Dans cette chanson où « la bouteille naviguait de la main jusqu’au cœur », le groupe célèbre ces instants où les générations se retrouvent autour d’une même table et où les souvenirs commencent à s’écrire. Une imagerie de bistrot d’autrefois, certes, mais qui parle avant tout du plaisir d’être ensemble. Car Wazoo ne célèbre pas une France disparue ; le groupe célèbre des moments qui n’ont pas d’âge.

Musicalement, cette célébration prend la forme d’une énergie brute et fédératrice. Porté par un violon survolté, une guitare acoustique et un accordéon festif, Le meilleur vin concentre toute l’identité musicale de Wazoo.

À sa manière, le titre rappelle aussi qu’à force de tout classer, noter et hiérarchiser, on finit parfois par oublier l’essentiel. Peu importe le millésime ou l’étiquette : ce qui fait un grand vin n’est pas toujours dans la bouteille, mais souvent dans les amis qui l’entourent. Il n’est pas certain que l’on répare le monde autour d’une bouteille. Mais il est probable que l’on y entretienne ce qui lui permet encore de tenir debout.

LE CLIP

C’est à Avèze, dans les paysages de l’Artense auvergnate, qu’a été tourné le clip de Le meilleur vin. Agriculteurs, maire du village et proches du groupe y partagent l’affiche dans une mise en images fidèle au message du morceau : les plus belles histoires sont souvent celles qui se vivent ensemble.

À PROPOS DE WAZOO

Né en 1999 au pied du plateau de Gergovie sous l’impulsion de Kévin Quicke et Jeff Chalaffre, Wazoo s’est imposé au fil des années comme l’un des porte-voix les plus singuliers de la ruralité française.

Révélé au grand public par le succès de La Manivelle, le groupe auvergnat a su transformer les traditions populaires en une énergie festive fédératrice, sans jamais renier ses racines.

Avec plus de 600 concerts, 600 000 disques vendus et près de 100 millions de vues, Wazoo a bâti une aventure musicale unique où la fête devient un véritable espace de partage intergénérationnel.

Mais derrière les envolées du violon et l’énergie de l’accordéon se dessine également un attachement profond à la terre et à ceux qui la font vivre. Une sensibilité qui a trouvé un écho particulier avec Agriculteurs, devenu en 2024 l’un des hymnes spontanés du monde paysan.

Depuis plus de vingt-cinq ans, Wazoo poursuit ainsi une œuvre populaire, enracinée et profondément humaine, rappelant avec malice que la légèreté est parfois la plus élégante des résistances.

WAZOO EN CONCERT

AVRIL 2026

• 17 avril — Yssingeaux (43)
• 18 avril — Montferrand (63)
• 30 avril — Mauléon-Licharre (64)

MAI 2026

• 01 mai — Désaignes (07)
• 02 mai — Haut Valromey (01)
• 29 mai — Saint-Maixent-l’École (79)

JUIN 2026

• 13 juin — Jaligny-sur-Besbre (03)
• 20 juin — Barfleur (50)
• 21 juin — Puy-Guillaume (63)
• 26 juin — Bobital (22)

JUILLET 2026

• 03 juillet — Malemort (19)
• 04 juillet — Les Cerqueux (49)
• 11 juillet — Champagne (07)
• 13 juillet — Aulnat (63)
• 14 juillet — Saint-Marc-à-Frongier (23)
• 17 juillet — Celles-sur-Durolle (63)
• 18 juillet — Ytrac – Bex d’Ytrac (15)
• 23 juillet — Civray (86)
• 24 juillet — Thenon (24)

AOÛT 2026

• 06 août — La Bourboule (63)
• 08 août — Égletons (19)
• 12 août — Béziers (34)
• 14 août — Alban (81)
• 15 août — Condat-en-Combraille (63)
• 21 août — Bourbon-l’Archambault (03)
• 22 août — Thorigny (85)
• 29 août — Sers (16)

SEPTEMBRE 2026

• 11 septembre — Chambéry (73)

En savoir plus

Site web : https://wazoo.lnk.to/wazoo

Piaf, Brel, Dalida, Aznavour, Gréco, Gainsbourg, Ferré, Barbara, Chevalier ou Trenet n’ont pas seulement chanté Paris : ils ont laissé derrière eux des adresses, des atmosphères, des fragments d’époque.

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier réunit ses visites, croisières et concerts pour faire redécouvrir ce Paris musical, entre anecdotes, interprétation a cappella et lieux emblématiques.

Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux de Paris et de la Chanson Française !

Paris en chansons, un nouveau nom pour relier les lieux, les voix et les époques

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier donne une cohérence à plusieurs créations développées au fil des années : la visite Montmartre en chansons, la croisière Guinguettes en chansons sur la Marne avec RiverCat, les concerts autour du Paris de Piaf, et une nouvelle visite lancée en 2026, Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Le projet repose sur un principe fort : faire découvrir Paris non par ses seuls monuments, mais par les artistes qui ont marqué ses quartiers, ses cabarets, ses caves, ses cafés et ses rives. Chaque parcours associe récit, anecdotes, adresses emblématiques et interprétations chantées a cappella et parfois accompagnées à l’accordéon.

Une proposition culturelle entre patrimoine, musique et expérience vivante

Paris en chansons s’adresse autant aux visiteurs qu’aux habitants curieux de redécouvrir la capitale autrement. L’approche n’est ni celle d’un simple tour touristique, ni celle d’un concert classique : elle se situe au croisement de la visite culturelle, du récit biographique et de la performance vocale.

Chaque expérience permet de suivre un fil différent :

• Montmartre, la Butte des cabarets, d’artistes emblématiques et de la bohème populaire ;
• Saint-Germain-des-Prés, quartier des caves, du jazz, de l’existentialisme et des voix de l’après-guerre ;
• la Marne, territoire des guinguettes, des dimanches chantants et d’un imaginaire festif francilien ;
• la scène, avec les concerts consacrés notamment à l’univers de Piaf.

L’ensemble compose une cartographie musicale de Paris, à la fois populaire, historique et incarnée.

Saint-Germain-des-Prés en chansons, la nouveauté 2026

Le lancement de Paris en chansons s’accompagne d’une nouvelle création : Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Cette visite s’intéresse à l’un des quartiers les plus chargés de mémoire musicale et intellectuelle de la capitale. Au lendemain de la guerre, Saint-Germain-des-Prés devient le territoire d’une jeunesse en quête de liberté, d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de chanteurs. Dans les caves où résonnent jazz et chansons se retrouvent Juliette Gréco, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Charles Aznavour, Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Marcel Mouloudji, Cora Vaucaire, mais aussi de nombreux jazzmen américains.

Le parcours traverse des lieux associés à cette histoire : l’église Saint-Germain-des-Prés, le Café de Flore, Les Deux Magots, le pont des Arts, la Monnaie de Paris ou encore Saint-Sulpice. Anne-Sophie Guerrier y raconte les adresses, les rencontres, les nuits, les débuts, puis interprète les chansons qui ont marqué le quartier.

“Les feuilles mortes”, “Dis, quand reviendras-tu ?”, “La Javanaise” ou “Il n’y a plus d’après” deviennent les repères d’une promenade qui ne se limite pas à l’évocation nostalgique. Elle restitue un moment culturel précis, celui d’un Paris d’après-guerre où la chanson dialogue avec la littérature, le jazz et les idées.

Montmartre en chansons, la genèse de l’aventure

Avant Paris en chansons, il y a Montmartre en chansons. Cette visite reste au programme et constitue le socle du projet.

À travers les ruelles de la Butte, Anne-Sophie Guerrier guide les visiteurs sur les traces d’Édith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Dalida et de nombreux artistes ayant vécu ou séjourné à Montmartre.

Le parcours fait découvrir les lieux emblématiques du quartier : les vignes, les moulins, le Mur des “je t’aime”, le Sacré-Cœur, les anciens cabarets, mais aussi des passages plus secrets et des recoins bucoliques.

À chaque étape, le récit se prolonge par une chanson : “La vie en rose”, “La complainte de la butte”, “Sous le ciel de Paris”, “La Bohème”… Le quartier n’est pas traité comme un décor figé, mais comme un lieu de création, de débuts difficiles, de rencontres et de légendes populaires.

Guinguettes en chansons, la Marne comme mémoire populaire

En 2024, Anne-Sophie Guerrier décline son concept sur la Marne avec Guinguettes en chansons, une croisière musicale développée avec RiverCat.

À bord, accompagnée par l’accordéoniste Yann Cotty, elle fait revivre l’esprit des guinguettes, ces lieux de fête qui ont longtemps animé les bords de Marne. Le bateau longe notamment Chez Gégène et évoque des établissements aujourd’hui disparus comme Chez Jullien ou le Casino du Viaduc.

Le répertoire rend hommage à Maurice Chevalier, Charles Trenet, Bourvil, Jean Gabin, Lucienne Delyle, Damia ou Fréhel, avec des chansons telles que “Ah ! Le petit vin blanc”, “Quand on s’promène au bord de l’eau”, “La java bleue” ou “À Joinville-le-Pont”.

Anne-Sophie Guerrier, créatrice d’un univers musical parisien

Le projet porte la marque du parcours d’Anne-Sophie Guerrier. Installée à Paris depuis plus de dix ans, elle vit à Montmartre, quartier d’artistes pour lequel elle a eu un véritable coup de cœur.

Chanteuse professionnelle, elle débute en 2019 dans les couloirs du métro parisien en tant que Musicienne du métro. En 2020, la pandémie l’empêche de poursuivre cette activité. Elle chante alors dans la rue et découvre la difficulté d’enchaîner un répertoire complet sans micro ni accompagnement.

De cette contrainte naît une forme originale : alterner refrains et anecdotes sur les artistes liés à Montmartre. Après de longues recherches sur leur vie et leur empreinte dans le quartier, elle construit un circuit autour des lieux où ils ont vécu et se sont produits.

En août 2021, elle lance Montmartre en chansons. Ce premier succès ouvre la voie aux créations suivantes.

De la rue aux scènes internationales

Le parcours d’Anne-Sophie Guerrier connaît aussi plusieurs prolongements artistiques.

En janvier 2024, elle représente la région Île-de-France au Grand Concours des Régions, diffusé en prime-time sur France 3. Sa manière de remettre au goût du jour la chanson réaliste et l’univers des guinguettes séduit Cyril Féraud et le jury. Cette exposition accompagne la naissance de Guinguettes en chansons.

Lors d’une visite à Montmartre, elle rencontre ensuite Guillaume Cardot, chef de l’Orchestre d’harmonie de Clermont-Ferrand. Ensemble, ils créent le concert Le Paris de Piaf, joué à guichets fermés à la Maison de la Culture de Clermont-Ferrand avec 75 musiciens. Face à l’accueil rencontré, le concert est décliné en duo et en quatuor. Il tourne aujourd’hui dans plusieurs villes en France, en Belgique et en Allemagne.

Ces créations scéniques donnent une autre dimension à Paris en chansons : le projet ne se limite pas aux parcours dans la ville, il se prolonge aussi sur scène, avec la même volonté de faire vivre le répertoire dans un rapport direct au public.

Une manière plus intime de redécouvrir Paris

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier rassemble les différentes facettes de son travail : la voix, la recherche, la transmission, la rue, la scène, les quartiers et la mémoire populaire.

Le projet s’adresse aux amoureux de Paris, aux passionnés de chanson française, aux visiteurs de passage comme aux habitants qui souhaitent poser un autre regard sur des lieux familiers. Il propose une expérience où l’on écoute autant que l’on regarde, où la chanson devient un outil de lecture de la ville.

En donnant une unité à ses visites, croisières et concerts, Anne-Sophie Guerrier affirme une démarche singulière : faire de Paris non pas un décor, mais un répertoire vivant.

En savoir plus

Vidéo de présentation : https://www.youtube.com/watch?v=5hOq-F5CjTA

Le site internet : https://www.parisenchansons.com

Facebook : https://www.facebook.com/annesophieguerrier

Instagram : https://www.instagram.com/annesophie.guerrier/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/annesophie-guerrier/

Chez DJ JERRY CO, les sons deviennent des passerelles entre les époques, les influences et les émotions.

Derrière les platines, le producteur construit depuis plusieurs années un univers où se croisent culture club, écriture imagée, passion du partage et volonté de transmission.

Aujourd’hui, cette trajectoire prend une nouvelle dimension avec Still I Rise, un album actuellement en préparation qui doit voir le jour en 2027.

Plus qu’une sortie musicale, ce projet illustre la construction progressive d’un véritable territoire artistique, où coexistent production, création, radio et accompagnement musical.

Les fantômes du dancefloor ne meurent jamais : DJ JERRY CO compose avec la mémoire des clubs

Avant même que le premier couplet ne démarre, l’univers de DJ JERRY CO est déjà là.

Une introduction. Un fragment sonore. Une référence que l’oreille reconnaît sans toujours parvenir à l’identifier immédiatement. Un clin d’œil à Put Your Hands Up de Danzel, à Mamacussa ou encore à Michael Jackson. Quelques secondes qui agissent comme un voyage instantané vers des souvenirs collectifs.

Cette approche constitue l’une des signatures de l’artiste. Là où certains morceaux commencent directement, DJ JERRY CO aime créer un décor. Les medleys qu’il imagine en ouverture de certaines chansons fonctionnent comme des portes d’entrée vers son univers. Ils convoquent la mémoire des clubs, des radios, des pistes de danse et des moments partagés autour de la musique.

Cette manière de travailler révèle une conviction profonde : la musique n’est pas seulement une succession de sons. Elle est aussi une somme de souvenirs, d’émotions et de références qui continuent de vivre à travers les générations.

À travers ses productions, DJ JERRY CO cherche ainsi à relier :

• La culture club qui a marqué plusieurs décennies ;
• Les grandes références populaires qui ont accompagné les publics ;
• L’énergie du DJing ;
• Une approche plus personnelle de l’écriture et de la création.

Le résultat dessine un univers qui navigue constamment entre hommage, transmission et création.

Still I Rise : douze titres pour transformer des années de passion en manifeste musical

Cette identité artistique trouve aujourd’hui une nouvelle expression avec Still I Rise.

Actuellement en phase de production, cet album réunira 12 titres originaux ainsi que plusieurs remix. Réalisé par DJ JERRY CO en tant que DJ producteur, il constitue une étape importante dans son parcours.

Le premier single est annoncé pour septembre et sera disponible sur l’ensemble des plateformes de streaming. L’album complet doit quant à lui paraître au cours du premier trimestre 2027, autour du mois de mars.

Au-delà de son contenu musical, Still I Rise apparaît comme la synthèse de plusieurs années de réflexion artistique. Le projet rassemble les différentes facettes de DJ JERRY CO : le DJ, le producteur, le musicien et l’auteur-compositeur-interprète.

Le titre de l’album lui-même évoque une dynamique de persévérance et de progression. Il accompagne un parcours qui s’est construit dans la durée, au fil des expériences, des rencontres et d’une passion jamais démentie pour la musique.

Quand les mots prennent le relais des platines : une musique qui cherche autant à faire ressentir qu’à faire danser

Si l’énergie du dancefloor nourrit son travail, DJ JERRY CO accorde également une place importante à l’écriture.

Ses textes sont conçus comme des espaces d’évocation. L’artiste souhaite faire naître des histoires, des images et des émotions grâce à une écriture qui s’appuie volontiers sur la métaphore.

Il résume lui-même cette démarche : Ma musique est une invitation à ressentir, à imaginer, et à partager des histoires qui résonnent en chacun de nous.

Cette phrase éclaire l’ensemble de son projet artistique.

Au-delà du rythme et de la production, DJ JERRY CO revendique une approche fondée sur :

• Le partage ;
• L’authenticité ;
• La transmission d’émotions ;
• La création d’une connexion sincère avec le public.

La musique devient alors un terrain commun où chacun peut projeter sa propre histoire tout en partageant une expérience collective.

Un artiste, plusieurs fréquences : l’album, le label, la radio et la production comme un même territoire

DJ JERRY CO OFFICIEL ne se limite pas à une activité artistique unique.

Le projet s’est progressivement développé autour de plusieurs dimensions complémentaires qui participent toutes à une même vision de la musique.

Aujourd’hui, DJ JERRY CO est à la fois :

• DJ producteur ;
• Musicien ;
• Auteur-compositeur-interprète ;
• Responsable d’un label ;
• Créateur d’une radio musicale.

Cette organisation permet de couvrir différentes étapes de la chaîne musicale, depuis la création jusqu’à la diffusion.

Les activités proposées comprennent notamment :

• DJ Set et festivals : Des animations musicales adaptées à différents événements avec des ensembles personnalisés selon les besoins ;
• Création musicale : La conception de chansons originales, de l’écriture à l’interprétation ;
• Production : Des prestations d’enregistrement et de mixage destinées aux artistes ;
• Accompagnement : Un travail de promotion et de diffusion via le label.

Cette diversité traduit une volonté claire : ne pas simplement produire de la musique, mais participer activement à son développement et à sa circulation.

Quand les platines rencontrent les ondes : une radio pensée comme un lieu de découverte

Parmi les composantes du projet, la radio DJ JERRY CO occupe une place particulière.

Actuellement en pleine évolution, elle a vocation à diffuser les singles d’artistes reconnus tout en offrant une visibilité à de nouveaux talents.

L’objectif est également de proposer des émissions spéciales diffusées en direct depuis différents lieux, afin de créer des rendez-vous musicaux plus immersifs et plus vivants.

À travers cette radio, DJ JERRY CO prolonge finalement l’une des missions historiques du DJ : découvrir, sélectionner, partager et faire circuler la musique.

Dans un environnement dominé par les algorithmes et les playlists automatisées, cette démarche remet au centre la notion de programmation humaine et de transmission.

Des Quinconces aux plateformes de streaming : l’histoire d’une passion devenue projet de vie

L’histoire de DJ JERRY CO commence bien avant Still I Rise.

Dès l’âge de 6 ans, il découvre l’univers du DJing et développe progressivement une passion pour la musique et son industrie.

Une étape importante intervient en 1998 lorsqu’il passe sur Wit FM, alors installée à l’Esplanade des Quinconces.

L’idée qui donnera naissance au projet actuel remonte ensuite aux années 2000. Au fil du temps, cette ambition se structure et s’enrichit pour devenir l’univers musical développé aujourd’hui.

Cette trajectoire explique la cohérence du projet actuel : un parcours construit dans la durée, nourri par l’expérience, la curiosité musicale et une volonté constante de partager sa passion.

À propos de DJ JERRY CO OFFICIEL

DJ JERRY CO OFFICIEL réunit les activités de DJ producteur, musicien, auteur-compositeur-interprète, label et radio. Le projet propose des prestations musicales pour événements et festivals, des services de production musicale, d’enregistrement et de mixage, ainsi qu’un accompagnement artistique via son label et sa radio.

Son prochain album, Still I Rise, composé de 12 titres originaux et de plusieurs remix, est actuellement en production. Un premier single est prévu pour septembre, avant une sortie complète de l’album au premier trimestre 2027.

En savoir plus

Site web : https://www.dj-jerry-co-officiel.com/

Facebook : https://www.facebook.com/DJJERRYCO/

Instagram : https://www.instagram.com/dj_jerry_co/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/djjerryco/

Dans la lignée des grands noms du néo-classique qui ont choisi de confronter leur musique aux éléments, Vivian Roost a signé une série de performances inédites en Polynésie française.

À Moorea, son piano a flotté sur le lagon.

Au pied du Mont Rotui, il a joué au cœur des champs d’ananas.

Sous les banians millénaires, il a fait résonner ses compositions dans une nature intacte.

Mais il ne s’agit pas d’un simple clip.

Le réel comme manifeste artistique

À l’heure où les paysages peuvent être recréés par l’intelligence artificielle, Vivian Roost choisit le réel. Le vent, l’humidité, l’imprévu. Un piano déplacé, installé, accordé dans des conditions non conventionnelles. Une performance qui devient défi logistique et engagement esthétique.

Je ne voulais pas filmer un piano dans un décor. Je voulais que le décor devienne le piano.

Ces performances hors du temps s’inscrivent dans une démarche contemplative : célébrer la beauté du monde tel qu’il est, sans artifice, sans fond vert, sans retouche spectaculaire.

Un héritier du Néo-classique européen

Avec plus de 110 millions de streams dans le monde, des publications chez Deutsche Grammophon et le soutien de figures comme Nils Frahm, Vivian Roost s’impose comme l’un des représentants d’une nouvelle génération de pianistes contemporains. Son univers évoque les paysages émotionnels d’artistes tels qu’Ólafur Arnalds ou Ludovico Einaudi, mais s’en distingue par une approche profondément visuelle et narrative : il compose comme on raconte une histoire.

Chaque pièce devient un voyage intérieur, une respiration. 

LIEN VIDÉO

Sound of Paris × Bang & Olufsen, 14 juin 2026

Le 14 juin 2026, Vivian Roost sera l’invité d’exception du Sound of Paris, une journée orchestrée par Bang & Olufsen à l’Atelier Richelieu, à Paris. Une rencontre dédiée à la musique et à l’image, pensée pour les passionnés de son et de design : conférences, sessions d’écoute d’albums, projection, ateliers privilégiés, et en clôture, un showcase inédit du pianiste.

Vivian Roost jouera dans l’après-midi, pour une session d’écoute immersive d’une heure. Un format conçu comme une expérience sensorielle : comparaison A/B entre son numérique et analogique, écoute sur enceintes Bang & Olufsen, échanges autour de l’approche sonore du piano, et un mini-live en clôture dévoilant les prémices des nouvelles compositions à venir.

Cette collaboration s’inscrit dans le prolongement naturel du manifeste artistique du pianiste, dans l’attention portée au timbre, à la dynamique, à l’espace, et témoigne de l’exigence sonore qui caractérise son travail depuis plus de dix ans. Enregistrant et produisant lui-même l’intégralité de ses œuvres dans son studio parisien, Vivian Roost avait déjà collaboré avec Bang & Olufsen en Suisse, pour des performances sonorisées exclusivement par leurs enceintes.

Une saison 2026 entre paysages et scènes d’exception

Après le festival Secret Piano au Café de la Danse (29 mars 2026), dont il est co-créateur et directeur artistique aux côtés de Yehezkel Raz et Sophie Hutchings, Vivian Roost poursuit une année 2026 rythmée par plusieurs rendez-vous majeurs :

• 14 juin · Sound of Paris × Bang & Olufsen, Atelier Richelieu, Paris
• 12 juillet · Felt Room, Berlin (deux concerts, 15h et 19h)
• 17 juillet · Piano Bostan Festival
• 19 juillet · Festival de Noirmoutier

Du paysage extérieur au paysage intérieur, de la scène en pleine nature à la session d’écoute immersive, la musique de Vivian Roost fait dialoguer l’espace, le son et la présence. Un nouvel album est attendu en 2026.

À propos de Vivian Roost

Pianiste, compositeur et ingénieur du son franco-suisse, Vivian Roost construit depuis plus de dix ans une musique néo-classique à la croisée du minimalisme européen, du cinéma et de la contemplation. Enregistrant et produisant lui-même l’intégralité de ses œuvres dans son studio parisien, il façonne une esthétique sonore précise et intimiste, timbre, dynamique, espace, conçue pour une écoute attentive et immersive. Son album From Home a dépassé les 110 millions de streams dans le monde. Ses œuvres sont publiées chez Pianoramix et Deutsche Grammophon, et ont été plébiscitées par Nils Frahmdans sa playlist officielle Piano Day. Habitué des scènes d’exception, du Louvre aux lagons de Polynésie française, de Berlin à Tokyo, il est également co-créateur et directeur artistique du festival Secret Piano. Son quatrième album est attendu en 2026.

 En savoir plus 

Sites web : https://www.vivianroost.com/

https://www.lionailes.com/ 

Facebook : https://www.facebook.com/VIVIANROOSTMUSIC/

YouTube : https://www.youtube.com/vivianroost

Une chanson lumineuse qui célèbre l’amitié, le partage et les émotions positives

Après le succès de ses chansons engagées et fédératrices chantées dans des milliers d’écoles, Lorette revient avec un nouveau titre rempli de tendresse et d’énergie positive : «L’amitié !», un duo inédit avec Rémi Guichard, figure incontournable de la chanson jeune public.

Avec cette nouvelle création signée Laure et Franck DESBRE, les artistes offrent une véritable bouffée d’optimisme dans un monde où les enfants ont plus que jamais besoin de repères, d’écoute et de bienveillance.

Une chanson qui touche le cœur dès les premières notes

Portée par une mélodie entraînante et un refrain immédiatement mémorisable, «L’amitié» célèbre ces liens précieux qui nous aident à avancer, grandir et sourire malgré les difficultés.

Un ami c’est pour la vie, Même quand tous les jours sont gris…

La chanson évoque avec simplicité et sincérité :

•          l’entraide,
•          la fidélité,
•          le soutien dans les moments difficiles,
•          le pouvoir des fous rires,
•          et cette force invisible qu’apporte une vraie amitié.

Dans un univers musical joyeux et coloré, Lorette et Rémi Guichard rappellent que les plus belles richesses ne s’achètent pas : elles se vivent, se partagent et se chantent ensemble.

Un duo complice et intergénérationnel

La rencontre entre Lorette et Rémi Guichard sonne comme une évidence.

Deux univers artistiques profondément humains, sincères et tournés vers l’enfance. D’un côté, Lorette, créatrice de l’univers féerique Paroles de Farfelus, connue pour ses chansons éducatives et positives autour du respect, de la paix, des droits des enfants et du vivre-ensemble.

De l’autre, Rémi Guichard, artiste emblématique de la scène jeune public française, reconnu pour ses chansons tendres, drôles et intelligentes qui accompagnent les familles depuis de nombreuses années.

Ensemble, ils chantent un titre fédérateur, chaleureux et profondément actuel.

Une chanson qui donne envie de chanter ensemble

Avec ses “La la la la la la la” fédérateurs et son message universel, “L’amitié” s’annonce déjà comme une chanson incontournable pour :

• les écoles,
• les spectacles jeune public, les fêtes familiales,
• les chorales,
• et tous les moments de partage.

Ce nouveau titre s’inscrit pleinement dans la démarche artistique de Paroles de Farfelus : transmettre des émotions positives tout en donnant du sens aux chansons destinées aux enfants. 

Un message fort dans une époque qui en a besoin

À travers cette chanson, Lorette poursuit son engagement artistique et pédagogique auprès des enfants et des familles.

Après les titres engagés contre le harcèlement scolaire comme :

•           Te laisse pas embêter,
•           Marre des histoires,
•           Les droits des enfants,

Ce nouveau morceau vient rappeler l’importance de l’amitié, de l’écoute et du soutien mutuel dès le plus jeune âge.

Parce qu’un ami peut parfois changer une vie

À propos de Paroles de Farfelus

Créé par Lorette (Laure Desbre), Paroles de Farfelus est un univers musical enchanteur mêlant chansons, spectacles et messages éducatifs destinés aux enfants et aux familles. Avec des millions d’écoutes sur les plateformes et des chansons interprétées dans des milliers d’écoles, Paroles de Farfelus est devenu un véritable ambassadeur de la joie, de la bienveillance et du vivre-ensemble.

Entre concerts, projets pédagogiques, spectacles et collaborations artistiques, Lorette continue de faire chanter les enfants autour de valeurs essentielles : le respect, l’amitié, la paix et le droit de grandir heureux.

Disponible bientôt sur toutes les plateformes le 17 Juin 2026

Un clip vidéo plein de couleurs et d’émotions accompagnera prochainement cette sortie. https://farfelus.lnk.to/l-amitie

Informations, actualités et univers de Lorette : Le joli monde de Lorette

Ici, on ne parcourt pas des fiches produits, on manipule, on écoute, on compare.

L’équipement musical se choisit désormais majoritairement derrière un écran, mais cette scène attire chaque année plusieurs milliers de visiteurs venus faire bien plus qu’un achat : comprendre ce qu’ils utilisent, affiner leur pratique, parfois même déclencher un projet.

C’est dans cette logique que SonoVente.com organise la 13e édition de sa Grande Braderie, le 13 juin à Palaiseau, une journée qui mêle réductions importantes, démonstrations, conseils d’experts et ambiance collective, avec un objectif revendiqué : remettre le matériel musical à portée de toutes les bourses, sans le déconnecter de l’expérience réelle.

Palaiseau se met au diapason : une journée où tout devient musique, du stand à la conversation

Le samedi 13 juin à Palaiseau, en Île-de-France, SonoVente.com donne rendez-vous aux musiciens, techniciens, enseignants et passionnés pour la 13e édition de sa Grande Braderie.

Au fil des éditions, l’événement s’est installé comme un moment attendu, où l’on vient autant pour s’équiper que pour vivre une immersion dans l’univers musical. Dès les premières heures, les allées se remplissent, les démonstrations s’enchaînent, les discussions s’engagent.

Le lieu se transforme progressivement en espace vivant. Les visiteurs testent un micro, comparent deux enceintes, découvrent un contrôleur DJ ou s’essaient à un instrument. Les sons se croisent, les conseils circulent, les échanges s’installent. L’expérience dépasse le cadre de l’achat pour devenir un moment partagé, rythmé par la curiosité et la passion.

Tester, comparer, comprendre : l’achat musical redevient une expérience éclairée

La singularité de la Grande Braderie tient à son format. Là où l’achat en ligne repose sur la projection, l’événement propose une confrontation directe avec le matériel.

Les visiteurs manipulent, testent, comparent. Ils évaluent concrètement les différences entre deux équipements, posent des questions précises, affinent leurs critères. L’acte d’achat s’inscrit alors dans une démarche progressive, nourrie par l’essai et l’échange.

Cette dimension prend une importance particulière dans un paysage musical en mutation. Production à domicile, DJing, live, streaming : les pratiques se diversifient, les configurations se complexifient. Choisir un équipement ne relève plus seulement du budget, mais d’un usage précis.

La Grande Braderie agit ainsi comme un espace de clarification. Elle permet de donner du sens aux choix techniques et d’éviter des investissements inadaptés.

Remettre la musique à la portée de toutes les bourses : transformer l’intention en équipement réel

Depuis sa création en 1997, SonoVente.com poursuit une ambition constante : rendre le matériel musical accessible sans renoncer à la qualité.

La Grande Braderie en constitue la traduction la plus concrète. Elle répond à une réalité simple : pour de nombreux musiciens, techniciens ou enseignants, l’équipement reste un frein, souvent repoussé ou limité par des contraintes budgétaires.

En concentrant, sur une seule journée, une offre étendue et des remises pouvant atteindre 80 %, l’événement agit comme un déclencheur. Il permet de concrétiser des projets, d’accéder à du matériel professionnel ou de faire évoluer un setup existant.

L’ensemble des catégories est représenté dans une logique d’équipement global : instruments, contrôleurs DJ, interfaces audio, enceintes, éclairage, micros, casques, accessoires.

L’objectif est clair : passer de l’intention à l’action, en donnant à chacun les moyens de s’équiper de manière cohérente et durable.

Repenser l’achat musical à l’ère écologique : le reconditionné comme levier durable

L’édition met en avant une orientation structurante : l’intégration du reconditionné dans les pratiques d’équipement.

Des milliers de produits en “seconde vie” sont proposés : testés, certifiés, garantis, souvent accompagnés de leurs accessoires d’origine. Cette offre s’inscrit dans une logique d’économie circulaire, en réponse aux enjeux environnementaux liés à la production électronique.

Mais au-delà de la dimension écologique, il s’agit aussi de faire évoluer les usages. Le reconditionné n’est plus présenté comme une solution secondaire, mais comme une alternative fiable et pertinente, y compris pour des utilisateurs exigeants.

En valorisant cette offre dans un cadre accessible et encadré, SonoVente.com joue un rôle pédagogique. Les équipes accompagnent les visiteurs, expliquent les processus de contrôle et contribuent à lever les réticences encore associées à ces produits.

Une ambiance qui fait la différence : café, échanges et passion partagée

La Grande Braderie se distingue aussi par des éléments plus discrets, mais révélateurs de son identité.

Au fil de la journée, cafés et viennoiseries accompagnent les visiteurs. Ces attentions participent à créer une atmosphère accueillante, où l’on prend le temps. Où les discussions s’installent. Où l’on reste plus longtemps que prévu.

L’événement devient un espace de sociabilité, où les profils se croisent : professionnels, amateurs, curieux. Une communauté qui, le temps d’une journée, se rend visible.

Des experts accessibles : l’accompagnement comme prolongement naturel de l’expérience

Au cœur de cette dynamique, les équipes de SonoVente.com jouent un rôle central.

Composées de passionnés de musique et d’audio, elles accompagnent les visiteurs dans leurs choix, répondent aux questions techniques et orientent les décisions en fonction des usages.

Cette proximité transforme la relation. Elle permet de dépasser la simple logique de vente pour entrer dans un échange plus approfondi.

Cette exigence de service s’inscrit dans la continuité du modèle de l’entreprise, élue meilleur site e-commerce dans sa catégorie par le magazine Capital en 2024, pour la quatrième année consécutive.

Informations pratiques

Événement : Grande Braderie SonoVente.com – 13e édition
Date : samedi 13 juin 2026
Horaires : de 10h à 18h
Lieu : 7 avenue du 1er mai, 91120 Palaiseau

Accès :

• RER B
• Tramway T12

Entrée : gratuite et sans inscription

À propos de SonoVente.com

SonoVente.com est une société française créée en 1997 par Nicolas Bézard, également son CEO actuel. Elle est spécialisée dans la vente par correspondance de matériel de sonorisation, de deejaying, d’éclairage, de home studio et d’instruments de musique pour professionnels et amateurs.

Depuis plus de 25 ans, l’enseigne met son expertise au service des professionnels et des passionnés de musique, en proposant une large gamme de produits et de marques de qualité à des prix compétitifs.

SonoVente.com est un leader dans la vente en ligne de matériel de sonorisation, d’éclairage, d’instruments de musique et de DJ. Depuis plus de 25 ans, l’entreprise offre à ses clients des produits de qualité et un service de qualité, avec une équipe d’experts passionnés et un service clientèle à l’écoute des besoins de chacun.

SonoVente.com a été réélu en 2024 meilleur site e-commerce dans sa catégorie par le magazine Capital, pour la 4ème année consécutive. La qualité du service client, une expérience client positive, l’ergonomie du site, la sécurisation des achats en ligne, et le niveau d’expertise professionnelle figurent parmi les critères qui nous ont permis de remporter ce titre.

Nous sommes les virtuoses du e-commerce musical, et notre partition n’a pas une fausse note !

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La grande braderie SonoVente.com

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La sortie de Weber – Eine Welt in meinem Innern, nouvel album de l’Ensemble Hexaméron placé sous la direction artistique de Luca Montebugnoli, est prévue pour le 5 juin 2026 chez Paraty, jour du bicentenaire de Carl Maria von Weber.

Ce projet discographique sera précédé par un concert de sortie le 24 mai 2026 au Festival de La Nouvelle Athènes, dans le cadre du 4^e Festival Les Premiers Romantiques et la Nature, organisé au Château de Malmaison et à Bois- Préau.

Avec Weber – Eine Welt in meinem Innern, l’Ensemble Hexaméron propose de redécouvrir Carl Maria von Weber au-delà de l’image du seul compositeur du Freischütz. Figure centrale du romantisme allemand, Weber y apparaît dans toute la diversité de son langage : de la scène au salon, du lied à la musique de chambre, de la pièce concertante à l’arrangement. Cette circulation entre les genres, pensée et creusée par l’ensemble, constitue l’un des fils conducteurs du disque. Elle révèle une œuvre traversée par le théâtre, le récit, la virtuosité et le goût des couleurs instrumentales, où chaque format semble ouvrir un espace dramatique singulier.

Ce disque s’inscrit dans une dynamique artistique plus large, portée depuis plusieurs années par Luca Montebugnoli, personnalité de proue au sein de La Nouvelle Athènes, dans la redécouverte des premiers romantismes sur pianos historiques. Le concert du 24 mai donne ainsi au lancement de Weber – Eine Welt in meinem Innern une résonance particulière. Il relie l’actualité discographique de l’Ensemble Hexaméron, pensée pour honorer les 200 ans d’un compositeur majeur encore trop rarement reconnu à sa juste valeur, à l’implication de Luca Montebugnoli au sein de l’un des collectifs les plus dynamiques en France dans ce domaine.

La présence de ce concert au sein du Festival de La Nouvelle Athènes offre au lancement du disque un cadre particulièrement cohérent. Consacré aux premiers romantismes et à la nature, le festival met en regard musique, pensée romantique, arts visuels et patrimoine naturel autour des sensibilités du début du XIXe siècle. Cette thématique entre en résonance avec l’univers de Weber, où la nature, le théâtre, le paysage intérieur et la couleur instrumentale participent d’un même imaginaire romantique.

En savoir plus

Site de l’ensemble Hexaméron : https://www.hexameron.fr/

Avec T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières inventent un jeu de miroir entre les chansons les plus iconiques de Brel et leur propre univers classique. Le violoncelle y devient chanteur sans paroles ; le piano, tour à tour orchestre et passerelle, ouvre un lieu de rencontre entre deux mémoires musicales.

La sortie de T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, nouvel album de la violoncelliste Camille Seghers et du pianiste-arrangeur Alexis Thibaut de Maisières, est prévue le 22 mai 2026 chez Paraty. Ce programme fait dialoguer treize chansons de Jacques Brel avec de grandes pages du répertoire classique, dans des arrangements signés Alexis Thibaut de Maisières.

À l’origine du projet, il y a une intuition née sur scène. Imaginées d’abord comme une série de bis, ces chansons ont pris forme au fil des concerts, avant de constituer un cycle à part entière. Le public y reconnaissait Brel sans que les mots soient prononcés ; il entendait aussi, derrière les mélodies, des correspondances inattendues avec le répertoire classique. Cette double reconnaissance est devenue le moteur du disque.

Jacques Brel travaillait avec ses musiciens dans un rapport direct à l’impulsion : une idée, un sentiment, un rythme, un motif pouvaient devenir le point de naissance d’une chanson. Alexis Thibaut de Maisières choisit ici de faire le chemin inverse. À partir des chansons de Brel, il cherche ce qui aurait pu en être la source, le soubassement ou l’écho classique. Chaque arrangement devient ainsi une hypothèse musicale : non pas un commentaire, mais une manière de faire apparaître ce que la chanson porte déjà en elle.

Cette démarche trouve un exemple central dans Les Désespérés. Gérard Jouannest, pianiste de formation classique et compagnon essentiel de Brel, avait travaillé le Concerto en sol de Ravel auprès d’Yvonne Lefébure. Dans le mouvement lent de cette œuvre, Brel entendit la matière qui allait donner naissance à la chanson. Pour Alexis Thibaut de Maisières, Les Désespérés devient alors la clef de voûte du projet : la preuve que, chez Brel, la chanson et le classique ne sont pas deux mondes étrangers, mais deux formes capables de se répondre de l’intérieur.

L’album prolonge cette intuition à travers tout un réseau de rencontres. Les Cœurs tendres croisent Ravel ; Marieke se place en regard de laBarcarolle d’Offenbach ; Les Flamandes rejoignent une polka de Chostakovitch ; Ne me quitte pas rencontre Schubert ;Vesoul s’approche de Chopin ; Bruxelles convoque l’énergie de Rimski-Korsakov. Ces rapprochements ne relèvent pas du clin d’œil érudit. Ils ouvrent aux chansons un autre espace d’écoute, tout en permettant aux œuvres classiques de gagner le naturel, l’élan et l’adresse immédiate de la chanson.

Dans ce jeu de miroir, le violoncelle occupe la place la plus exposée : celle de la voix. Mais il ne s’agit jamais d’imiter Brel car le modèle est inimitable. Privé de paroles et de gestes, le violoncelle porte autrement la ligne chantée, par le timbre, l’inflexion, la tension, la rupture, la pudeur ou l’excès. Les paroles sont déjà dans la mémoire du public ; l’instrument les convoque sans les prononcer.

Le piano, lui, devient l’espace de transformation. Il accompagne, bien sûr, mais il fait surtout circuler les chansons entre plusieurs mondes : celui du cabaret, de la scène, du salon, du concert. Par ses arrangements, Alexis Thibaut de Maisières fait apparaître un Brel profondément musicien, entouré de collaborateurs dont la culture classique a marqué l’écriture même des chansons.

À travers T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières ne proposent pas une version décorative ou nostalgique de Brel. Ils font entendre la vitalité musicale d’un répertoire devenu patrimoine, en révélant ce qui le relie naturellement aux grandes formes classiques.

Photos : @France Dubois

En savoir plus :

Site artiste : https://www.camilleseghers.com/

YouTube : https://www.youtube.com/watch?v=3HpBNm3gsk4

C’est le pari porté par La malédiction des filles Martin, création de l’auteur-compositeur lyonnais Frank Berty, qui franchit aujourd’hui une étape décisive avec une première représentation annoncée le 17 septembre 2026 à 20h30 salle Bellevue, au Radiant-Bellevue de Caluire-et-Cuire.

Inspiré de son roman publié aux Éditions du Lys Bleu, le projet se construit comme une œuvre à part entière, pensée dès l’origine pour exister à la fois sur scène, en musique et à l’image.

Entre concert blues rock, récit autobiographique et projections visuelles, il propose une forme immersive qui cherche à rendre une histoire intime accessible au public, non pas par le récit seul, mais par l’émotion.

Un spectacle musical immersif qui mêle concert, récit autobiographique et images projetées

Avec La malédiction des filles Martin, Frank Berty ne propose pas un concert au sens classique, ni une adaptation littéraire fidèle. Le projet repose sur une volonté clairement formulée : créer une expérience située à la frontière du spectacle musical et du langage cinématographique.

Sur scène, trois dimensions coexistent :

• La musique live, ancrée dans une esthétique blues rock ;
• Des projections visuelles immersives ;
• Une narration suggérée, non linéaire.

La musique structure l’ensemble et agit comme un vecteur émotionnel direct.

L’image, elle, installe des atmosphères, prolonge les sensations et inscrit le spectacle dans une dimension visuelle proche du cinéma. Entre les deux, le récit circule sans s’imposer frontalement.

L’ambition est explicite : proposer une forme intime, émotionnelle et accessible, où le spectateur n’est pas simplement face à une histoire, mais immergé dans une expérience qui sollicite à la fois l’écoute, le regard et la perception.

Un univers blues rock qui privilégie la sincérité à l’effet

L’identité musicale du spectacle s’inscrit dans un blues rock organique et authentique, porté par une équipe de musiciens professionnels français et américains, au service d’un son live puissant et immersif.

Ce choix permet de créer une proximité forte avec le public, en cohérence avec la dimension intime du projet. La musique s’y exprime avec justesse et intensité, portée par une équipe de musiciens professionnels, privilégiant l’émotion et l’interprétation plutôt que la démonstration.

Frank Berty développe cet univers depuis plusieurs années. Son premier album AQUABLUES (2019) a été remarqué par Oui FM, qui évoque « un voyage permanent à travers l’espace et le temps ». Il s’est également produit dans l’émission « JLPP » sur IDF1.

Avec Timelapse (2020), enregistré fin 2019, il poursuit cette exploration musicale. Le clip du titre « Rendre les larmes » a atteint près de 100 000 vues sur YouTube.

Son parcours s’inscrit dans une trajectoire personnelle assumée : « Au début des années 80, un ami m’apporte deux vinyles : ‘Deep Purple Made in Japan’ et ‘Bernard Lavilliers O’Gringo’. Ces deux albums m’ont donné envie de faire de la musique. »

Nancy Sinatra rejoint le projet et apporte une autre présence scénique

Le spectacle intègre également la participation de Nancy Sinatra, artiste belge reconnue comme animatrice TV, chanteuse et comédienne.

Sa présence vient enrichir la dynamique scénique, en introduisant une autre voix, une autre manière d’interpréter et d’habiter les séquences. Cette interaction contribue à élargir le registre émotionnel du spectacle.

Elle renforce la dimension internationale du projet, notamment en Belgique où elle bénéficie d’une forte notoriété (RTBF, RTL-TVI, Club RTL). Côté France : Nancy est une ancienne de France 2 (Stéphane Bern, Loto). Vous l’avez aussi remarqué sur Hit Talent, @ Vos clips , E-Classement et le meilleur du Top 50 sur M6 / W9.

Le 17 septembre 2026 Salle Bellevue, une première représentation pensée comme un lancement

La date du 17 septembre 2026 à 20h30, à la Salle Bellevue du Radiant-Bellevue, située à Caluire-et-Cuire, constitue un moment structurant pour le projet.

Cette première représentation marque le lancement artistique et médiatique de La malédiction des filles Martin.

L’événement est organisé au profit de l’association T.E.E.M. (Téléphane Énergie – Éditions et Multimédia), engagée dans le soutien à la création artistique, la production culturelle et l’accompagnement de projets musicaux et éditoriaux.

Etre accueilli dans la Salle Bellevue, du Radiant-Bellevue est un haut patronage, quand on connait les nombreuses réalisations de Victor Bosch, son directeur, producteur de Cabrel et de Voulzy, entre autres. Citons aussi la mairie de Caluire, qui prend en charge les frais de salle, en soutien à l’association.

Cette première étape s’inscrit dans une perspective plus large :

• Développement d’une tournée en France ;
• Ouverture vers la Belgique ;
• Montée en puissance progressive du projet.

Un projet qui se déploie au-delà du spectacle vivant

La malédiction des filles Martin s’inscrit dans une démarche artistique globale, déjà structurée autour de plusieurs formats.

Le roman constitue le socle. Le spectacle en est une extension scénique. La création musicale prolonge l’univers sonore. Un clip, dont le tournage est prévu en mai 2026, viendra renforcer la visibilité du projet.

Par ailleurs, des discussions sont en cours autour d’une éventuelle adaptation audiovisuelle.

Cette articulation entre différents supports donne au projet une profondeur particulière et ouvre des perspectives de développement à moyen et long terme.

Une expérience immersive qui place le spectateur au centre de ce qu’il ressent

L’ambition du spectacle dépasse la simple narration. Il s’agit de proposer une expérience où le spectateur ne se contente pas de suivre une histoire, mais la traverse.

La musique agit comme un vecteur direct d’émotion. L’image prolonge cette sensation. La narration, volontairement fragmentée, laisse des espaces d’interprétation.

Le spectateur devient ainsi partie prenante de l’expérience, invité à construire son propre rapport à ce qui lui est donné à voir et à entendre.

Informations pratiques

• Lieu : Salle Bellevue – Caluire-et-Cuire ;
• Date : 17 septembre 2026 ;
• Horaire : 20h30 ;
• Billetterie : https://yp.events/03c9a1dd-bc0c-423a-90dc-6cdb08af2a17/La-malediction-des-filles-Martin-Le-concert.

En savoir plus

Le spectacle : https://www.frankberty.com/le-spectacle/

Site web : www.frankberty.com

Facebook : https://www.facebook.com/FrankBerty

Avec Murmures, Fanny Vicens propose une lecture de Mozart et Haydn qui ne cherche ni l’effet de surprise ni la simple transposition instrumentale. Ce double album s’inscrit dans une démarche d’interprétation patiemment construite, nourrie par sa connaissance du répertoire pour clavier et par sa double identité de pianiste et d’accordéoniste. Après son enregistrement des Variations Goldberg de Bach pour Paraty, elle poursuit ici une recherche personnelle exigeante, mettant au service de ces deux compositeurs les ressources propres à l’accordéon : souffle, articulation, continuité du son et précision des plans sonores.

Le projet prend forme en 2023. Au cours d’un congé maternité, dans une période également marquée par l’inquiétude de ne plus pouvoir jouer à la suite d’un accident, la musique de Mozart et de Haydn réapparaît comme un point d’ancrage. Cette redécouverte ravive un lien ancien, né dès l’enfance, avec deux compositeurs qui ont accompagné les années de formation de Fanny Vicens et compté dans sa vocation même de musicienne. De ce retour aux sources naît un coffret de deux heures trente, conçu comme une correspondance musicale entre deux compositeurs unis par l’amitié, cristallisée en la ville de Vienne, aussi berceau commun d’un instrument encore à venir : l’accordéon. La mise en regard de leurs œuvres constitue l’axe central de l’enregistrement.

Fanny Vicens y déploie une approche interprétative différenciée. Chez Haydn, elle varie les reprises et improvise des diminutions dans l’esprit du XVIIIe siècle ; chez Mozart, elle renouvelle les reprises par un travail sur le phrasé, la respiration et les nuances, sans altérer l’intégrité du texte. Il ne s’agit pas de projeter sur ces œuvres une intention extérieure, mais de faire entendre, à travers l’accordéon, leur mobilité, leur tension interne et leur respiration propre.

À travers Murmures, Fanny Vicens affirme ainsi une position claire. Son propos n’est pas de relancer le débat sur la légitimité de l’accordéon dans ce répertoire, mais de déplacer l’attention vers l’interprétation elle-même. Ce qui importe ici n’est pas l’instrument comme singularité, mais la manière dont une lecture musicale peut s’y déployer avec cohérence, exigence et précision. L’accordéon y est envisagé comme un moyen d’interprétation à part entière, au service d’un projet artistique pleinement construit.

En savoir plus

Découvrir son premier album chez Paraty :

https://lnk.to/Goldberg_Variations_Fanny_Vicens

https://www.youtube.com/watch?v=5qszI7MpUKs

Site artiste :  https://fannyvicens.com/