Depuis près de dix ans, Théo Didier avance ainsi. À contre-courant des logiques d’exposition immédiate, il privilégie la scène, les rencontres et l’épreuve du public. Plus de 200 concerts, trois albums, une présence constante sur les territoires : son parcours raconte autant une ascension qu’un ancrage.

Et comme toute construction finit par atteindre un point de bascule, 2026 marque ce moment.

Dix ans après ses débuts en solo, l’artiste drômois dévoile Roulotte Orchestra, un album qui raconte un cheminement, un parcours.

Derrière ce nom, il y a à la fois un disque, un groupe et une manière de penser la musique : collective, mouvante, nourrie d’influences multiples. Un projet qui pose une question simple, mais décisive : Et si cette roulotte était sur le point d’embarquer toute la France ? 

Un album qui s’écoute comme on feuillette un carnet de route

Roulotte Orchestra ne cherche pas à impressionner par rupture. Il s’impose plutôt comme une continuité approfondie, une matière retravaillée à partir de ce qui a été vécu. On y retrouve les marqueurs de l’univers de Théo Didier : ce mélange de rock, de reggae, de funk et de chanson française.

Les morceaux semblent écrits pour affirmer une direction et relier des fragments : une origine géographique, des visages croisés sur la route, des moments de doute ou d’élan. Le Vercors n’est pas seulement un décor, il devient un point d’ancrage. Les amitiés, les amours, les questionnements sur la trajectoire personnelle s’entrelacent sans hiérarchie, comme si l’album refusait de choisir entre l’intime et le collectif.

Ce qui se dégage, au fil de l’écoute, c’est une forme de sincérité sans effet. L’écriture ne cherche pas à simplifier ni à dramatiser. Elle avance par touches, par images, parfois presque à bas bruit, laissant apparaître un artiste qui regarde son propre parcours sans filtre. Regarder d’où il vient pour comprendre où il va.

“Roulotte Orchestra” : derrière le nom, une manière de faire de la musique ensemble

Le titre de l’album pourrait évoquer un simple habillage. Il est en réalité au cœur du projet. Le Roulotte Orchestra, c’est d’abord une formation de scène, mais c’est surtout une manière de penser la création : un centre autour duquel gravitent des musiciens, un espace de circulation.

Sur scène comme en studio, chaque musicien amène avec lui un territoire, un savoir-faire. La basse de Louis Bilong, marquée par des expériences aux côtés de figures majeures des musiques africaines, installe une profondeur rythmique immédiate et irrésistible. La guitare électrique de Bob Darlet, nourrie de décennies de pratique dans les bals et les fêtes populaires, convoque une mémoire vivante des riffs et des solos, de Santana à Pink Floyd.

La batterie de Daniele Filoso introduit une tension particulière, entre traditions méditerranéennes et influences reggae, tandis que la guitare rythmique de Victor Papillon ouvre des échappées vers des sonorités espagnoles et sud-américaines.

Au milieu de cet ensemble, l’accordéon de Théo Didier ne cherche pas à dominer. Il relie, il tisse, il circule entre les registres. Et c’est peut-être là que se joue l’équilibre du projet : dans cette capacité à faire coexister des univers sans les lisser. Où chaque différence devient nuance et complémentarité.

Sur ce nouvel album, Théo invite à bord de sa roulotte plusieurs artistes, dont les figures locales Pep’s (Liberta) et Théo Bertrand (Plus Belle la Vie) sur le titre bien nommé « Le Vercors ».

Une musique façonnée par la scène, et non l’inverse

Chez Théo Didier, la scène n’est pas un prolongement du disque. C’est l’inverse. Depuis ses débuts en 2016, chaque étape s’est construite au contact du public. Le premier album, très acoustique, portait déjà cette logique : une écriture directe, éprouvée en concert.

Avec « Conscience Libre », puis avec l’album Live de 2022, cette relation s’est renforcée. Les morceaux évoluent, se transforment, parfois se réinventent d’un concert à l’autre. Ce rapport mouvant à la musique se retrouve dans « Roulotte Orchestra », qui semble avoir été conçu pour rester ouvert, pour continuer à vivre une fois sorti.

La tournée des dix ans, prévue en parallèle de la sortie, s’inscrit dans cette continuité. Elle ne vient pas “accompagner” l’album, elle en est l’une des formes, une variation. C’est d’ailleurs sur scène que le projet trouve sa pleine dimension, dans cette capacité à faire circuler l’énergie entre les musiciens et le public.

Derrière le mur, une idée simple : se construire sans se figer

La pochette de l’album met en scène un mur. L’image pourrait, au premier regard, n’être perçue que comme un élément graphique. Elle révèle pourtant une ambivalence plus profonde. Le mur, c’est ce qui enferme (les étiquettes, les attentes), mais c’est aussi ce qui soutient, ce qui permet de tenir.

Dans cette représentation, chaque pierre compte. Certaines sont régulières, d’autres non. Certaines viennent d’ici, d’autres d’ailleurs. L’ensemble n’est pas homogène, mais il tient. C’est une manière de raconter un parcours artistique : un assemblage d’expériences, de rencontres, d’influences qui, mises bout à bout, finissent par former une structure.

Cette lecture visuelle fait écho à la musique. Elle dit quelque chose d’essentiel : rien n’est construit d’un bloc. Tout s’ajoute, se déplace, s’ajuste. Où chacun est invité à ajouter sa pierre.

Du Vercors à une circulation plus large : changer d’échelle sans changer de méthode

Bien que Paris l’ait déjà remarqué (The Voice, concert pour les JO 2024), c’est en Rhône-Alpes que Théo Didier a forgé son identité artistique. Cette implantation locale n’est pas un hasard : elle est le résultat d’un travail de terrain, concert après concert.

Avec « Roulotte Orchestra », l’ambition évolue. L’enjeu n’est pas seulement de toucher davantage de public, mais aussi de faire circuler une musique qui s’est construite dans un contexte précis vers d’autres territoires. Il est temps de découvrir ce que cette musique a à offrir au reste de la France.

Cette perspective s’appuie sur plusieurs éléments : une expérience scénique solide, une formation musicale structurée et une identité artistique désormais lisible. Mais elle repose aussi sur une forme de pari : celui que cette musique, née d’un ancrage local, peut trouver une résonance partout ailleurs.
Bienvenue dans le « Roulotte Orchestra »

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Pourtant, derrière chaque instrument se joue une équation complexe mêlant acoustique, ergonomie et sensibilité artistique. Face à ces enjeux, certains artisans font le choix de réinterroger les fondamentaux du métier, en renouant avec une fabrication à taille humaine, ancrée dans les territoires et attentive aux besoins réels des musiciens.

C’est dans ce contexte qu’a émergé l’atelier indépendant Alpha, à Biscarrosse.

Depuis plusieurs années, l’atelier se consacre à la création d’un trombone entièrement conçu et fabriqué en France, fruit d’une démarche artisanale exigeante et d’un travail de recherche mené aux côtés de musiciens professionnels.

Un projet né d’une passion pour répondre aux demandes concrètes des musiciens

Derrière ce ce projet, Cédric Sourdouyre, artisan d’art installé à Biscarrosse et membre des Ateliers d’Art de France, développe depuis plus de dix ans une expertise autour des instruments à vent.

Son parcours débute dès son premier stage de 3ème, véritable point de bascule qui l’oriente vers le métier de facteur d’instruments.

Si son chemin professionnel l’amène dans un premier temps à explorer d’autres horizons, il fait à 33 ans le choix de revenir à cette passion pour en faire son activité principale, avec la volonté de s’investir dans un savoir-faire artisanal exigeant.

Au fil des années, son travail de réparation, de révision et de restauration d’instruments lui permet d’observer de manière concrète les attentes des musiciens, mais aussi les limites des modèles existants.

Problèmes de justesse, ergonomie perfectible, sensation de jeu parfois éloignée des besoins réels : autant de constats qui nourrissent une réflexion de fond sur la conception même des instruments.

C’est dans ce contexte qu’émerge, il y a environ trois ans, l’idée de concevoir un trombone différent.

Non pas un modèle standard supplémentaire, mais un instrument pensé au plus près du musicien, capable de conjuguer précision acoustique, confort de jeu et adaptabilité.

Une conception nourrie par l’usage et le dialogue avec les musiciens

Le développement du Trombone Alpha s’inscrit dans une démarche progressive, fondée sur l’expérimentation et l’échange.

Pendant près de trois ans, le projet se construit à travers des phases de tests successives, enrichies par les retours de musiciens professionnels évoluant dans des esthétiques variées, du jazz aux musiques actuelles, en passant par le classique et le big band.

Cette collaboration étroite permet d’ajuster finement chaque paramètre de l’instrument, avec une attention particulière portée à la qualité acoustique et au ressenti du musicien.

L’objectif est de proposer un trombone capable d’offrir à la fois une sonorité chaleureuse et une grande agilité de jeu, afin de répondre aux exigences de polyvalence exprimées par les musiciens.

Au-delà de la performance technique, la conception du Trombone Alpha repose sur une approche globale, où l’instrument est envisagé comme un prolongement du musicien, et non comme un simple outil.

Une fabrication artisanale française comme alternative aux modèles standardisés

Dans un secteur largement dominé par des productions étrangères industrialisées, le choix de produire en France constitue un parti pris structurant.

Chaque Trombone Alpha est fabriqué en petite série, avec un haut niveau d’exigence à chaque étape, privilégiant la précision du geste et la qualité de l’écoute.

Cette fabrication artisanale permet d’introduire une dimension rarement accessible dans les circuits industriels : la capacité d’ajustement.

Chaque instrument peut ainsi être adapté aux attentes spécifiques du musicien, tant sur le plan de l’ergonomie que des finitions ou de la configuration.

L’intégration du bois dans certains éléments de l’instrument constitue également une signature forte.

Au-delà de son aspect esthétique, ce choix de matériau participe à l’identité sensorielle et sonore du trombone, renforçant le lien entre l’objet et son utilisateur.

Une approche sur mesure au service de l’identité sonore

Le Trombone Alpha s’inscrit dans une logique de personnalisation avancée.

Chaque musicien peut définir les caractéristiques de son instrument en fonction de ses préférences, de son jeu et de son univers musical.

Cette approche sur mesure répond à une attente croissante : disposer d’un instrument capable de refléter une identité sonore propre, plutôt que de s’adapter à un modèle standardisé.

Elle s’appuie sur une connaissance fine des usages, nourrie par l’activité parallèle de réparation et de restauration menée au sein de l’atelier.

En intervenant quotidiennement sur des instruments existants, l’artisan développe une compréhension approfondie des contraintes techniques et des besoins réels des musiciens.

Cette double compétence – fabrication et réparation – constitue un levier essentiel dans la conception d’instruments à la fois innovants, fiables et adaptés à un usage concret.

Un atelier structuré autour d’un accompagnement global des musiciens

Au-delà du développement du Trombone Alpha, l’atelier CS Musique s’organise autour d’une offre complète, couvrant l’ensemble du cycle de vie de l’instrument : entretien, révision, restauration, personnalisation et transformation.

Cette approche globale permet d’accompagner les musiciens sur le long terme, en proposant des solutions adaptées à chaque étape de leur parcours.

Elle s’adresse aussi bien aux professionnels qu’aux amateurs exigeants, ainsi qu’aux structures pédagogiques telles que les écoles de musique et les conservatoires.

L’atelier s’inscrit également dans une dynamique territoriale, en développant des partenariats avec des acteurs locaux et en participant à des dispositifs comme Orchestre à l’école.

L’ouverture de l’atelier au public participe à la valorisation du métier d’art et à la transmission des savoir-faire.

Une ambition artisanale, économique et culturelle

Le projet porté à Biscarrosse dépasse le cadre d’une activité individuelle.

À court terme, l’objectif est de structurer la production du Trombone Alpha, notamment par l’acquisition d’équipements adaptés, afin d’améliorer la régularité et de répondre à une demande déjà existante, tout en conservant un haut niveau de qualité artisanale.

À moyen terme, le développement de l’atelier vise à consolider les deux axes complémentaires que sont la fabrication et la réparation, avec la perspective de créer des emplois et de transmettre le savoir-faire à de nouvelles générations.

Sur un plan plus large, l’ambition est de positionner le Trombone Alpha comme une référence sur un marché de niche, en France et à l’international, en proposant une alternative crédible aux productions étrangères.

Faire vivre un savoir-faire local dans une logique de cohérence économique

Au-delà de la dimension musicale, ce projet s’inscrit dans une réflexion plus globale sur les modes de production et de consommation. Il interroge la cohérence entre les discours en faveur du local et les pratiques réelles, en mettant en lumière la possibilité de produire en France, de créer de l’emploi et de maintenir des savoir-faire, tout en restant compétitif.

En valorisant une fabrication ancrée dans son territoire et en développant des liens avec les acteurs institutionnels et éducatifs, l’atelier contribue à une dynamique de réindustrialisation à échelle locale, où l’artisanat retrouve une place centrale dans l’économie culturelle.

À Biscarrosse, le développement du Trombone Alpha illustre ainsi une évolution plus large du secteur musical : celle d’un retour vers des instruments pensés pour et avec les musiciens, dans une logique où la qualité, la personnalisation et le sens du geste reprennent une place essentielle.

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Site web : http://www.csmusiquealpha.com/

Aujourd’hui, cet univers ne cesse d’évoluer. Les équipements gagnent en précision, les usages se multiplient, et les profils se croisent : DJ, musiciens, producteurs, techniciens ou simples passionnés avancent avec des besoins de plus en plus spécifiques.

Dans ce contexte, une chose reste essentielle : pouvoir voir, écouter et tester.

À l’occasion de l’anniversaire de ses magasins, SonoVente.com propose deux journées pensées pour vivre le son autrement, au plus près du terrain.

Les 24 et 25 avril 2026, l’ensemble des magasins SonoVente.com et des magasins agréés ouvriront leurs portes pour un événement national dédié à la découverte, à l’échange et à l’expérimentation.

Un anniversaire pensé comme un moment de rencontre

Derrière chaque achat de matériel, il y a souvent une hésitation, une comparaison, un besoin de comprendre comment un équipement va réellement s’intégrer dans un projet.

Ces deux journées s’inscrivent dans cette réalité.

Plutôt qu’un simple temps commercial, SonoVente.com transforme ses points de vente en espaces ouverts où chacun peut prendre le temps de manipuler, tester et poser ses questions.

L’idée est simple : recréer ce moment où l’on passe de la fiche produit à l’expérience concrète.

Tester, écouter, comprendre : revenir à l’essentiel

Durant l’événement, les visiteurs pourront accéder librement aux différents univers du son :

• set-up DJ
• home studio et production
• systèmes de sonorisation
• équipements d’éclairage

Des tests de systèmes de sonorisation en conditions réelles permettront notamment d’entendre la puissance et les nuances des installations, loin des descriptions techniques.

Comparer deux enceintes, ajuster un contrôleur ou écouter un rendu en live donne une lecture immédiate du matériel. C’est souvent là que les choix deviennent évidents.

Échanger avec ceux qui pratiquent au quotidien

Au-delà du matériel, ces journées reposent sur un autre élément clé : la discussion.

Les équipes en magasin accompagneront les visiteurs tout au long de leur parcours. Qu’il s’agisse de monter un setup DJ, d’organiser un home studio ou de préparer une prestation, les échanges permettent de gagner du temps et d’éviter certaines erreurs classiques.

L’ambiance se veut simple et accessible. On vient pour tester, mais aussi pour discuter avec des personnes qui utilisent ces équipements tous les jours.

Une atmosphère conviviale, entre passion et partage

L’événement a aussi été pensé comme un moment à part, loin du rythme habituel.

Sur place :

• café et viennoiseries offerts pour démarrer la journée
• jeux avec cadeaux à gagner dans chaque magasin
• offres spéciales proposées pendant toute la durée de l’événement

Ces éléments créent un cadre plus détendu, où l’on peut prendre le temps de découvrir sans pression.

Une célébration à l’échelle nationale

En réunissant l’ensemble de ses magasins et partenaires autour de cet anniversaire, SonoVente.com met en avant ce qui fait sa force aujourd’hui : un lien constant entre le digital et le terrain.

Le site permet de comparer, chercher et commander. Les magasins, eux, offrent ce que l’écran ne remplace pas : le contact direct avec le matériel et avec celles et ceux qui le connaissent.

Ces deux journées viennent relier les deux.

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Découvrir tous les magasins SonoVente.com : https://www.sonovente.com/magasins/magasin-agree.html

Site web : https://www.sonovente.com/

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Un instrument peut traverser quatre siècles dans le silence, puis, soudain, retrouver sa voix. Avec Ruckers 1612, Le voyage immobile, le clavecin Ioannes Ruckers, daté de 1612 et conservé dans les collections des Musées d’Amiens, se fait enfin entendre dans un premier enregistrement édité et accessible au public.

Longtemps, ce Ruckers a été un trésor surtout visible, chef-d’œuvre de facture et d’art décoratif. Or un instrument de musique n’existe pleinement que lorsqu’il sonne. Sans cela, il reste un meuble sublime, certes, mais privé de sa fonction première. Déposé au Musée de la Musique depuis le début des années 1990, il ne pouvait être partagé « en salle » à Amiens. L’enregistrement s’est alors imposé comme l’acte le plus direct, et peut-être le plus juste, afin de rendre ce patrimoine unique audible.

Un premier projet avait vu le jour en 2012, à l’occasion des quatre cents ans de l’instrument, sans aboutir à une publication. Il fallait une rencontre décisive pour que cette histoire s’accomplisse, et pour que le son du clavecin, jusque-là réservé à quelques circonstances, puisse être enfin partagé largement.

La rencontre décisive a lieu à l’automne 2023. Hélène Diot en devient le moteur artistique. Elle aborde cet instrument avec une exigence rare, qui conjugue le respect de sa singularité et la liberté nécessaire pour lui redonner une voix. Autour d’elle, les équipes des Musées d’Amiens construisent une collaboration exemplaire, où institution patrimoniale et artiste travaillent ensemble, non pour « illustrer » un objet, mais pour le faire revivre. C’est restituer la part essentielle de son identité.

Enfin, Le voyage immobile ouvre une perspective. Il accompagne le retour attendu du clavecin dans la collection du Musée de Picardie, au second semestre 2026, ainsi que sa future présentation au public. L’album devient un pont entre conservation et création. Il rappelle que le patrimoine n’est pas fait pour demeurer muet sous vitrine, mais pour continuer à parler, dès lors qu’on lui offre, à nouveau, l’opportunité de dialoguer avec les artistes.

Hélène Diot débute le clavecin dès l’âge de six ans, au Conservatoire d’Amiens, dans la classe de Catherine Caumont. Elle se perfectionne dans les cours et master-classes prodiguées par des clavecinistes de renom, tels Pierre Hantaï, Christophe Rousset, Noëlle Spieth, Aline Zylberajch, Laure Morabito et Laurent Stewart. Ses études se poursuivent au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon (CNSMDL) dans les classes de Françoise Lengellé et Jean-Marc Aymes, où elle obtient un Master d’interprétation et un Master de pédagogie en 2012 et 2013.

Hélène Diot est lauréate de plusieurs concours internationaux. En novembre 2011, elle est Troisième Prix du Concours de Bologne et en 2015, finaliste avec « Mention honorable » du célèbre Concours de Bruges.

Musicienne confirmée, elle est régulièrement demandée pour des concerts en tant que soliste et continuiste et joue dans de nombreux festivals : Aix en Provence, Ambronay, Jeunes Talents, Mars en Baroque, Utrecht, MA Brugge, Festival Berlioz, Festival de Beaune, Aalborg Opera Festival, Ars Terra, Festival de Saint-Denis etc. Intéressée par la musique contemporaine, elle travaille régulièrement avec l’Ensemble Orchestral Contemporain de Lyon ainsi qu’avec plusieurs compositeurs dont certains lui dédient leurs oeuvres, tels Tatiana Probst, Graham Lynch et Christian Dachez. Engagée pour l’enseignement et la diffusion du clavecin et de la musique ancienne, Hélène Diot est professeur de clavecin et basse continue au CRR d’Amiens et coordinatrice du département de musique ancienne, membre du conseil d’administration de l’association Clavecin-en-France, créatrice de l’association Somme toute baroque et rédactrice d’un blog dédié au clavecin depuis 2011.

Pour en savoir plus : https://www.youtube.com/watch?v=7_f4NJU7vhg

Indispensable à la création, au rodage des projets, à la structuration des groupes et à la professionnalisation des artistes, elle s’est pourtant développée dans des cadres contraints, souvent hérités d’une époque où les pratiques étaient plus linéaires, les emplois du temps plus homogènes et les parcours artistiques moins fragmentés.

Aujourd’hui, la réalité est toute autre. Les musiciens cumulent fréquemment plusieurs activités, travaillent sur plusieurs projets simultanément, alternent entre scènes locales, productions indépendantes et collaborations professionnelles.

La création se déploie sur des temps discontinus, tardifs ou imprévisibles, qui entrent rarement en résonance avec des infrastructures pensées pour des horaires fixes.

Cette inadéquation entre usages contemporains et offre existante n’est pas marginale. Elle conditionne l’accès même à la pratique musicale, la régularité du travail, la capacité à faire émerger des projets et, à terme, la vitalité des scènes locales.

Elle pose une question centrale pour l’écosystème musical français : comment concevoir des lieux de répétition capables de s’adapter aux rythmes réels de la création, sans renoncer à la qualité des équipements, à la sécurité des espaces ni à une logique économique pérenne.

C’est à cet endroit précis que se situe STUDIO RIMSHOT.

En développant un réseau de complexes musicaux proposant des studios de répétition accessibles vingt quatre heures sur vingt quatre et sept jours sur sept, en totale autonomie, le concept entend répondre concrètement à ces nouveaux usages. 

Déjà implanté dans six villes françaises, STUDIO RIMSHOT porte l’ambition de structurer un modèle national, à la croisée de l’innovation technologique, de la culture musicale et du développement territorial, et de devenir une référence durable pour les musiciens d’aujourd’hui.

Un studio pensé pour suivre le tempo des musiciens, pas l’inverse

STUDIO RIMSHOT repose sur un principe simple, mais encore peu répandu dans le paysage français : adapter l’infrastructure aux usages réels des musiciens.

Là où beaucoup de studios continuent d’imposer leurs horaires et leurs contraintes, STUDIO RIMSHOT choisit de se caler sur les rythmes de la création.

Le concept se déploie sous la forme de complexes musicaux conçus comme des lieux de travail accessibles à toute heure, sans présence permanente sur site.

Cette approche permet à des profils très différents de cohabiter dans un même cadre : musiciens amateurs, artistes en développement ou professionnels confirmés, tous confrontés à des temporalités mouvantes.

Travailler quand l’inspiration frappe : l’ouverture 24/7 comme parti pris radical

Une contrainte levée, pas un simple confort

L’ouverture continue constitue l’un des marqueurs les plus forts du concept STUDIO RIMSHOT. Elle ne relève pas d’un service additionnel, mais d’un choix structurant.
Pour les musiciens, cette accessibilité permet de composer avec des temporalités multiples, souvent imposées par la réalité des parcours artistiques. Elle offre la possibilité de :

• Répéter en dehors des horaires conventionnels ;
• Ajuster les sessions de travail aux périodes de création ou de production ;
• Maintenir une régularité de pratique sans dépendre de créneaux contraints.

Cette approche reconnaît une réalité simple : la création musicale ne se planifie pas toujours à l’avance.

Une autonomie encadrée par la technologie

Cette ouverture permanente repose sur un dispositif technique centralisé, piloté via le site internet www.studio-rimshot.com. La plateforme permet de gérer l’ensemble du parcours utilisateur, depuis la réservation jusqu’à l’accès physique aux studios.

Le système assure notamment :

• Le contrôle des ouvertures et fermetures des portes ;
• La gestion des accès aux locaux ;
• L’activation et la sécurisation des réseaux électriques.

Ce fonctionnement garantit des complexes sécurisés, tant pour les artistes que pour les équipes, tout en permettant une utilisation autonome et continue des studios.

Des studios conçus comme des outils de travail, pas comme des salles à louer

STUDIO RIMSHOT ne conçoit pas ses espaces comme de simples salles mises à disposition. Chaque studio est pensé comme un environnement de travail, destiné à accueillir une pratique musicale régulière, exigeante et évolutive.

Cette conception est directement issue d’une connaissance fine des contraintes rencontrées par les musiciens, qu’il s’agisse de répétitions intensives, de phases de création ou de préparation scénique.

Les studios sont ainsi conçus pour :

• Accueillir des sessions longues ou répétées ;
• Permettre un travail approfondi sans pression liée au temps ;
• Offrir un cadre stable, fiable et immédiatement opérationnel.

L’objectif n’est pas de standardiser les pratiques, mais de proposer des lieux capables de s’adapter à leur diversité.

Six villes, un même tempo : la construction d’un réseau identifiable

STUDIO RIMSHOT est aujourd’hui présent dans six villes françaises. Chaque implantation s’inscrit dans une logique d’ancrage territorial, en lien avec les scènes musicales locales. Ces studios deviennent des lieux identifiés, des points de repère pour les musiciens, favorisant la continuité de la pratique et la structuration des projets à l’échelle locale.

L’objectif affiché par STUDIO RIMSHOT est de déployer son concept dans les dix plus grandes villes de France, via un modèle de franchise. Cette ambition vise à construire un réseau cohérent, lisible et durable, capable d’offrir une réponse homogène aux besoins des musiciens sur l’ensemble du territoire.

À l’origine du projet : un studio imaginé par quelqu’un qui en avait besoin

STUDIO RIMSHOT est né de l’expérience directe de son fondateur, Gaël Duveau.

Avant d’entreprendre, il est musicien, guitariste au sein d’un groupe de métal.

La découverte du studio d’enregistrement lors de la production de son premier projet agit comme un déclencheur. Il décide alors de se former au métier d’ingénieur du son, obtient son diplôme et crée un premier studio RIMSHOT, initialement dédié à l’enregistrement.

Parallèlement, il développe une activité au sein de la société Jardins Noirs, spécialisée dans l’édition musicale, la production et la production exécutive.

À ce titre, il intervient comme producteur exécutif pour des supports phonographiques et vidéo pour des maisons de disques telles que Warner Music et Universal Music, et collabore sur des projets d’artistes comme SCH, Ninho, Leto, Aya Nakamura, Keblack ou Naza.

Ces expériences nourrissent une compréhension fine des contraintes rencontrées par les artistes et constituent le socle du développement de STUDIO RIMSHOT.

L’histoire complète du concept est détaillée sur le blog du studio : https://blog.studio-rimshot.com/articles-de-blog/lhistoire-du-studio-rimshot

En savoir plus

Site web : https://www.studio-rimshot.com/

Le blog : https://blog.studio-rimshot.com/blog

Facebook : https://www.facebook.com/StudioRIMSHOT

Instagram : https://www.instagram.com/studiorimshot

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/gaël-duveau-6085b4160/

Dès le premier titre posté sérieusement sur les plateformes, je reçois un message de l’une d’elles m’invitant à créditer Sir Tom Jones et Bob Dylan comme auteur-compositeur de mon premier titre.

Je dois dire, bien que ce ne soient pas des artistes que j’écoute souvent, que je remercie la profession de cet éloge totalement immérité, n’étant aucunement un plagiat.

Mon inspiration, comme mes aspirations de la vie, de mon métier de psychanalyste et philosophe, m’offre des voyages intérieurs d’une telle richesse….

Ma chanson, dont le titre est : « Tout aussi coupable », paroles, musique et interprétation Rodolphe Oppenheimer, ne peut m’inviter à chercher les coupables, ayant été, par des volontés exterieures, immédiatement retirées des plateformes sans question ni même analyse, ce que je demande en ma qualité d’homme libre et de bonnes mœurs.

Chevalier des Arts et des Lettres depuis l’âge de 32 ans, je ne demanderai pas à mes amis de l’Empire britannique le moindre titre, juste de me laisser chanter, écrire, composer, arranger en toute quiétude.

Au XXIe siècle où l’on repêche des chansons des années soixante pour les publicités, entre autres, en l’absence de réelles ballades de chanson française.

Souhaitons-nous la liberté, encore au moins quelques années, le droit de nous exprimer en dépassant deux accords de guitares et trois mots à la mode.

Que puissent naître de nouveaux artistes francophones avec des stylos, des feuilles, des gommes, car c’est rarement abouti en un trait.

Ne confondons pas la verticalité et l’horizontalité, et que les vieilles gloires d’hier formulent le vœu de l’après…

Écoutons tous en chœur Tom Jones ou Dylan, bien que nous ne soyons pas les mêmes par l’unicité de nos carrières, nos vies, nos choix et, enfin, notre existence.

Puissiez-vous tous avoir le courage de la justice, de la justesse et de la langue de Molière.

A vous lire,

Affectueusement,
Rodolphe Oppenheimer,

En savoir plus

Site web : www.rodolphe-oppenheimer-artiste.com

Ces certifications reconnaissent officiellement des compétences clés des métiers du DJing et de la production musicale, jusqu’alors majoritairement développées hors des cadres institutionnels.

Cette décision marque une étape structurante pour la professionnalisation des musiques électroniques et ouvre l’accès au financement via le Compte Personnel de Formation (CPF), permettant à ces compétences créatives d’être désormais évaluées, certifiées et reconnues par l’État.

Pendant longtemps, les métiers du DJing et de la production musicale ont avancé sans cadre commun pour nommer, évaluer et faire reconnaître les compétences qu’ils mobilisent au quotidien.

Derrière les scènes, les studios et les outils numériques, des savoir-faire complexes se sont transmis par la pratique, l’expérimentation et l’apprentissage autonome, trouvant leur légitimité dans le regard des pairs bien plus que dans les dispositifs officiels de la formation professionnelle.

Cette situation a façonné un secteur dynamique, mais aussi marqué par des parcours fragiles, difficilement lisibles et rarement sécurisés sur le plan institutionnel.

La décision rendue le 18 décembre 2025 par France Compétences vient rompre avec cet héritage implicite.

Cinq certifications professionnelles portées par DJ Network Formation ont été enregistrées au Répertoire Spécifique, reconnaissant officiellement des compétences clés du DJing et de la production musicale.

Une étape structurante qui ouvre l’accès au cadre national de la certification et au financement via le Compte Personnel de Formation, et qui interroge plus largement la manière dont les compétences créatives issues des musiques électroniques peuvent désormais être évaluées, certifiées et reconnues par l’État.

Avant la certification, la scène : des métiers construits hors champ institutionnel

Les métiers du DJing et de la production musicale se sont développés à l’écart des parcours classiques de formation. Leur structuration s’est faite sur les scènes, dans les studios, au contact direct des publics et des écosystèmes professionnels, bien avant d’être formalisée dans des référentiels institutionnels.

Cette organisation informelle n’a jamais signifié un manque de professionnalisme. Elle reflète au contraire la capacité d’un secteur à définir ses propres exigences, à faire évoluer ses standards techniques et artistiques, et à reconnaître les compétences par l’expérience et la pratique. Toutefois, l’absence de cadres certifiants reconnus par l’État a longtemps limité la lisibilité de ces compétences, tant pour les artistes eux-mêmes que pour les acteurs de la formation, de l’emploi et du financement.

La reconnaissance officielle obtenue en décembre 2025 vient répondre à ce décalage historique, en inscrivant ces savoir-faire dans un cadre commun, lisible et partagé.

Nommer ce qui se pratique : rendre visibles des compétences longtemps implicites

L’un des enjeux centraux du travail mené par DJ Network Formation a consisté à traduire des pratiques artistiques et techniques en compétences clairement identifiées, sans les réduire ni les dénaturer. Derrière un DJ set, une production musicale ou un travail de sound design, se cachent des compétences complexes, mobilisant à la fois créativité, maîtrise technologique, analyse sonore et compréhension des contextes professionnels.

Formaliser ces compétences a supposé un travail d’identification précis, fondé sur les réalités du terrain, afin de rendre lisible ce qui relevait jusque-là de l’implicite. Ce processus ne vise pas à standardiser les pratiques, mais à leur donner un langage commun, compatible avec les exigences de la formation professionnelle et de la certification nationale.

Cinq certifications pour dessiner la cartographie réelle des métiers

Les cinq certifications enregistrées au Répertoire Spécifique couvrent des compétences clés des métiers du DJing et de la production musicale :

• L’exécution d’un DJ set en public, qui articule performance artistique, maîtrise technique et adaptation aux contextes de diffusion ;
• La création et le remix via la musique assistée par ordinateur, au cœur des pratiques contemporaines de production ;
• La création de sons de synthèse et le sound design, compétence structurante des esthétiques électroniques ;
• Le mixage et le mastering, étapes déterminantes de la qualité sonore et de la diffusion professionnelle ;
• Le développement et la gestion de projets artistiques dans le secteur musical, dimension souvent invisible mais essentielle à la pérennité des parcours.

Cette cartographie ne cloisonne pas les métiers. Elle reflète au contraire leur transversalité, en intégrant les dimensions artistiques, techniques et professionnelles qui structurent les parcours dans les musiques électroniques.

Formaliser sans figer : l’équilibre entre création et exigences institutionnelles

Le travail de conception des certifications s’est inscrit dans une logique d’équilibre.

L’objectif n’était ni d’imposer des modèles artistiques, ni de réduire la diversité des pratiques, mais de construire des référentiels compatibles avec les critères de France Compétences tout en restant fidèles aux réalités du secteur.

Cette démarche repose sur plusieurs principes :

• Reconnaître des compétences existantes plutôt que créer des normes artificielles ;
• Préserver la diversité des esthétiques et des approches artistiques ;
• Définir des modalités d’évaluation cohérentes avec un cadre institutionnel exigeant.

Cette articulation permet de dépasser l’opposition souvent évoquée entre créativité et cadre certifiant, en démontrant que les pratiques artistiques peuvent être évaluées sans perdre leur singularité.

Quand la reconnaissance devient accessible : l’ouverture au Compte Personnel de Formation

L’inscription au Répertoire Spécifique rend ces certifications éligibles au financement via le Compte Personnel de Formation. Cet accès constitue un levier structurant pour un secteur marqué par des parcours fragmentés et des statuts professionnels multiples.

Ces certifications s’adressent notamment :

• Aux DJs et producteurs souhaitant faire reconnaître officiellement leurs compétences ;
• Aux artistes cherchant à structurer et sécuriser leur activité ;
• Aux personnes en reconversion ou en évolution de carrière intéressées par les métiers de la musique ;
• Aux professionnels désireux de valoriser des savoir-faire acquis de manière autodidacte.

L’enjeu n’est pas commercial, mais institutionnel : inscrire les compétences créatives dans les dispositifs nationaux de formation et de financement, au même titre que d’autres secteurs d’activité.

DJ Network Formation, à la jonction du terrain et de l’ingénierie de certification

À l’origine de ce projet, DJ Network Formation s’appuie sur une connaissance approfondie des réalités du secteur. Son responsable, Jean-Pierre Goffi, évolue depuis plusieurs années à la croisée des mondes artistique, pédagogique et institutionnel. Issu des musiques électroniques et des pratiques musicales contemporaines, il a progressivement orienté son travail vers la structuration de parcours professionnalisants.

Son action repose sur une conviction forte : les métiers créatifs peuvent bénéficier du même niveau de reconnaissance et d’exigence que les autres secteurs professionnels. Le pilotage des certifications enregistrées en décembre 2025 s’inscrit dans cette démarche de fond, nourrie par un constat partagé sur le terrain auprès de professionnels compétents mais longtemps privés de cadres officiels de reconnaissance.

Créer un cadre sans refermer le champ

L’un des éléments différenciants du projet tient à sa capacité à articuler reconnaissance institutionnelle et respect des pratiques créatives. Les certifications ont été conçues pour évoluer, s’adapter aux transformations technologiques et artistiques, et dialoguer avec les réalités mouvantes du secteur musical.

Elles ne figent pas les métiers, mais offrent des repères. Elles ne normalisent pas la création, mais reconnaissent les compétences qui la rendent possible dans un cadre professionnel.

Au-delà de 2026 : ce que cette reconnaissance dit des compétences créatives

La reconnaissance officielle obtenue en décembre 2025 marque une étape importante, mais elle s’inscrit dans une ambition plus large. À court et moyen terme, il s’agit de permettre à un nombre croissant de professionnels de sécuriser leur parcours et de valoriser leurs compétences. À plus long terme, l’enjeu est de contribuer à une meilleure lisibilité des métiers liés aux musiques électroniques au sein des dispositifs nationaux de certification.

Cette démarche dépasse le seul secteur musical. Elle interroge la place accordée aux compétences créatives dans la formation professionnelle, et démontre qu’elles peuvent s’inscrire dans des parcours structurés, exigeants et durables, sans renoncer à leur identité.

En savoir plus

Site web : https://dj-network.com

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YouTube : https://www.youtube.com/channel/UCug9sin9RJo3iyupXW_0Dcw

Trois siècles durant, celui de Charles-François Grégoire de La Ferté (1666–1746) s’est étendu comme une page blanche dans l’histoire du baroque français.

Compositeur central de son époque, mais disparu des mémoires, il semblait condamné à l’oubli jusqu’à ce que trois jeunes musiciens, en 2022, redécouvrent un recueil de ses sonates pour violon et basse continue.

De cette révélation est né l’Ensemble La Ferté, aventure musicale et humaine portée par une même fascination : celle d’une écriture singulière, libre, à la croisée de Lully et de l’Italie.

Leur premier album, Sonates oubliées de Charles de La Ferté (Paraty Label – distribution PIAS / Universal, sortie le 28 novembre 2025), prolonge cette redécouverte sur disque et sur scène, entre rigueur historique et vitalité créatrice.

La redécouverte d’un compositeur effacé : la naissance d’une aventure musicale

Il arrive parfois qu’un ensemble naisse d’un choc esthétique. En 2022, trois jeunes musiciens, explorant les archives de la musique française du XVIIᵉ siècle, tombent sur un recueil de sonates de Charles-François Grégoire de La Ferté.

Ce compositeur, pourtant actif dans les cercles parisiens de son temps, est aujourd’hui presque invisible : aucun disque, peu de traces dans la mémoire musicale collective.

À la lecture de ses pages, une évidence s’impose : ce langage ne ressemble à rien de connu. Héritier de Lully par son élégance et sa clarté, mais traversé d’une sensibilité italienne, liberté du rythme, audace du contrepoint, souplesse du phrasé, il se tient à la frontière entre deux mondes. La Ferté y déploie une écriture d’une finesse rare, où le violon chante, improvise presque, et où la basse continue soutient plus qu’elle n’accompagne.

Cette rencontre agit comme une étincelle.

De l’émotion de la première lecture naît une mission : rendre justice à un compositeur oublié, redonner corps à sa voix singulière, et interroger ce que le baroque français peut encore dire aujourd’hui.

Ainsi se fonde l’Ensemble La Ferté, à la croisée de la recherche, de l’interprétation et de la création vivante.

Sonates oubliées de Charles de La Ferté : la fabrique d’un son français retrouvé

Ce premier enregistrement (Paraty Label – distribution PIAS / Universal, sortie le 28 novembre 2025) n’est pas seulement un hommage : c’est une reconstruction sensible du style français, telle qu’elle pouvait s’incarner à la charnière du XVIIᵉ et du XVIIIᵉ siècle.

Pendant trois ans, les musiciens ont bâti patiemment un véritable laboratoire sonore :

• Le violon tenu bas, comme le pratiquaient les instrumentistes de l’époque, pour privilégier la rondeur et la résonance ;
• L’archet à la française, court, nerveux, propice à l’articulation du discours ;
• Une ornementation nourrie des traités de Muffat et Montéclair, où chaque agrément devient élément de langage ;
• Des contreparties de viole de gambe écrites dans l’esprit des pratiques anciennes ;
• Et l’usage ponctuel, mais historiquement fondé, de l’orgue positif, rare dans ce répertoire mais d’une grande noblesse de timbre.

À ce socle instrumental s’ajoute une dimension corporelle et poétique.

Grâce à la collaboration avec la danseuse et chercheuse Irène Ginger, l’Ensemble La Ferté a replacé cette musique dans son espace naturel : celui du geste, du corps et du mouvement. La danse baroque, matrice invisible du style français, éclaire ici chaque phrasé, chaque respiration.

Ainsi, Sonates oubliées de Charles de La Ferté dépasse la redécouverte pour devenir un acte d’interprétation global, une recherche du souffle originel où le savant et le sensuel ne font plus qu’un.

Loin de l’archéologie sonore, ce disque affirme la vitalité d’un baroque incarné, pensé pour la scène autant que pour le disque, pour l’émotion autant que pour la connaissance.

CavrosArts : la musique ancienne comme territoire d’avenir

L’histoire de l’Ensemble La Ferté est indissociable de celle de CavrosArts, un festival né au cœur de la Vallée de Chevreuse, territoire où nature, patrimoine et culture dialoguent depuis des siècles.

Fondé et dirigé par des artistes, CavrosArts est avant tout un collectif, une communauté de musiciens convaincus que la musique ancienne ne se limite pas à la restitution, mais qu’elle peut nourrir la vie contemporaine des territoires.

Chaque saison, le festival investit églises, sites patrimoniaux, musées, jardins pour y faire résonner les répertoires anciens. Il y mêle concerts, projets pluridisciplinaires et actions pédagogiques, afin de rapprocher création artistique et vie locale.

Le festival, placé sous le parrainage du claveciniste Pierre Hantaï, s’est entouré de partenaires fidèles :

• Le Musée National de Port-Royal des Champs, haut lieu du patrimoine spirituel et artistique français, partenaire de plusieurs événements sur la saison 2024–2025 ;
• Le Parc naturel régional de la Haute Vallée de Chevreuse, qui soutient les actions pédagogiques et la diffusion locale.

Face à la raréfaction des soutiens publics, CavrosArts démontre la vitalité d’un modèle alternatif, fondé sur l’autonomie, la solidarité et la créativité d’une jeune génération d’artistes, capable de faire de la culture un levier d’attractivité et de cohésion.

De jeunes ensembles y ont déjà trouvé un espace d’expression : Les Flots Baroques, la Compagnie Basse Altitude, Poséidon, OVNI Baroque, Les Aequinoxes, et bien sûr l’Ensemble La Ferté, dont il fut le berceau.

CavrosArts n’est pas seulement un festival : c’est un lieu d’expérimentation et de circulation, où les projets se nourrissent les uns des autres et où se dessine la relève du baroque français.

Salle Cortot : le retour à la scène, le souffle retrouvé

Le vendredi 13 février 2026 à 20h, l’Ensemble La Ferté présentera son programme à la Salle Cortot (Paris), l’un des lieux les plus emblématiques de la musique de chambre française.

Ce concert marquera la rencontre entre la rigueur du travail de recherche et la liberté de l’interprétation vivante.

Dans cet écrin historique, la musique de Charles de La Ferté retrouvera son souffle premier : celui d’un art de la conversation, de la danse, du mouvement.

Pour le public, ce sera l’expérience d’une redécouverte sensible, à la fois savante et immédiate, un voyage dans le temps où la musique parle au présent.

L’esprit La Ferté : entre mémoire et invention

Au-delà de la musique, l’Ensemble La Ferté porte une vision artistique globale : celle d’une création enracinée dans la mémoire, mais tournée vers le présent.

La redécouverte de La Ferté n’est pas une fin en soi : elle devient un prétexte à repenser la pratique baroque comme un art du dialogue. Dialogue entre passé et présent, entre savoir et instinct, entre la scène et le territoire.

L’ensemble se veut à la fois chercheur, interprète et passeur.

Ses collaborations avec des danseurs, des chercheurs, des pédagogues prolongent cette approche transversale, où la connaissance musicologique nourrit la poésie du geste.

Dans cette tension féconde entre rigueur et imagination se dessine un projet artistique profondément cohérent : rendre vivant ce qui fut, et le partager.

Informations pratiques

• Album : Sonates oubliées de Charles de La Ferté ;
• Label : Paraty Label – distribution PIAS / Universal ;
• Sortie : 28 novembre 2025 ;
• Concert de lancement : Salle Cortot (Paris), vendredi 13 février 2026 à 20h ;
• Festival CavrosArts : Vallée de Chevreuse, sous le parrainage de Pierre Hantaï ;
• Partenaires : Musée national de Port-Royal des Champs, Parc naturel régional de la Haute Vallée de Chevreuse.

En savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/cavrosarts

Instagram : https://www.instagram.com/ensemblelaferte?igsh=ZGYzaDdkdmxmYW9v

Avec Le Mystère de la Chambre Rose et autres histoires, Eurêka, slameur et poète, offre un voyage intime au cœur de sa création. Ce livre auto-édité mêle poésie, confidences et illustrations, et s’accompagne de la réédition de son premier album Le Meilleur pour la Fin, dix ans après sa sortie. Plus qu’un simple projet musical, il s’agit d’une plongée dans la mémoire et la magie des mots, entre art, transmission et émotion.

La musique, bande originale de notre quotidien

Dans nos sociétés saturées de sons, la musique n’est plus un simple divertissement : elle est devenue la bande-son de nos vies. Chaque morceau s’accroche à un moment, à une émotion, à un souvenir. Nos playlists sont des cartes du souvenir, où les refrains racontent ce que nos pensées n’osent pas dire. On écoute pour se souvenir, pour guérir, pour rire et pour partager. Derrière chaque chanson se cache une part de nous, une histoire intime qui trouve soudain un écho dans la voix d’un autre. C’est là que naît la magie des mots mis en musique.

Depuis la sortie de son premier album en 2015, Eurêka s’inscrit complètement dans cette idée. Les témoignages sont nombreux, ses morceaux accompagnent ceux qui les écoutent dans les différentes étapes de leurs vies. Les réseaux sociaux exacerbent cette tendance, où les internautes s’approprient les mots d’Eurêka pour laisser leurs émotions s’exprimer. L’artiste, presque malgré lui, devient un porte-parole de ces événements universels et intemporels.

Alors les questions fusent. Les auditeurs attendent de comprendre comment Eurêka réussit à capter leurs pensées et pourquoi lui aussi ressent ces émotions ?

Un livre pour révéler l’histoire derrière les mots

Au-delà des textes, Eurêka offre dans ce livre une véritable exploration du processus créatif. Le Mystère de la Chambre Rose et autres histoires dévoile des anecdotes inédites sur la naissance de ses chansons, comment chaque morceau a vu le jour, les inspirations qui l’ont nourri, et la manière dont chaque texte cache un message, à découvrir au fil des pages.

Le livre est conçu comme un beau livre à feuilleter, avec des illustrations au fusain de Léa Fabreguettes, qui a également réalisé certains des clips vidéo d’Eurêka. Il s’agit donc d’une œuvre artistique complète, alliant poésie, illustration et témoignages personnels. Le recueil devient une expérience immersive où le lecteur peut s’approprier le texte et ressentir l’émotion brute qui l’a inspiré. Sans parler de la possibilité de s’essayer au slam en reprenant les paroles.

Un album réinventé et une vision revisitée après dix ans d’évolution

Pour marquer l’anniversaire de son premier album, Eurêka réédite Le Meilleur pour la Fin. Cet album, sorti en 2015, a déjà été un succès avec plus de 15 000 ventes et a remporté quatre prix musicaux professionnels. Toutefois, dix ans après sa sortie initiale, l’artiste revient sur son travail avec une nouvelle perspective, une vision plus aboutie, et l’album a été remastérisé pour cette réédition.

En parallèle, Eurêka propose une version commentée de chaque chanson, apportant quelques anecdotes, racontant les événements qui ont inspiré leur écriture, et comment il voit son travail aujourd’hui, avec un recul de dix ans. Il accorde une grande importance aux détails cachés dans ses paroles, chaque chanson ayant une chute inattendue, un twist, qui se révèle au fur et à mesure des écoutes attentives.

Un livre-cadeau pour remercier ses auditeurs

Des fans de la première heure…

Ce livre trouve ses racines dans le souhait de faire un cadeau à ses fans.

Eurêka reçoit de nombreux témoignages d’auditeurs qui s’approprient ses textes, lorsque eux-mêmes traversent les périodes racontées par les chansons : des étudiants qui obtiennent leur diplôme, un collègue qui part à la retraite, une femme sur le point de donner la vie… Le livre des paroles est donc une manière de remercier ces oreilles attentives, ces fans du quotidien en leur donnant à découvrir l’histoire derrière l’histoire.

Ce livre, c’est la continuation de ce lien profond que l’artiste entretient avec son public, mais aussi une porte d’entrée pour de nouveaux lecteurs.

Aux futurs lecteurs

Les fans de la première heure y trouveront des éléments inédits et des révélations, tandis que les nouveaux lecteurs découvriront des textes universels et intemporels, qui parlent d’eux et de leur propre parcours. Les textes, dont l’écriture a, pour certains, nécessité plusieurs mois, sont un regard poétique, mais toujours réaliste sur les épreuves de la vie, qu’elles soient bonnes ou mauvaises. À travers ce livre, Eurêka crée un pont entre la musique, la littérature et la vie de ses auditeurs.

Le livre et l’album sont d’ores et déjà disponibles en précommande, avec la possibilité d’ajouter une dédicace personnalisée pour chaque commande. Ce projet est pensé pour récompenser la fidélité des fans et leur offrir une expérience unique, bien au-delà de la simple écoute de ses morceaux.

Eurêka, un poète libre et engagé

Artiste atypique dans le paysage musical français, Eurêka revendique une parole sincère, ancrée et républicaine.

Loin des modes et des postures, il défend une poésie lucide et bienveillante, porteuse de valeurs d’espérance, de solidarité et de transmission.

Catholique, républicain et fier de ses racines, Eurêka écrit pour rassembler, non pour diviser. Son slam refuse les étiquettes : il invite à réfléchir, à ressentir, et à croire encore à la beauté du monde.

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Auteure, compositrice et interprète engagée auprès des enfants.

Laure DESBRE, créatrice de l’univers musical poétique et éducatif  Paroles de Farfelus, poursuit son engagement en faveur des enfants avec une nouvelle chanson émouvante et lumineuse : “Marre des Histoires”, écrite et composée avec Franck DESBRE.

Cette œuvre, pensée pour les plus jeunes – dès l’école maternelle, aborde avec délicatesse le harcèlement entre enfants et ses répercussions émotionnelles. En peu de mots, Laure DESBRE parvient à exprimer ce que tant d’enfants ressentent en silence : la peur, la tristesse, mais aussi l’espoir de trouver écoute, aide et réconfort.

Une chanson pour comprendre, parler et grandir

Avec Marre des Histoires, Laure DESBRE signe une chanson rythmée positive et engagée, sincère et porteuse de sens. Le texte, accessible et rythmé, met en scène un enfant qui confie ses blessures : les moqueries, les bousculades, les insultes à la récréation. Mais l’histoire bascule vers la lumière lorsque l’amitié et la solidarité viennent panser les plaies du cœur.

“Je me suis fait pousser,

Et même bousculer,

Aujourd’hui à la récré.

Mais quelqu’un va m’aider,

Pour me consoler,

Et je vais tout oublier.”

Ce refrain simple et puissant invite les enfants à oser parler, à demander de l’aide, mais surtout à agir lorsqu’un camarade souffre.

Dans la partie parlée, Laure s’adresse directement aux jeunes auditeurs :

“Quand on voit une copine ou un copain 

se faire chahuter à la récré,

Il suffit juste de l’aider,

Et grâce à vous, il pourra tout oublier…”

Un message universel de bienveillance, formulé à hauteur d’enfant, pour faire naître une réflexion essentielle dès le plus jeune âge : la gentillesse est une force.

De la prévention à l’espérance : la musique au service de l’enfance

“Marre des Histoires” s’inscrit dans une démarche artistique et citoyenne que Laure DESBRE développe depuis plusieurs années à travers Paroles de Farfelus. Ses chansons — parmi lesquelles Te laisse pas embêter, Une main tendue, Victime ou pas ?, ou encore « Les droits des enfants » — sont aujourd’hui utilisées dans de nombreuses écoles, centres culturels et associations œuvrant pour la protection et les droits des enfants.

À travers la musique, Laure souhaite dédramatiser les situations de harcèlement tout en offrant des repères émotionnels aux enfants, enseignants et parents. Son objectif : libérer la parole et faire entrer l’espoir dans les classes.

Les chansons peuvent changer les comportements, ouvrir les cœurs et donner confiance. Quand un enfant chante qu’il n’a plus peur, il commence déjà à se reconstruire.

Laure DESBRE

Une artiste engagée et reconnue

Connue du jeune public sous le nom de Lorette, Laure DESBRE incarne dans Paroles de Farfelus un univers féerique, poétique et bienveillant, à la croisée de la musique, du rêve et de la pédagogie. Ses spectacles, comme Farfelu’Party ou Te laisse pas embêter, mêlent chansons, textes ludo-éducatifs et moments de partage. Elle s’est produite sur de nombreuses scènes, dont le Jardin d’Acclimatation à Paris, et s’engage activement aux côtés de la Fédération Alexis Danan et de l’association Comme un pHARe, pour la défense et la protection des enfants.

L’univers Paroles de Farfelus, devenu une référence de la chanson jeunesse, a déjà touché des milliers d’écoles et des millions d’enfants à travers la France et les territoires d’Outres-Mer.

“Marre des Histoires” : un outil pour les enseignants et les familles

La chanson sera prochainement disponible le vendredi 31 octobre 2025 sur toutes les plateformes musicales. Elle sera accompagnée d’un livret pédagogique illustré, conçu pour les enseignants de maternelle et les parents, afin d’aider les enfants à mettre des mots sur leurs émotions, comprendre la différence entre conflit et harcèlement, et trouver ensemble des solutions positives.

Cette sortie s’inscrit dans la campagne de sensibilisation menée par Paroles de Farfelus autour de la prévention du harcèlement scolaire, avec des ressources musicales, visuelles et éducatives adaptées à chaque âge.

“Il n’y a plus d’histoires…” : chanter pour ne plus avoir peur du noir

La chanson se clôt sur ces mots :

“Il n’y a plus d’histoires,

Elles vont sortir de ma mémoire.

Je suis sûr que ce soir,

Je n’aurai plus peur du noir…”

Un final lumineux, symbole de résilience et de renaissance, où la peur laisse place à la confiance. “Marre des Histoires” n’est pas seulement une chanson : c’est un outil d’espoir, un message d’amour, une main tendue aux enfants d’aujourd’hui pour qu’ils grandissent dans un monde plus doux et plus juste.

En savoir plus

Site web : www.parolesdefarfelus.com

Instagram : https://www.instagram.com/paroles_de_farfelus/

Sortie officielle : Vendredi 31 Octobre 2025

https://farfelus.lnk.to/marredeshistoires

Public familial : à partir de 3 ans 

Kit pédagogique disponible sur demande.

Titre à écouter en avant-première sur demande.