Chez Le Pull Français, elle passe par Roanne pour la confection, Saint-Étienne pour les étiquettes, Nantua pour les emballages et jusqu’à Patornay, dans le Jura, pour les boutons des gilets.

Une chaîne volontairement hexagonale que la marque entend continuer à faire vivre en 2026/2027.

Nouvelle collection, vestiaire mérinos-cachemire toujours plus étoffé, participation au Salon du Made in France, présence au marché de Noël de Versailles qui pour la première fois de son histoire se déroulera au Trianon Palace et probable ouverture du capital : Le Pull Français prépare une saison charnière.

Avec un cap qui, lui, ne change pas : faire grandir la marque pour contribuer, à son échelle, à faire vivre la filière textile française.

Derrière un pull, toute une carte de France des savoir-faire

Le projet est parti d’une pièce universelle : le pull.

Plutôt que de chercher à la réinventer à tout prix, Le Pull Français a choisi de repenser la manière dont elle est produite.

Portée par l’expérience entrepreneuriale de Benjamin Cohen dans le prêt-à-porter, la marque s’est construite avec la volonté de défendre une mode raisonnée et une production nationale. Son parti pris : proposer des produits 100 % français et faire travailler des acteurs implantés dans différents territoires.

Les pulls sont ainsi confectionnés à Roanne, dans la Loire. Les étiquettes sont fabriquées à Saint-Étienne, les emballages à Nantua, dans l’Ain, tandis que les cartons d’expédition proviennent eux aussi de Roanne. Les boutons utilisés pour les gilets sont, quant à eux, façonnés à Patornay, dans le Jura.

Une organisation qui permet à la marque de défendre une autre lecture du vêtement : derrière une maille, une coupe ou un bouton se trouvent aussi des métiers, des ateliers et des compétences à préserver.

En 2026/2027, le mérinos-cachemire continue de tisser sa place dans la collection

La nouvelle saison poursuit l’élargissement du vestiaire masculin et féminin du Pull Français. Cols V, cols ronds, cols roulés, cols montants, gilets ou encore modèles manches courtes voir même sans manches : la collection multiplie les silhouettes autour d’une même recherche de pièces conçues pour durer au-delà d’une saison.

Le mérinos-cachemire, composé de 90 % de laine mérinos et 10 % de cachemire, occupe notamment une place importante dans cet univers. Parmi les différentes références de la marque, quatre modèles illustrent la diversité des coupes proposées.

César, le col V masculin

Avec César, Le Pull Français travaille l’un des classiques du vestiaire masculin : le col V. Sobre et facile à associer, il peut se porter seul comme sur une chemise et se décline dans plusieurs coloris, du S au XXL.

Prix : 159 €

Ugolin, le col roulé version française

Plus enveloppant, Ugolin mise sur un col roulé, une coupe ajustée et des épaules à l’italienne. Un modèle pensé pour naviguer entre silhouettes habillées et tenues plus décontractées.

Prix : 189 €

Agathe, le mérinos-cachemire sans manches

Agathe joue avec les superpositions grâce à sa coupe sans manches et son col montant. Porté seul ou sur une chemise, le modèle apporte une interprétation différente de la maille dans le vestiaire féminin.

Prix : 139 €

Margot, l’intemporel col V au féminin

Avec Margot, le col V se décline dans une silhouette féminine épurée. Sa maille mérinos-cachemire permet notamment de le porter directement sur la peau et d’en faire une pièce facile à associer.

Prix : 159 €

César, Ugolin, Agathe et Margot ne constituent qu’un aperçu d’une collection plus large, dans laquelle Le Pull Français poursuit son ambition première : remettre le pull au centre de toutes les attentions, sans entrer dans une logique de renouvellement permanent des tendances.

Du Made in France cousu dans l’étiquette… au Made in France rencontré sur le terrain

Cette saison 2026/2027 ne se jouera pas uniquement en ligne ou chez les revendeurs. Le Pull Français entend aussi aller à la rencontre du public.

La marque participera au Salon du Made in France – MIF Expo, du 12 au 15 novembre 2026 à Paris Porte de Versailles. Un rendez-vous emblématique pour la fabrication hexagonale, dont l’édition 2025 a réuni plus de 110 000 visiteurs. Le salon annonce de nouveau plus de 1 000 exposants pour son édition 2026.

Le Pull Français sera également présent au marché de Noël de Versailles qui se déroulera pour la première fois de son histoire au Trianon Palace.

Pour la marque, ces rendez-vous permettent de rendre tangible ce que raconte une étiquette « fabriqué en France » : toucher une maille, regarder une finition, découvrir un produit, mais aussi comprendre la chaîne de savoir-faire et de territoires qui se trouve derrière lui.

Grandir, oui. Détricoter le modèle, non.

La prochaine étape se joue également du côté de la distribution. Le Pull Français souhaite aussi poursuivre le développement de son réseau de revendeurs en France mais aussi à l’export en Belgique et en Suisse afin de rendre ses créations accessibles à un public plus large, tout en préservant l’identité et le mode de fabrication de ses produits.

En parallèle, une ouverture du capital est probablement envisagée afin de permettre à la marque d’aller plus loin dans son développement.

L’enjeu est double : accompagner la croissance du Pull Français, mais aussi augmenter sa capacité à faire travailler les partenaires français sur lesquels repose son modèle. Car derrière le développement commercial se trouve une ambition plus collective : participer à la redynamisation d’une filière textile française longtemps fragilisée.

Benjamin Cohen : remettre le pull au centre pour remettre la filière en lumière

À l’origine du projet se trouve Benjamin Cohen et son expérience entrepreneuriale dans le prêt-à-porter. Sa connaissance du secteur nourrit une conviction : la France dispose encore d’un savoir-faire textile vivant, précieux et authentique, mais celui-ci ne peut perdurer que s’il continue à être sollicité et transmis.

Le Pull Français est né de cette volonté de faire autrement, en construisant progressivement une marque capable de concilier développement, fabrication locale et mode raisonnée.

La collection 2026/2027, l’élargissement continu du vestiaire, les prochains rendez-vous avec le public, le développement du réseau de revendeurs et la perspective d’une ouverture du capital ouvrent aujourd’hui un nouveau chapitre.

Le Pull Français veut ainsi continuer à grandir sans perdre le fil : remettre le pull au premier plan et, derrière lui, faire circuler commandes, savoir-faire et activité au sein de la filière textile française.

En savoir plus

Site web : https://www.le-pull-francais.com

Facebook : https://www.facebook.com/lepullfrancais

Instagram : https://www.instagram.com/lepullfrancais/

À l’approche des Journées européennes du patrimoine, Nodie’s invite les médias dans un atelier où le patrimoine du cuir continue de vivre.

Alors que l’intelligence artificielle et la robotisation gagnent chaque jour du terrain, certains gestes résistent encore à l’accélération du monde.

À Romans-sur-Isère, ville historique de la chaussure et du cuir, des maroquinières continuent de couper, tresser, assembler et coudre à la main. Pour réaliser une seule poignée de sac, il leur faut notamment près de 45 minutes.

À quelques jours des Journées européennes du patrimoine des 19 et 20 septembre 2026, organisées notamment autour du thème « Patrimoine en péril : raviver, résister, réimaginer », leur travail pose une question très actuelle : à l’heure des robots et de l’IA, quels savoir-faire voulons-nous encore transmettre demain ?

Chez Nodie’s, ce patrimoine n’est ni figé derrière une vitrine ni seulement raconté dans les livres. Il est encore pratiqué quotidiennement. Et l’atelier propose aux journalistes de venir le filmer.

Un sac se regarde en quelques secondes. Mais combien de temps faut-il pour le fabriquer ?

À l’heure où les prix du luxe s’envolent et où la fabrication est souvent éloignée du lieu de création, Nodie’s défend un autre modèle : des sacs dessinés, coupés, assemblés et contrôlés au même endroit, dans son atelier de Romans-sur-Isère.

Chez Nodie’s, la réponse se lit dans les détails. Pour la seule poignée de Nouvelle Lune, son nouveau sac hobo, près de 45 minutes sont nécessaires : des bandes découpées dans les chutes de cuir de la maison sont préparées puis patiemment entrelacées à la main.

Derrière ce geste se raconte une autre temporalité de la mode, celle du dessin, de la coupe, de l’assemblage, de la couture et des finitions.

Précommandé depuis mi-juin et actuellement livré à ses premières clientes, Nouvelle Lune concentre le parti pris de cette maison indépendante : créer à Romans-sur-Isère des sacs contemporains que leur silhouette permet de reconnaître avant même d’en chercher le logo.

Avec sa courbe asymétrique et sa poignée tressée à la main, Nouvelle Lune a été pensé pour devenir une nouvelle signature de la maison.

Journées du patrimoine : quand le patrimoine est encore au travail

Les 19 et 20 septembre prochains, les Journées européennes du patrimoine inviteront notamment à réfléchir au « Patrimoine en péril » et à la manière de le « raviver, résister, réimaginer ».

À Romans-sur-Isère, cette question prend une dimension particulière. La ville a longtemps été l’un des grands territoires français de la chaussure et du travail du cuir. Avec la disparition progressive de nombreux ateliers et fabricants, préserver ce patrimoine signifie aussi préserver les personnes capables d’en reproduire les gestes.

Chez Nodie’s, il suffit de pousser la porte de l’atelier pour observer ce patrimoine en mouvement.

Les maroquinières y coupent le cuir, préparent les pièces, cousent, assemblent et réalisent notamment le tressage entièrement manuel qui devient l’une des signatures du savoir-faire de la maison.

Ici, le patrimoine n’est donc pas seulement ce que l’on conserve. C’est ce que l’on continue à savoir faire.

Nodie’s, une maison qui dessine sa signature dans le cuir

Pas de logo comme principal signe de reconnaissance. Chez Nodie’s, c’est la forme qui doit parler la première.

Depuis son atelier de Romans-sur-Isère, la maison indépendante développe une maroquinerie contemporaine entièrement fabriquée en France. Cabas, sacs seau, mini-sacs bandoulière, bowling, bananes : toute sa gamme prend aujourd’hui forme dans cet atelier, depuis le dessin jusqu’à la coupe, puis l’assemblage et le contrôle.

Au cœur de son univers, trois créations composent désormais sa ligne de haute maroquinerie : L’Iconique, Côme et Nouvelle Lune.

Un trio relié par le vocabulaire esthétique de Tine, qui fait de l’asymétrie et des courbes les marqueurs de son dessin. Nouvelle Lune en propose une nouvelle interprétation en s’attaquant à une silhouette familière du vestiaire féminin : le sac hobo.

Le hobo, mais à la manière Nodie’s

Souple, féminin, reconnaissable à sa ligne arquée et à son porté épaule, le hobo conjugue naturellement confort, capacité de rangement et allure. Nodie’s souhaitait pourtant s’éloigner d’une simple réinterprétation du classique.

Dessiné et développé pendant plusieurs mois, après des dizaines de prototypes, et une centaine d’heures de développement, Nouvelle Lune reprend ainsi la courbe d’une lune naissante pour construire une silhouette asymétrique et fluide. Il complète les formes baguette et demi-lune travaillées par la maison et répond à une recherche très concrète de ses clientes : associer élégance, praticité et polyvalence.

Le modèle se porte ainsi de trois façons :

• à la main ;
• à l’épaule ;
• en bandoulière.

Mais c’est un quatrième élément qui lui donne une bonne partie de son caractère : sa poignée tressée.

45 minutes dans les mains : le détail qui change toute l’histoire

Il faut s’approcher du sac pour comprendre.

Dans l’atelier de Romans-sur-Isère, les bandes de cuir destinées à la poignée sont d’abord découpées dans les chutes issues de la propre production de Nodie’s. Une matière qui aurait pu rester inutilisée trouve ainsi une nouvelle fonction. Puis vient le tressage : près de 45 minutes de travail manuel pour une seule poignée.

Aucune machine n’intervient dans cette étape. Les bandes sont entrelacées une à une, entièrement à la main. La régularité du tressage dépend du geste, de la tension exercée sur le cuir et de l’expérience de la maroquinière.

Découper. Préparer. Entrelacer. Ajuster.

Derrière la finition se trouve un geste suffisamment long et précis pour raconter à lui seul ce que recouvre concrètement la fabrication artisanale française.

Ce tressage manuel devient aujourd’hui l’un des gestes emblématiques de Nodie’s : non pas un décor ajouté au sac, mais un savoir-faire visible, reproductible seulement par la maîtrise de la main et le temps qu’on accepte de lui consacrer.

Et ce tressage n’a pas été choisi au hasard.

Un fil tendu entre le Romans d’hier et celui d’aujourd’hui

Pour Nodie’s, impossible de fabriquer à Romans-sur-Isère sans regarder l’histoire de la ville.

Le territoire a été profondément façonné par la chaussure et la maroquinerie.

À Romans-sur-Isère, le tressage résonne avec une histoire particulière, notamment incarnée par Stéphane Kélian, que Tine Collard a eu l’occasion de rencontrer l’été 2025 à la boutique lors de sa venue. Nouvelle Lune ne reproduit pas cet héritage : elle le transpose dans une silhouette contemporaine.

Une manière de rappeler qu’un savoir-faire ne reste vivant que lorsqu’il continue à être pratiqué, déplacé et réinterprété.

Dans l’atelier, cette histoire locale ne se raconte d’ailleurs pas uniquement à travers les gestes. Elle se lit aussi sur certaines machines à coudre. Plusieurs d’entre elles proviennent des anciens ateliers Jourdan : récupérées puis restaurées, elles ont retrouvé une activité chez Nodie’s. Dans l’atelier, certaines machines portent encore une plaque Charles Jourdan et le numéro de téléphone de l’époque.

Le symbole est fort dans une ville marquée par Charles Jourdan : plutôt que de remplacer systématiquement l’ancien matériel par des équipements neufs, Nodie’s remet en service des machines conçues pour durer et continue à fabriquer avec elles, à quelques rues de l’histoire industrielle qui les a vues travailler.

Un patrimoine qui n’est donc pas seulement exposé ou raconté : il continue à produire.

Du cuir brut au dernier contrôle : un sac à suivre étape par étape

Les 45 minutes de la poignée ne représentent qu’une séquence de la fabrication.

Dessin, coupe du cuir, préparation, tressage manuel, assemblage, couture, finitions, contrôle : Nouvelle Lune permet de suivre la transformation progressive d’une matière en objet fini.

C’est précisément ce que Nodie’s souhaite aujourd’hui montrer.

Pour les médias audiovisuels, la maison peut ouvrir les portes de son atelier de Romans-sur-Isère et organiser un tournage suivant la fabrication d’un sac, depuis le cuir brut jusqu’aux dernières finitions.

Un sujet où la caméra peut se rapprocher des mains plutôt que des discours : le cuir que l’on découpe, les bandes qui s’entrelacent, les pièces qui s’assemblent et, progressivement, la courbe de Nouvelle Lune qui apparaît.

La maison cherche également à réduire l’impact de sa production grâce à une fabrication locale et au réemploi de certaines chutes de cuir, utilisées notamment pour la poignée tressée de Nouvelle Lune.

Le réemploi de ses propres chutes de cuir pour la poignée tressée de Nouvelle Lune en constitue l’une des traductions concrètes.

Romans-sur-Isère – Amman : quand un petit atelier change d’échelle

Une maison indépendante peut-elle fabriquer localement et voir ses créations voyager très loin ?

Chez Nodie’s, la réponse a déjà pris une tournure inattendue.

Dans ce petit atelier de Romans-sur-Isère ont notamment été fabriqués deux modèles ensuite portés par la reine Rania de Jordanie.

Le contraste dit beaucoup de l’ambition de la marque : d’un côté, un atelier à Romans-sur-Isère, des mains, du cuir et des gestes artisanaux ; de l’autre, des créations qui ont trouvé leur place dans le vestiaire de l’une des personnalités les plus observées pour son élégance.

Sans devenir le sujet de l’histoire, cet épisode apporte à Nodie’s une nouvelle visibilité et conforte la maison dans son choix : faire de son design, plutôt que de son logo, son principal territoire d’expression.

520 euros : la haute maroquinerie française sans le prix à quatre chiffres

Le positionnement de Nouvelle Lune se joue enfin sur une équation que Nodie’s assume pleinement.

À 520 euros, Nouvelle Lune défend une vision singulière du luxe français : celle d’un sac dessiné et intégralement façonné à Romans-sur-Isère, sans faire basculer son prix dans les milliers d’euros. Une manière de tenir tête aux géants de la maroquinerie avec d’autres armes : une production à petite échelle, des gestes préservés et une identité esthétique immédiatement reconnaissable.

Faire naître une nouvelle signature à Romans-sur-Isère

Les précommandes de Nouvelle Lune ont débuté mi-juin et les premiers modèles rejoignent actuellement leurs propriétaires. Pour Nodie’s commence désormais une nouvelle étape : inscrire cette création dans la durée et en faire l’une des signatures de la maison.

Car derrière ces 45 minutes de tressage se joue une ambition plus grande : démontrer qu’à Romans-sur-Isère, une maison indépendante peut encore prendre le temps de fabriquer localement des sacs contemporains capables de voyager bien au-delà de leur atelier.

Un patrimoine vivant plutôt qu’un patrimoine sous vitrine

À l’approche des Journées européennes du patrimoine, l’histoire racontée par l’atelier dépasse celle d’un sac.

Elle interroge ce que peut être le patrimoine français en 2026.

Une machine de Jourdan avec sa plaque authentique que l’on restaure plutôt que de jeter.

Une chute de cuir que l’on transforme plutôt que d’écarter.

Une maroquinière qui consacre 45 minutes à un tressage qu’une logique industrielle chercherait probablement à accélérer.

Un savoir-faire historique qui ne cherche pas à reproduire le passé, mais à fabriquer le présent.

À l’heure des robots et de l’intelligence artificielle, Nodie’s défend ainsi une idée simple : certains progrès consistent peut-être aussi à savoir ce que l’on ne veut pas perdre.

Les 19 et 20 septembre, ce patrimoine-là ne demande pas seulement à être raconté. Il peut être filmé, entendu et observé en train de vivre, dans l’atelier de Romans-sur-Isère, idéalement le vendredi, quand les maroquinières sont à l’ouvrage. Le samedi, la boutique ouvre ses portes et l’atelier reste visible, même vide de ses artisanes.

En savoir plus

Site web : https://www.nodiesofficiel.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/NODIESofficiel/

Instagram : https://www.instagram.com/nodiesofficiel/

Le retour au bureau, sans passage par la case retouches

Septembre a ses rituels. Les agendas se remplissent, les rendez-vous reprennent, et le vestiaire retrouve les pièces sur lesquelles on aime pouvoir compter : tailleurs, blazers, pantalons et chemises — faciles à associer et polyvalents pour tenir une journée entière : du rendez-vous professionnel à l’afterwork le soir.

Mais le tailoring ne pardonne pas les mauvaises proportions. Une manche trop longue déséquilibre un blazer, un pantalon mal ajusté modifie toute une silhouette, une hauteur de buste inadaptée change le tombé d’une chemise.

C’est exactement le terrain sur lequel Petite and So What a construit sa collection Back to Work. La marque française ajuste les longueurs et proportions de ses créations : la hauteur de buste, la longueur des bras et des jambes ou encore la profondeur des décolletés. Sa capsule de rentrée décline notamment un blazer noir, un jean flare, un cardigan en laine et une veste en daim.

L’enjeu n’est pas de retoucher une taille standard : c’est de repenser tout le fitting en amont.

1m45 à 1m60 : quand quelques centimètres changent toute la coupe

Chez Petite and So What, adapter un vêtement aux femmes de 1m45 à 1m60 ne revient jamais à raccourcir un modèle standard. Le fitting est repris dans son ensemble : hauteur de buste, longueur des bras et des jambes.

Un travail qui prend tout son sens avec la collection Back to Work, où la qualité du tombé fait à elle seule l’allure d’un tailleur, d’un blazer ou d’un pantalon.

Cette exigence du « zéro retouche » est à l’origine même de la marque : Julie Luong Si, 1m52, a longtemps cherché ces pièces sans les trouver. Elle lance un blog mode en 2015, puis Petite and So What en 2019.

Du cintre au bureau : des vêtements faits pour tomber juste

Petite and So What construit un vestiaire d’indémodables en privilégiant une fabrication européenne : 70 % des collections sont produites en Europe, dont 40 % en France, avec une nette préférence pour les matières naturelles, recyclées ou upcyclées.

La collection Back to Work est aussi à découvrir dans la boutique parisienne de la marque, ouverte en septembre 2025 au 56 rue du Vertbois, Paris 3e.

Une rentrée qui replace le vêtement professionnel au centre du vestiaire, avec une différence de taille pour les “petites” : des pièces pensées à leurs proportions bien avant d’arriver dans leur dressing.

En savoir plus

La collection Back to Work : https://www.petiteandsowhat.com/pages/back-to-work-femme-petite

Site internet : http://www.petiteandsowhat.com

Facebook : https://www.facebook.com/PetiteAndSoWhat

Instagram : https://www.instagram.com/petiteandsowhat

La création d’une robe de mariée débute parfois bien avant le premier croquis. Elle prend racine dans une mémoire familiale, dans des gestes observés dès l’enfance, dans une relation à la matière qui se construit au fil du temps.

Autour d’elle, chaque métier transforme une matière. La pierre, le bois, le tissu, la terre. Aucun geste ne peut être précipité. Tous demandent du temps, de la précision et une connaissance intime de ce que l’on a entre
les mains.

De cette mémoire familiale naît une nouvelle manière de concevoir la robe de mariée. Non comme un hommage au passé, mais comme une manière de retrouver les fondamentaux de la création : observer, comprendre, choisir, ajuster et laisser le geste révéler la matière.

HÉRITAGE, la collection 2027 de Céline Ménard trouve son origine dans une histoire familiale et dans la volonté de faire vivre des savoir-faire transmis de génération en génération. Une exigence du travail bien fait, une sensibilité aux matières, une mémoire des lieux et une manière de créer guidée par l’exigence du geste et la sensibilité.

Cette collection naît d’un besoin de retour aux sources

Imaginée dans le showroom-atelier de la maison à Toulouse, cette nouvelle collection affirme pleinement l’identité de Céline Ménard comme Maison de Transmission.

Les robes y sont conçues comme des créations à la fois personnelles et durables, capables de porter une histoire pour mieux en accueillir une nouvelle.

Dentelles de Calais, soies françaises, tulles délicats, broderies et finitions artisanales donnent forme à des silhouettes intemporelles, proposées telles qu’elles ont été dessinées, personnalisées ou entièrement créées sur mesure.

Quand les gestes d’hier deviennent les robes de demain

L’univers visuel d’HÉRITAGE puise dans les paysages qui ont accompagné l’enfance de la créatrice : un atelier de menuisier, des bâtisses en terre, les vergers, les fruits d’été et les champs de blé baignés de lumière. Ces images ne servent pas uniquement de décor.

Elles prolongent le récit de la collection et rappellent que toute matière porte une origine, un territoire et une temporalité. La terre, la pierre, le bois et le tissu imposent chacun leur rythme. Ils résistent, se plient, se transforment, mais ne se laissent jamais totalement contraindre.

Céline Ménard transpose cette relation attentive à la matière dans sa manière d’aborder la robe de mariée. À travers chaque création, la collection célèbre une certaine idée de la transmission : celle d’un regard, d’un geste et d’un savoir-faire façonnés par le temps.

Quand la dentelle raconte & que la soie donne le mouvement

Dans HÉRITAGE, la matière participe directement à la naissance de la silhouette.

Dentelles de Calais, soies françaises, tulles et broderies sont sélectionnés pour leur qualité, leur toucher et leur manière de capter la lumière.

La collection repose sur quelques partis pris :

• matières françaises choisies pour leur caractère et leur durabilité ;
• volumes conçus pour accompagner le corps ;
• finitions artisanales ;
• détails subtils ;
• silhouettes intemporelles.

La richesse d’HÉRITAGE ne vient pas de l’accumulation mais de la justesse. La maison défend une vision du luxe discret, où la qualité d’une matière, l’équilibre d’une coupe et le temps consacré à la réalisation priment sur l’ornement.

Une robe ne se choisit pas, elle s’écrit à quatre mains

Chaque modèle est imaginé dans le showroom-atelier de Céline Ménard à Toulouse.

La future mariée peut choisir un modèle tel qu’il est présenté, le personnaliser ou engager une création entièrement sur mesure.

La robe se construit dans un dialogue entre la créatrice, la matière et la femme qui la portera. La collection devient ainsi un point de départ plutôt qu’un cadre.

Maison de Transmission

Avec HÉRITAGE, Céline Ménard affirme la vision qui guide désormais sa maison.

La transmission ne désigne pas seulement celle d’une robe. Elle englobe les savoir-faire des artisans, la mémoire des matières, les récits familiaux et les émotions qui accompagnent la création.

La maison s’engage à :

• préserver les gestes artisanaux ;
• valoriser les matières françaises ;
• concevoir des robes pensées pour traverser le temps ;
• créer des pièces singulières et intemporelles.

La robe devient une création patrimoniale contemporaine, conçue pour continuer à vivre bien après la cérémonie.

La femme derrière le projet… Céline Ménard

Avant de fonder sa maison, Céline Ménard a travaillé pendant plus de dix ans au sein de maisons de mode parisiennes. Sa vocation pour la création nuptiale se révèle lorsqu’elle imagine la robe de mariée d’une amie.

Cette première pièce marque le début d’une aventure plus personnelle, centrée sur la relation entre la créatrice et la femme qu’elle habille. Céline Ménard s’installe ensuite à Toulouse, où elle fonde un showroom-atelier confidentiel.

Elle y développe une approche sensible et durable de la mode, dans laquelle chaque robe peut être adaptée, transformée ou entièrement réinventée. Ses collections se nourrissent de l’art, de l’architecture, des voyages et des récits personnels.

Avec HÉRITAGE, son histoire familiale devient pour la première fois le coeur même de la création.

HÉRITAGE, premier chapitre d’une maison de création française

La collection 2027 accompagne une ambition plus large : faire évoluer Céline Ménard d’une marque de robes de mariée vers une maison de création française durablement installée.

La maison souhaite renforcer sa visibilité auprès d’une clientèle française et internationale sensible au luxe discret, à l’artisanat, au sur-mesure et à la qualité des matières.

Des collaborations avec des boutiques partenaires, des lieux d’exception et des acteurs du mariage haut de gamme figurent parmi les pistes de développement envisagées.

La maison poursuivra son développement autour de pièces complémentaires, notamment une ligne de bijoux en porcelaine, afin de construire progressivement un véritable art de vivre autour du mariage et de la création artisanale.

Avec HÉRITAGE, Céline Ménard ne dévoile donc pas seulement une nouvelle collection. Elle pose les fondations d’une maison pensée pour transmettre : des gestes, des matières, des émotions et des histoires.

En savoir plus

Site web : https://www.celinemenard.fr

Instagram : https://www.instagram.com/celinemenard.fr/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/celinemen

L’Adire, art textile traditionnel yoruba originaire du Nigeria, appartient à cette catégorie de patrimoines dont la richesse visuelle dépasse largement le cadre de l’artisanat.

Longtemps associé à des savoir-faire transmis de génération en génération, il trouve aujourd’hui une nouvelle résonance auprès d’un public sensible aux objets porteurs de sens, aux créations culturelles et aux récits incarnés.

C’est dans cette rencontre entre héritage et création contemporaine que s’inscrit Adirelounge.

Fondée par Cynthia Asije, entrepreneuse nigériane installée en France, la marque française réinvente l’Adire à travers des foulards, des textiles et des articles de décoration intérieure conçus pour les consommateurs d’aujourd’hui.

Basée en France, Adirelounge développe un dialogue entre patrimoine textile nigérian et design européen.

Son ambition : faire dialoguer patrimoine textile africain, design contemporain et production responsable, tout en créant des opportunités économiques pour les communautés d’artisans et en faisant rayonner l’Adire bien au-delà de son territoire d’origine.

Adirelounge développe également des outils numériques autour du design textile, de la narration des produits et de la traçabilité, afin de créer un lien durable entre patrimoine artisanal et innovation contemporaine.

Des étoffes qui ne décorent pas : elles prennent la parole

Adirelounge ne conçoit pas le textile comme une surface à embellir, mais comme une matière narrative. Chaque pièce s’inscrit dans une histoire de gestes, de symboles, de transmission et d’identité. La marque puise dans la richesse visuelle de l’Adire pour composer un vocabulaire graphique actuel, capable de dialoguer avec la mode, la décoration intérieure, les boutiques culturelles et les univers lifestyle.

Adirelounge lance sa première collection de foulards contemporains inspirés de l’Adire, pensée pour une clientèle sensible au design, à l’artisanat et aux objets porteurs de sens.

Les foulards occupent une place centrale dans cette nouvelle collection. Ils ne sont pas pensés comme des accessoires saisonniers, mais comme des pièces-signatures : souples, expressives, faciles à porter, capables de donner du relief à une tenue sobre ou d’apporter une dimension culturelle à un cadeau, une sélection boutique ou un univers décoratif.

Adirelounge s’adresse à celles et ceux qui ne choisissent pas un textile uniquement pour sa couleur ou son motif, mais pour ce qu’il raconte : une origine, un geste, une culture, une intention. Ses créations trouvent naturellement leur place dans les vestiaires contemporains, les intérieurs sensibles au design, les concept stores, les boutiques lifestyle, les boutiques de musées ou les sélections cadeaux où l’objet doit porter plus qu’une fonction : une présence.

Du patrimoine yoruba au design mondial : l’Adire comme trait d’union

L’Adire est au cœur du projet. Art textile traditionnel yoruba originaire du Nigeria, il porte une profondeur culturelle que Cynthia Asije souhaite rendre plus visible sur les marchés internationaux. Non pas en le déracinant, ni en le réduisant à une inspiration esthétique, mais en lui ouvrant de nouveaux usages.

Adirelounge agit ainsi comme un pont entre plusieurs mondes :

• L’Afrique et l’Europe ;
• Les techniques artisanales et les attentes contemporaines ;
• La mode et la décoration intérieure ;
• La mémoire culturelle et l’innovation durable ;
• Les communautés d’artisans et les marchés internationaux.

Cette position intermédiaire fait la singularité de la marque. Adirelounge ne choisit pas entre héritage et modernité : elle travaille précisément l’espace entre les deux. Elle transforme des motifs traditionnels en produits contemporains, capables d’être portés, offerts, exposés, collectionnés ou intégrés dans des espaces de vie.

Ni tendance passagère, ni objet figé : une esthétique de la transmission

Adirelounge se distingue par son refus de la mode éphémère. La marque s’articule autour de la narration, de l’artisanat et de la préservation culturelle. Elle ne cherche pas à produire des motifs « inspirés de » sans profondeur, mais à construire un univers cohérent où chaque création porte une part d’identité.

Ses éléments différenciants sont clairs :

• Une alliance entre patrimoine textile africain et design contemporain ;
• Des produits riches en signification culturelle, adaptés aux usages actuels ;
• Une production responsable ;
• Une présence entre Afrique et Europe ;
• Une approche fondée sur la narration plutôt que sur l’effet de mode ;
• Une exploration de nouvelles voies autour du design textile, de la durabilité et de la narration numérique.

Dans l’univers visuel de la marque, les foulards se portent comme des pièces de caractère : en turban, autour du cou, sur les épaules, dans une silhouette minimaliste ou plus affirmée. Les créations jouent avec la lumière, les contrastes, les symboles et les couleurs pour installer une esthétique à la fois culturelle, contemporaine et immédiatement reconnaissable.

Une campagne pour faire grandir l’Adire moderne

La campagne de communication actuellement lancée par Adirelounge poursuit quatre objectifs : accroître la visibilité de la marque en France et à l’international, présenter la nouvelle collection de foulards, valoriser le parcours entrepreneurial de Cynthia Asije et positionner Adirelounge comme une marque textile innovante, à l’intersection du patrimoine, du design et de la durabilité.

À court terme, Adirelounge souhaite élargir ses collections de foulards et de textiles, renforcer sa visibilité en France et en Europe, et fédérer un public engagé autour de la marque. À plus long terme, l’entreprise vise un développement dans la décoration d’intérieur, les licences textiles, les outils numériques innovants autour du design textile et la création d’opportunités économiques durables pour les communautés d’artisans.

Cynthia Asije, une fondatrice qui transforme l’héritage en horizon

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Site web : https://www.adirelounge.com

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Instagram : https://www.instagram.com/adirelounge

Linkedin : https://www.linkedin.com/in/cynthia-asije-652b9130/

Une fois hors d’usage, la grande majorité d’entre elles disparaît du circuit : 97 % des balles finissent en décharge ou sont incinérées, faute de filière de recyclage adaptée. Un constat d’autant plus préoccupant qu’une balle de tennis peut mettre jusqu’à 400 ans à se décomposer, tout en libérant du méthane et des microplastiques au cours de sa dégradation.

Face à cet impact environnemental encore trop peu visible, Zèta a imaginé une nouvelle voie : transformer ces balles usagées en matière première pour donner naissance à ACE’98, une sneaker innovante conçue à partir de balles de tennis recyclées.

Entièrement vegan & recyclée, cette paire intègre un caoutchouc revalorisant des balles usagées pour le logo et la base des semelles. Produite au Portugal en édition limitée (500 paires), elle permet de revaloriser environ 5 kg de matière, soit près d’une centaine de balles.

Une idée née sur un court de tennis

Tout commence lors d’un moment simple : une partie de tennis entre la fondatrice Laure Babin et son père. En observant les balles usagées jetées à la fin du match, une question émerge : que deviennent elles ?

De cette intuition naît un projet concret. Pendant plus d’un an, Zèta travaille alors avec ses fournisseurs et des clubs de tennis à Porto pour créer une matière innovante.

Une matière qui prolonge le jeu

Collectées auprès de clubs de tennis de la région de Porto, les balles usagées connaissent une seconde vie. Elles sont d’abord broyées en fines particules, puis intégrées à du caoutchouc synthétique recyclé, ensuite teinté et injecté dans la base de la semelle. Cette matière innovante se retrouve également sur la tige, à travers le logo signature de la marque.

Entièrement vegan, ACE’98 revalorise aussi du coton, du caoutchouc et du plastique recyclés, tout en générant 6 fois moins de CO₂ qu’une paire de sneakers traditionnelle. Chaque paire est assemblée en circuit court au Portugal, au sein d’un atelier familial.

Une sneaker inspirée de l’héritage du Tennis

Le nom ACE’98 fait référence à 1998, un hommage au tennis et à son héritage intemporel dans un sport où les champions laissent leur empreinte sur le court, perpétuant les gestes, les souvenirs et l’esprit du jeu.

ACE ’98 incarne ce mouvement : s’appuyer sur l’héritage pour inventer la suite. En transformant des balles usées en ressources, Zèta réinvente le jeu.

Inspirée de l’héritage du tennis, la basket ACE’98 est un hommage à la culture des courts. Avec sa silhouette basse, ses tonalités vintage et sa semelle épaisse, elle reprend les codes des années 90 et se décline en 5 teintes.

Cette collection comprend également un tee-shirt, des chaussettes et une casquette fabriqués au Portugal à partir de matières upcyclées et recyclées.

Revaloriser l’existant pour créer un produit désirable

Depuis sa création en 2020 à Bordeaux, Zèta développe des sneakers à partir de matières alternatives comme du raisin, du maïs, du café ou encore de l’olive.

Avec les balles de tennis, la marque poursuit cette démarche en explorant une nouvelle ressource issue du sport. L’objectif reste le même : transformer ce qui existe déjà plutôt que produire du neuf.

Laure Babin, fondatrice de Zèta

Laure Babin a créé Zèta avec une idée simple : proposer des sneakers à la fois esthétiques, confortables et plus respectueuses de l’environnement et des Hommes.

Issue d’une formation en management, elle lance la marque pendant ses études après avoir pris conscience de l’impact très polluant de l’industrie de la mode. Elle choisit alors d’explorer une autre approche, basée sur l’innovation et l’utilisation de matières alternatives.

La sneaker Ace’98 s’inscrit dans cette démarche : elle marque une nouvelle étape, en intégrant cette fois une matière issue du monde du sport.

En savoir plus

Site web : https://www.zeta-shoes.com/

Facebook : https://www.facebook.com/zeta.sneakers/

Instagram : https://www.instagram.com/zeta_shoes/

Il peut révéler une allure, signer une intention, transformer une silhouette ou simplement faire vibrer le quotidien autrement.

À mesure que les femmes s’approprient davantage leur style, loin des diktats figés, la mode devient un terrain d’expression personnelle, mouvant et profondément émotionnel. Cette évolution s’accompagne d’une attente nouvelle : trouver des univers capables d’inspirer, de guider sans imposer, et de proposer des pièces accessibles tout en restant singulières.

Dans cette dynamique, certains concepts émergent en proposant bien plus qu’une sélection produits.

C’est le cas d’Éclats de Jade, un e-shop qui développe en 2026 une approche incarnée et sensible de la mode, pensée comme une invitation à oser, se révéler et se faire plaisir à travers des accessoires et, désormais, une première sélection de prêt-à-porter.

Éclats de Jade : un e-shop où l’on ne “choisit” pas seulement - on ressent, on compose, on s’autorise

Éclats de Jade se construit comme un concept-store digital où l’accessoire n’est jamais secondaire. Il devient le point de départ, l’impulsion, parfois même le déclic.

Cette approche se traduit par une offre structurée autour de quatre catégories principales — BIJOUX, SACS, MODE, LIFESTYLE — enrichies d’une sélection CADEAUX, pensées pour accompagner chaque moment de vie.

Ici, un bijou capte la lumière et attire le regard, un sac structure une silhouette, une pochette ou un porte-monnaie accompagne le quotidien, une boîte à bijoux accueille les essentiels, tandis qu’une paire de lunettes de soleil vient insuffler une énergie au look.

La sélection repose sur un équilibre précis entre pièces iconiques, inspirations tendances, influences rétro et trouvailles issues de créatrices ou de marques européennes. Ce mélange compose un vestiaire ouvert, où rien n’est figé, où tout peut se combiner.

Loin des logiques uniformisantes, Éclats de Jade propose une approche vivante : un style qui se module, se nuance, s’adapte aux envies comme aux moments.

Des pièces iconiques qui séduisent déjà une communauté engagée

Parmi les créations les plus plébiscitées, certaines pièces s’imposent comme de véritables signatures du style Éclats de Jade.

Les totebag léopard Amour, Bazar Chic ou Bisou (14€) incarnent une touche fun et pratique au quotidien, tandis que les sacs à main Fiera (37€) affirment une allure avec caractère.

Côté bijoux, le collier Cœur à cœur (25€) et son bracelet assorti (18€) incarnent pleinement l’univers émotionnel de la marque.

Les accessoires lifestyle ne sont pas en reste : les étoles imprimé bandana (24€) twistent instantanément une tenue, les boîtes à bijoux Bohm (25€) allient esthétique et ingéniosité, et les chaussettes à paillettes (13€) insufflent une touche de fantaisie assumée.

Autant de best-sellers qui illustrent l’ADN d’Éclats de Jade : des pièces désirables, accessibles et porteuses d’émotion.

Cinq éclats pour une seule promesse : se révéler sans se transformer

L’univers d’Éclats de Jade s’articule autour de cinq piliers — cinq “éclats” — qui façonnent à la fois la sélection et l’expérience proposée, tout en donnant naissance à des Capsules éphémères, pensées comme des rendez-vous sensibles autour des temps forts du marché et de la vie.

• L’éclat du style invite à oser, à insuffler une variation dans le quotidien, à faire évoluer une silhouette sans jamais la figer. Il s’exprime notamment à travers des Capsules comme “Éclosion de style”, qui célèbre le renouveau printanier avec audace et fraîcheur ;
• L’éclat du cœur met en lumière le plaisir d’offrir et de recevoir, et la dimension émotionnelle des objets, incarnée dans des sélections dédiées telles que la Fête des Mères, la Saint-Valentin ou Secret Santa ;
• L’éclat de l’instant rappelle qu’un accessoire peut suffire à transformer une journée, à y introduire spontanéité et lumière, à travers des Capsules saisonnières comme Joyeuses Pâques ou Instants Précieux ;
• L’éclat de soi encourage l’expression personnelle, la liberté d’être multiple, changeante, pleinement assumée — une invitation à explorer différentes facettes de son style au fil des Capsules ;
• L’éclat du lien traduit la volonté de tisser une relation durable et vivante avec celles qui suivent la marque, en créant des rendez-vous réguliers autour de ces sélections éphémères.

Plus que des concepts, ces cinq éclats irriguent concrètement chaque choix : ils guident la sélection, inspirent la mise en scène et donnent vie à des Capsules pensées comme des parenthèses inspirantes, en résonance avec les saisons, les émotions et les envies du moment.

Une évolution naturelle vers un vestiaire plus complet

En 2026, Éclats de Jade franchit une nouvelle étape avec l’introduction d’une sélection de pièces mode.

Ces pièces s’inscrivent dans la continuité du projet : accessibles, faciles à porter, mais suffisamment marquées pour donner une direction. Elles ne remplacent pas l’accessoire, elles le prolongent.

Elles deviennent une base, un point d’ancrage qui structure la silhouette et permet ensuite de jouer avec les accessoires pour affiner le style.

Cette incursion dans le prêt-à-porter traduit une volonté d’accompagner les femmes plus largement dans leur manière de s’habiller, sans jamais perdre de vue l’essentiel : le plaisir, la liberté et l’expression de soi.

Une sélection pensée comme une expérience : choisir, ressentir, se projeter

À l’approche du printemps et de la fête des mères, Éclats de Jade imagine une sélection tournée vers le renouveau, la légèreté et l’émotion.

Bijoux lumineux, accessoires colorés, idées cadeaux délicates : chaque pièce est choisie pour accompagner les envies de saison, célébrer les liens et marquer les moments qui comptent.

Qu’il s’agisse de se faire plaisir, d’offrir une attention ou de renouveler son style, la Capsule “Éclosion de style” invite à se projeter, à ressentir, à créer une connexion immédiate avec l’objet.

Les accessoires deviennent alors des alliés : ils ponctuent les instants, soulignent les silhouettes et accompagnent le quotidien avec éclat & fantaisie !

Jade, une fondatrice qui fait de la mode un terrain d’expression intime et assumé

Derrière Éclats de Jade, il y a Jade. Une trajectoire, une sensibilité, une vision profondément humaine de la mode.

Depuis l’enfance, elle perçoit l’accessoire comme un langage. Un moyen d’exprimer une émotion, de renforcer la confiance en soi, de se révéler en toute authenticité.

Son parcours dans la vente, le marketing digital et l’événementiel lui permet d’affiner cette vision et de développer une compréhension fine du lien entre image, ressenti et impact.

Avec Éclats de Jade, elle propose bien plus qu’une sélection : une approche basée sur la confiance, l’émotion, le partage et l’alignement avec soi-même.

Elle place au cœur de sa démarche des notions essentielles : le partage avec ses proches, le lien qu’elle entretient avec sa communauté, et l’importance de cultiver une forme de gratitude envers soi-même.

Choisir une pièce devient alors un acte personnel : une manière de s’affirmer, de se valoriser et de rester fidèle à ce que l’on est.

Dans cette logique, elle a récemment intégré la notion de colorimétrie dans son approche. Elle invite ses clientes à échanger directement avec elle, notamment via Instagram, pour les conseiller de manière personnalisée, que ce soit sur le choix des teintes, des associations ou encore des finitions comme le doré ou l’argenté.

Son ambition : créer un univers où l’on se sent libre d’oser, de tester, de se faire plaisir en restant pleinement soi.

Informations clés

• Concept : E-shop d’accessoires de mode & lifestyle féminins
• Positionnement : accessible & inspirant — love-brand à dimension masstige
• Catégories : bijoux, sacs, mode, lifestyle, idées cadeaux
• Prix : de 5€ à 129€ — panier moyen autour de 50€
• Actualité : lancement d’une collection de tee-shirts en avril 2026
• Implantation : marque basée à Rennes

En savoir plus

Site web : https://eclatsdejade.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/eclatsdejade/

Facebook :  https://www.facebook.com/profile.php?id=61575242386080

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/jade-andr%C3%A9-chesnel-982a83b1/

Pinterest :  https://fr.pinterest.com/EclatsdeJadeConceptStore/ 

 Créations modulables, sur-mesure et écoresponsables fabriquées
artisanalement en France

Chaque année en France, près de 240 000 mariages sont célébrés (Source : INSEE)

Derrière ces unions, un élément cristallise à lui seul une part importante des attentes, des émotions et des investissements : la robe de mariée.

Pensée comme une pièce d’exception, réalisée avec un haut niveau d’exigence et souvent choisie après de longs mois de recherche, elle demeure pourtant un vêtement paradoxal. Portée quelques heures, elle est ensuite conservée, parfois précieusement, mais rarement réutilisée.

Ce modèle, longtemps intégré comme une évidence, est aujourd’hui interrogé. Les futures mariées expriment de nouvelles attentes : elles souhaitent des pièces durables, évolutives, capables de s’inscrire dans le temps et en cohérence avec leurs valeurs.

Avec sa collection PURE, la Maison Charline Loisel apporte une réponse structurée à cette évolution.

Pensée comme une innovation de la robe de mariée modulable, cette première collection introduit une nouvelle approche du vêtement nuptial : des pièces conçues dès l’origine pour être transformées, adaptées et portées bien au-delà du jour J.

À travers PURE, la Maison pose les fondations d’un concept central, celui de la « robe à double vie ».

Une maison de couture qui interroge les fondements du mariage

Le projet porté par Charline Loisel trouve son origine dans l’écart entre la valeur d’une robe de mariée et son usage réel. Formée à la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne et passée par la Maison Jean-Paul Gaultier, Charline Loisel s’inscrit dans une tradition d’excellence artisanale. Son apprentissage du modélisme et du patronage, notamment auprès d’une Meilleure Ouvrière de France, lui confère une maîtrise technique qui constitue le socle de son travail.

La Maison naît d’une volonté claire : faire évoluer la robe de mariée d’un objet ponctuel vers une pièce capable d’accompagner plusieurs moments de vie, sans renoncer à l’exigence de la couture.

Charline Loisel, fondatrice de la Maison.

Penser la robe dès sa conception comme une pièce évolutive

Au cœur de cette démarche se trouve le concept de « robe à double vie », qui structure l’ensemble de la proposition. Cette approche introduit une rupture dans le secteur.

Elle déplace la réflexion du moment vers la durée, et du vêtement vers l’usage. La robe devient ainsi un point de départ, conçu pour être activé dans différents contextes, au-delà du cadre strictement cérémoniel.

PURE : L’élégance architecturale et le chic moderne

C’est dans sa collection inaugurale, PURE, que la vision de Charline Loisel prend corps. Ici, la poésie rencontre la responsabilité : des lignes épurées, des volumes lumineux et des détails subtils — parfois constellés de petits bouts d’étoiles — qui racontent une histoire durable.

Des silhouettes audacieuses pour une féminité affirmée

La collection se distingue par son caractère résolument moderne et intemporel. Chaque création est pensée comme une pièce de haute facture qui sublime la femme sans l’effacer :

• Lignes graphiques et épurées : Des détails de caractère tels que des fentes spectaculaires, des dos nus sculpturaux et des jeux de transparence subtils.
• Le vestiaire pluriel : Au-delà de la robe, la Maison explore le 3-pièces et la combinaison, offrant une alternative chic et puissante à la mariée d’aujourd’hui.

L’excellence des matières sourcées en France

Pour donner vie à ces silhouettes, la créatrice privilégie l’excellence tactile : soie, tweed-chic en coton bio, chambray et dentelles de Calais, soigneusement sélectionnés et sourcés exclusivement en France. Ces matières nobles permettent des volumes maîtrisés, de la fluidité d’une robe droite au graphisme d’un ensemble structuré.

La robe Katia : l’équilibre parfait entre minimalisme et caractère.

La modularité comme principe de création et d’appropriation

Contrairement aux approches consistant à transformer une robe après le mariage, Charline Loisel intègre dès la conception la possibilité d’une évolution. La collection repose sur sept bases, conçues comme des structures initiales à enrichir grâce à un système d’éléments amovibles : Tops en tulle brodé, sur-jupes et traînes amovibles, capes ou caracos délicats.

Ce travail dépasse la simple technique pour instaurer une nouvelle relation au vêtement. La mariée ne choisit plus un costume d’un jour, elle compose une silhouette évolutive. La robe peut être portée lors du mariage, puis réinterprétée en tenue de soirée ou en pièce quotidienne.

Réactiver l’existant : une approche de la couture fondée sur la transformation

En parallèle de la création de pièces nouvelles, Maison Charline Loisel développe une approche centrée sur la transformation, à travers le service Trésor de Famille.

Ce dispositif s’inscrit dans une logique d’upcycling appliquée à des robes héritées. Ces pièces, souvent conservées pour leur valeur sentimentale, deviennent le point de départ d’un nouveau projet de création.

Trésor de Famille : l’histoire de la transmission.

Le travail réalisé ne se limite pas à une retouche ou à une adaptation. Il s’agit d’une véritable recréation. La robe d’origine est déconstruite, réinterprétée et transformée pour donner naissance à une nouvelle pièce, en adéquation avec les attentes et la personnalité de la future mariée.

Cette démarche introduit une dimension spécifique dans l’univers du mariage : celle de la transmission.

La robe ne constitue plus uniquement un souvenir, mais un support de création. Elle devient un lien tangible entre les générations, capable de s’inscrire dans une continuité tout en s’adaptant à une esthétique contemporaine.

À travers ce service, la Maison propose une autre manière de penser le luxe : non plus uniquement fondé sur la création ex nihilo, mais aussi sur la capacité à valoriser et transformer l’existant.

Et si tout se jouait dans le détail ? L’accessoire comme pièce maîtresse de la silhouette

Le développement de la boutique en ligne d’accessoires constitue un troisième axe structurant de la démarche.

Cette offre permet d’élargir l’accès à l’univers de la Maison, tout en restant cohérente avec son positionnement.

Les pièces proposées, voiles, tops, caracos, capes, sont conçues comme des éléments à part entière, capables de transformer une tenue existante. Elles ne viennent pas simplement compléter une robe, mais en modifier l’allure, en redéfinir la silhouette.

La cape scintillante : transformer sa silhouette en un geste.

Ce positionnement répond à plusieurs réalités.

D’une part, toutes les mariées ne souhaitent pas ou ne peuvent pas investir dans une création sur mesure. D’autre part, certaines disposent déjà d’une robe, mais recherchent un moyen de la personnaliser et de la singulariser.

L’accessoire devient alors un outil de transformation.

Il permet d’intégrer une dimension couture à une base existante, d’apporter une identité forte à une silhouette, et de créer une continuité avec l’univers de la Maison.

Cette approche ouvre une nouvelle porte d’entrée dans le luxe nuptial. Elle permet d’en capter l’essence (exigence, esthétique, sens du détail) sans passer nécessairement par la création complète.

Une réponse aux attentes d’une génération en quête de cohérence

La proposition de Maison Charline Loisel s’inscrit dans une évolution plus large des attentes des consommatrices.

Les futures mariées expriment aujourd’hui une attention accrue à la durabilité des pièces, à leur capacité d’usage et à leur impact. Elles recherchent des créations qui s’inscrivent dans le temps, qui peuvent être réinvesties et qui portent une forme de cohérence avec leurs valeurs.

La modularité, la transformation et l’accessoirisation apportent une réponse structurée à ces attentes.

Elles permettent de dépasser la logique du vêtement unique pour entrer dans celle d’un vestiaire nuptial, pensé comme un ensemble évolutif.

Engagée dans une démarche globale, la Maison reverse 1 % de son chiffre d’affaires à des associations environnementales via 1% for the Planet.

En savoir plus

Site internet : www.charlineloisel.com 

Instagram : https://www.instagram.com/charlineloisel.bridal/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/loiselcharline/

Maillot de bain post-mastectomie : entre prothèse inconfortable, asymétrie visible et modèles inadaptés

Choisir un maillot de bain après une mastectomie ne relève pas d’un simple critère esthétique. C’est souvent un compromis.

Le compromis entre le confort et le regard extérieur, entre la volonté de se sentir libre dans l’eau et la nécessité de maintenir une prothèse. Car dans les faits, la baignade avec une prothèse externe reste contraignante : elle peut bouger, peser, devenir inconfortable. À l’inverse, s’en passer expose une asymétrie que les vêtements classiques ne sont pas conçus pour accompagner.

À cela s’ajoute une difficulté largement partagée : trouver des modèles jugés “désirables”. L’offre existante, souvent perçue comme trop médicalisée, laisse peu de place à des pièces féminines, actuelles, qui ne signalent pas immédiatement une situation particulière.

Enfin, la question des cicatrices s’impose, notamment face au soleil, nécessitant des matières adaptées et protectrices.

“Amazone Solaire” : une collection pensée à partir des usages réels, et non de standards théoriques

Avec “Amazone Solaire”, Les Monocyclettes prennent le parti inverse. La collection ne part pas d’un modèle idéal, mais d’une diversité de situations vécues.

Développée en lien direct avec une communauté de femmes ayant subi une mastectomie, elle intègre dès sa conception les usages concrets : se baigner avec ou sans prothèse, alterner selon les moments, chercher du maintien ou au contraire de la liberté.

La collection s’articule autour de pièces essentielles : un maillot de bain une pièce et un kimono, pensés comme un ensemble évolutif. Le vêtement ne fige pas la silhouette ; il s’ajuste, se module, accompagne.

Les lignes restent féminines, les coloris actuels, les matières choisies pour leur douceur et leur capacité à respecter une peau fragilisée. L’ensemble s’éloigne volontairement des codes médicaux, sans renoncer à la technicité.

Une collection co-créée avec des femmes ayant vécu une mastectomie pour répondre à leurs besoins réels

“Amazone Solaire” n’est pas une projection théorique. Elle est le résultat d’un travail mené avec une communauté de femmes directement concernées.

Les Monocyclettes ont sollicité leur communauté via des sondages afin de recueillir des retours précis : attentes en matière de coupe, de maintien, de style, mais aussi ressentis face à l’offre existante.

Ce processus de co-construction a permis d’ancrer la collection dans des usages réels, en évitant les approximations. Chaque choix — du design aux matières — s’inscrit dans cette logique d’adaptation fine.

Au-delà du maillot de bain : lingerie modulable, tatouages éphémères et accompagnement pour reconstruire son image

“Amazone Solaire” s’inscrit dans un ensemble plus large.

Les Monocyclettes développent une offre complète autour du vêtement post-mastectomie :

• Des soutien-gorge mono-bonnets, à porter avec ou sans prothèse ;
• Des modèles avec poches sans armatures ;
• Des gammes pour poitrines plates et grandes tailles

La marque propose également des tatouages éphémères, conçus pour sublimer les cicatrices ou recréer des aréoles mammaires temporaires.

À cela s’ajoute un accompagnement en conseil en image, visant à aider les femmes à retrouver une relation apaisée avec leur image.

Une marque née du vécu d’Angélique Lecomte : vivre sans prothèse, repenser le vêtement

À l’origine du projet, Angélique Lecomte. Ancienne infirmière, elle est confrontée en 2016 à un cancer du sein traité par mastectomie.

Pendant deux années, avant de pouvoir envisager une reconstruction, elle apprend à vivre avec son nouveau corps. Elle explore d’autres formes de réappropriation : tatouages éphémères, ajustements vestimentaires, nouveaux repères.

Lorsque la reconstruction devient possible, elle fait un choix différent : celui de ne pas y recourir.

Ce parcours l’amène à constater un décalage. D’un côté, une majorité de femmes qui vivent avec une asymétrie. De l’autre, une offre largement centrée sur la prothèse comme solution unique.

Les Monocyclettes naissent de cette tension. Avec une volonté : proposer des alternatives, redonner du choix.

La collection de bain prolonge cette logique. Elle fait écho à une expérience fondatrice : celle d’une baignade sans prothèse, motivée par l’inconfort, mais vécue sans solution vestimentaire adaptée.

Développer une gamme bain et des solutions complémentaires pour accompagner l’après-cancer au quotidien

Le lancement de cette première collection de bain marque une étape, mais s’inscrit dans une dynamique plus large.

Les Monocyclettes prévoient d’élargir la gamme avec de nouveaux modèles dès l’année prochaine. En parallèle, des collaborations sont en cours pour proposer :

• Des produits capillaires adaptés aux cheveux fragilisés par la chimiothérapie ;
• Des soins solaires spécifiques pour la peau et les cicatrices ;
• Une collaboration avec Alexandra Labeguerie (association Sœurs d’Encre) autour du tatouage éphémère.

Une collection capsule de lingerie estivale est également annoncée pour la mi-mai.

Revenir à la plage sans choisir entre confort, esthétique et regard des autres

Avec “Amazone Solaire”, Les Monocyclettes ne proposent pas un modèle unique, mais ouvrent un champ de possibles.

Porter une prothèse ou non, montrer ou atténuer une asymétrie, privilégier le maintien ou la liberté de mouvement : ces choix, longtemps contraints, deviennent ici ajustables.

Le maillot de bain retrouve alors sa fonction première : accompagner, sans imposer.

En savoir plus

La collection de maillots de bain post-mastectomie : https://www.lesmonocyclettes.com/maillots-de-bain-post-mastectomie-avec-ou-sans-prothese/

Site web : https://www.lesmonocyclettes.com/

Facebook : https://www.facebook.com/lesmonocyclettes

Instagram : https://www.instagram.com/lesmonocyclettes/ 

C’est dans ce contexte qu’émerge Label Chaussette, une marque française audacieuse qui réinvente ces héros cultes à travers des chaussettes fun et colorées.

Sa dernière collaboration avec le studio Xilam met à l’honneur Oggy et les Cafards, Les Zinzins de l’Espace et Ratz, pour faire revivre ces univers iconiques à travers un produit du quotidien.

Un partenariat inédit pour faire revivre la mode des années 90 : une rencontre entre pop culture, nostalgie et mode accessible

Derrière la marque française Label Chaussette, fondée en 2019, deux amis désireux d’en finir avec les chaussettes ternes et sans histoire, Xavier et Guillaume.

Depuis ses débuts, la marque s’est imposée comme une référence dans l’univers des chaussettes fun et originales, avec un engagement fort pour la qualité et la production locale.

En plus de ses collections inspirées de la pop culture, la marque propose des chaussettes personnalisées pour les entreprises, permettant à chaque client de créer des modèles uniques à son image.

La marque continue de surprendre avec des collaborations inédites et des produits toujours plus créatifs.

Elle annonce aujourd’hui une collaboration exclusive qui plonge les nostalgiques dans l’univers des dessins animés cultes des années 90 et 2000.

Grâce à un partenariat avec le studio d’animation français Xilam, connu pour ses séries Oggy et les Cafards, Les Zinzins de l’Espace et Ratz, la marque dévoile une collection capsule inédite.

Cette collaboration ne serait pas possible sans l’approbation des ayants droit de ces séries animées. En effet, la collection s’inscrit dans un cadre de licence officiel avec le studio Xilam, ce qui garantit la fidélité aux univers des séries.

Ce partenariat permet à Label Chaussette de travailler directement avec les créateurs des personnages pour offrir un produit qui respecte l’essence même de ces héros animés. Pour les fans, cette authenticité est essentielle.

L’implication du studio français Xilam dans ce projet renforce l’aspect légitime et véritable de cette capsule.

Pour Label Chaussette, cette collaboration est également un gage de professionnalisme et d’engagement à offrir un produit fidèle et respectueux de l’héritage culturel qu’il représente.

Ces héros animés prennent désormais vie sous forme d’accessoires quotidiens.

Cette collaboration, qui se distingue par sa portée émotionnelle et générationnelle, transforme des souvenirs d’enfance en un produit du quotidien : la chaussette.

Une capsule pour revivre la nostalgie des années 90 à travers vos pieds

Label Chaussette ne se contente pas d’habiller les pieds, mais cherche à redonner vie à un pan de culture populaire, celui des dessins animés qui ont marqué toute une génération.

Oggy et les Cafards, Les Zinzins de l’Espace et Ratz sont des séries emblématiques qui ont forgé l’imaginaire collectif des enfants des années 90.

En lançant cette capsule, Label Chaussette met à l’honneur ces personnages iconiques, et les fait renaître à travers une création ludique et créative : des chaussettes.

Ce choix de revisiter ces univers, en utilisant l’accessoire le plus simple de notre quotidien, est une invitation à retrouver une part de son enfance.

Au-delà du produit, il s’agit d’une réflexion sur l’impact de la culture télévisuelle dans notre évolution.

Ces dessins animés ne sont pas seulement des souvenirs, mais des symboles d’une époque que l’on veut voir perdurer sous une forme moderne et accessible.

La capsule va au-delà du simple objet de mode. Elle s’inscrit dans une démarche qui touche au cœur de la pop culture.

Label Chaussette, avec cette collaboration, ne se contente pas de proposer des chaussettes : elle rend hommage à ces personnages tout en offrant un produit qui se porte, qui fait sourire et qui fait revivre des émotions de jeunesse.

Le lien émotionnel comme clé de succès

L’aspect émotionnel de cette capsule est sans conteste son point fort.

Les dessins animés comme Oggy, Zinzins et Ratz font partie intégrante du patrimoine culturel de plusieurs générations.

Et c’est justement cette dimension affective que Label Chaussette exploite avec brio.

En transformant des personnages animés emblématiques en objets du quotidien, la marque joue sur la fibre nostalgique et le souvenir.

Les chaussettes deviennent ainsi des témoins d’une époque, des morceaux de mémoire que l’on porte fièrement.

Ces dessins animés sont ancrés dans la mémoire collective d’une génération.

Cette collaboration ne se limite pas à un produit sous licence.

Elle repose sur des souvenirs collectifs, des références partagées qui créent un lien fort avec les consommateurs.

Pour Label Chaussette, il ne s’agit pas simplement de vendre un produit mais d’offrir une expérience émotionnelle qui résonne dans le cœur des adultes ayant grandi avec ces séries.

Un produit à la croisée entre mode et héritage culturel

Label Chaussette fait ici un pari audacieux : allier mode et héritage culturel dans un produit qui, tout en étant ludique, reste un accessoire de style.

Ces chaussettes ne sont pas seulement des pièces de collection, elles sont des objets à la fois tendance, fun et culturels. En s’impliquant dans des collaborations sous licence comme celle-ci, Label Chaussette met en avant son identité de marque : créative, moderne, mais toujours en lien avec un imaginaire commun.

À travers cette capsule, la marque ne fait pas qu’afficher des logos ou des visuels tirés des séries.

Elle s’imprègne de l’ADN de ces dessins animés pour en faire des pièces authentiques et reconnaissables.

Chaque chaussette porte ainsi une part de cette culture populaire, avec des couleurs et des motifs distinctifs qui permettent à chaque consommateur de s’identifier à son propre passé télévisuel.

Label Chaussette : une marque à l’avant-garde de la mode des chaussettes

Derrière cette capsule se cache la philosophie de Label Chaussette : transformer des accessoires banals en objets de style, porteurs de messages forts et d’émotions.

Depuis sa création, la marque a su se distinguer par sa capacité à innover dans un domaine souvent négligé : la chaussette.

À travers des collaborations avec des artistes et des licences emblématiques, Label Chaussette continue de repousser les frontières de la mode en apportant une touche de fraîcheur à chaque paire.

Le succès de cette collection capsule repose sur une compréhension fine des attentes des consommateurs : ils ne recherchent pas seulement un produit, mais une expérience, une émotion, un retour vers un passé partagé. Label Chaussette répond à ce besoin en créant des chaussettes à la fois modernes, colorées et porteuses de sens.

En savoir plus

Site : https://www.label-chaussette.com/

Facebook : https://www.facebook.com/labelchaussette/

Instagram : https://www.instagram.com/labelchaussette/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/label-chaussette/?viewAsMember=true