Dans les clubs, les studios, les scènes et les home studios, les savoir-faire se sont transmis par la pratique, l’expérience, l’écoute et l’expérimentation. Cette culture a façonné des parcours souvent autodidactes et contribué au développement d’un secteur des musiques électroniques particulièrement dynamique.

Mais elle a aussi entretenu un paradoxe : derrière des métiers exigeants et hautement techniques, les compétences restaient difficiles à identifier dans le langage de la formation professionnelle.

Un DJ set ne repose pas uniquement sur une performance. Une production musicale ne relève pas seulement de l’inspiration. Le sound design, le mixage, le mastering ou le développement d’un projet artistique mobilisent eux aussi des compétences précises, qui peuvent être décrites, transmises et évaluées.

C’est précisément ce que l’enregistrement, le 18 décembre 2025, de cinq certifications professionnelles portées par DJ NETWORK au Répertoire Spécifique de France Compétences est venu reconnaître.

Six mois plus tard, il ne s’agit plus seulement de revenir sur cette décision. DJ NETWORK observe les premiers effets d’une reconnaissance qui contribue à rendre les compétences des métiers des musiques électroniques plus lisibles pour les candidats, les organismes de formation et les acteurs de la formation professionnelle.

Le jour où les compétences des métiers des musiques électroniques sont devenues plus lisibles

Jusqu’ici, la reconnaissance dans les musiques électroniques reposait avant tout sur la scène, les productions, les collaborations, le réseau ou la réputation. Cette reconnaissance par les pairs reste essentielle. Elle témoigne de l’expérience, de la crédibilité et de la capacité à exercer dans des contextes professionnels réels.

Mais elle ne permet pas toujours d’identifier clairement les compétences mobilisées. Pour un candidat, un organisme de formation, un employeur, un financeur ou un acteur institutionnel, il peut être difficile de savoir précisément ce qui est maîtrisé.

L’enregistrement des certifications apporte un cadre de lecture complémentaire. Il ne remplace ni l’expérience ni la reconnaissance acquise sur le terrain. Son objectif n’était pas seulement de reconnaître des compétences existantes, mais aussi d’offrir aux professionnels, aux candidats et aux organismes de formation un cadre commun pour les identifier, les transmettre et les valoriser.

C’est précisément ce qui fait l’intérêt du bilan dressé aujourd’hui par DJ NETWORK. Au-delà de l’enregistrement des cinq certifications, l’organisme observe les premiers effets d’une reconnaissance qui contribue à rendre ces compétences plus lisibles pour l’ensemble des acteurs de la formation professionnelle.

Six mois après : les premiers effets observés sur le terrain

Six mois après leur enregistrement, plusieurs évolutions commencent à se dessiner sur le terrain.

Les échanges avec les candidats montrent que les référentiels de compétences facilitent l’identification des compétences à acquérir ou à faire reconnaître.

L’organisme constate également une augmentation des demandes d’information relatives aux certifications et à leur mobilisation dans le cadre du Compte Personnel de Formation (CPF), lorsque les conditions d’accès sont réunies.

Enfin, près d’une vingtaine d’organismes de formation sont aujourd’hui habilités ou en cours d’habilitation pour proposer ces certifications. Cette évolution illustre l’intérêt concret porté à ces parcours certifiants.

Ces observations ne constituent pas une étude sectorielle. Elles traduisent néanmoins une évolution perceptible : les compétences mobilisées dans les métiers des musiques électroniques sont progressivement mieux identifiées dans le champ de la formation professionnelle.

Ce que le public voit. Ce que le métier exige.

La force de ces certifications tient aussi à ce qu’elles rendent visibles.

Elles mettent en lumière les compétences qui se cachent derrière des métiers souvent réduits à leur image la plus connue.

• Derrière un DJ set : la préparation musicale, la maîtrise du matériel, les transitions, l’adaptation au public et la conduite d’une prestation en conditions réelles.
• Derrière une production musicale : la composition, l’arrangement, le remix, l’organisation d’un projet et la maîtrise des outils de musique assistée par ordinateur.
• Derrière le sound design : la programmation de synthétiseurs, la création de sons de synthèse, la conception de banques de sons et leur adaptation à différents usages.
• Derrière le mixage et le mastering : l’équilibre sonore, les traitements audio, la spatialisation, le contrôle qualité et la finalisation technique.
• Derrière le développement d’un projet artistique : la stratégie, la communication, la recherche d’opportunités, la gestion administrative et le pilotage d’une activité professionnelle.

Ces compétences restent souvent invisibles pour le grand public. Pourtant, elles constituent le socle sur lequel reposent les métiers des musiques électroniques, qui exigent au quotidien des savoir-faire techniques, méthodologiques et organisationnels.

Les certifications professionnelles ne créent pas ces compétences. Elles leur donnent un cadre de reconnaissance, les rendent plus lisibles et permettent de mieux les transmettre, les évaluer et les valoriser.

Cinq certifications pour cartographier un écosystème

Les cinq certifications portées par DJ NETWORK couvrent les principaux champs de compétences des musiques électroniques :

• Exécuter un DJ set lors d’événements en public ;
• Créer et remixer des productions musicales ;
• Créer des sons de synthèse pour la production musicale et le sound design ;
• Mixer et masteriser des productions musicales ;
• Développer et gérer des opportunités de projets artistiques dans le secteur musical.

Ensemble, elles dessinent une cartographie complète : de la scène au studio, de la technique au projet, de la création sonore à l’activité professionnelle. Cette approche permet de mieux comprendre la réalité d’un secteur longtemps perçu à travers ses performances, alors qu’il repose sur des chaînes de compétences beaucoup plus larges.

Reconnaître les compétences, sans enfermer la création

L’enjeu n’est pas de formater les artistes. C’est même tout l’inverse.

Les certifications n’évaluent ni un style, ni une esthétique, ni une manière unique de créer. Elles reconnaissent des compétences mobilisables dans des contextes professionnels variés, tout en laissant toute sa place à la singularité des parcours.

Cette nuance est essentielle. Elle permet de répondre à une crainte fréquente dès qu’un métier créatif entre dans un cadre officiel : la reconnaissance ne signifie pas l’uniformisation. Elle permet simplement de mieux identifier ce qui peut être appris, transmis, évalué et valorisé.

En tant qu’organisme certificateur et organisme de formation spécialisé, DJ NETWORK observe directement ces évolutions à travers les certifications qu’il déploie et le réseau d’organismes habilités qui les proposent.

Un signal plus large pour les métiers créatifs

Au-delà des musiques électroniques, ce premier bilan illustre une évolution plus large : celle de métiers créatifs dont les compétences deviennent progressivement plus lisibles dans le champ de la formation professionnelle.

Ces activités mobilisent bien davantage que la seule créativité. Elles associent des compétences techniques, méthodologiques, organisationnelles et entrepreneuriales, aujourd’hui de plus en plus reconnues comme des compétences professionnelles à part entière.

Pour Jean-Pierre Goffi, responsable de DJ NETWORK, cette évolution contribue à faire évoluer le regard porté sur ces métiers, sans remettre en cause leur dimension artistique. Elle ouvre également de nouvelles perspectives pour les professionnels, les organismes de formation et les personnes souhaitant faire reconnaître ou développer leurs compétences.

À propos de Jean-Pierre Goffi

Responsable de DJ NETWORK, Jean-Pierre Goffi travaille depuis plus de trente ans à la professionnalisation des métiers des musiques électroniques. Il a piloté la conception des cinq certifications professionnelles enregistrées au Répertoire Spécifique de France Compétences en décembre 2025.

Au contact quotidien des professionnels du secteur, des organismes de formation, des candidats à la certification et des acteurs de la formation professionnelle, il observe l’évolution des besoins en compétences et les mutations d’un secteur historiquement structuré par la pratique, l’expérience et la transmission entre pairs.

Pendant longtemps, les métiers des musiques électroniques étaient reconnus par leurs réalisations, mais rarement par leurs compétences. Les certifications ne cherchent pas à normaliser la création. Elles permettent simplement de rendre visibles, de transmettre et de valoriser des compétences qui existaient déjà. 

— Jean-Pierre Goffi, responsable de DJ NETWORK

Les premiers effets observés depuis décembre 2025 ne constituent probablement qu’une étape. Ils traduisent néanmoins une évolution plus profonde : celle d’un secteur qui cherche désormais à rendre ses compétences plus lisibles, plus reconnues et plus accessibles, sans renoncer à la liberté créative qui le caractérise.

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Au détour d’un rangement dans une maison de famille, d’un séjour dans une résidence secondaire ou d’une brocante de village, des postes radio anciens refont surface. Ils sont là depuis des années, parfois des décennies. Trop chargés de souvenirs pour être jetés, trop anciens pour être utilisés, ils occupent souvent une place ambiguë entre patrimoine familial et simple élément de décoration.

C’est précisément durant ces périodes où le temps ralentit que Les Doyens observe, depuis plusieurs années, une hausse des demandes de modernisation.

Vacances, week-ends prolongés ou périodes plus calmes deviennent le moment où l’on redécouvre ces objets et où l’on décide enfin de leur offrir une seconde vie.

Depuis Bordeaux, l’entreprise spécialisée dans la rénovation de postes radio vintage accompagne ce mouvement en transformant ces témoins du passé en équipements audio contemporains, sans en altérer l’identité.

Quand le temps ralentit, les objets anciens refont surface

Les vacances ne changent pas seulement les agendas. Elles changent le regard porté sur les objets.

Le reste de l’année, un vieux poste radio peut rester invisible. Il fait partie du décor, posé sur une commode, oublié dans une chambre d’amis, rangé dans un grenier ou conservé dans une maison familiale. On le voit sans vraiment le regarder. On sait qu’il est là, mais l’idée de s’en occuper reste repoussée.

Puis vient une période plus calme. Un week-end prolongé, quelques jours dans une maison secondaire, un tri familial, une brocante d’été. L’objet revient au centre de l’attention. Il suscite une question simple : que peut-on en faire ?

C’est sur cette bascule que se positionne Les Doyens. L’entreprise ne propose pas la simple réparation d’un appareil ancien. Elle donne une réponse concrète à un dilemme très fréquent : conserver l’âme d’un objet tout en lui rendant un usage.

Des postes radio qui retrouvent leur voix

Les postes radio des années 30 à 60 ne sont pas de simples éléments décoratifs. Ils portent l’empreinte d’une époque où la radio rassemblait, informait, accompagnait les repas, les soirées et les dimanches.

Leurs façades, leurs boutons, leurs bois et leurs courbes racontent une histoire domestique autant qu’une histoire du son. Pourtant, beaucoup ne fonctionnent plus. Ils restent figés dans un rôle de souvenir immobile.

Les Doyens intervient pour sortir ces objets de cette immobilité. L’entreprise restaure et modernise les postes radio vintage afin qu’ils puissent à nouveau diffuser de la musique, des podcasts, des playlists ou toute source audio contemporaine, tout en conservant leur esthétique d’origine.

L’objet ne perd pas son âge. Il retrouve sa voix.

Le cœur du concept : remettre l’ancien au son du jour sans le travestir

Fondée en 2018 à Bordeaux par Guillaume Alday, Les Doyens s’est spécialisée dans la rénovation et la modernisation de postes radio vintage. L’entreprise travaille notamment sur des modèles datant des années 30 à 60, avec une démarche qui associe restauration artisanale, exigence audio et respect du design d’origine.

Chaque poste est pris en charge comme une pièce singulière. Il est démonté, nettoyé, restauré, puis équipé selon la formule choisie. La modernisation peut intégrer :

• Un système Bluetooth ;
• Un amplificateur digital ;
• Un remplacement du haut-parleur d’origine ;
• Des haut-parleurs large bande Haute Fidélité selon les formules ;
• Une entrée auxiliaire jack 3,5 mm ;
• Un rétroéclairage de la façade avant ;
• Une gestion de l’allumage et du volume depuis les boutons d’origine en façade selon le niveau de prestation.

La promesse tient dans cette tension maîtrisée : ne pas transformer un poste radio ancien en objet neuf, mais lui permettre d’être utilisé avec les habitudes d’écoute actuelles.

Trois formules pour adapter la modernisation à chaque poste, chaque budget, chaque usage

Les Doyens propose trois niveaux de modernisation.

1- Classic, à 390 euros : Bluetooth 4.2 Aptx, remplacement du haut-parleur d’origine et amplificateur digital de 30 Watts.

2- Premium, à 490 euros : Bluetooth 5.0 APTX, amplificateur digital de 100 Watts, haut-parleur large bande Haute Fidélité et entrée auxiliaire jack 3,5 mm.

3- Excellence, à 595 euros : contenu de la formule Premium, avec rétroéclairage de la façade avant et gestion de l’allumage et du volume depuis les boutons d’origine.

Le paiement en trois fois sans frais permet de rendre ces rénovations plus accessibles.

Des meubles radio et platines vinyles pour prolonger l’expérience vintage

L’expertise des Doyens s’étend aussi aux anciens meubles radio équipés d’une platine vinyle.

Ces pièces imposantes, très présentes dans un intérieur, connaissent un regain d’intérêt avec l’attrait pour le mobilier vintage, les vinyles et les objets durables. Leur modernisation débute à partir de 695 euros et peut intégrer un amplificateur digital 2×50 Watts RMS, le Bluetooth 5.0 Aptx HD, deux haut-parleurs large bande Haute Fidélité, une entrée auxiliaire, le contrôle de l’allumage et du volume depuis les boutons d’origine, ainsi que le rétroéclairage de la façade avant.

Les Doyens propose également des références de platines de qualité, sélectionnées par ses soins, pour compléter l’offre du meuble Hi-Fi.

Moins d’imitation, plus de transmission

Alors que de nombreux objets neufs imitent aujourd’hui le style rétro, Les Doyens défend une autre voie : redonner un usage à de vrais objets anciens.

Cette approche s’inscrit dans une logique de réemploi et d’économie circulaire. Elle prolonge la durée de vie de pièces existantes, évite leur abandon et limite le recours à des équipements neufs conçus pour reproduire artificiellement une esthétique vintage.

Les pièces retirées lors des rénovations ne sont pas jetées : elles sont remises en circulation auprès de collectionneurs spécialisés.

Une solution logistique pour confier son poste sans habiter Bordeaux

Basée à Bordeaux, Les Doyens rayonne sur toute la France et l’Europe. Cette dimension est essentielle pour la campagne estivale 2026, pensée avec un ciblage national, mais aussi vers la Belgique et la Suisse.

Pour accompagner les clients éloignés, l’entreprise a mis en place une solution logistique adaptée aux postes et meubles radio. Testée et approuvée depuis plusieurs années, elle permet un service sécurisé et assuré directement à la porte de chaque client.

Le parcours est simple : le client remplit le formulaire “Obtenir un devis” sur le site internet ou contacte directement l’entreprise par téléphone. Il peut ensuite confier son poste ou son meuble radio via la solution logistique proposée, ou le déposer sur place à Bordeaux.

Guillaume Alday, le chineur qui a rendu la radio à ses radios

Derrière Les Doyens, il y a une histoire de brocante, de musique et de déclic.

Guillaume Alday, Bordelais passionné de vintage et mélomane, a travaillé pendant dix ans dans le marketing digital et le conseil avant de lancer son activité actuelle. Chineur régulier, il parcourt les brocantes à la recherche de pièces rares et authentiques.

C’est aux puces Saint-Michel, à Bordeaux, qu’il déniche un jour un vieux poste radio hors service des années 30. L’objet ne fonctionne plus, mais il conserve une présence forte. Guillaume Alday imagine alors lui rendre son utilité d’origine en y intégrant un système audio moderne, sans trahir son apparence.

Après plusieurs mois de travail sur un prototype, puis quelques restaurations réalisées pour son entourage, la demande augmente. Les Doyens naît en 2018. Depuis, l’entreprise a réalisé plusieurs centaines de prestations de rénovation et modernisation, construit une réputation dans l’univers des collectionneurs de radios TSF et développé des relations avec des collectionneurs français et européens.

En savoir plus

Site web : https://www.lesdoyens.com/

Instagram : https://www.instagram.com/lesdoyens.vintage/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/les-doyens/

Dans cette chanson où « la bouteille naviguait de la main jusqu’au cœur », le groupe célèbre ces instants où les générations se retrouvent autour d’une même table et où les souvenirs commencent à s’écrire. Une imagerie de bistrot d’autrefois, certes, mais qui parle avant tout du plaisir d’être ensemble. Car Wazoo ne célèbre pas une France disparue ; le groupe célèbre des moments qui n’ont pas d’âge.

Musicalement, cette célébration prend la forme d’une énergie brute et fédératrice. Porté par un violon survolté, une guitare acoustique et un accordéon festif, Le meilleur vin concentre toute l’identité musicale de Wazoo.

À sa manière, le titre rappelle aussi qu’à force de tout classer, noter et hiérarchiser, on finit parfois par oublier l’essentiel. Peu importe le millésime ou l’étiquette : ce qui fait un grand vin n’est pas toujours dans la bouteille, mais souvent dans les amis qui l’entourent. Il n’est pas certain que l’on répare le monde autour d’une bouteille. Mais il est probable que l’on y entretienne ce qui lui permet encore de tenir debout.

LE CLIP

C’est à Avèze, dans les paysages de l’Artense auvergnate, qu’a été tourné le clip de Le meilleur vin. Agriculteurs, maire du village et proches du groupe y partagent l’affiche dans une mise en images fidèle au message du morceau : les plus belles histoires sont souvent celles qui se vivent ensemble.

À PROPOS DE WAZOO

Né en 1999 au pied du plateau de Gergovie sous l’impulsion de Kévin Quicke et Jeff Chalaffre, Wazoo s’est imposé au fil des années comme l’un des porte-voix les plus singuliers de la ruralité française.

Révélé au grand public par le succès de La Manivelle, le groupe auvergnat a su transformer les traditions populaires en une énergie festive fédératrice, sans jamais renier ses racines.

Avec plus de 600 concerts, 600 000 disques vendus et près de 100 millions de vues, Wazoo a bâti une aventure musicale unique où la fête devient un véritable espace de partage intergénérationnel.

Mais derrière les envolées du violon et l’énergie de l’accordéon se dessine également un attachement profond à la terre et à ceux qui la font vivre. Une sensibilité qui a trouvé un écho particulier avec Agriculteurs, devenu en 2024 l’un des hymnes spontanés du monde paysan.

Depuis plus de vingt-cinq ans, Wazoo poursuit ainsi une œuvre populaire, enracinée et profondément humaine, rappelant avec malice que la légèreté est parfois la plus élégante des résistances.

WAZOO EN CONCERT

JUILLET 2026

• 03 juillet — Malemort (19)
• 04 juillet — Les Cerqueux (49)
• 11 juillet — Champagne (07)
• 13 juillet — Aulnat (63)
• 14 juillet — Saint-Marc-à-Frongier (23)
• 17 juillet — Celles-sur-Durolle (63)
• 18 juillet — Ytrac – Bex d’Ytrac (15)
• 23 juillet — Civray (86)
• 24 juillet — Thenon (24)

AOÛT 2026

• 06 août — La Bourboule (63)
• 08 août — Égletons (19)
• 12 août — Béziers (34)
• 14 août — Alban (81)
• 15 août — Condat-en-Combraille (63)
• 21 août — Bourbon-l’Archambault (03)
• 22 août — Thorigny (85)

SEPTEMBRE 2026

• 05 septembre – Aixe-sur-Vienne (87)
• 11 septembre — Chambéry (73)

En savoir plus

Lien clip Youtube : https://www.youtube.com/watch?v=POwuR9bK9hY

Site web : https://wazoo.lnk.to/wazoo

Lien vers les plateformes de streaming : https://wiseband.lnk.to/Wazoo-Le-Meilleur-Vin

Piaf, Brel, Dalida, Aznavour, Gréco, Gainsbourg, Ferré, Barbara, Chevalier ou Trenet n’ont pas seulement chanté Paris : ils ont laissé derrière eux des adresses, des atmosphères, des fragments d’époque.

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier réunit ses visites, croisières et concerts pour faire redécouvrir ce Paris musical, entre anecdotes, interprétation a cappella et lieux emblématiques.

Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux de Paris et de la Chanson Française !

Paris en chansons, un nouveau nom pour relier les lieux, les voix et les époques

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier donne une cohérence à plusieurs créations développées au fil des années : la visite Montmartre en chansons, la croisière Guinguettes en chansons sur la Marne avec RiverCat, les concerts autour du Paris de Piaf, et une nouvelle visite lancée en 2026, Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Le projet repose sur un principe fort : faire découvrir Paris non par ses seuls monuments, mais par les artistes qui ont marqué ses quartiers, ses cabarets, ses caves, ses cafés et ses rives. Chaque parcours associe récit, anecdotes, adresses emblématiques et interprétations chantées a cappella et parfois accompagnées à l’accordéon.

Une proposition culturelle entre patrimoine, musique et expérience vivante

Paris en chansons s’adresse autant aux visiteurs qu’aux habitants curieux de redécouvrir la capitale autrement. L’approche n’est ni celle d’un simple tour touristique, ni celle d’un concert classique : elle se situe au croisement de la visite culturelle, du récit biographique et de la performance vocale.

Chaque expérience permet de suivre un fil différent :

• Montmartre, la Butte des cabarets, d’artistes emblématiques et de la bohème populaire ;
• Saint-Germain-des-Prés, quartier des caves, du jazz, de l’existentialisme et des voix de l’après-guerre ;
• la Marne, territoire des guinguettes, des dimanches chantants et d’un imaginaire festif francilien ;
• la scène, avec les concerts consacrés notamment à l’univers de Piaf.

L’ensemble compose une cartographie musicale de Paris, à la fois populaire, historique et incarnée.

Saint-Germain-des-Prés en chansons, la nouveauté 2026

Le lancement de Paris en chansons s’accompagne d’une nouvelle création : Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Cette visite s’intéresse à l’un des quartiers les plus chargés de mémoire musicale et intellectuelle de la capitale. Au lendemain de la guerre, Saint-Germain-des-Prés devient le territoire d’une jeunesse en quête de liberté, d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de chanteurs. Dans les caves où résonnent jazz et chansons se retrouvent Juliette Gréco, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Charles Aznavour, Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Marcel Mouloudji, Cora Vaucaire, mais aussi de nombreux jazzmen américains.

Le parcours traverse des lieux associés à cette histoire : l’église Saint-Germain-des-Prés, le Café de Flore, Les Deux Magots, le pont des Arts, la Monnaie de Paris ou encore Saint-Sulpice. Anne-Sophie Guerrier y raconte les adresses, les rencontres, les nuits, les débuts, puis interprète les chansons qui ont marqué le quartier.

“Les feuilles mortes”, “Dis, quand reviendras-tu ?”, “La Javanaise” ou “Il n’y a plus d’après” deviennent les repères d’une promenade qui ne se limite pas à l’évocation nostalgique. Elle restitue un moment culturel précis, celui d’un Paris d’après-guerre où la chanson dialogue avec la littérature, le jazz et les idées.

Montmartre en chansons, la genèse de l’aventure

Avant Paris en chansons, il y a Montmartre en chansons. Cette visite reste au programme et constitue le socle du projet.

À travers les ruelles de la Butte, Anne-Sophie Guerrier guide les visiteurs sur les traces d’Édith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Dalida et de nombreux artistes ayant vécu ou séjourné à Montmartre.

Le parcours fait découvrir les lieux emblématiques du quartier : les vignes, les moulins, le Mur des “je t’aime”, le Sacré-Cœur, les anciens cabarets, mais aussi des passages plus secrets et des recoins bucoliques.

À chaque étape, le récit se prolonge par une chanson : “La vie en rose”, “La complainte de la butte”, “Sous le ciel de Paris”, “La Bohème”… Le quartier n’est pas traité comme un décor figé, mais comme un lieu de création, de débuts difficiles, de rencontres et de légendes populaires.

Guinguettes en chansons, la Marne comme mémoire populaire

En 2024, Anne-Sophie Guerrier décline son concept sur la Marne avec Guinguettes en chansons, une croisière musicale développée avec RiverCat.

À bord, accompagnée par l’accordéoniste Yann Cotty, elle fait revivre l’esprit des guinguettes, ces lieux de fête qui ont longtemps animé les bords de Marne. Le bateau longe notamment Chez Gégène et évoque des établissements aujourd’hui disparus comme Chez Jullien ou le Casino du Viaduc.

Le répertoire rend hommage à Maurice Chevalier, Charles Trenet, Bourvil, Jean Gabin, Lucienne Delyle, Damia ou Fréhel, avec des chansons telles que “Ah ! Le petit vin blanc”, “Quand on s’promène au bord de l’eau”, “La java bleue” ou “À Joinville-le-Pont”.

Anne-Sophie Guerrier, créatrice d’un univers musical parisien

Le projet porte la marque du parcours d’Anne-Sophie Guerrier. Installée à Paris depuis plus de dix ans, elle vit à Montmartre, quartier d’artistes pour lequel elle a eu un véritable coup de cœur.

Chanteuse professionnelle, elle débute en 2019 dans les couloirs du métro parisien en tant que Musicienne du métro. En 2020, la pandémie l’empêche de poursuivre cette activité. Elle chante alors dans la rue et découvre la difficulté d’enchaîner un répertoire complet sans micro ni accompagnement.

De cette contrainte naît une forme originale : alterner refrains et anecdotes sur les artistes liés à Montmartre. Après de longues recherches sur leur vie et leur empreinte dans le quartier, elle construit un circuit autour des lieux où ils ont vécu et se sont produits.

En août 2021, elle lance Montmartre en chansons. Ce premier succès ouvre la voie aux créations suivantes.

De la rue aux scènes internationales

Le parcours d’Anne-Sophie Guerrier connaît aussi plusieurs prolongements artistiques.

En janvier 2024, elle représente la région Île-de-France au Grand Concours des Régions, diffusé en prime-time sur France 3. Sa manière de remettre au goût du jour la chanson réaliste et l’univers des guinguettes séduit Cyril Féraud et le jury. Cette exposition accompagne la naissance de Guinguettes en chansons.

Lors d’une visite à Montmartre, elle rencontre ensuite Guillaume Cardot, chef de l’Orchestre d’harmonie de Clermont-Ferrand. Ensemble, ils créent le concert Le Paris de Piaf, joué à guichets fermés à la Maison de la Culture de Clermont-Ferrand avec 75 musiciens. Face à l’accueil rencontré, le concert est décliné en duo et en quatuor. Il tourne aujourd’hui dans plusieurs villes en France, en Belgique et en Allemagne.

Ces créations scéniques donnent une autre dimension à Paris en chansons : le projet ne se limite pas aux parcours dans la ville, il se prolonge aussi sur scène, avec la même volonté de faire vivre le répertoire dans un rapport direct au public.

Une manière plus intime de redécouvrir Paris

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier rassemble les différentes facettes de son travail : la voix, la recherche, la transmission, la rue, la scène, les quartiers et la mémoire populaire.

Le projet s’adresse aux amoureux de Paris, aux passionnés de chanson française, aux visiteurs de passage comme aux habitants qui souhaitent poser un autre regard sur des lieux familiers. Il propose une expérience où l’on écoute autant que l’on regarde, où la chanson devient un outil de lecture de la ville.

En donnant une unité à ses visites, croisières et concerts, Anne-Sophie Guerrier affirme une démarche singulière : faire de Paris non pas un décor, mais un répertoire vivant.

En savoir plus

Vidéo de présentation : https://www.youtube.com/watch?v=5hOq-F5CjTA

Le site internet : https://www.parisenchansons.com

Facebook : https://www.facebook.com/annesophieguerrier

Instagram : https://www.instagram.com/annesophie.guerrier/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/annesophie-guerrier/

Chez DJ JERRY CO, les sons deviennent des passerelles entre les époques, les influences et les émotions.

Derrière les platines, le producteur construit depuis plusieurs années un univers où se croisent culture club, écriture imagée, passion du partage et volonté de transmission.

Aujourd’hui, cette trajectoire prend une nouvelle dimension avec Still I Rise, un album actuellement en préparation qui doit voir le jour en 2027.

Plus qu’une sortie musicale, ce projet illustre la construction progressive d’un véritable territoire artistique, où coexistent production, création, radio et accompagnement musical.

Les fantômes du dancefloor ne meurent jamais : DJ JERRY CO compose avec la mémoire des clubs

Avant même que le premier couplet ne démarre, l’univers de DJ JERRY CO est déjà là.

Une introduction. Un fragment sonore. Une référence que l’oreille reconnaît sans toujours parvenir à l’identifier immédiatement. Un clin d’œil à Put Your Hands Up de Danzel, à Mamacussa ou encore à Michael Jackson. Quelques secondes qui agissent comme un voyage instantané vers des souvenirs collectifs.

Cette approche constitue l’une des signatures de l’artiste. Là où certains morceaux commencent directement, DJ JERRY CO aime créer un décor. Les medleys qu’il imagine en ouverture de certaines chansons fonctionnent comme des portes d’entrée vers son univers. Ils convoquent la mémoire des clubs, des radios, des pistes de danse et des moments partagés autour de la musique.

Cette manière de travailler révèle une conviction profonde : la musique n’est pas seulement une succession de sons. Elle est aussi une somme de souvenirs, d’émotions et de références qui continuent de vivre à travers les générations.

À travers ses productions, DJ JERRY CO cherche ainsi à relier :

• La culture club qui a marqué plusieurs décennies ;
• Les grandes références populaires qui ont accompagné les publics ;
• L’énergie du DJing ;
• Une approche plus personnelle de l’écriture et de la création.

Le résultat dessine un univers qui navigue constamment entre hommage, transmission et création.

Still I Rise : douze titres pour transformer des années de passion en manifeste musical

Cette identité artistique trouve aujourd’hui une nouvelle expression avec Still I Rise.

Actuellement en phase de production, cet album réunira 12 titres originaux ainsi que plusieurs remix. Réalisé par DJ JERRY CO en tant que DJ producteur, il constitue une étape importante dans son parcours.

Le premier single est annoncé pour septembre et sera disponible sur l’ensemble des plateformes de streaming. L’album complet doit quant à lui paraître au cours du premier trimestre 2027, autour du mois de mars.

Au-delà de son contenu musical, Still I Rise apparaît comme la synthèse de plusieurs années de réflexion artistique. Le projet rassemble les différentes facettes de DJ JERRY CO : le DJ, le producteur, le musicien et l’auteur-compositeur-interprète.

Le titre de l’album lui-même évoque une dynamique de persévérance et de progression. Il accompagne un parcours qui s’est construit dans la durée, au fil des expériences, des rencontres et d’une passion jamais démentie pour la musique.

Quand les mots prennent le relais des platines : une musique qui cherche autant à faire ressentir qu’à faire danser

Si l’énergie du dancefloor nourrit son travail, DJ JERRY CO accorde également une place importante à l’écriture.

Ses textes sont conçus comme des espaces d’évocation. L’artiste souhaite faire naître des histoires, des images et des émotions grâce à une écriture qui s’appuie volontiers sur la métaphore.

Il résume lui-même cette démarche : Ma musique est une invitation à ressentir, à imaginer, et à partager des histoires qui résonnent en chacun de nous.

Cette phrase éclaire l’ensemble de son projet artistique.

Au-delà du rythme et de la production, DJ JERRY CO revendique une approche fondée sur :

• Le partage ;
• L’authenticité ;
• La transmission d’émotions ;
• La création d’une connexion sincère avec le public.

La musique devient alors un terrain commun où chacun peut projeter sa propre histoire tout en partageant une expérience collective.

Un artiste, plusieurs fréquences : l’album, le label, la radio et la production comme un même territoire

DJ JERRY CO OFFICIEL ne se limite pas à une activité artistique unique.

Le projet s’est progressivement développé autour de plusieurs dimensions complémentaires qui participent toutes à une même vision de la musique.

Aujourd’hui, DJ JERRY CO est à la fois :

• DJ producteur ;
• Musicien ;
• Auteur-compositeur-interprète ;
• Responsable d’un label ;
• Créateur d’une radio musicale.

Cette organisation permet de couvrir différentes étapes de la chaîne musicale, depuis la création jusqu’à la diffusion.

Les activités proposées comprennent notamment :

• DJ Set et festivals : Des animations musicales adaptées à différents événements avec des ensembles personnalisés selon les besoins ;
• Création musicale : La conception de chansons originales, de l’écriture à l’interprétation ;
• Production : Des prestations d’enregistrement et de mixage destinées aux artistes ;
• Accompagnement : Un travail de promotion et de diffusion via le label.

Cette diversité traduit une volonté claire : ne pas simplement produire de la musique, mais participer activement à son développement et à sa circulation.

Quand les platines rencontrent les ondes : une radio pensée comme un lieu de découverte

Parmi les composantes du projet, la radio DJ JERRY CO occupe une place particulière.

Actuellement en pleine évolution, elle a vocation à diffuser les singles d’artistes reconnus tout en offrant une visibilité à de nouveaux talents.

L’objectif est également de proposer des émissions spéciales diffusées en direct depuis différents lieux, afin de créer des rendez-vous musicaux plus immersifs et plus vivants.

À travers cette radio, DJ JERRY CO prolonge finalement l’une des missions historiques du DJ : découvrir, sélectionner, partager et faire circuler la musique.

Dans un environnement dominé par les algorithmes et les playlists automatisées, cette démarche remet au centre la notion de programmation humaine et de transmission.

Des Quinconces aux plateformes de streaming : l’histoire d’une passion devenue projet de vie

L’histoire de DJ JERRY CO commence bien avant Still I Rise.

Dès l’âge de 6 ans, il découvre l’univers du DJing et développe progressivement une passion pour la musique et son industrie.

Une étape importante intervient en 1998 lorsqu’il passe sur Wit FM, alors installée à l’Esplanade des Quinconces.

L’idée qui donnera naissance au projet actuel remonte ensuite aux années 2000. Au fil du temps, cette ambition se structure et s’enrichit pour devenir l’univers musical développé aujourd’hui.

Cette trajectoire explique la cohérence du projet actuel : un parcours construit dans la durée, nourri par l’expérience, la curiosité musicale et une volonté constante de partager sa passion.

À propos de DJ JERRY CO OFFICIEL

DJ JERRY CO OFFICIEL réunit les activités de DJ producteur, musicien, auteur-compositeur-interprète, label et radio. Le projet propose des prestations musicales pour événements et festivals, des services de production musicale, d’enregistrement et de mixage, ainsi qu’un accompagnement artistique via son label et sa radio.

Son prochain album, Still I Rise, composé de 12 titres originaux et de plusieurs remix, est actuellement en production. Un premier single est prévu pour septembre, avant une sortie complète de l’album au premier trimestre 2027.

En savoir plus

Site web : https://www.dj-jerry-co-officiel.com/

Facebook : https://www.facebook.com/DJJERRYCO/

Instagram : https://www.instagram.com/dj_jerry_co/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/djjerryco/

Dans la lignée des grands noms du néo-classique qui ont choisi de confronter leur musique aux éléments, Vivian Roost a signé une série de performances inédites en Polynésie française.

À Moorea, son piano a flotté sur le lagon.

Au pied du Mont Rotui, il a joué au cœur des champs d’ananas.

Sous les banians millénaires, il a fait résonner ses compositions dans une nature intacte.

Mais il ne s’agit pas d’un simple clip.

Le réel comme manifeste artistique

À l’heure où les paysages peuvent être recréés par l’intelligence artificielle, Vivian Roost choisit le réel. Le vent, l’humidité, l’imprévu. Un piano déplacé, installé, accordé dans des conditions non conventionnelles. Une performance qui devient défi logistique et engagement esthétique.

Je ne voulais pas filmer un piano dans un décor. Je voulais que le décor devienne le piano.

Ces performances hors du temps s’inscrivent dans une démarche contemplative : célébrer la beauté du monde tel qu’il est, sans artifice, sans fond vert, sans retouche spectaculaire.

Un héritier du Néo-classique européen

Avec plus de 110 millions de streams dans le monde, des publications chez Deutsche Grammophon et le soutien de figures comme Nils Frahm, Vivian Roost s’impose comme l’un des représentants d’une nouvelle génération de pianistes contemporains. Son univers évoque les paysages émotionnels d’artistes tels qu’Ólafur Arnalds ou Ludovico Einaudi, mais s’en distingue par une approche profondément visuelle et narrative : il compose comme on raconte une histoire.

Chaque pièce devient un voyage intérieur, une respiration. 

LIEN VIDÉO

Sound of Paris × Bang & Olufsen, 14 juin 2026

Le 14 juin 2026, Vivian Roost sera l’invité d’exception du Sound of Paris, une journée orchestrée par Bang & Olufsen à l’Atelier Richelieu, à Paris. Une rencontre dédiée à la musique et à l’image, pensée pour les passionnés de son et de design : conférences, sessions d’écoute d’albums, projection, ateliers privilégiés, et en clôture, un showcase inédit du pianiste.

Vivian Roost jouera dans l’après-midi, pour une session d’écoute immersive d’une heure. Un format conçu comme une expérience sensorielle : comparaison A/B entre son numérique et analogique, écoute sur enceintes Bang & Olufsen, échanges autour de l’approche sonore du piano, et un mini-live en clôture dévoilant les prémices des nouvelles compositions à venir.

Cette collaboration s’inscrit dans le prolongement naturel du manifeste artistique du pianiste, dans l’attention portée au timbre, à la dynamique, à l’espace, et témoigne de l’exigence sonore qui caractérise son travail depuis plus de dix ans. Enregistrant et produisant lui-même l’intégralité de ses œuvres dans son studio parisien, Vivian Roost avait déjà collaboré avec Bang & Olufsen en Suisse, pour des performances sonorisées exclusivement par leurs enceintes.

Une saison 2026 entre paysages et scènes d’exception

Après le festival Secret Piano au Café de la Danse (29 mars 2026), dont il est co-créateur et directeur artistique aux côtés de Yehezkel Raz et Sophie Hutchings, Vivian Roost poursuit une année 2026 rythmée par plusieurs rendez-vous majeurs :

• 14 juin · Sound of Paris × Bang & Olufsen, Atelier Richelieu, Paris
• 12 juillet · Felt Room, Berlin (deux concerts, 15h et 19h)
• 17 juillet · Piano Bostan Festival
• 19 juillet · Festival de Noirmoutier

Du paysage extérieur au paysage intérieur, de la scène en pleine nature à la session d’écoute immersive, la musique de Vivian Roost fait dialoguer l’espace, le son et la présence. Un nouvel album est attendu en 2026.

À propos de Vivian Roost

Pianiste, compositeur et ingénieur du son franco-suisse, Vivian Roost construit depuis plus de dix ans une musique néo-classique à la croisée du minimalisme européen, du cinéma et de la contemplation. Enregistrant et produisant lui-même l’intégralité de ses œuvres dans son studio parisien, il façonne une esthétique sonore précise et intimiste, timbre, dynamique, espace, conçue pour une écoute attentive et immersive. Son album From Home a dépassé les 110 millions de streams dans le monde. Ses œuvres sont publiées chez Pianoramix et Deutsche Grammophon, et ont été plébiscitées par Nils Frahmdans sa playlist officielle Piano Day. Habitué des scènes d’exception, du Louvre aux lagons de Polynésie française, de Berlin à Tokyo, il est également co-créateur et directeur artistique du festival Secret Piano. Son quatrième album est attendu en 2026.

 En savoir plus 

Sites web : https://www.vivianroost.com/

https://www.lionailes.com/ 

Facebook : https://www.facebook.com/VIVIANROOSTMUSIC/

YouTube : https://www.youtube.com/vivianroost

Une chanson lumineuse qui célèbre l’amitié, le partage et les émotions positives

Après le succès de ses chansons engagées et fédératrices chantées dans des milliers d’écoles, Lorette revient avec un nouveau titre rempli de tendresse et d’énergie positive : «L’amitié !», un duo inédit avec Rémi Guichard, figure incontournable de la chanson jeune public.

Avec cette nouvelle création signée Laure et Franck DESBRE, les artistes offrent une véritable bouffée d’optimisme dans un monde où les enfants ont plus que jamais besoin de repères, d’écoute et de bienveillance.

Une chanson qui touche le cœur dès les premières notes

Portée par une mélodie entraînante et un refrain immédiatement mémorisable, «L’amitié» célèbre ces liens précieux qui nous aident à avancer, grandir et sourire malgré les difficultés.

Un ami c’est pour la vie, Même quand tous les jours sont gris…

La chanson évoque avec simplicité et sincérité :

•          l’entraide,
•          la fidélité,
•          le soutien dans les moments difficiles,
•          le pouvoir des fous rires,
•          et cette force invisible qu’apporte une vraie amitié.

Dans un univers musical joyeux et coloré, Lorette et Rémi Guichard rappellent que les plus belles richesses ne s’achètent pas : elles se vivent, se partagent et se chantent ensemble.

Un duo complice et intergénérationnel

La rencontre entre Lorette et Rémi Guichard sonne comme une évidence.

Deux univers artistiques profondément humains, sincères et tournés vers l’enfance. D’un côté, Lorette, créatrice de l’univers féerique Paroles de Farfelus, connue pour ses chansons éducatives et positives autour du respect, de la paix, des droits des enfants et du vivre-ensemble.

De l’autre, Rémi Guichard, artiste emblématique de la scène jeune public française, reconnu pour ses chansons tendres, drôles et intelligentes qui accompagnent les familles depuis de nombreuses années.

Ensemble, ils chantent un titre fédérateur, chaleureux et profondément actuel.

Une chanson qui donne envie de chanter ensemble

Avec ses “La la la la la la la” fédérateurs et son message universel, “L’amitié” s’annonce déjà comme une chanson incontournable pour :

• les écoles,
• les spectacles jeune public, les fêtes familiales,
• les chorales,
• et tous les moments de partage.

Ce nouveau titre s’inscrit pleinement dans la démarche artistique de Paroles de Farfelus : transmettre des émotions positives tout en donnant du sens aux chansons destinées aux enfants. 

Un message fort dans une époque qui en a besoin

À travers cette chanson, Lorette poursuit son engagement artistique et pédagogique auprès des enfants et des familles.

Après les titres engagés contre le harcèlement scolaire comme :

•           Te laisse pas embêter,
•           Marre des histoires,
•           Les droits des enfants,

Ce nouveau morceau vient rappeler l’importance de l’amitié, de l’écoute et du soutien mutuel dès le plus jeune âge.

Parce qu’un ami peut parfois changer une vie

À propos de Paroles de Farfelus

Créé par Lorette (Laure Desbre), Paroles de Farfelus est un univers musical enchanteur mêlant chansons, spectacles et messages éducatifs destinés aux enfants et aux familles. Avec des millions d’écoutes sur les plateformes et des chansons interprétées dans des milliers d’écoles, Paroles de Farfelus est devenu un véritable ambassadeur de la joie, de la bienveillance et du vivre-ensemble.

Entre concerts, projets pédagogiques, spectacles et collaborations artistiques, Lorette continue de faire chanter les enfants autour de valeurs essentielles : le respect, l’amitié, la paix et le droit de grandir heureux.

Disponible bientôt sur toutes les plateformes le 17 Juin 2026

Un clip vidéo plein de couleurs et d’émotions accompagnera prochainement cette sortie. https://farfelus.lnk.to/l-amitie

Informations, actualités et univers de Lorette : Le joli monde de Lorette

Ici, on ne parcourt pas des fiches produits, on manipule, on écoute, on compare.

L’équipement musical se choisit désormais majoritairement derrière un écran, mais cette scène attire chaque année plusieurs milliers de visiteurs venus faire bien plus qu’un achat : comprendre ce qu’ils utilisent, affiner leur pratique, parfois même déclencher un projet.

C’est dans cette logique que SonoVente.com organise la 13e édition de sa Grande Braderie, le 13 juin à Palaiseau, une journée qui mêle réductions importantes, démonstrations, conseils d’experts et ambiance collective, avec un objectif revendiqué : remettre le matériel musical à portée de toutes les bourses, sans le déconnecter de l’expérience réelle.

Palaiseau se met au diapason : une journée où tout devient musique, du stand à la conversation

Le samedi 13 juin à Palaiseau, en Île-de-France, SonoVente.com donne rendez-vous aux musiciens, techniciens, enseignants et passionnés pour la 13e édition de sa Grande Braderie.

Au fil des éditions, l’événement s’est installé comme un moment attendu, où l’on vient autant pour s’équiper que pour vivre une immersion dans l’univers musical. Dès les premières heures, les allées se remplissent, les démonstrations s’enchaînent, les discussions s’engagent.

Le lieu se transforme progressivement en espace vivant. Les visiteurs testent un micro, comparent deux enceintes, découvrent un contrôleur DJ ou s’essaient à un instrument. Les sons se croisent, les conseils circulent, les échanges s’installent. L’expérience dépasse le cadre de l’achat pour devenir un moment partagé, rythmé par la curiosité et la passion.

Tester, comparer, comprendre : l’achat musical redevient une expérience éclairée

La singularité de la Grande Braderie tient à son format. Là où l’achat en ligne repose sur la projection, l’événement propose une confrontation directe avec le matériel.

Les visiteurs manipulent, testent, comparent. Ils évaluent concrètement les différences entre deux équipements, posent des questions précises, affinent leurs critères. L’acte d’achat s’inscrit alors dans une démarche progressive, nourrie par l’essai et l’échange.

Cette dimension prend une importance particulière dans un paysage musical en mutation. Production à domicile, DJing, live, streaming : les pratiques se diversifient, les configurations se complexifient. Choisir un équipement ne relève plus seulement du budget, mais d’un usage précis.

La Grande Braderie agit ainsi comme un espace de clarification. Elle permet de donner du sens aux choix techniques et d’éviter des investissements inadaptés.

Remettre la musique à la portée de toutes les bourses : transformer l’intention en équipement réel

Depuis sa création en 1997, SonoVente.com poursuit une ambition constante : rendre le matériel musical accessible sans renoncer à la qualité.

La Grande Braderie en constitue la traduction la plus concrète. Elle répond à une réalité simple : pour de nombreux musiciens, techniciens ou enseignants, l’équipement reste un frein, souvent repoussé ou limité par des contraintes budgétaires.

En concentrant, sur une seule journée, une offre étendue et des remises pouvant atteindre 80 %, l’événement agit comme un déclencheur. Il permet de concrétiser des projets, d’accéder à du matériel professionnel ou de faire évoluer un setup existant.

L’ensemble des catégories est représenté dans une logique d’équipement global : instruments, contrôleurs DJ, interfaces audio, enceintes, éclairage, micros, casques, accessoires.

L’objectif est clair : passer de l’intention à l’action, en donnant à chacun les moyens de s’équiper de manière cohérente et durable.

Repenser l’achat musical à l’ère écologique : le reconditionné comme levier durable

L’édition met en avant une orientation structurante : l’intégration du reconditionné dans les pratiques d’équipement.

Des milliers de produits en “seconde vie” sont proposés : testés, certifiés, garantis, souvent accompagnés de leurs accessoires d’origine. Cette offre s’inscrit dans une logique d’économie circulaire, en réponse aux enjeux environnementaux liés à la production électronique.

Mais au-delà de la dimension écologique, il s’agit aussi de faire évoluer les usages. Le reconditionné n’est plus présenté comme une solution secondaire, mais comme une alternative fiable et pertinente, y compris pour des utilisateurs exigeants.

En valorisant cette offre dans un cadre accessible et encadré, SonoVente.com joue un rôle pédagogique. Les équipes accompagnent les visiteurs, expliquent les processus de contrôle et contribuent à lever les réticences encore associées à ces produits.

Une ambiance qui fait la différence : café, échanges et passion partagée

La Grande Braderie se distingue aussi par des éléments plus discrets, mais révélateurs de son identité.

Au fil de la journée, cafés et viennoiseries accompagnent les visiteurs. Ces attentions participent à créer une atmosphère accueillante, où l’on prend le temps. Où les discussions s’installent. Où l’on reste plus longtemps que prévu.

L’événement devient un espace de sociabilité, où les profils se croisent : professionnels, amateurs, curieux. Une communauté qui, le temps d’une journée, se rend visible.

Des experts accessibles : l’accompagnement comme prolongement naturel de l’expérience

Au cœur de cette dynamique, les équipes de SonoVente.com jouent un rôle central.

Composées de passionnés de musique et d’audio, elles accompagnent les visiteurs dans leurs choix, répondent aux questions techniques et orientent les décisions en fonction des usages.

Cette proximité transforme la relation. Elle permet de dépasser la simple logique de vente pour entrer dans un échange plus approfondi.

Cette exigence de service s’inscrit dans la continuité du modèle de l’entreprise, élue meilleur site e-commerce dans sa catégorie par le magazine Capital en 2024, pour la quatrième année consécutive.

Informations pratiques

Événement : Grande Braderie SonoVente.com – 13e édition
Date : samedi 13 juin 2026
Horaires : de 10h à 18h
Lieu : 7 avenue du 1er mai, 91120 Palaiseau

Accès :

• RER B
• Tramway T12

Entrée : gratuite et sans inscription

À propos de SonoVente.com

SonoVente.com est une société française créée en 1997 par Nicolas Bézard, également son CEO actuel. Elle est spécialisée dans la vente par correspondance de matériel de sonorisation, de deejaying, d’éclairage, de home studio et d’instruments de musique pour professionnels et amateurs.

Depuis plus de 25 ans, l’enseigne met son expertise au service des professionnels et des passionnés de musique, en proposant une large gamme de produits et de marques de qualité à des prix compétitifs.

SonoVente.com est un leader dans la vente en ligne de matériel de sonorisation, d’éclairage, d’instruments de musique et de DJ. Depuis plus de 25 ans, l’entreprise offre à ses clients des produits de qualité et un service de qualité, avec une équipe d’experts passionnés et un service clientèle à l’écoute des besoins de chacun.

SonoVente.com a été réélu en 2024 meilleur site e-commerce dans sa catégorie par le magazine Capital, pour la 4ème année consécutive. La qualité du service client, une expérience client positive, l’ergonomie du site, la sécurisation des achats en ligne, et le niveau d’expertise professionnelle figurent parmi les critères qui nous ont permis de remporter ce titre.

Nous sommes les virtuoses du e-commerce musical, et notre partition n’a pas une fausse note !

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La grande braderie SonoVente.com

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La sortie de Weber – Eine Welt in meinem Innern, nouvel album de l’Ensemble Hexaméron placé sous la direction artistique de Luca Montebugnoli, est prévue pour le 5 juin 2026 chez Paraty, jour du bicentenaire de Carl Maria von Weber.

Ce projet discographique sera précédé par un concert de sortie le 24 mai 2026 au Festival de La Nouvelle Athènes, dans le cadre du 4^e Festival Les Premiers Romantiques et la Nature, organisé au Château de Malmaison et à Bois- Préau.

Avec Weber – Eine Welt in meinem Innern, l’Ensemble Hexaméron propose de redécouvrir Carl Maria von Weber au-delà de l’image du seul compositeur du Freischütz. Figure centrale du romantisme allemand, Weber y apparaît dans toute la diversité de son langage : de la scène au salon, du lied à la musique de chambre, de la pièce concertante à l’arrangement. Cette circulation entre les genres, pensée et creusée par l’ensemble, constitue l’un des fils conducteurs du disque. Elle révèle une œuvre traversée par le théâtre, le récit, la virtuosité et le goût des couleurs instrumentales, où chaque format semble ouvrir un espace dramatique singulier.

Ce disque s’inscrit dans une dynamique artistique plus large, portée depuis plusieurs années par Luca Montebugnoli, personnalité de proue au sein de La Nouvelle Athènes, dans la redécouverte des premiers romantismes sur pianos historiques. Le concert du 24 mai donne ainsi au lancement de Weber – Eine Welt in meinem Innern une résonance particulière. Il relie l’actualité discographique de l’Ensemble Hexaméron, pensée pour honorer les 200 ans d’un compositeur majeur encore trop rarement reconnu à sa juste valeur, à l’implication de Luca Montebugnoli au sein de l’un des collectifs les plus dynamiques en France dans ce domaine.

La présence de ce concert au sein du Festival de La Nouvelle Athènes offre au lancement du disque un cadre particulièrement cohérent. Consacré aux premiers romantismes et à la nature, le festival met en regard musique, pensée romantique, arts visuels et patrimoine naturel autour des sensibilités du début du XIXe siècle. Cette thématique entre en résonance avec l’univers de Weber, où la nature, le théâtre, le paysage intérieur et la couleur instrumentale participent d’un même imaginaire romantique.

En savoir plus

Site de l’ensemble Hexaméron : https://www.hexameron.fr/

Avec T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières inventent un jeu de miroir entre les chansons les plus iconiques de Brel et leur propre univers classique. Le violoncelle y devient chanteur sans paroles ; le piano, tour à tour orchestre et passerelle, ouvre un lieu de rencontre entre deux mémoires musicales.

La sortie de T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, nouvel album de la violoncelliste Camille Seghers et du pianiste-arrangeur Alexis Thibaut de Maisières, est prévue le 22 mai 2026 chez Paraty. Ce programme fait dialoguer treize chansons de Jacques Brel avec de grandes pages du répertoire classique, dans des arrangements signés Alexis Thibaut de Maisières.

À l’origine du projet, il y a une intuition née sur scène. Imaginées d’abord comme une série de bis, ces chansons ont pris forme au fil des concerts, avant de constituer un cycle à part entière. Le public y reconnaissait Brel sans que les mots soient prononcés ; il entendait aussi, derrière les mélodies, des correspondances inattendues avec le répertoire classique. Cette double reconnaissance est devenue le moteur du disque.

Jacques Brel travaillait avec ses musiciens dans un rapport direct à l’impulsion : une idée, un sentiment, un rythme, un motif pouvaient devenir le point de naissance d’une chanson. Alexis Thibaut de Maisières choisit ici de faire le chemin inverse. À partir des chansons de Brel, il cherche ce qui aurait pu en être la source, le soubassement ou l’écho classique. Chaque arrangement devient ainsi une hypothèse musicale : non pas un commentaire, mais une manière de faire apparaître ce que la chanson porte déjà en elle.

Cette démarche trouve un exemple central dans Les Désespérés. Gérard Jouannest, pianiste de formation classique et compagnon essentiel de Brel, avait travaillé le Concerto en sol de Ravel auprès d’Yvonne Lefébure. Dans le mouvement lent de cette œuvre, Brel entendit la matière qui allait donner naissance à la chanson. Pour Alexis Thibaut de Maisières, Les Désespérés devient alors la clef de voûte du projet : la preuve que, chez Brel, la chanson et le classique ne sont pas deux mondes étrangers, mais deux formes capables de se répondre de l’intérieur.

L’album prolonge cette intuition à travers tout un réseau de rencontres. Les Cœurs tendres croisent Ravel ; Marieke se place en regard de laBarcarolle d’Offenbach ; Les Flamandes rejoignent une polka de Chostakovitch ; Ne me quitte pas rencontre Schubert ;Vesoul s’approche de Chopin ; Bruxelles convoque l’énergie de Rimski-Korsakov. Ces rapprochements ne relèvent pas du clin d’œil érudit. Ils ouvrent aux chansons un autre espace d’écoute, tout en permettant aux œuvres classiques de gagner le naturel, l’élan et l’adresse immédiate de la chanson.

Dans ce jeu de miroir, le violoncelle occupe la place la plus exposée : celle de la voix. Mais il ne s’agit jamais d’imiter Brel car le modèle est inimitable. Privé de paroles et de gestes, le violoncelle porte autrement la ligne chantée, par le timbre, l’inflexion, la tension, la rupture, la pudeur ou l’excès. Les paroles sont déjà dans la mémoire du public ; l’instrument les convoque sans les prononcer.

Le piano, lui, devient l’espace de transformation. Il accompagne, bien sûr, mais il fait surtout circuler les chansons entre plusieurs mondes : celui du cabaret, de la scène, du salon, du concert. Par ses arrangements, Alexis Thibaut de Maisières fait apparaître un Brel profondément musicien, entouré de collaborateurs dont la culture classique a marqué l’écriture même des chansons.

À travers T’as voulu voir Jacques Brel et on a vu…, Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières ne proposent pas une version décorative ou nostalgique de Brel. Ils font entendre la vitalité musicale d’un répertoire devenu patrimoine, en révélant ce qui le relie naturellement aux grandes formes classiques.

Photos : @France Dubois

En savoir plus :

Site artiste : https://www.camilleseghers.com/

YouTube : https://www.youtube.com/watch?v=3HpBNm3gsk4