »).

Depuis sa création en 1994, le théâtre de la coupe a toujours gardé la même ligne artistique, à la fois réaliste et burlesque : “Pour un détail parfois subtil la vie devient du sport”.

Jeanne Gounod présente cette philosophie dans cette vidéo :

Fille de migrants (pieds noirs d’Algérie), Jeanne a grandi dans l’affection du croisement des cultures. Elle considère que c’est d’abord le non-dit qui fait culture et société. Depuis 1998, elle a d’ailleurs lu et analysé de nombreux ouvrages autour du savoir-vivre.

Son dernier projet à produire en est la parfaite illustration : le “Championnat de la Vie Quotidienne” est sans paroles. Il porte sur le thème du “vivre ensemble” car dans le quotidien, comme chacun d’entre nous a pu en faire l’expérience, le moindre geste ou regard peut avoir des conséquences… spectaculaires !

Se divertir pour apprendre et penser par le corps

Le théâtre sans texte écrit, sous forme d’improvisation, est de plus en plus populaire en France. Mais parmi les compagnies existantes, il n’y a que le théâtre de la coupe qui propose une pédagogie ludique, corporelle, accessible à tous quel que soit son niveau (de l’amateur débutant à l’acteur professionnel) et qui permet l’aisance relationnelle en se passant pratiquement de paroles.

Son credo : pour apprendre, il est fondamental de découvrir et d’expérimenter en s’amusant !

Les acteurs laissent ainsi la parole à leur corps afin de :

  • savoir choisir des gestes ou des actions qui sortent du mimétisme ou du convenu,
  • être AVEC : être en relation à avec soi-même, en présence face à ses propres ressentis, à l’autre et aux autres,
  • développer son empathie,
  • considérer qu’un rien peut créer un événement.

Focus : la rencontre entre amateurs et professionnels

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A ce jour, le théâtre de la coupe n’a créé et diffusé que des succès. A titre d’exemple, il faut savoir que l’avant-dernier spectacle a donné lieu à 154 représentations et qu’il a été tourné en moyen métrage vidéo !

Agréé Jeunesse et Education Populaire en 2012, il présente une véritable particularité : depuis 2009, il organise des ateliers de théâtre qui réunissent 20 acteurs professionnels corporels et bilingues avec des amateurs de 6 à 86 ans.

Même son bureau est composé en majorité par des amateurs formés par le théâtre de la coupe !

Ces échanges entre professionnels et amateurs de tous âges alimentent le développement de tous les projets, et notamment le “Championnat de la vie quotidienne” qui s’articule en 9 volets dont :

  • un atelier d’écriture à l’étude à la DGESCO (Éducation nationale),
  • un atelier de vivre ensemble, subventionné par la Direction Régionale de la Jeunesse, des Sports et de la Cohésion Sociale d’Ile-de-France
  • une formation (“Du sens du détail à l’histoire sans parole : un jeu d’enfants pour mieux vivre ensemble”)
  • un projet audiovisuel, à l’UNESCO

Parce que plus les acteurs sont nombreux et différents, plus la création est amusante et passionnante !

Tour d’horizon des différentes prestations proposées par le théâtre de la coupe

Le théâtre de la coupe propose plusieurs stages, ateliers, sessions de team building… autour de l’improvisation :

  • Actions périscolaires de théâtre improvisation, sur 6 à 12 semaines ou un an : le Championnat de la Vie Quotidienne (initiation au théâtre sans parole et sensibilisation au sens du mouvement dans une relation avec un thème d’improvisation unique : une chaise, deux individus) et GPS/Passe-Partout (ateliers bilingues, interculturels, sur un principe d’improvisation innovant)
  • MOIDABORD et les TOIDABORD : à partir de 6 ans, pendant un trimestre et demi ou un an, ces ateliers sont constitués d’une initiation au théâtre et de rencontres improvisées entre deux équipes de grands sportifs du quotidien, les MOIDABORD et les TOIDABORD, deux contrexemples éducatifs joués alternativement par chaque acteur
  • Ateliers d’écriture
  • Concours
  • Atelier de vivre ensemble : pour tous les publics, jeunes ou adultes (12 à 16 participants), cet atelier permet d’apprendre à faire des choix de gestes dans un contexte précis (car pour être en empathie, il faut savoir ce que l’on vit soi-même)
  • Formation pour les professionnels du spectacle (du sens du détail à l’histoire sans parole : un jeu pour vivre ensemble)

Pour en savoir plus

Site internet : http://www.tdlc.biz/

11 et 12 juin 2016 : deux journées pour découvrir un artiste français atypique reconnu à l’international

Jeremie Baldocchi ouvre les portes de son atelier parisien ! 

Robert Bartoux, fondateur des galeries Bartoux, regrette dans le journal la Tribune du 12 mars 2015 que “trop peu d’artistes franc?ais aient une visibilite? internationale”. 

Jeremie Baldocchi fait plutôt le chemin inverse… Après avoir exposé dans le monde entier (Madrid, Venise, Londres, Miami, New York, Singapour, Hong-Kong….), il a décidé d’ouvrir les portes de son atelier parisien au public.

Cet artiste peintre contemporain ne fait pas dans la demi-mesure. Comme les Maîtres qui l’ont influencé (Francis Bacon, Voutch, Lucian Freud, Ray Caesar…), il est attiré par les extrêmes. Il préfère le verbe “adorer” à “aimer”, il veut des choses “immenses” plutôt que simplement “grandes”.

Il a commencé par dessiner des personnages particulièrement maigres. Puis, contrairement à lui, ils se sont mis à grossir. Reflets de la perception que l’artiste a de son propre corps, la plupart d’entre eux sont devenus énormes. Et sans têtes.

Ses créations, résolument figuratives, ont rencontré très vite un écho important dans la presse et dans les médias. Les galeristes ont suivi et son travail est désormais exposé dans les lieux les plus prestigieux à l’international. Les amateurs d’art et les professionnels du secteur apprécient l’originalité de ses œuvres et la précision dans l’exécution.

Autant dire que l’ouverture de son atelier d’artiste peintre à Paris est un véritable événement qui sera l’opportunité pour le public de découvrir son travail de près mais aussi l’occasion pour le peintre de rencontrer son public, qu’il soit néophyte ou simple curieux !

Pour ceux qui le suivent depuis plusieurs années, pour les collectionneurs et pour les amateurs d’art, Jeremie Baldocchi organise deux journées portes ouvertes, les 11 et 12 juin 2016.

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Jeremie Baldocchi, un artiste atypique

Jeremie Baldocchi ne fait rien comme les autres.  Il sort du cursus scolaire classique à 16 ans pour rejoindre la section graphisme de l’Institut professionnel des métiers de la décoration.

C’est à la suite d’un exercice donné par son professeur sur le thème de l’accident que, ne sachant pas quelle tête apposée sur le corps de ses personnages, il décide de ne pas les en doter – une non-représentation des têtes remarquée et applaudie par son professeur, qui marqua le début des corps sans tête.

Plus tard, suite à un problème dentaire, il subit une opération qui l’oblige à rester la bouche fermée pendant sa convalescence. Il perd 40 kilos. Cette transformation physique rejaillit sur sa création : il devient obsédé par les déformations et les difformités du corps. 

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A la même période, il subit deux accidents graves à six mois d’intervalle qui lui feront perdre 50% de sensibilité de deux doigts de la main gauche et une partie de la sensibilité de ses genoux. Ces personnages suivent son évolution physique : eux-aussi auront désormais les genoux cagneux.

D’expositions en expositions, Jeremie Baldocchi se fait connaitre en France mais aussi à l’international : Venise, Rome, Bruxelles, Londres, Miami, Seattle, New-York, Taïwan, Japon, Floride, Canada, Espagne….

En 2012, il obtient le 1er prix d’Art du Musée d’Art Contemporain en Floride (The Florida State University Museum of Fine Arts).

Une technique de précision très peu répandue : le collage

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L’artiste explique :

Je découpe des formes sur différents supports ou que je crée moi-même. Je les assemble sur une toile pour ensuite y apposer de la peinture acrylique et de l’encre. L’ensemble est ensuite unifié avec un vernis.

L’originalité des oeuvres de Jeremie et la précision de son travail est saluée par les professionnels et par tous ceux qui aiment l’art.  Il a par exemple été le “coup de cœur artistique” de la chanteuse Elsa Lunghini lors de l’émission “Thé ou Café” sur France 2.

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Là où Jeremie sera…

L’on pourra retrouver l’artiste :

  • au Salon ArtExpo à New-York (Etats-Unis) du 14 au 17 avril 2016,
  • à la vente aux enchères organisée par le musée Mola, à l’atrium de TF1, les 3 et 4 juin 2016,
  • sur l’affiche des salons de l’Hôtel de ville de Paris (Le Festival du Futur Composé) le 17 mai 2016,
  • et sur la commande d’une oeuvre pour la collection permanente du Musée Copelouzos Art à Athènes (Grèce) en mai 2016.

…les grandes expositions collectives auront lieu

Les amoureux du travail de Jeremie Baldocchi seront ravis de découvrir aussi de nouvelles créations à l’occasion de deux expositions collectives très importantes :

  • Exposition collective au Centre Barbara (1 rue Fleury, 75018 Paris) du 10 juin au 4 juillet 2016
  • Exposition à la Galerie Thuillier autour du thème “A la manière de Picasso” du 8 au 21 juillet 2016

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Pour en savoir plus

Le site web de Jeremie : http://www.jeremiebaldocchi.fr

Son blog : http://www.jeremiebaldocchiblog.com


Contact Presse

Jeremie Baldocchi

Tel : 06 88 54 59 53

E-mail : jeremiebaldocchi@yahoo.fr

Pauzzle, le jeu en ligne pour les passionnés d’art et du puzzle

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Ringard le puzzle ? Certainement pas. Cette vieille passion française se décline aujourd’hui en ligne, et le nombre de ses adeptes est en progression constante.

Plus besoin de faire de la place sur son bureau, d’enfermer les enfants dans leur chambre, de partir à la recherche d’une pièce sous le tapis. Il suffit désormais d’un ordinateur connecté à Internet pour s’offrir une pause ludique.

Essayez : cliquez www.pauzzle.fr !

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Un musée en ligne

Ce site internet offre un musée à domicile aux amateurs de puzzles, d’art, et de peinture.
Monet, Van Gogh, Renoir, Cézanne, Burn-Jones, le Greco, Goya… Pauzzle propose 2500 œuvres à reconstituer depuis son écran. Les plus belles peintures de la Renaissance jusqu’aux impressionnistes sont d’ores et déjà réalisables. Mais aussi des cartes anciennes, des enluminures persanes ou des estampes japonaises.

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Philippe Chevalier, le fondateur de Pauzzle.fr, a longtemps été peintre avant de devenir expert en développement informatique. Pour lui, Pauzzle est un jeu idéal pour comprendre une œuvre dans tous ses détails:

Quel meilleur moyen de découvrir un tableau que de le faire en puzzle? On apprécie ses lignes et ses couleurs, on scrute chaque coup de pinceau !

Il ajoute :

Pauzzle est un avant tout un jeu, mais c’est aussi un outil éducatif pour initier les enfants à l’art, leur apprendre à se concentrer. Un remède contre l’isolement et l’ennui des personnes âgées. Un moyen de promotion pour de jeunes artistes souhaitant montrer leurs travaux… En termes d’utilisation, les déclinaisons sont infinies.

Un jeu sophistiqué pour les passionnés

Chaque tableau est proposé au découpage en 48, 108, ou 192 pièces, avec ou sans rotation, ce qui laisse à l’utilisateur le choix de 6 combinaisons possibles pour lancer sa partie.

La “pause puzzle” peut ainsi durer dix minutes… ou dix heures, selon le choix du joueur et la difficulté du puzzle.

Sans téléchargement ni installation, Pauzzle.fr s’adapte à toutes les tailles d’écran. De l’ordinateur Mac ou PC jusqu’à la tablette, avec la souris ou sur écran tactile, la partie engagée peut se sauvegarder à la pause au bureau et se reprendre le soir chez soi sur une tablette.

Philippe Chevalier ajoute :

Il existe d’autres jeux de puzzle sur Internet, mais Pauzzle.fr se distingue par la simplicité de son utilisation, la fluidité et l’esthétisme de son jeu complètement en ligne, et le très grand choix de puzzles de qualité. Et pas de pub !

La société Puzzle Michèle Wilson, plus grand fabricant de puzzles en bois en France, ne s’y est pas trompée : elle est associée au projet depuis ses débuts.

3 formules, 4 abonnements et encore plein d’idées

Pauzzle.fr propose trois formules donnant accès à un certain nombre d’options. En fonction du statut choisi, chacun trouvera son plaisir sans jamais avoir besoin de télécharger d’application.

logo_navJoueur non connecté : entièrement gratuit et sans inscription préalable, le joueur trouve directement les puzzles « Free » à constituer et joue immédiatement. Pas de complication. 1 clic depuis la page d’accueil suffit à lancer sa partie.

logo_navJoueur visiteur : par une simple inscription avec une adresse email valide, la sauvegarde simultanée de 3 parties de puzzle en cours de réalisation est déjà possible. Cette inscription permet également de pouvoir archiver les 30 derniers puzzles terminés.

logo_navJoueur abonné : l’abonnement donne accès à toutes les fonctionnalités de Pauzzle.fr : les 2 500 puzzles deviennent disponibles avec la possibilité de sauvegarder jusqu’à 21 parties en cours et d’archiver sans limites les puzzles terminés.

Il est possible de s’abonner pour 1 mois, 3 mois, 6 mois ou 1 an avec des prix dégressifs selon la durée.

De nombreuses autres fonctionnalités sont dans les cartons. Les abonnés pourront bientôt partager leurs photos à faire en puzzle, participer à des concours de vitesse inter-joueurs, jouer off-line, etc.

Très prochainement, l’ensemble de la peinture mondiale sera disponible en open-source et sera réalisable en puzzles. Pauzzle sera également ouvert sous peu aux artistes contemporains souhaitant présenter leurs travaux à la communauté afin de les réaliser en puzzle.

 

Un artiste peintre à l’origine de Pauzzle.fr

20150913123312-p2-document-tqnzPhilippe Chevalier est un Parisien émigré à Bordeaux depuis une dizaine d’années. Il a suivi des études artistiques à l’ENSAD de Paris. Designer de meubles dans un premier temps, puis artiste peintre, il commence à sérieusement s’intéresser à l’informatique dès les années 1990, afin de faire évoluer ses travaux artistiques.

Entièrement autodidacte, c’est vers la programmation que Philippe se dirige ensuite. Depuis maintenant plus de 20 ans, la conception et le développement de cd-roms, les sites internet et les applications web n’ont plus de secrets pour lui.

Philippe ajoute :

Je m’intéresse à l’ergonomie et à l’expérience utilisateur depuis de nombreuses années déjà. Les récentes technologies d’Internet permettent maintenant d’être très inventif dans ce domaine. Pauzzle s’applique à rendre l’expérience utilisateur la plus conviviale possible.

Pauzzle.fr est la cinquième société que Philippe Chevalier a créée à ce jour, et il n’entend pas s’arrêter là…

Pour en savoir plus

Site internet : http://www.pauzzle.fr

Site Philippe Chevalier : http://www.philippechevalier.com

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/philippechevalier1

Contact presse

Philippe Chevalier
Email : philippe@chevalier.pro
Téléphone : 06 71 63 84 05

Arts-Florence : l’artiste française reprend ses pinceaux à la demande de ses clients !

Florence Jacquet, une artiste Made in France

Avec un bond de 17 % au premier semestre 2014, le marché de l’art mondial ne s’est jamais aussi bien porté.  Selon le Figaro (source), ” l’intérêt pour l’art, au-delà du plaisir, s’explique en partie par la plus grande accessibilité du marché via Internet. “

Ce n’est pas Florence Jacquet qui dira le contraire ! Cette artiste atypique avait momentanément interrompu son activité artistique pour des raisons de santé. A la demande des amateurs d’art et des collectionneurs, elle reprend désormais ses pinceaux et crée des œuvres toujours plus inventives.

Elles sont toutes disponibles à la vente sur son site qui sera prochainement complété par une boutique en ligne.

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Une œuvre cohérente, riche en références

Il y a toujours une touche personnelle, intime, dans les tableaux et les fresques d’Arts-Florence.

Mes œuvres racontent ma vie, et même la vie en général.  Les couleurs, le regard, les expressions du visage… véhiculent des émotions qui font écho au ressenti de chacun d’entre nous.

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Alexandra, fresque sur enduit Dimensions : 50 cm (hauteur) x 40 cm (largeur)

Il y a un cheminement, une petite histoire qui se raconte d’œuvre en œuvre.  Certains chercheront (et trouveront) ce fil conducteur. D’autres préfèreront se laisser porter par la beauté et la magie des peintures nées au gré de l’imaginaire de Florence.

Le travail d’Arts-Florence s’inspire de différentes influences, qu’elles soient artistiques (pop art, bande dessinée…) ou historiques (la civilisation Inca, l’Égypte Ancienne,…), et sa maîtrise technique lui permet de jouer avec les styles. Le moderne et l’ancien se répondent au gré des créations.

La Rêveuse - Acrylique sur toile - Dimensions : 94 x 80 cm

La Rêveuse – Acrylique sur toile – Dimensions : 94 x 80 cm

Focus : la délicatesse des fresques sur enduit

Pour réaliser une fresque sur enduit, il faut être capable de réaliser un travail tout en délicatesse et en finesse. Chaque étape de la création demande une grande précision. Le panneau de bois est imprimé puis enduit. Avec la lame du couteau, Florence dessine des craquelures dans l’enduit frais. Ensuite, elle trace et elle peint. La fresque sur enduit est alors passée à la cire d’abeille pour être imperméabilisée.

Florence Jacquet, une artiste atypique aux multiples facettes

L’artiste précise :

Je refuse de me laisser enfermer dans un style !

Artsflorence -une artiste made in france

Florence Jacquet est une artiste dans l’âme. Enfant, la peinture et le dessin l’attirent déjà. Elle commence par apprendre toute seule, en autodidacte. Son goût pour l’esthétique et l’art est complété dès l’adolescence par une passion pour l’histoire et l’architecture.

Elle aime ce qui est beau et elle veut créer ses propres œuvres. Pour aller plus loin et pour se perfectionner, elle poursuit plusieurs formations  (l’Ecole d’Art et de Communication visuelle, l’école D’Arts décoratifs / peintre en décors).

Florence travaille ensuite dans la communication et la publicité. Elle est aussi décoratrice d’intérieur et créatrice d’œuvres d’art. Cette femme de caractère, débordante d’énergie, mène plusieurs vies en une mais elle trouve quand même le temps de voyager tout autour du monde. Elle découvre l’Asie, l’Europe et l’Amérique du Sud. Florence se nourrit des légendes et des civilisations qui ont bercé l’histoire des peuples.

Suite à des ennuis de santé, elle est contrainte de mettre sa carrière artistique en suspens. Elle en profite pour remettre sa vie à plat et s’interroger par ses priorités. Face à la demande, Florence décide alors de reprendre ses pinceaux pour se consacrer à ce qu’elle aime : la création artistique.

Le succès est au rendez-vous ! Elle est déjà présente dans le gros livre des artistes contemporains et elle se prépare à lancer son propre e-commerce pour vendre ses tableaux et ses fresques sur enduit.

Contact Presse

Venez voir les œuvres de Florence et rencontrer l’artiste ! (sur rendez-vous)

Arts Florence
Florence Jacquet
E-mail : contact@artsflorence.fr
Tel : 09.52.37.69.41
Site web : www.artsflorence.fr
Facebook : https://www.facebook.com/pages/Arts-Florence/297147613788301

Benoist Lagarde : le sculpteur céramiste ouvre son atelier d’artiste au public !

Benoist Lagarde : la céramique dans tous ses états

Vous habitez en Ile-de-France ? Parmi les endroits insolites à découvrir et à faire découvrir, qu’y a-t-il de plus intéressant qu’un atelier d’artiste ? C’est un univers foisonnant de beauté, de savoir-faire et de créativité.

Pour vous en convaincre, il vous suffit d’aller visiter l’atelier et l’espace Benoist Lagarde à la Cour des Arts de Vauréal en plein coeur du Val d’Oise ! Au programme : des démonstrations de céramique, une exposition-vente de pièces uniques, des visites d’atelier, des cours et des stages de céramique et surtout un échange inoubliable avec un véritable artisan d’art.

Instants magiques garantis !

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L’espace Benoist Lagarde : un lieu d’échange et de découverte convivial

Dans son espace, Benoist Lagarde crée à la main des pièces uniques en artisanat d’art : des sculptures, des pieds de lampes, des bijoux, des coupelles, des vases…. Il n’utilise jamais de tour : 2 ou 3 outils lui suffisent.

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Sa marque de fabrique : la technique du nériage, que l’on appelle aussi technique des “terres  mêlées“.  Le résultat est bluffant car les faïences de couleurs différentes se mélangent pour former une pièce unique.

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Vous y trouverez à coup sûr le cadeau qui fera plaisir pour les fêtes de fin d’année ! Et les créations sont toutes 100 % Made in France.

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Son atelier est plus qu’un simple atelier d’artiste : c’est un lieu d’échange et de partage, en tout convivialité.  Les visiteurs qui viennent découvrir son travail peuvent discuter directement avec lui et se procurer des œuvres originales ou participer à des cours de céramique. En effet, toutes les pièces sont fabriquées sur place et c’est également Benoist Lagarde qui anime les formations (cours et stages destinés aux débutants et aux confirmés).

Benoist Lagarde, un Sculpteur céramiste passionné

2L’amour de l’art s’est imposé dans la vie de Benoist Lagarde comme une évidence.  Étudiant, il se forme aux Beaux-Arts d’Orléans à l’étude des “antiques” puis il va se spécialiser vers le dessin en noir et blanc et la perspective géométrique. Son diplôme en poche, il continue de créer sans relâche, même lorsqu’il mène de front une carrière professionnelle qui le conduit à devenir notamment responsable des Ressources Humaines dans un grand groupe d’assurances.

Avide d’apprendre, il continue à se former durant plusieurs années aux Arts & Métiers à Paris.  Fort de ce savoir-faire, il quitte le salariat pour devenir ce qu’il est vraiment : un artiste à temps plein. Il se lance alors dans la sculpture, le modelage et le tournage en fréquentant l’ancien atelier Matisse à Paris. Il y perfectionne ses connaissances techniques puis il rejoint des ateliers parisiens réputés en céramique. En parallèle, il passe un diplôme qui lui permet d’enseigner les arts plastiques.

1Il a alors envie d’ouvrir son propre atelier. Benoist découvre alors le projet du Comité d’Expansion Economique du Val d’Oise : la création d’un pôle d’artisanat d’art à Vauréal. Il a un véritable déclic ! En 2008, il peut enfin se lancer et ouvrir son propre espace à la Cour des Arts de Vauréal Village.

Son savoir-faire est désormais reconnu et plébiscité. En 2014, il a notamment participé aux Salons d’artisanat d’art et au Salon des Métiers d’art  de Conflans-Ste-Honorine, Maison-Lafitte, à des expo-ventes et à des animations au Parc Astérix, en Bretagne (une cinquantaine de salons), et à une exposition à l’Office du Tourisme de Cergy Pontoise…..

Contact Presse

L’idéal est de nous appeler au 01 34 22 03 88 ou au 06 08 77 64 06 pour vous assurer de notre présence à l’atelier.

Nos horaires d’ouverture :

Mercredi et Jeudi : de 10h à 18 h
Samedi : de 12h à 18h
Dimanche  : de 15h à 18h (pendant les fêtes de fin d’année, la fête de la musique, ainsi que les journées du patrimoine, et enfin les journées européennes des métiers d’art)

Benoist Lagarde Sculpteur céramiste
8 rue nationale la cour des arts
95490 Vaureal
Espace Benoist Lagarde : www.espacebenoistlagarde.com

Esprit de l’Eau : une installation visuelle et musicale qui célèbre la beauté de l’eau

Esprit de l’Eau : un pur moment de grâce et d’évasion

Dans un rapport d’août 2010, la Commission Européenne tire la sonnette d’alarme et estime que “l’Europe est en train d’épuiser ses principales ressources en eau” (source). A l’échelle de la planète, le constat est le même : par inconscience ou par avidité, l’être humain dilapide cette denrée dont il a pourtant besoin pour vivre. Préserver la richesse de notre cadre de vie est aussi un réflexe salutaire.

Très consciente de ces enjeux, l’artiste Catherine Ablon a imaginé une installation visuelle et musicale pour sensibiliser le grand public à la beauté de l’eau. Très éloignée des discours scientifiques ou dogmatiques souvent présent dans les médias, elle a choisi l’approche artistique pour éveiller les consciences de chacun d’entre nous.

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“Esprit de l’Eau” : une ode visuelle et musicale à la beauté de l’eau

20140731095542-p4-document-pgyy“Esprit de l’Eau” est la rencontre entre ces deux arts complémentaires que sont la musique et la photographie.  Créée en mars 2014, cette exposition en itinérance dans le Loiret offre une approche inédite de notre bien le plus précieux à tous : l’eau.

Les clichés invitent à l’imaginaire et à un éveil sensoriel. Chacun est touché en profondeur par la grâce et la beauté de ce cadeau de la nature.

Volontairement “picturales”, grâce au choix d’une distance précise entre la macro et le paysage, les photos de Catherine Ablon vont bien au-delà de la simple représentation des eaux bleues de Tavers. Elles rendent visibles l’esthétique et la rareté d’un environnement et d’un cadre de vie naturel à protéger, sans jamais chercher à adopter un angle moralisateur.

La musique vient accompagner et sublimer le parcours initiatique du spectateur.

Les chants ne servent pas un discours “prêt-à-penser”.  Ce sont seulement les voix des Néréides, personnages mythiques habitant les eaux de la planète et s’exprimant dans une langue inventée, qui délivrent une émotion et un cri intérieur.

Catherine Ablon, une artiste photographe ET musicienne

Derrière “l’Esprit de l’Eau”, il y a une artiste talentueuse et atypique : Catherine Ablon est à la fois une photographe et une musicienne reconnue.

Au départ, il y a la musique : elle apprend le piano dès l’âge de 5 ans, puis elle découvre la guitare à 14 ans. Elle étudie l’harmonie et la composition. Mais cela ne lui suffit pas : la photographie est aussi un support qui la fascine et dans lequel elle excelle. Elle travaille durant 9 ans pour l’entreprise Traphot et réalise des clichés pour des clients aussi prestigieux que la Galerie Maeght ou Connaissance des Arts.

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En 1995, elle revient à ses premières amours en créant sa propre école de musique et de chant en collaboration avec Marie Dubois et Didier Loquin : VOCIS VIA à Montrouge (Hauts-de-Seine).  Depuis près de 20 ans,  elle se consacre au chœur d’adultes en harmonisant un répertoire très étendu, qui va de la musique médiévale au Gospel.

De passage dans le Loiret, elle a un véritable coup de cœur pour un site magnifique : les eaux bleues à Tavers. C’est une petite étincelle qui fera naître une grande idée : celle d’associer ses 2 passions, la musique et la photographie, le temps d’une exposition. Les clichés qu’elle prend vont lui inspirer la création d’une musique qu’elle compose dans la foulée.

L’installation visuelle et musicale “Esprit de l’Eau” vient de voir le jour….

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Comment assister aux expositions de l’ “Esprit de l’Eau”?

Sortez vos agendas !

Pour partager un moment d’émotion autour de la beauté de l’eau, vous avez plusieurs possibilités :

  • En août : l’Esprit de l’Eau est exposée au Château de Trousse-Barrière à Briare (45)
  • Le samedi 16 août : un concert exceptionnel et gratuit aura lieu à Briare à partir de 17 heures pour découvrir “en live” la musique composée pour l’exposition
  • Le dimanche 24 août à 17 heures, à Briare : rencontrez Catherine Ablon en participant à la séance de dédicace du livre -CD “Esprit de l’Eau”
  • Le vendredi 12 septembre à 17h30 à Beaulieu-sur-Loire (45) : vernissage de l’exposition qui durera 1 mois

Profitez-en car l’exposition souhaiterait ensuite s’envoler à Paris et à l’étranger, et notamment au Canada et en Norvège (ces deux pays sont très sensibles aux questions liées à la protection de l’environnement).

Si vous n’avez pas la chance de pouvoir vous rendre dans le Loiret, ou si vous voulez revivre la magie de “l’Esprit de l’Eau”, vous pouvez vous procurer des tirages photos et le livre-CD de l’exposition ici  : www.esprit-de-leau.com

Contact Presse

Marie-Françoise Dubois

E-mail : mi_dubois@yahoo.fr

Tel : 06 18 07 48 07

Site web : www.esprit-de-leau.com

Beautés sauvages, une exposition qui sort de sa réserve jusqu’au 21 septembre à la Chapelle Notre Dame de Consolation d’Aix en Provence

Jusqu’au 21 septembre 2014, le Museum d’Histoire Naturelle d’Aix en Provence sort de sa réserve et expose Chapelle Notre Dame de la Consolation les oeuvres du peintre et sculpteur animalier Aurélien Raynaud. Un voyage hors du temps, un hymne au monde animal.

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L’artiste Aurélien Raynaud métamorphose une chapelle en arche de Noé

Poussez les portes de la Chapelle Notre Dame de la Consolation d’Aix en Provence, fermée depuis une vingtaine d’années, et laissez-vous submerger par la magie de l’exposition Beautés Sauvages. De par l’atmosphère majestueuse de cette ancienne chapelle, la mise en scène et les talents de l’artiste, Beautés Sauvages propose aux visiteurs un voyage hors du temps, en un univers où chaque oeuvre semble sur le point de prendre vie. Véritable hommage à la nature et au monde animal, le travail d’Aurélien Raynaud, témoigne de l’immensité qui nous entoure, et nous mène en un cheminement intérieur, là ou l’animal touche ce qu’il y a de plus profond en nous.

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L’exposition présente également des collections d’animaux naturalisés et de paléontologie du Muséum d’Histoire Naturelle, misent en scène par l’artiste sur l’autel de la chapelle.

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Jane Goodall et des milliers de visiteurs

Honorée de la présence de Jane Goodall, la célèbre primatologue, éthologue et anthropologue britannique à l’occasion de son inauguration le 17 mai, l’exposition Beautés Sauvages remporte un grand succès auprès des petits et des grands, avec déjà 3500 visites à ce jour.

D’ailleurs, suite au succès remporté auprès des enfants, des ateliers de dessin, de peinture et d’animations éducatives seront organisés durant tout l’été de 14h à 16h.

Surprenante par sa scénographie originale et son lieu majestueux, l’exposition met en lumière la singularité et la diversité du travail de l’artiste animalier Aurélien Raynaud. A la fois peintre et sculpteur, il multiplie les supports utilisés, peinture, argile, bois, marbre, acier, papier, et plus récemment le ciment et le grillage et allie avec naturel techniques traditionnelles et formes contemporaines.?? Ses grands supports restituent au monde animal sa vraie dimension et révèle l’attachement et l’invitation de l’artiste à redevenir un enfant… Un enfant fasciné par l’immensité qui nous entoure.

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A propos d’Aurélien Raynaud

Né en Provence en 1970, Aurélien Raynaud interrompt sa scolarité à 14 ans, âge à partir duquel la nature et le monde animal deviennent l’essentiel de ses journées, un refuge, « une nécessité quotidienne », vers lesquels il reviendra invariablement. Encouragé par son père décorateur, il suit des cours particuliers de dessin et d’architecture. Cet enseignement classique influencera continuellement son travail, qu’il prenne successivement l’itinéraire de la peinture, ou de la sculpture. Avec une infinie curiosité pour la matière, l’artiste multiplie les supports, sans cesse à la recherche de renouvellement et de dépassement.

Et si Aurélien Raynaud consacre son art au monde animalier, ce n’est pas sans hasard… A l’âge de 20 ans, il recueille un jeune singe, qui lui est confié par les douanes, et qu’il gardera auprès de lui durant 13 ans. Cette relation unique imprègnera profondément son travail.

Le monde animal demeure ainsi pour lui une source d’inspiration inépuisable.?? Se tenant toujours à la lisière de l’allégorie et du message, pour dénoncer la souffrance du monde animal, ses oeuvres sont un plaidoyer pour la vie et son infinie richesse.

L’animal touche ce qu’il y a de plus profond en nous. Il s’agit de retrouver ce que nous avons perdu, plutôt que de chercher à tout humaniser. Apprendre à se laisser guider par une autre forme d’intelligence et reconquérir l’humilité qui manque à notre civilisation.

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Une exposition, quelle aventure !

Née de la rencontre entre le conservateur du Muséum d’Histoire Naturelle d’Aix en Provence et l’artiste animalier Aurélien Raynaud, Beautés Sauvages devait marquer le déménagement du Muséum et la perte de son lieu d’exposition en réalisant une toute dernière exposition, à la fois symbolique et d’ampleur, en leurs murs.

Mais le calendrier en a décidé autrement… Le Muséum devant quitter l’hôtel particulier Boyer d’Eguilles prématurément, le conservateur et l’artiste, soucieux de ne pas abandonner ce projet de collaboration et de sensibilisation, se sont mis à la recherche d’un nouveau lieu d’exposition.

L’artiste confie,

En dépit de la situation extrême dans laquelle nous nous trouvions, c’est la chapelle Notre Dame de la Consolation, n’ayant plus d’activité religieuse et fermée au public depuis une vingtaine d’années, et récemment rattachée à la direction des Musées, qui fut retenue pour ce qui allait devenir un vrai challenge. A savoir réinventer toute une exposition, sa scénographie et sa composition en l’espace de deux mois. Sans compter le fait que la Chapelle ne disposait d’aucun aménagement muséographique !…

Aurélien Raynaud a ainsi dû repenser tout le projet initial d’exposition à la lumière de ce nouveau lieu tout en veillant à respecter l’identité première de cette chapelle.?? Pari réussi avec cette arche de Beautés Sauvages !

Pour en savoir plus

Site web d’Aurélien Raynaud : www.aurelien-art.com

Page Facebook : https://www.facebook.com/wildlifeartaurelienraynaud?ref=hl

Informations pratiques

Chapelle Notre Dame de Consolation

Avenue Philippe Solari, Aix-en-Provence

Horaires d’ouverture :

10h-12H30 et 13H30-18h, fermé le mardi

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Renseignements : 06 63 60 51 14

Contact presse

Galerie Wildlife Art

18 rue Constantin, Aix en Provence 13100

Julienne Hugy 06 63 60 51 14

ART is LIGHT : Laissez l’art entrer dans votre quotidien avec les luminaires oeuvres d’art

L’art accessible à tous avec les luminaires – oeuvres d’art d’ART is LIGHT

L’art est-il trop cher et réservé à une élite ? C’est ce que semblent penser beaucoup de Français…. Pourtant, ils aiment l’art et la culture, comme le prouve le succès de la campagne de mécénat pour la restauration de la Victoire de Samothrace : avec des dons à partir de 1 €, et le plus fréquemment de 50 €, le Musée du Louvre a pu réunir la somme d’un million d’euros.

Alors comment amener l’art chez eux, pour qu’ils puissent en profiter au quotidien ?  La réponse est simple : par la lumière.

Isabelle Repiquet a inventé un concept original et innovant en créant des luminaires artistiques. Cette artiste renommée (elle a exposé à New-York, à Genève, à Hawaï, en Pologne…) a une approche totalement différente des galeries traditionnelles : elle désacralise l’œuvre d’art en la réinventant pour qu’elle s’intègre dans tous les lieux de vie.

Tout cet art en lumière dans mon quotidien est un grand plaisir pour mes yeux et mon âme, que j’ai la joie de partager avec tous ceux que je reçois chez moi. Tout le monde est déjà emballé à première vue, mais quand l’œuvre s’illumine, la magie opère… / Yolande Lair, Ivry-sur-Seine.

Les luminaires Art is Light

Depuis peu ART is LIGHT propose des luminaires à partir des œuvres d’Isabelle Repiquet qui  sont, dès à présent, disponibles dans la boutique et bientôt sur internet.

Très aisés à intégrer dans son intérieur et à des prix comparables à un bouquet de fleurs jusqu’à ceux de cadeaux prestigieux,  ces appliques, suspensions, lampes d’ambiance, lampadaires  à partir de reproductions numérotées avec certificat d’authenticité ou de pièces uniques retravaillées ou d’œuvres originales,  permettent une variété infinie de propositions … et d’idées cadeaux.

Au-delà des lampes et des tableaux, Isabelle crée également des projets sur mesure plus important comme les cloisons ou les plafonds lumineux.

ART is LIGHT : Un conseil sur mesure

Toutes les œuvres d’Isabelle sont imaginées, conçues et fabriquées sur place.  Et comme les envies et le lieu de vie de chaque client sont uniques, ART is LIGHT propose un conseil personnalisé.

A partir du catalogue de ses créations, ou des peintures et photos exposées dans son show room, Isabelle crée, propose, montre et réalise des installations et des objets d’art qui viendront transformer et embellir leur intérieur.

Son approche est totalement inédite dans le monde de l’art : après un rendez-vous chez les clients, durant lequel elle réalise des photos de l’espace à aménager, un montage 3D est réalisé afin de pouvoir prévisualiser l’intégration des œuvres dans les espaces de vie.

 

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Isabelle Repiquet, une artiste reconnue et solidaire

Diplômée du DSAP (Diplôme supérieurs d’Arts plastiques) aux Beaux-Arts de Paris en 1984, Isabelle Repiquet a exposé plusieurs fois par an en France et à l’étranger (New-York, Genève…).

En 2009, elle crée sa première cloison lumineuse pour la société X-Ange à Paris. Au vu du succès obtenu (son projet est sélectionné parmi plusieurs propositions), et constatant que sa cloison double face transforme le hall d’accueil de cette société en un espace unique et chaleureux, elle décide de créer ART is LIGHT.

En 2012, elle ouvre son propre show-room en appliquant les principes d’ART is Light : ce lieu est totalement réaménagé pour devenir un atelier, une galerie et un show room qui valorise les créations d’Isabelle et permet aux visiteurs d’imaginer le rendu dans leur intérieur.

Son concept séduit et elle intervient partout dans le monde : en juin 2013, elle a notamment créé sa première oeuvre en extérieur (tyvek indéchirable, imputrescible et imperméable, encre anti UV) sur la terrasse d’un particulier à New-York.

Son projet artistique est directement lié à sa démarche éthique : rendre l’art accessible au plus grand nombre. Elle collabore également avec des associations caritatives comme le RK Bienfaisance (Enfance et Livres) et le CAT (Services pour handicapés) de la Bastille à Paris.

Contact Presse

Découvrez l’univers d’Isabelle Repiquet en lui rendant visite dans son show room !

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Isabelle Repiquet

E-mail : repiquet@artislight.com

Tel : 09 53 92 11 08

Site web : www.artislight.com

Exposition d’Art à Paris Les Parures Khara Tuki accueillent deux artistes céramistes du 17 janvier au 28 mars 2014 Vernissage le 13 février

L’atelier-show-room Khara Tuki, situé au 2, passage du Grand Cerf à Paris, accueille deux artistes reconnus de la céramique.

L’exposition qui mêlera une fois de plus l’art de la parure et objets d’art, aura lieu du 17 janvier 2014 au 28 mars 2014, et un vernissage auquel vous êtes invités est prévu le 13 février de 18h à 21h.

Les artistes exposés

Thierry Luang Rath

Thierry Luang Rath a débuté son activité de potier en 1987. D’abord artiste céramiste autodidacte, il a suivi une formation en 1992-1993 pour parfaire sa technique de tournage.

Des milliers d’interventions sur un même bol sont nécessaires pour qu’il acquière une précieuse intemporalité tout en demeurant « objet usuel ». Il trace, sur la surface de ses bols, de grosses cupules, un maillage précis, une architecture complexe. Pour le regard attentif, il imprime à la matière bien plus qu’une simple ornementation. Plus qu’un traitement de surface, c’est toute la paroi du bol qui s’en trouve transformée jusqu’à l’intérieur, apportant une réponse à ce qui se fait au dehors.

Thierry Luang Rath ne se considère pas comme « un céramiste content pour rien », mais plutôt un potier exigeant.

Thierry Luang Rath travaille généralement l’argile de Treigny à laquelle il associe d’autres argiles à grès et produit plus rarement des pièces en porcelaine.

Il a délaissé la plupart des émaux de hautes températures qu’il utilisait pour n’en garder qu’un, « le bleu de fer », pour l’intérieur et la lèvre de ses bols. Car sa production, c’est essentiellement, la théière et le bol (le nom qu’il donnera à son nouvel atelier en 2005).

Depuis 2008, il se consacre presque exclusivement au bol. Ils sont tournés puis retravaillés frais (avant la « consistance cuir ») avec des outils de bois, bambou, formes de terre cuite ou encore de métal.

Prix

2012 prix du jury « Les Arts du Feu » Rennes

2013 participe au salon «  Révélations Grand Palais «

2013 prix du public «  Céramique 14 «  Paris 14°

Mich Eschenbrenner

Présentation

Diplômée des Beaux-Arts de Reims en 1952, Micheline suit une spécialisation en modelage, sculpture et dessin. C’est à ce moment-là que naît sa passion pour la terre sous l’influence de son professeur de modelage, Monsieur Bigeard qui lui apporte bien plus qu’une technique, une sensibilité à tout ce qui l’entoure.

Avec son mari elle s’installe dans la région stéphanoise et débute sa formation de céramiste par des stages à Chapeau Cornu avec les « Ateliers des 3 Soleils » de Lyon. En 1968 un stage à Ratilly, chez Jeannette et Norbert Pierlot, lui donne l’élan pour fonder son propre atelier à St Genest-Malifaux (Loire). En 1980, Micheline fait la connaissance de Daniel de Montmollin avec qui elle a des échanges suivis et qui la conforte dans ses recherches.

Ses préférences vont vers le grès et surtout la porcelaine. Elle aime chercher ses formes sur le tour et reste toujours à l’écoute de sensations qu’elle exploite parfois par la gravure ou le modelage. La vision de l’émaillage final l’oriente vers le choix d’une rainure ou d’une arête et de l’atmosphère de cuisson oxydante ou réductrice.

Jusqu’à présent, la nature est sa principale source d’inspiration que ce soit pour les formes : coquillages, graines, animaux… ou ses préparations d’émaux à base de cendres ou de roches. Si elle n’est pas

Satisfaite du résultat, elle n’hésite pas à recuire ses pièces, à rajouter de l’émail ou… à jeter.

A propos de l’atelier-show-Room KHARA TUKI

Niché dans le bel écrin du Passage du Grand Cerf à Paris, l’atelier-show-room le Khara Tuki a été ouvert en 2013 par Fanny Roux de Badilhac, elle-même créatrice de parures depuis 2009.

Fanny présente dans son lieu, les œuvres d’artistes qu’elle rencontre et avec lesquels elle partage les inspirations et le goût des ouvrages réalisés dans la tradition des techniques anciennes. Elle propose des expositions thématiques tout au long de l’année.

Informations pratiques exposition

Dates : du 17 janvier au 28 mars 2014

Vernissage : le 13 février 2014 de 18h à 21h

Adresse postale : Atelier Show-room Khara Tuki, 2 Passage du Grand Cerf – 75002 Paris

Horaires d’ouverture : Lundi : 15 h – 19 h / Mardi au samedi : 11 h – 19 h 30

Contact presse : Fanny Roux de Badilhac – Téléphone : 06 85 38 13 86 – Email : frb@khara-tuki.com

Lookbook des deux artistes

Des versions HD sont disponibles sur demande.

Vous pouvez aussi nous demander de recevoir des visuels d’autres œuvres.

Rencontre de 2 artistes-voyageurs avec une soirée privée à l’atelier-show-room KHARA TUKI, sur les thèmes de l’ambivalence et la révélation

Rendez-vous le Jeudi 12 décembre 2013 de 18h à 21h au Show-Room Khara Tuki (2, passage du Grand Cerf, 75 002 Paris), pour une soirée de découvertes aux côtés des 2 artistes, d’amateurs d’art, de journalistes et de blogueurs…

Les œuvres

D’un côté, les sculptures de Bénédicte BABILIO qui frappent notre égo, et de l’autre, les parures de Fanny ROUX de BADILHAC qui le flattent.

Entre les deux, des sources d’inspiration communes qui mènent chacune à des émotions vives et intimes.

Et, de l’émotion, le voyage commence …

Les sculptures, invitent à une introspection qui vogue sur des références à la fois personnelles et collectives, que l’artiste fait vibrer sur la corde de l’ambivalence et des contradictions.

Les parures quant à elles, vont chercher à exulter le regard et exalter l’allure, la personnalité  de celles et ceux qui se les approprient.

Mais, dans tous les cas, c’est une histoire de résonance entre l’égo et l’alter égo… entre le visible et l’invisible, un voyage entre les deux ?

Bénédicte BABILIO et Fanny ROUX de BADILHAC vous invitent jusqu’au 30 décembre 2013 à une virée, oscillant entre for intérieur et sensations venues d’ailleurs.

Bénédicte Babilio

Formée à l’Ecole des Beaux-Arts de Poitiers, Babilio partage depuis 1993 son temps entre la sculpture dans son atelier Poitevin et les voyages dont elle revient chargée d’images et de matériaux. Parmi le plâtre, le papier ou la résine, la céramique obtient les faveurs de l’artiste qui la modèle, patine, détourne et incruste des souvenirs imaginaires et réels de ses voyages.

Proche de la pensée  Symboliste et Expressionniste d’hier, elle évoque à travers ses œuvres la confrontation des sentiments, les paradoxes constitutifs de l’homme…

Pour J. Simpson, galeriste à Tours,

« L’artiste nous invite à partager un monde de chimères et de portraits puisés aux confins de l’imaginaire et ancrés dans notre réalité profonde. Fondé sur des pièces uniques, son travail s’inspire des mythes antiques et des résonances de ses voyages. »

Fanny Roux de Badilhac

Ancienne élève des Beaux-Arts de Rueil Malmaison, créatrice de parures depuis 2009, elle s‘inspire des peuples du monde, des ornements chamaniques aux allures “haute couture”. Elle se définit comme un artisan créateur et façonne ses parures dans une vision contemporaine bien à elle.  Conservatrice dans l’âme, Fanny Roux de Badilhac affectionne les traditions d’orfèvrerie ancienne et redonne vie à des objets chargés d’histoire, mélange les couleurs, les matières et mixe les sources d’inspiration. Il en ressort un sentiment attirant de nouveauté, les parures sont visuellement fortes et prennent tout leur sens lorsqu’elles sont portées.

« Elles ont pour nom Paco Bola-Tie, Gong noir, Astarté, Ophir, Marbuk, Elissar, LimaKlimt ou Hator… Elles semblent comme dérobées pour un jour ou une nuit dans un musée birman, ou bengali, à la cour d’Autriche ou au fond d’un vaisseau phénicien… Elles viennent des mémoires d’Angkor, des mythologies grecques ou égyptiennes … et pourtant elles sont intemporelles.

Nos chemises partent alors pour Samarkand, nos caracos accostent Zanzibar, nos petites vestes noires voyagent enfin sans bagage…»

Des pièces uniques et bijoux sur-mesure sont proposés par la créatrice qui aime particulièrement travailler sur des créations personnalisées.

Deux univers, une rencontre, un voyage émotionnel

L’exposition Ambivalences et Révélations, c’est la rencontre de  deux univers  qui cheminent vers l’exaltation des sens. L’un par le biais des émotions enfouies et cachées, l’autre  par le biais des émotions visuelles, poussées par  la recherche de l’esthétique.

Contact presse

Fanny Roux de Badilhac – Mail : frb@khara-tuki.com - Tel. 06 85 38 13 86

Informations pratiques

Atelier Show-room Khara Tuki

2 Passage du Grand Cerf - 75002 Paris

Lundi : 15 h – 19 h / Mardi au samedi : 11 h – 19 h 30

Oeuvredart.com, un trait d’union entre les artistes et les amateurs d’art

Car pour un artiste, il est difficile de trouver l’énergie et le temps de défendre son art et de communiquer autour de ses œuvres…

Car pour un amateur d’art, il est compliqué de dépenser son temps à parcourir les galeries et les expositions, d’évaluer la qualité d’une toile, d’une sculpture ou d’une photographie…

Une galerie d’art virtuelle placée sous le signe de l’excellence et de l’engagement

Tel un trait d’union entre les artistes et les amateurs d’art, Oeuvredart.com a pour raison d’être la promotion de l’art en facilitant la mise en relation entre les artistes et acheteurs. Plus qu’une nouvelle galerie d’art en ligne, Oeuvredart.com offre aux artistes sélectionnés la certification de leurs œuvres et au grand public la possibilité d’acquérir des œuvres de qualité à prix « atelier d’artiste ». Cette vision d’exigence et d’excellence de l’art, alliée à la défense des artistes mais aussi aux valeurs morales et humaines caractérisent la galerie Oeuvredart.com et l’engagement de son fondateur, Eric Vançon.

Un passionné devenu fervent défenseur

Tout commence par la rencontre entre un collégien et son professeur de dessin. Eric Vançon découvre un grand peintre et à ses côtés la passion de l’art. « Il m’a transmis le virus, depuis je suis contaminé », confie Eric Vançon. A 16 ans, le jeune homme commence à pratiquer la peinture et obtient son baccalauréat en design industriel et arts appliqués.

En parallèle à sa carrière professionnelle, Eric Vançon peint à ses heures perdues. En 1999, Le Musée de Montmartre (Paris) acquiert une de ses peintures, intitulée “Montmartre – Rue Cortot”. Pour faire connaître ses œuvres sur Internet, il crée le portail Artistorama.com, le premier site qui référence les expositions artistiques en France. Cette initiative marque le point de départ de son engagement pour le développement et le rayonnement de l’Art en France.

Aujourd’hui, membre médaillé des Yvelines de l’Académie du Mérite et Dévouement Français et de l’Académie d’Arts Sciences Lettres, Eric Vançon s’investit avec la même ambition humaniste et volonté d’excellence en créant Oeuvredart.com.

“Oeuvredart.com suit cette logique en proposant aux artistes d’exposer leurs oeuvres sur internet et de profiter de l’expérience et de la notoriété du site Artistorama.com pour faire connaître leur travail sur la toile”.

Au service des artistes

Promouvoir la création de l’artiste, valoriser sa signature, renforcer sa notoriété et sa réputation, tels sont les objectifs d’Oeuvredart.com vis-à-vis des artistes sélectionnés. Avec passion et rigueur, le site constitue en effet un catalogue d’œuvres de qualité d’artistes peintres, sculpteurs, photographes, etc., professionnels ou amateurs confirmés, connus ou en devenir.

A l’occasion de son lancement, la galerie virtuelle propose actuellement aux artistes une formule de certification à 30 euros et quatre formules d’hébergement des œuvres incluant la certification. Cette dernière assure et confirme les démarches et le parcours artistiques, ainsi que la qualité et le niveau technique des œuvres.

Les tarifs diffèrent selon le nombre d’oeuvres hébergées : de 48 euros par an pour 10 oeuvres à 168 euros par an pour 50 oeuvres.

Au service des acheteurs

Amateurs, passionnés, collectionneurs, particuliers ou entreprises, chacun peut acheter une œuvre d’art en toute sérénité grâce à Oeuvredart.com. Au-delà du gage de qualité garanti par la sélection rigoureuse et la certification des œuvres, la galerie d’art en ligne permet aux acquéreurs d’entrer directement en contact avec les artistes. Cette mise en contact originale permet ainsi aux acheteurs de bénéficier de transactions sans intermédiaires et de prix « atelier d’artiste ».

Déjà, 500 œuvres en ligne sur Oeuvredart.com… rejoignez le mouvement d’art-d’art !

Pour en savoir plus

http://www.oeuvredart.com

Inscription pour les artistes : http://www.oeuvredart.com/inscription

Contact et informations :

Eric Vançon

Oeuvredart.com – 78100 Saint Germain en Laye

Tel : 06 60 56 34 62

Mail : vancon@oeuvredart.com