Et lorsque les pieds commencent à réclamer davantage d’espace, notamment avec l’âge, l’alternative se résume encore trop souvent à basculer vers des modèles estampillés « confort », dont l’esthétique ne suit pas toujours les mêmes envies.

C’est précisément ce compromis que veut faire disparaître CIMONNE.

Imaginée par Justine Hay, styliste-modéliste forte de dix années d’expérience dans la chaussure, la jeune marque française ouvre le 24 octobre 2026 les précommandes de sa première collection sur Ulule.

Son parti pris : repartir de la forme naturelle du pied pour dessiner des chaussures féminines, confortables et désirables.

Et si le problème n’était pas nos pieds, mais les chaussures dans lesquelles on leur demande d’entrer ?

Poulaines du Moyen Âge, souliers étroits de la cour, escarpins effilés… La chaussure raconte depuis longtemps une même obsession : un pied fin serait un pied élégant.

Seulement voilà : le pied réel n’a pas nécessairement cette forme. Il supporte presque tout le poids du corps, amortit chaque pas, contribue à l’équilibre et a naturellement besoin d’espace à l’avant. Lorsqu’il est comprimé année après année, les difficultés peuvent finir par apparaître, notamment autour de 40 ou 50 ans.

C’est alors qu’un drôle de dilemme s’installe dans les placards : continuer à porter les chaussures que l’on aime au prix de l’inconfort, ou gagner en aisance en renonçant à une partie de son style.

CIMONNE est née pour ouvrir une troisième voie.

Pas une chaussure orthopédique que l’on tenterait de rendre plus jolie. Pas davantage une chaussure classique que l’on aurait simplement élargie. Mais une chaussure de mode dont la construction même est repensée.

CIMONNE ne dessine pas une chaussure plus large : elle change son point de départ

Tout commence par la forme.

Chaque modèle CIMONNE offre un volume plus généreux à l’avant pied afin de permettre aux orteils de s’étaler plus librement.

En s’inspirant du Barefoot, elle compose plutôt sa propre équation :

• Un avant pied large, inspiré de la logique barefoot ;
• Des petits talons de 1 à 4 cm, pour conserver une silhouette féminine ;
• Une première intérieure en cuir avec une mousse à haute densité pour un amorti optimal ;
• Une semelle amovible, compatible avec le port d’une semelle orthopédique ;
• Des fermetures faciles, pour enfiler et retirer les chaussures sans effort.

Deux podologues consultées attestent la caractéristique de l’avant pied large comme principe fondamental pour être bien chaussé aujourd’hui. Les modèles sont fabriqués au Portugal et réalisés en cuir.

L’enjeu est donc moins de faire entrer CIMONNE dans une catégorie existante que de faire dialoguer trois univers qui se côtoient encore peu : la mode, le respect du pied et le confort urbain.

Colette, Gabriel et Olympe : trois premiers modèles pour faire entrer le confort dans le vestiaire

Pour son lancement, CIMONNE dévoile trois silhouettes aux personnalités distinctes :

Colette, modèle signature, est la proposition la plus complète de la gamme ;

Gabrielle transpose le concept dans une ballerine élégante pensée pour le quotidien ;

Olympe joue la carte de la sandale “bijou” à l’allure contemporaine et raffinée.

Trois modèles, mais une même intention : que l’on remarque d’abord la chaussure pour son allure, et non parce qu’elle aurait été conçue pour être « confortable ».

La marque pousse même l’attention jusqu’au colis. Chaque commande sera accompagnée d’une carte de remerciement contenant un morceau de cuir de la production embossé avec le logo : une manière de faire toucher du doigt la matière et le savoir-faire derrière la paire.

Les premiers modèles de la collection en précommande sur Ulule depuis le 24 octobre

La campagne Ulule, ouverte depuis le 24 octobre 2026, doit financer la première production. Les premiers clients peuvent y précommander leur paire à un tarif préférentiel avant la commercialisation : https://fr.ulule.com/cimonne/

Les contributions

• L’Adage — 20 €
  Une contribution de 20 € donnant droit à une carte de remerciement, accompagnée d’un souvenir unique de la conception du projet : un morceau de cuir issu de la production, embossé avec le logo.
• L’Échappée — 35 €
  Une paire de t-shirts Héra au tarif préférentiel de 35 € au lieu de 55 €, accompagnée de la carte de remerciement.
• L’Envol — 65 €
  Un sweat Vénus au tarif préférentiel de 65 € au lieu de 85 €, accompagné de la carte de remerciement.
• Early Bird Gabrielle — 99 €
  Une paire de Gabrielle, avec choix du coloris, au tarif préférentiel de 99 € au lieu de 135 €, accompagnée de la carte de remerciement.
• Early Bird Olympe — 109 €
  Une paire d’Olympe, avec choix du coloris, au tarif préférentiel de 109 € au lieu de 145 €, accompagnée de la carte de remerciement.
• Early Bird Colette — 125 €
  Une paire de Colette, avec choix du coloris, au tarif préférentiel de 125 € au lieu de 160 €, accompagnée de la carte de remerciement.
• Le Pas de Deux — 215 €
  Deux paires au choix : une paire de Colette et une paire d’Olympe ou de Gabrielle, avec choix des coloris. Une offre à 215 € au lieu de 295 € au tarif public.
• L’Arabesque — 315 €
  Les trois modèles — Colette, Olympe et Gabrielle — avec choix des coloris, au tarif préférentiel de 315 € au lieu de 440 €.
• Le Corps de Ballet — 1 000 €
  Une offre dédiée aux entreprises comprenant 10 paires de Colette personnalisées, accompagnées de cartes de remerciement à offrir aux équipes ou aux clients. L’ensemble est proposé à 1 000 € au lieu de 1 250 € au tarif public.
• L’Improvisation — 1 000 €
  Une expérience exclusive comprenant une paire au choix, ainsi qu’une participation à la co-création de la future running Cimonne : choix des matériaux et des coloris, voyage au Portugal et visite des ateliers, puis suivi des différentes étapes du prototypage.

Mais la précommande n’est pas pensée comme une simple rampe de lancement. CIMONNE souhaite conserver ce principe autant que possible dans son développement, avec une distribution d’abord en ligne, puis auprès de détaillants chaussure.

À moyen terme, la marque veut contribuer à faire connaître en France une approche déjà mieux installée en Espagne. Avec un principe : parler du pied sans jargon médical, sans culpabiliser et surtout sans enfermer les femmes dans une catégorie liée à leur âge.

Avant CIMONNE, il y avait une petite fille qui dessinait des chaussures

Justine Hay dessine des chaussures depuis l’âge de 10 ans. Elle a tout gardé : ses croquis, les modèles qu’elle imaginait et même les photographies d’un défilé organisé avec sa sœur en 2001.

Elle choisit pourtant d’abord la voie jugée plus raisonnable d’une école de commerce. La chaussure finit par la rattraper.

Elle se forme au stylisme-modélisme chaussure à l’Institut Colbert de Cholet, puis passe dix ans dans le secteur, comme styliste puis cheffe de produit, dont huit années chez Bocage sur les collections femme puis homme. Elle y apprend l’envers du décor : dessin, construction des formes, choix des matières, relations avec les usines, rythme des collections et attentes des points de vente.

Puis, en septembre 2023, quelque chose se précise.

À force de parcourir salons, vitrines et collections, elle retrouve sans cesse le même fossé : des chaussures conventionnelles désirables mais parfois trop étroites d’un côté ; des chaussures confort de l’autre, rarement pensées comme de véritables objets de mode.

Elle développe un hallux valgus qui rend un constat plus personnel. Lorsqu’elle commence à voir apparaître chez les fabricants des formes offrant davantage d’espace à l’avant-pied, l’idée s’impose : pourquoi ne pas réunir enfin les deux mondes ?

Une femme de 80 ans achève de la conforter dans cette direction en lui confiant qu’avec de telles chaussures, elle aurait peut-être évité d’avoir les pieds dans cet état.

Derrière le nom CIMONNE, deux grands-mères et deux façons de transmettre le goût des belles choses

CIMONNE se prononce « Simone ». Et ce nom n’a rien d’un exercice de branding.

Il rend hommage aux deux grands-mères de Justine Hay : Michelle et Yvonne.

Michelle a appris la couture dans la haute couture parisienne chez Jacques Fath avant d’ouvrir une boutique d’ameublement et de décoration. Passionnée de chaussures et de sacs, elle lui transmet le goût des matières et des objets bien réalisés.

Yvonne, elle, tenait une boutique de chaussures attenante à la cordonnerie de son mari, à Dourdain, au nord de Rennes. Sa signature était : dans l’accueil et cette façon de recevoir chaque client comme chez lui.

CIMONNE emprunte quelque chose aux deux : le goût du beau à l’une, le sens de l’humain à l’autre.

En savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/cimonne.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/cimonne_et_moi/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/justine-hay/

Page Ulule : https://fr.ulule.com/cimonne/

Derrière ce symbole devenu universel, se joue un combat essentiel : sensibiliser au cancer du sein, encourager la prévention et rappeler que la maladie peut aussi bouleverser la vie de femmes très jeunes.

Cette année, Petite and So What choisit de donner une portée solidaire à deux pièces de son vestiaire automnal : les mailles Clémentine et Ilona.

Spécialisée dans la mode pour les femmes entre 1,45 m à 1,60 m, la marque s’associe à Jeune & Rose, un collectif engagé auprès des jeunes patientes touchées par le cancer du sein.

Avec Clémentine et Ilona, deux mailles roses aussi douces que singulières, elle reverse 10 % des ventes à l’association. Une jolie façon d’associer style et engagement.

Clémentine et Ilona : deux nuances de rose pour une même cause

L’une joue la carte du charme rétro, l’autre ose une couleur framboise pleine d’énergie. Pour Octobre Rose, Petite and So What mise sur deux pièces aux personnalités affirmées, pensées pour conjuguer plaisir de s’habiller, confort et solidarité.

Clémentine, la maille polo au charme délicieusement rétro

Avec ses rayures rose et bordeaux, son col polo écru délicatement volanté et ses longueurs pensées pour les femmes “petites”, Clémentine revisite les codes du vestiaire vintage. Confectionnée dans un fil combinant coton biologique et laine mérinos, elle séduit par sa douceur et sa combinaison originale de couleurs. Une pièce facile à adopter, dont les détails en font toute la personnalité.

Ilona, le pull framboise qui donne du caractère à un look d’automne

Ilona affirme un rose framboise audacieux. Une maille à la coupe droite qui respecte parfaitement les proportions des petites silhouettes, confectionnée dans un fil en alpaga et mohair qui offre une douceur incomparable.

Leur point commun : 10 % des ventes réalisées sur ces deux pièces seront reversées à Jeune & Rose.

Jeune & Rose : mettre en lumière un cancer qui touche aussi les jeunes femmes

Parce que le cancer du sein reste souvent associé aux femmes plus âgées, Jeune & Rose s’attache soutenir les plus jeunes patientes âgées entre 20 et 40 ans.

L’association agit pour sensibiliser au dépistage, libérer la parole et accompagner les femmes concernées tout au long de leur parcours.

Petite and So What : une marque née d’une problématique de taille

Tout commence en 2019 avec Julie Luong Si (une petite d’1m52) et une problématique commune familière aux femmes “petites” : trouver des vêtements qui tombent juste, sans retouches.

Un blog de mode lancé en 2015, puis la création de la marque de prêt-à-porter Petite and So What quatre ans plus tard, avec une unique conviction : bannir les retouches en adaptant les vêtements aux femmes “petites” dès leur conception.

Hauteur de buste, longueur des bras et de l’entrejambe, équilibre des coupes et des proportions : tout est pensé pour les femmes de 1,45 m à 1,60 m.

Cette exigence du « zéro retouche » se traduit par la construction d’un vestiaire d’indémodables parfaitement adapté aux “petites”, privilégiant les matières naturelles, recyclées ou upcyclées, et une fabrication à 70 % européenne, dont 40 % française.

En savoir plus

Capsule Octobre Rose : https://www.petiteandsowhat.com/pages/octobre-rose-collection-vetement-femme-petite

Site internet : http://www.petiteandsowhat.com

Facebook : https://www.facebook.com/PetiteAndSoWhat

Instagram : https://www.instagram.com/petiteandsowhat

Karolle-Anne Taillé, fondatrice de Kaa Couture, a choisi de prendre le problème dans l’autre sens avec Kaa Studio : ce n’est plus à la femme de s’adapter à la robe, mais à la robe de se construire autour d’elle.

Coupe, décolleté, dos, manches, jupe, tissus, ceinture, détails : la future mariée compose son modèle parmi plusieurs centaines de possibilités, le visualise en 3D et voit son budget évoluer au fil de ses choix. Une fois le projet défini, la robe est confectionnée à la commande, en France et à ses mesures.

Aujourd’hui, Kaa Studio franchit une nouvelle étape : son configurateur 3D est accessible en ligne et son réseau d’ambassadrices commence à se développer dans différentes villes françaises.

Le problème avec la « bonne taille » ? Elle n’existe pas toujours

Une même taille peut correspondre à des morphologies très différentes.

C’est un constat que Karolle-Anne Taillé a vu se répéter au fil de 14 années de création sur-mesure. Certaines femmes peinent à se reconnaître dans les tailles ou modèles proposés. D’autres présentent une morphologie atypique, portent une grande taille ou voient leur corps évoluer, notamment à l’occasion d’une grossesse ou d’un projet de grossesse.

Une réalité finit alors par s’imposer : une taille est une convention. Une morphologie, une réalité.

Diplômée en arts appliqués, en design textile puis en modélisme industriel, Karolle-Anne Taillé débute dans le secteur de la production avant de créer Kaa Couture à Lyon en 2012. En 2021, elle installe sa maison en Provence.

Son expérience du sur-mesure fait progressivement émerger une question : peut-on conserver une véritable adaptation au corps sans nécessairement passer par une création intégrale ?

Kaa Studio est né de cette recherche :

• D’un côté, le modèle standardisé. De l’autre, le sur-mesure intégral ;
• Entre les deux, le demi-mesure ouvre un troisième chemin.

Une robe, des centaines de chemins possibles

Kaa Studio ne part pas d’une robe figée qu’il faudrait ensuite tenter d’adapter.

La future mariée construit progressivement son modèle.

Elle choisit notamment :

• Sa coupe ;
• Son décolleté et son dos ;
• Ses manches et sa jupe ;
• Ses tissus ;
• Sa ceinture ;
• Différents détails.

Au total, plusieurs centaines de possibilités de personnalisation permettent de faire évoluer le modèle.

Et surtout, il n’est plus nécessaire de tout imaginer.

Le configurateur 3D permet de visualiser les choix avant la confection : ajouter des manches, modifier un décolleté, changer une jupe ou sélectionner un autre tissu devient immédiatement perceptible à l’écran.

Autre donnée qui évolue en même temps que la robe : son prix.

Le budget s’actualise en direct selon les options sélectionnées. La future mariée peut ainsi arbitrer ses envies en gardant une visibilité sur leur incidence financière.

Une fois le projet arrêté, place à la confection. La robe est réalisée à la commande et aux mesures de la mariée, en France, avec un délai d’environ 10 semaines.

La 3D peut montrer une robe. Pas décider à la place d’un corps.

C’est toute la nuance du projet.

Kaa Studio aurait pu devenir un configurateur permettant simplement d’assembler des options. Mais la technologie n’est ici qu’une partie de l’expérience.

Derrière l’écran demeure l’expertise morphologique développée par Kaa Couture au contact de futures mariées aux silhouettes et aux attentes très différentes.

Des prototypes peuvent notamment être essayés et personnalisés. L’accompagnement permet également de confronter les envies à une silhouette réelle et de réfléchir aux différentes possibilités offertes par le modèle.

La 3D sert donc à ouvrir le champ des possibles et à rendre les choix visibles avant fabrication. Elle ne prétend pas remplacer ce que l’écran ne peut pas totalement apprécier : les proportions, le tombé recherché, le rapport d’une coupe à une morphologie.

Le numérique aide à se projeter. Le vêtement, lui, reste pensé pour être porté.

Provence, distance ou ambassadrice : trois façons de pousser la porte

Reste un enjeu essentiel pour une maison installée en Provence : comment rendre cette approche accessible à une future mariée située à plusieurs centaines de kilomètres ?

Kaa Studio s’appuie sur trois parcours :

1. Le premier passe directement par Kaa Couture en Provence ;
2. Le deuxième permet un accompagnement à distance ;
3. Le troisième repose sur des ambassadrices Kaa Studio.

Auprès desquelles les futures mariées peuvent bénéficier d’un accompagnement de proximité et d’essayages.

C’est aujourd’hui l’un des axes de développement du projet : constituer progressivement un réseau d’ambassadrices dans différentes villes françaises.

Une manière d’associer deux mouvements qui pourraient sembler contradictoires : mettre l’outil en ligne pour abolir la distance, tout en recréant de la proximité sur le terrain.

Le vrai sur-mesure commence peut-être par la liberté de ne pas rentrer dans une case

Kaa Studio s’adresse principalement aux futures mariées qui recherchent une robe personnalisable, adaptée à leur morphologie et à leurs mesures, tout en souhaitant maîtriser leur budget.

Mais son principe prend une résonance particulière pour toutes celles qui se reconnaissent difficilement dans les tailles ou modèles standards : grandes tailles, morphologies atypiques, corps en évolution, grossesse ou projet de grossesse.

Car personnaliser une robe de mariée ne consiste pas uniquement à hésiter entre deux manches, trois décolletés ou plusieurs tissus.

La personnalisation commence par la femme qui va la porter.

Avec la mise en ligne de son configurateur 3D et le développement de son réseau d’ambassadrices, Kaa Studio entend désormais rendre cette approche accessible à davantage de futures mariées, quelle que soit leur localisation.

Avec, au départ, un changement de perspective presque évident une fois formulé : ne plus se demander si son corps convient à la robe. Se demander si la robe convient à son corps.

À propos de Kaa Couture et Kaa Studio

Fondée en 2012 par Karolle-Anne Taillé, Kaa Couture est une maison française de robes de mariée, créée à Lyon et installée en Provence depuis 2021. Sa fondatrice est diplômée en arts appliqués, en design textile et en modélisme industriel.

Issu de l’expérience de Kaa Couture dans le sur-mesure, Kaa Studio propose une approche demi-mesure située entre modèle standardisé et création intégralement sur-mesure. Son concept associe personnalisation, visualisation 3D, adaptation aux mesures de la mariée et fabrication française à la commande. L’accompagnement est accessible en Provence, à distance ou par l’intermédiaire d’une ambassadrice Kaa Studio.

En savoir plus

Site web : https://kaacouture.com/

Kit média : https://www.dropbox.com/scl/fo/cu22gk240tiomb1x83z6m/AOf039RCVXxcLdXqq4bjy1Y?rlkey=1y5o2z0m3vbmsbit213rlkx77&st=yx1dvphn&dl=0

Facebook : https://www.facebook.com/Kaa.couture

Instagram : https://www.instagram.com/kaacouture et https://www.instagram.com/kaa_studio_

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/karolle-anne-taill%C3%A9-711075198/

Le 1er octobre, l’entreprise béarnaise lance une nouvelle gamme de foulards 100 % soie confectionnés dans l’atelier textile de l’APF, situé à quelques centaines de mètres de son entrepôt.

Dans le même temps, elle profitera d’Octobre Rose pour mobiliser sa communauté au profit de l’association paloise Miralutz : challenges hebdomadaires et parrainages se transformeront en dons de bonnets de nuit en soie.

Deux initiatives bien distinctes, réunies par une même ligne de conduite : faire de l’activité de l’entreprise un moyen d’agir concrètement sur son territoire.

Chercher pendant des années… et trouver à quelques centaines de mètres

C’est une histoire de proximité qui commence par une découverte presque inattendue.

Depuis plusieurs années, Maison de la Soie cherchait un atelier susceptible de confectionner ses produits en soie. L’entreprise, spécialisée depuis 2010 dans la vente en ligne de produits en soie, n’imaginait pas que l’une des réponses à cette recherche se trouvait déjà à Serres-Castet, à quelques centaines de mètres seulement de son entrepôt.

Il aura fallu une invitation à des portes ouvertes, il y a quelques mois, pour provoquer la rencontre avec l’atelier textile de l’APF.

Sur place, Maison de la Soie découvre ce qu’elle décrit comme un « magnifique outil de confection ». D’après les informations recueillies lors de cette visite, l’atelier avait été créé pendant la période du Covid afin de répondre à la forte demande de masques, avant de voir son activité diminuer avec la baisse des commandes.

Une idée émerge alors : et si une partie de la production de Maison de la Soie pouvait désormais être confectionnée ici, en Béarn ?

Le 1er octobre, la soie prend l’accent béarnais

Cette rencontre se concrétise avec le lancement, le 1er octobre, d’une nouvelle gamme de foulards 100 % soie confectionnés au sein de l’atelier textile de l’APF à Serres-Castet.

Une production française qui prend une dimension particulière par sa géographie : entre l’entrepôt de Maison de la Soie et l’atelier qui confectionne les pièces, la distance ne se compte pas en milliers de kilomètres, mais en quelques centaines de mètres.

La gamme comprendra :

• Des carrés de soie de 70 × 70 cm à 59,90 euros ;
• De grandes écharpes de soie de 70 × 140 cm à 99,90€, leur prix définitif restant à préciser.

Mais l’enjeu n’est pas uniquement de rapprocher géographiquement la confection.

Maison de la Soie souhaite aussi que les ventes contribuent à l’activité de l’atelier et de ses équipes. Pour favoriser leur développement, l’entreprise annonce donc un choix économique précis : réduire volontairement ses marges sur cette gamme, malgré un coût de confection en France nettement supérieur à celui d’une fabrication en Chine.

La priorité affichée est de maximiser l’impact social du partenariat plutôt que sa seule performance financière.

Une première étape également vers une ambition plus large : Maison de la Soie souhaite, à terme, relocaliser un maximum de sa production.

En octobre, un bonnet donné ne dépendra pas seulement de Maison de la Soie

Deuxième initiative, autre mécanique.

Pour Octobre Rose, Maison de la Soie ne veut pas seulement agir : elle veut faire de sa communauté le déclencheur de l’action.

Pendant tout le mois d’octobre, l’entreprise se mobilisera au profit de Miralutz, association paloise qui participe notamment à la Féminine de Pau.

Chaque semaine, Maison de la Soie lancera ainsi un nouveau challenge sur Reddit, autour d’une thématique différente.

Le principe est volontairement concret : une participation d’un client = un bonnet de nuit en soie donné à Miralutz, dans la limite de 20 bonnets par challenge.

Chaque semaine pourra donc générer jusqu’à 20 nouveaux dons selon la participation de la communauté. Les différentes thématiques, les liens Reddit et les conditions précises seront dévoilés progressivement au cours du mois d’octobre.

À ces rendez-vous hebdomadaires s’ajoutera un second dispositif valable pendant tout le mois : le parrainage solidaire.

Chaque parrainage client validé sur le site de Maison de la Soie déclenchera lui aussi le don d’un bonnet de nuit en soie à Miralutz.

Label Naturel relaiera l’opération sur son propre site et appliquera le même mécanisme : Maison de la Soie donnera un bonnet pour chaque parrainage validé chez elle ; Label Naturel fera de même pour ceux enregistrés sur son site.

Autrement dit, pendant un mois, une partie de la solidarité ne se jouera pas uniquement dans les décisions de l’entreprise, mais aussi dans la mobilisation de ses clients.

De la seconde vie des produits à une production qui se rapproche

Ces deux initiatives s’inscrivent dans une évolution plus large de Maison de la Soie.

Lorsque Guillaume Arbel, son gérant, démarre l’aventure en 2010, l’entreprise fait le choix d’un modèle exclusivement en ligne et en vente directe. Elle souhaite alors éviter les intermédiaires afin de proposer des produits de qualité à un prix juste, à une époque où la soie — et notamment les couettes en soie — reste encore mal connue du public français et peut atteindre des prix très élevés.

Seize ans plus tard, l’entreprise cherche à prolonger ce modèle par des actions à portée sociale.

Elle a notamment développé un processus de reconditionnement : les produits qui ne peuvent plus être vendus comme neufs sont proposés comme produits déclassés avec une remise clairement indiquée.

Elle effectue également chaque année des dons de produits, notamment déclassés, au Secours Catholique.

La confection à Serres-Castet ajoute aujourd’hui une nouvelle dimension à cette trajectoire : celle de la relocalisation progressive.

Octobre Rose en ajoute une autre : celle de la mobilisation collective.

Pour une entreprise née sur Internet, remettre de la proximité dans la boucle

Maison de la Soie s’est construite depuis 2010 sur un modèle entièrement numérique, en vente directe. Aujourd’hui, l’entreprise entend aussi renforcer ce qui la relie à son territoire.

La nouvelle gamme confectionnée par l’atelier textile de l’APF en est une traduction très concrète : après plusieurs années de recherche, le partenaire espéré se trouvait finalement à quelques centaines de mètres de son entrepôt. Avec Octobre Rose, cet ancrage prend une autre forme, en mobilisant la communauté de Maison de la Soie au bénéfice de l’association paloise Miralutz.

Ces deux initiatives prolongent les actions déjà engagées par l’entreprise, du reconditionnement des produits aux dons annuels au Secours Catholique. Elles dessinent aussi la suite : relocaliser progressivement un maximum de la production et développer de nouvelles opérations solidaires.

Une manière, pour Maison de la Soie, de faire évoluer son modèle sans renier son ADN : rester une entreprise née du digital, tout en donnant davantage de place à ce qui peut se construire localement.

À propos de Maison de la Soie

Maison de la Soie est une entreprise de e-commerce spécialisée dans la soie.

Elle commercialise ses produits exclusivement sur son site internet, en vente directe aux consommateurs.

Implantée à Serres-Castet, dans le Béarn, elle développe parallèlement différentes démarches : reconditionnement et vente à prix réduit de produits déclassés, dons annuels de produits au Secours Catholique, développement d’opérations solidaires et volonté de relocaliser progressivement une partie de sa production.

En savoir plus

Site internet : https://www.maisondelasoie.com/fr/

Facebook : https://www.facebook.com/maisondelasoiefrance/

Instagram : https://www.instagram.com/maisondelasoie_fr/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/guillaume-arbel-7300112a/

Chez Le Pull Français, elle passe par Roanne pour la confection, Saint-Étienne pour les étiquettes, Nantua pour les emballages et jusqu’à Patornay, dans le Jura, pour les boutons des gilets.

Une chaîne volontairement hexagonale que la marque entend continuer à faire vivre en 2026/2027.

Nouvelle collection, vestiaire mérinos-cachemire toujours plus étoffé, participation au Salon du Made in France, présence au marché de Noël de Versailles qui pour la première fois de son histoire se déroulera au Trianon Palace et probable ouverture du capital : Le Pull Français prépare une saison charnière.

Avec un cap qui, lui, ne change pas : faire grandir la marque pour contribuer, à son échelle, à faire vivre la filière textile française.

Derrière un pull, toute une carte de France des savoir-faire

Le projet est parti d’une pièce universelle : le pull.

Plutôt que de chercher à la réinventer à tout prix, Le Pull Français a choisi de repenser la manière dont elle est produite.

Portée par l’expérience entrepreneuriale de Benjamin Cohen dans le prêt-à-porter, la marque s’est construite avec la volonté de défendre une mode raisonnée et une production nationale. Son parti pris : proposer des produits 100 % français et faire travailler des acteurs implantés dans différents territoires.

Les pulls sont ainsi confectionnés à Roanne, dans la Loire. Les étiquettes sont fabriquées à Saint-Étienne, les emballages à Nantua, dans l’Ain, tandis que les cartons d’expédition proviennent eux aussi de Roanne. Les boutons utilisés pour les gilets sont, quant à eux, façonnés à Patornay, dans le Jura.

Une organisation qui permet à la marque de défendre une autre lecture du vêtement : derrière une maille, une coupe ou un bouton se trouvent aussi des métiers, des ateliers et des compétences à préserver.

En 2026/2027, le mérinos-cachemire continue de tisser sa place dans la collection

La nouvelle saison poursuit l’élargissement du vestiaire masculin et féminin du Pull Français. Cols V, cols ronds, cols roulés, cols montants, gilets ou encore modèles manches courtes voir même sans manches : la collection multiplie les silhouettes autour d’une même recherche de pièces conçues pour durer au-delà d’une saison.

Le mérinos-cachemire, composé de 90 % de laine mérinos et 10 % de cachemire, occupe notamment une place importante dans cet univers. Parmi les différentes références de la marque, quatre modèles illustrent la diversité des coupes proposées.

César, le col V masculin

Avec César, Le Pull Français travaille l’un des classiques du vestiaire masculin : le col V. Sobre et facile à associer, il peut se porter seul comme sur une chemise et se décline dans plusieurs coloris, du S au XXL.

Prix : 159 €

Ugolin, le col roulé version française

Plus enveloppant, Ugolin mise sur un col roulé, une coupe ajustée et des épaules à l’italienne. Un modèle pensé pour naviguer entre silhouettes habillées et tenues plus décontractées.

Prix : 189 €

Agathe, le mérinos-cachemire sans manches

Agathe joue avec les superpositions grâce à sa coupe sans manches et son col montant. Porté seul ou sur une chemise, le modèle apporte une interprétation différente de la maille dans le vestiaire féminin.

Prix : 139 €

Margot, l’intemporel col V au féminin

Avec Margot, le col V se décline dans une silhouette féminine épurée. Sa maille mérinos-cachemire permet notamment de le porter directement sur la peau et d’en faire une pièce facile à associer.

Prix : 159 €

César, Ugolin, Agathe et Margot ne constituent qu’un aperçu d’une collection plus large, dans laquelle Le Pull Français poursuit son ambition première : remettre le pull au centre de toutes les attentions, sans entrer dans une logique de renouvellement permanent des tendances.

Du Made in France cousu dans l’étiquette… au Made in France rencontré sur le terrain

Cette saison 2026/2027 ne se jouera pas uniquement en ligne ou chez les revendeurs. Le Pull Français entend aussi aller à la rencontre du public.

La marque participera au Salon du Made in France – MIF Expo, du 12 au 15 novembre 2026 à Paris Porte de Versailles. Un rendez-vous emblématique pour la fabrication hexagonale, dont l’édition 2025 a réuni plus de 110 000 visiteurs. Le salon annonce de nouveau plus de 1 000 exposants pour son édition 2026.

Le Pull Français sera également présent au marché de Noël de Versailles qui se déroulera pour la première fois de son histoire au Trianon Palace.

Pour la marque, ces rendez-vous permettent de rendre tangible ce que raconte une étiquette « fabriqué en France » : toucher une maille, regarder une finition, découvrir un produit, mais aussi comprendre la chaîne de savoir-faire et de territoires qui se trouve derrière lui.

Grandir, oui. Détricoter le modèle, non.

La prochaine étape se joue également du côté de la distribution. Le Pull Français souhaite aussi poursuivre le développement de son réseau de revendeurs en France mais aussi à l’export en Belgique et en Suisse afin de rendre ses créations accessibles à un public plus large, tout en préservant l’identité et le mode de fabrication de ses produits.

En parallèle, une ouverture du capital est probablement envisagée afin de permettre à la marque d’aller plus loin dans son développement.

L’enjeu est double : accompagner la croissance du Pull Français, mais aussi augmenter sa capacité à faire travailler les partenaires français sur lesquels repose son modèle. Car derrière le développement commercial se trouve une ambition plus collective : participer à la redynamisation d’une filière textile française longtemps fragilisée.

Benjamin Cohen : remettre le pull au centre pour remettre la filière en lumière

À l’origine du projet se trouve Benjamin Cohen et son expérience entrepreneuriale dans le prêt-à-porter. Sa connaissance du secteur nourrit une conviction : la France dispose encore d’un savoir-faire textile vivant, précieux et authentique, mais celui-ci ne peut perdurer que s’il continue à être sollicité et transmis.

Le Pull Français est né de cette volonté de faire autrement, en construisant progressivement une marque capable de concilier développement, fabrication locale et mode raisonnée.

La collection 2026/2027, l’élargissement continu du vestiaire, les prochains rendez-vous avec le public, le développement du réseau de revendeurs et la perspective d’une ouverture du capital ouvrent aujourd’hui un nouveau chapitre.

Le Pull Français veut ainsi continuer à grandir sans perdre le fil : remettre le pull au premier plan et, derrière lui, faire circuler commandes, savoir-faire et activité au sein de la filière textile française.

En savoir plus

Site web : https://www.le-pull-francais.com

Facebook : https://www.facebook.com/lepullfrancais

Instagram : https://www.instagram.com/lepullfrancais/

À l’approche des Journées européennes du patrimoine, Nodie’s invite les médias dans un atelier où le patrimoine du cuir continue de vivre.

Alors que l’intelligence artificielle et la robotisation gagnent chaque jour du terrain, certains gestes résistent encore à l’accélération du monde.

À Romans-sur-Isère, ville historique de la chaussure et du cuir, des maroquinières continuent de couper, tresser, assembler et coudre à la main. Pour réaliser une seule poignée de sac, il leur faut notamment près de 45 minutes.

À quelques jours des Journées européennes du patrimoine des 19 et 20 septembre 2026, organisées notamment autour du thème « Patrimoine en péril : raviver, résister, réimaginer », leur travail pose une question très actuelle : à l’heure des robots et de l’IA, quels savoir-faire voulons-nous encore transmettre demain ?

Chez Nodie’s, ce patrimoine n’est ni figé derrière une vitrine ni seulement raconté dans les livres. Il est encore pratiqué quotidiennement. Et l’atelier propose aux journalistes de venir le filmer.

Un sac se regarde en quelques secondes. Mais combien de temps faut-il pour le fabriquer ?

À l’heure où les prix du luxe s’envolent et où la fabrication est souvent éloignée du lieu de création, Nodie’s défend un autre modèle : des sacs dessinés, coupés, assemblés et contrôlés au même endroit, dans son atelier de Romans-sur-Isère.

Chez Nodie’s, la réponse se lit dans les détails. Pour la seule poignée de Nouvelle Lune, son nouveau sac hobo, près de 45 minutes sont nécessaires : des bandes découpées dans les chutes de cuir de la maison sont préparées puis patiemment entrelacées à la main.

Derrière ce geste se raconte une autre temporalité de la mode, celle du dessin, de la coupe, de l’assemblage, de la couture et des finitions.

Précommandé depuis mi-juin et actuellement livré à ses premières clientes, Nouvelle Lune concentre le parti pris de cette maison indépendante : créer à Romans-sur-Isère des sacs contemporains que leur silhouette permet de reconnaître avant même d’en chercher le logo.

Avec sa courbe asymétrique et sa poignée tressée à la main, Nouvelle Lune a été pensé pour devenir une nouvelle signature de la maison.

Journées du patrimoine : quand le patrimoine est encore au travail

Les 19 et 20 septembre prochains, les Journées européennes du patrimoine inviteront notamment à réfléchir au « Patrimoine en péril » et à la manière de le « raviver, résister, réimaginer ».

À Romans-sur-Isère, cette question prend une dimension particulière. La ville a longtemps été l’un des grands territoires français de la chaussure et du travail du cuir. Avec la disparition progressive de nombreux ateliers et fabricants, préserver ce patrimoine signifie aussi préserver les personnes capables d’en reproduire les gestes.

Chez Nodie’s, il suffit de pousser la porte de l’atelier pour observer ce patrimoine en mouvement.

Les maroquinières y coupent le cuir, préparent les pièces, cousent, assemblent et réalisent notamment le tressage entièrement manuel qui devient l’une des signatures du savoir-faire de la maison.

Ici, le patrimoine n’est donc pas seulement ce que l’on conserve. C’est ce que l’on continue à savoir faire.

Nodie’s, une maison qui dessine sa signature dans le cuir

Pas de logo comme principal signe de reconnaissance. Chez Nodie’s, c’est la forme qui doit parler la première.

Depuis son atelier de Romans-sur-Isère, la maison indépendante développe une maroquinerie contemporaine entièrement fabriquée en France. Cabas, sacs seau, mini-sacs bandoulière, bowling, bananes : toute sa gamme prend aujourd’hui forme dans cet atelier, depuis le dessin jusqu’à la coupe, puis l’assemblage et le contrôle.

Au cœur de son univers, trois créations composent désormais sa ligne de haute maroquinerie : L’Iconique, Côme et Nouvelle Lune.

Un trio relié par le vocabulaire esthétique de Tine, qui fait de l’asymétrie et des courbes les marqueurs de son dessin. Nouvelle Lune en propose une nouvelle interprétation en s’attaquant à une silhouette familière du vestiaire féminin : le sac hobo.

Le hobo, mais à la manière Nodie’s

Souple, féminin, reconnaissable à sa ligne arquée et à son porté épaule, le hobo conjugue naturellement confort, capacité de rangement et allure. Nodie’s souhaitait pourtant s’éloigner d’une simple réinterprétation du classique.

Dessiné et développé pendant plusieurs mois, après des dizaines de prototypes, et une centaine d’heures de développement, Nouvelle Lune reprend ainsi la courbe d’une lune naissante pour construire une silhouette asymétrique et fluide. Il complète les formes baguette et demi-lune travaillées par la maison et répond à une recherche très concrète de ses clientes : associer élégance, praticité et polyvalence.

Le modèle se porte ainsi de trois façons :

• à la main ;
• à l’épaule ;
• en bandoulière.

Mais c’est un quatrième élément qui lui donne une bonne partie de son caractère : sa poignée tressée.

45 minutes dans les mains : le détail qui change toute l’histoire

Il faut s’approcher du sac pour comprendre.

Dans l’atelier de Romans-sur-Isère, les bandes de cuir destinées à la poignée sont d’abord découpées dans les chutes issues de la propre production de Nodie’s. Une matière qui aurait pu rester inutilisée trouve ainsi une nouvelle fonction. Puis vient le tressage : près de 45 minutes de travail manuel pour une seule poignée.

Aucune machine n’intervient dans cette étape. Les bandes sont entrelacées une à une, entièrement à la main. La régularité du tressage dépend du geste, de la tension exercée sur le cuir et de l’expérience de la maroquinière.

Découper. Préparer. Entrelacer. Ajuster.

Derrière la finition se trouve un geste suffisamment long et précis pour raconter à lui seul ce que recouvre concrètement la fabrication artisanale française.

Ce tressage manuel devient aujourd’hui l’un des gestes emblématiques de Nodie’s : non pas un décor ajouté au sac, mais un savoir-faire visible, reproductible seulement par la maîtrise de la main et le temps qu’on accepte de lui consacrer.

Et ce tressage n’a pas été choisi au hasard.

Un fil tendu entre le Romans d’hier et celui d’aujourd’hui

Pour Nodie’s, impossible de fabriquer à Romans-sur-Isère sans regarder l’histoire de la ville.

Le territoire a été profondément façonné par la chaussure et la maroquinerie.

À Romans-sur-Isère, le tressage résonne avec une histoire particulière, notamment incarnée par Stéphane Kélian, que Tine Collard a eu l’occasion de rencontrer l’été 2025 à la boutique lors de sa venue. Nouvelle Lune ne reproduit pas cet héritage : elle le transpose dans une silhouette contemporaine.

Une manière de rappeler qu’un savoir-faire ne reste vivant que lorsqu’il continue à être pratiqué, déplacé et réinterprété.

Dans l’atelier, cette histoire locale ne se raconte d’ailleurs pas uniquement à travers les gestes. Elle se lit aussi sur certaines machines à coudre. Plusieurs d’entre elles proviennent des anciens ateliers Jourdan : récupérées puis restaurées, elles ont retrouvé une activité chez Nodie’s. Dans l’atelier, certaines machines portent encore une plaque Charles Jourdan et le numéro de téléphone de l’époque.

Le symbole est fort dans une ville marquée par Charles Jourdan : plutôt que de remplacer systématiquement l’ancien matériel par des équipements neufs, Nodie’s remet en service des machines conçues pour durer et continue à fabriquer avec elles, à quelques rues de l’histoire industrielle qui les a vues travailler.

Un patrimoine qui n’est donc pas seulement exposé ou raconté : il continue à produire.

Du cuir brut au dernier contrôle : un sac à suivre étape par étape

Les 45 minutes de la poignée ne représentent qu’une séquence de la fabrication.

Dessin, coupe du cuir, préparation, tressage manuel, assemblage, couture, finitions, contrôle : Nouvelle Lune permet de suivre la transformation progressive d’une matière en objet fini.

C’est précisément ce que Nodie’s souhaite aujourd’hui montrer.

Pour les médias audiovisuels, la maison peut ouvrir les portes de son atelier de Romans-sur-Isère et organiser un tournage suivant la fabrication d’un sac, depuis le cuir brut jusqu’aux dernières finitions.

Un sujet où la caméra peut se rapprocher des mains plutôt que des discours : le cuir que l’on découpe, les bandes qui s’entrelacent, les pièces qui s’assemblent et, progressivement, la courbe de Nouvelle Lune qui apparaît.

La maison cherche également à réduire l’impact de sa production grâce à une fabrication locale et au réemploi de certaines chutes de cuir, utilisées notamment pour la poignée tressée de Nouvelle Lune.

Le réemploi de ses propres chutes de cuir pour la poignée tressée de Nouvelle Lune en constitue l’une des traductions concrètes.

Romans-sur-Isère – Amman : quand un petit atelier change d’échelle

Une maison indépendante peut-elle fabriquer localement et voir ses créations voyager très loin ?

Chez Nodie’s, la réponse a déjà pris une tournure inattendue.

Dans ce petit atelier de Romans-sur-Isère ont notamment été fabriqués deux modèles ensuite portés par la reine Rania de Jordanie.

Le contraste dit beaucoup de l’ambition de la marque : d’un côté, un atelier à Romans-sur-Isère, des mains, du cuir et des gestes artisanaux ; de l’autre, des créations qui ont trouvé leur place dans le vestiaire de l’une des personnalités les plus observées pour son élégance.

Sans devenir le sujet de l’histoire, cet épisode apporte à Nodie’s une nouvelle visibilité et conforte la maison dans son choix : faire de son design, plutôt que de son logo, son principal territoire d’expression.

520 euros : la haute maroquinerie française sans le prix à quatre chiffres

Le positionnement de Nouvelle Lune se joue enfin sur une équation que Nodie’s assume pleinement.

À 520 euros, Nouvelle Lune défend une vision singulière du luxe français : celle d’un sac dessiné et intégralement façonné à Romans-sur-Isère, sans faire basculer son prix dans les milliers d’euros. Une manière de tenir tête aux géants de la maroquinerie avec d’autres armes : une production à petite échelle, des gestes préservés et une identité esthétique immédiatement reconnaissable.

Faire naître une nouvelle signature à Romans-sur-Isère

Les précommandes de Nouvelle Lune ont débuté mi-juin et les premiers modèles rejoignent actuellement leurs propriétaires. Pour Nodie’s commence désormais une nouvelle étape : inscrire cette création dans la durée et en faire l’une des signatures de la maison.

Car derrière ces 45 minutes de tressage se joue une ambition plus grande : démontrer qu’à Romans-sur-Isère, une maison indépendante peut encore prendre le temps de fabriquer localement des sacs contemporains capables de voyager bien au-delà de leur atelier.

Un patrimoine vivant plutôt qu’un patrimoine sous vitrine

À l’approche des Journées européennes du patrimoine, l’histoire racontée par l’atelier dépasse celle d’un sac.

Elle interroge ce que peut être le patrimoine français en 2026.

Une machine de Jourdan avec sa plaque authentique que l’on restaure plutôt que de jeter.

Une chute de cuir que l’on transforme plutôt que d’écarter.

Une maroquinière qui consacre 45 minutes à un tressage qu’une logique industrielle chercherait probablement à accélérer.

Un savoir-faire historique qui ne cherche pas à reproduire le passé, mais à fabriquer le présent.

À l’heure des robots et de l’intelligence artificielle, Nodie’s défend ainsi une idée simple : certains progrès consistent peut-être aussi à savoir ce que l’on ne veut pas perdre.

Les 19 et 20 septembre, ce patrimoine-là ne demande pas seulement à être raconté. Il peut être filmé, entendu et observé en train de vivre, dans l’atelier de Romans-sur-Isère, idéalement le vendredi, quand les maroquinières sont à l’ouvrage. Le samedi, la boutique ouvre ses portes et l’atelier reste visible, même vide de ses artisanes.

En savoir plus

Site web : https://www.nodiesofficiel.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/NODIESofficiel/

Instagram : https://www.instagram.com/nodiesofficiel/

Le retour au bureau, sans passage par la case retouches

Septembre a ses rituels. Les agendas se remplissent, les rendez-vous reprennent, et le vestiaire retrouve les pièces sur lesquelles on aime pouvoir compter : tailleurs, blazers, pantalons et chemises — faciles à associer et polyvalents pour tenir une journée entière : du rendez-vous professionnel à l’afterwork le soir.

Mais le tailoring ne pardonne pas les mauvaises proportions. Une manche trop longue déséquilibre un blazer, un pantalon mal ajusté modifie toute une silhouette, une hauteur de buste inadaptée change le tombé d’une chemise.

C’est exactement le terrain sur lequel Petite and So What a construit sa collection Back to Work. La marque française ajuste les longueurs et proportions de ses créations : la hauteur de buste, la longueur des bras et des jambes ou encore la profondeur des décolletés. Sa capsule de rentrée décline notamment un blazer noir, un jean flare, un cardigan en laine et une veste en daim.

L’enjeu n’est pas de retoucher une taille standard : c’est de repenser tout le fitting en amont.

1m45 à 1m60 : quand quelques centimètres changent toute la coupe

Chez Petite and So What, adapter un vêtement aux femmes de 1m45 à 1m60 ne revient jamais à raccourcir un modèle standard. Le fitting est repris dans son ensemble : hauteur de buste, longueur des bras et des jambes.

Un travail qui prend tout son sens avec la collection Back to Work, où la qualité du tombé fait à elle seule l’allure d’un tailleur, d’un blazer ou d’un pantalon.

Cette exigence du « zéro retouche » est à l’origine même de la marque : Julie Luong Si, 1m52, a longtemps cherché ces pièces sans les trouver. Elle lance un blog mode en 2015, puis Petite and So What en 2019.

Du cintre au bureau : des vêtements faits pour tomber juste

Petite and So What construit un vestiaire d’indémodables en privilégiant une fabrication européenne : 70 % des collections sont produites en Europe, dont 40 % en France, avec une nette préférence pour les matières naturelles, recyclées ou upcyclées.

La collection Back to Work est aussi à découvrir dans la boutique parisienne de la marque, ouverte en septembre 2025 au 56 rue du Vertbois, Paris 3e.

Une rentrée qui replace le vêtement professionnel au centre du vestiaire, avec une différence de taille pour les “petites” : des pièces pensées à leurs proportions bien avant d’arriver dans leur dressing.

En savoir plus

La collection Back to Work : https://www.petiteandsowhat.com/pages/back-to-work-femme-petite

Site internet : http://www.petiteandsowhat.com

Facebook : https://www.facebook.com/PetiteAndSoWhat

Instagram : https://www.instagram.com/petiteandsowhat

La création d’une robe de mariée débute parfois bien avant le premier croquis. Elle prend racine dans une mémoire familiale, dans des gestes observés dès l’enfance, dans une relation à la matière qui se construit au fil du temps.

Autour d’elle, chaque métier transforme une matière. La pierre, le bois, le tissu, la terre. Aucun geste ne peut être précipité. Tous demandent du temps, de la précision et une connaissance intime de ce que l’on a entre
les mains.

De cette mémoire familiale naît une nouvelle manière de concevoir la robe de mariée. Non comme un hommage au passé, mais comme une manière de retrouver les fondamentaux de la création : observer, comprendre, choisir, ajuster et laisser le geste révéler la matière.

HÉRITAGE, la collection 2027 de Céline Ménard trouve son origine dans une histoire familiale et dans la volonté de faire vivre des savoir-faire transmis de génération en génération. Une exigence du travail bien fait, une sensibilité aux matières, une mémoire des lieux et une manière de créer guidée par l’exigence du geste et la sensibilité.

Cette collection naît d’un besoin de retour aux sources

Imaginée dans le showroom-atelier de la maison à Toulouse, cette nouvelle collection affirme pleinement l’identité de Céline Ménard comme Maison de Transmission.

Les robes y sont conçues comme des créations à la fois personnelles et durables, capables de porter une histoire pour mieux en accueillir une nouvelle.

Dentelles de Calais, soies françaises, tulles délicats, broderies et finitions artisanales donnent forme à des silhouettes intemporelles, proposées telles qu’elles ont été dessinées, personnalisées ou entièrement créées sur mesure.

Quand les gestes d’hier deviennent les robes de demain

L’univers visuel d’HÉRITAGE puise dans les paysages qui ont accompagné l’enfance de la créatrice : un atelier de menuisier, des bâtisses en terre, les vergers, les fruits d’été et les champs de blé baignés de lumière. Ces images ne servent pas uniquement de décor.

Elles prolongent le récit de la collection et rappellent que toute matière porte une origine, un territoire et une temporalité. La terre, la pierre, le bois et le tissu imposent chacun leur rythme. Ils résistent, se plient, se transforment, mais ne se laissent jamais totalement contraindre.

Céline Ménard transpose cette relation attentive à la matière dans sa manière d’aborder la robe de mariée. À travers chaque création, la collection célèbre une certaine idée de la transmission : celle d’un regard, d’un geste et d’un savoir-faire façonnés par le temps.

Quand la dentelle raconte & que la soie donne le mouvement

Dans HÉRITAGE, la matière participe directement à la naissance de la silhouette.

Dentelles de Calais, soies françaises, tulles et broderies sont sélectionnés pour leur qualité, leur toucher et leur manière de capter la lumière.

La collection repose sur quelques partis pris :

• matières françaises choisies pour leur caractère et leur durabilité ;
• volumes conçus pour accompagner le corps ;
• finitions artisanales ;
• détails subtils ;
• silhouettes intemporelles.

La richesse d’HÉRITAGE ne vient pas de l’accumulation mais de la justesse. La maison défend une vision du luxe discret, où la qualité d’une matière, l’équilibre d’une coupe et le temps consacré à la réalisation priment sur l’ornement.

Une robe ne se choisit pas, elle s’écrit à quatre mains

Chaque modèle est imaginé dans le showroom-atelier de Céline Ménard à Toulouse.

La future mariée peut choisir un modèle tel qu’il est présenté, le personnaliser ou engager une création entièrement sur mesure.

La robe se construit dans un dialogue entre la créatrice, la matière et la femme qui la portera. La collection devient ainsi un point de départ plutôt qu’un cadre.

Maison de Transmission

Avec HÉRITAGE, Céline Ménard affirme la vision qui guide désormais sa maison.

La transmission ne désigne pas seulement celle d’une robe. Elle englobe les savoir-faire des artisans, la mémoire des matières, les récits familiaux et les émotions qui accompagnent la création.

La maison s’engage à :

• préserver les gestes artisanaux ;
• valoriser les matières françaises ;
• concevoir des robes pensées pour traverser le temps ;
• créer des pièces singulières et intemporelles.

La robe devient une création patrimoniale contemporaine, conçue pour continuer à vivre bien après la cérémonie.

La femme derrière le projet… Céline Ménard

Avant de fonder sa maison, Céline Ménard a travaillé pendant plus de dix ans au sein de maisons de mode parisiennes. Sa vocation pour la création nuptiale se révèle lorsqu’elle imagine la robe de mariée d’une amie.

Cette première pièce marque le début d’une aventure plus personnelle, centrée sur la relation entre la créatrice et la femme qu’elle habille. Céline Ménard s’installe ensuite à Toulouse, où elle fonde un showroom-atelier confidentiel.

Elle y développe une approche sensible et durable de la mode, dans laquelle chaque robe peut être adaptée, transformée ou entièrement réinventée. Ses collections se nourrissent de l’art, de l’architecture, des voyages et des récits personnels.

Avec HÉRITAGE, son histoire familiale devient pour la première fois le coeur même de la création.

HÉRITAGE, premier chapitre d’une maison de création française

La collection 2027 accompagne une ambition plus large : faire évoluer Céline Ménard d’une marque de robes de mariée vers une maison de création française durablement installée.

La maison souhaite renforcer sa visibilité auprès d’une clientèle française et internationale sensible au luxe discret, à l’artisanat, au sur-mesure et à la qualité des matières.

Des collaborations avec des boutiques partenaires, des lieux d’exception et des acteurs du mariage haut de gamme figurent parmi les pistes de développement envisagées.

La maison poursuivra son développement autour de pièces complémentaires, notamment une ligne de bijoux en porcelaine, afin de construire progressivement un véritable art de vivre autour du mariage et de la création artisanale.

Avec HÉRITAGE, Céline Ménard ne dévoile donc pas seulement une nouvelle collection. Elle pose les fondations d’une maison pensée pour transmettre : des gestes, des matières, des émotions et des histoires.

En savoir plus

Site web : https://www.celinemenard.fr

Instagram : https://www.instagram.com/celinemenard.fr/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/celinemen

L’Adire, art textile traditionnel yoruba originaire du Nigeria, appartient à cette catégorie de patrimoines dont la richesse visuelle dépasse largement le cadre de l’artisanat.

Longtemps associé à des savoir-faire transmis de génération en génération, il trouve aujourd’hui une nouvelle résonance auprès d’un public sensible aux objets porteurs de sens, aux créations culturelles et aux récits incarnés.

C’est dans cette rencontre entre héritage et création contemporaine que s’inscrit Adirelounge.

Fondée par Cynthia Asije, entrepreneuse nigériane installée en France, la marque française réinvente l’Adire à travers des foulards, des textiles et des articles de décoration intérieure conçus pour les consommateurs d’aujourd’hui.

Basée en France, Adirelounge développe un dialogue entre patrimoine textile nigérian et design européen.

Son ambition : faire dialoguer patrimoine textile africain, design contemporain et production responsable, tout en créant des opportunités économiques pour les communautés d’artisans et en faisant rayonner l’Adire bien au-delà de son territoire d’origine.

Adirelounge développe également des outils numériques autour du design textile, de la narration des produits et de la traçabilité, afin de créer un lien durable entre patrimoine artisanal et innovation contemporaine.

Des étoffes qui ne décorent pas : elles prennent la parole

Adirelounge ne conçoit pas le textile comme une surface à embellir, mais comme une matière narrative. Chaque pièce s’inscrit dans une histoire de gestes, de symboles, de transmission et d’identité. La marque puise dans la richesse visuelle de l’Adire pour composer un vocabulaire graphique actuel, capable de dialoguer avec la mode, la décoration intérieure, les boutiques culturelles et les univers lifestyle.

Adirelounge lance sa première collection de foulards contemporains inspirés de l’Adire, pensée pour une clientèle sensible au design, à l’artisanat et aux objets porteurs de sens.

Les foulards occupent une place centrale dans cette nouvelle collection. Ils ne sont pas pensés comme des accessoires saisonniers, mais comme des pièces-signatures : souples, expressives, faciles à porter, capables de donner du relief à une tenue sobre ou d’apporter une dimension culturelle à un cadeau, une sélection boutique ou un univers décoratif.

Adirelounge s’adresse à celles et ceux qui ne choisissent pas un textile uniquement pour sa couleur ou son motif, mais pour ce qu’il raconte : une origine, un geste, une culture, une intention. Ses créations trouvent naturellement leur place dans les vestiaires contemporains, les intérieurs sensibles au design, les concept stores, les boutiques lifestyle, les boutiques de musées ou les sélections cadeaux où l’objet doit porter plus qu’une fonction : une présence.

Du patrimoine yoruba au design mondial : l’Adire comme trait d’union

L’Adire est au cœur du projet. Art textile traditionnel yoruba originaire du Nigeria, il porte une profondeur culturelle que Cynthia Asije souhaite rendre plus visible sur les marchés internationaux. Non pas en le déracinant, ni en le réduisant à une inspiration esthétique, mais en lui ouvrant de nouveaux usages.

Adirelounge agit ainsi comme un pont entre plusieurs mondes :

• L’Afrique et l’Europe ;
• Les techniques artisanales et les attentes contemporaines ;
• La mode et la décoration intérieure ;
• La mémoire culturelle et l’innovation durable ;
• Les communautés d’artisans et les marchés internationaux.

Cette position intermédiaire fait la singularité de la marque. Adirelounge ne choisit pas entre héritage et modernité : elle travaille précisément l’espace entre les deux. Elle transforme des motifs traditionnels en produits contemporains, capables d’être portés, offerts, exposés, collectionnés ou intégrés dans des espaces de vie.

Ni tendance passagère, ni objet figé : une esthétique de la transmission

Adirelounge se distingue par son refus de la mode éphémère. La marque s’articule autour de la narration, de l’artisanat et de la préservation culturelle. Elle ne cherche pas à produire des motifs « inspirés de » sans profondeur, mais à construire un univers cohérent où chaque création porte une part d’identité.

Ses éléments différenciants sont clairs :

• Une alliance entre patrimoine textile africain et design contemporain ;
• Des produits riches en signification culturelle, adaptés aux usages actuels ;
• Une production responsable ;
• Une présence entre Afrique et Europe ;
• Une approche fondée sur la narration plutôt que sur l’effet de mode ;
• Une exploration de nouvelles voies autour du design textile, de la durabilité et de la narration numérique.

Dans l’univers visuel de la marque, les foulards se portent comme des pièces de caractère : en turban, autour du cou, sur les épaules, dans une silhouette minimaliste ou plus affirmée. Les créations jouent avec la lumière, les contrastes, les symboles et les couleurs pour installer une esthétique à la fois culturelle, contemporaine et immédiatement reconnaissable.

Une campagne pour faire grandir l’Adire moderne

La campagne de communication actuellement lancée par Adirelounge poursuit quatre objectifs : accroître la visibilité de la marque en France et à l’international, présenter la nouvelle collection de foulards, valoriser le parcours entrepreneurial de Cynthia Asije et positionner Adirelounge comme une marque textile innovante, à l’intersection du patrimoine, du design et de la durabilité.

À court terme, Adirelounge souhaite élargir ses collections de foulards et de textiles, renforcer sa visibilité en France et en Europe, et fédérer un public engagé autour de la marque. À plus long terme, l’entreprise vise un développement dans la décoration d’intérieur, les licences textiles, les outils numériques innovants autour du design textile et la création d’opportunités économiques durables pour les communautés d’artisans.

Cynthia Asije, une fondatrice qui transforme l’héritage en horizon

En savoir plus

Site web : https://www.adirelounge.com

Facebook : https://www.facebook.com/adirelounge

Instagram : https://www.instagram.com/adirelounge

Linkedin : https://www.linkedin.com/in/cynthia-asije-652b9130/

Une fois hors d’usage, la grande majorité d’entre elles disparaît du circuit : 97 % des balles finissent en décharge ou sont incinérées, faute de filière de recyclage adaptée. Un constat d’autant plus préoccupant qu’une balle de tennis peut mettre jusqu’à 400 ans à se décomposer, tout en libérant du méthane et des microplastiques au cours de sa dégradation.

Face à cet impact environnemental encore trop peu visible, Zèta a imaginé une nouvelle voie : transformer ces balles usagées en matière première pour donner naissance à ACE’98, une sneaker innovante conçue à partir de balles de tennis recyclées.

Entièrement vegan & recyclée, cette paire intègre un caoutchouc revalorisant des balles usagées pour le logo et la base des semelles. Produite au Portugal en édition limitée (500 paires), elle permet de revaloriser environ 5 kg de matière, soit près d’une centaine de balles.

Une idée née sur un court de tennis

Tout commence lors d’un moment simple : une partie de tennis entre la fondatrice Laure Babin et son père. En observant les balles usagées jetées à la fin du match, une question émerge : que deviennent elles ?

De cette intuition naît un projet concret. Pendant plus d’un an, Zèta travaille alors avec ses fournisseurs et des clubs de tennis à Porto pour créer une matière innovante.

Une matière qui prolonge le jeu

Collectées auprès de clubs de tennis de la région de Porto, les balles usagées connaissent une seconde vie. Elles sont d’abord broyées en fines particules, puis intégrées à du caoutchouc synthétique recyclé, ensuite teinté et injecté dans la base de la semelle. Cette matière innovante se retrouve également sur la tige, à travers le logo signature de la marque.

Entièrement vegan, ACE’98 revalorise aussi du coton, du caoutchouc et du plastique recyclés, tout en générant 6 fois moins de CO₂ qu’une paire de sneakers traditionnelle. Chaque paire est assemblée en circuit court au Portugal, au sein d’un atelier familial.

Une sneaker inspirée de l’héritage du Tennis

Le nom ACE’98 fait référence à 1998, un hommage au tennis et à son héritage intemporel dans un sport où les champions laissent leur empreinte sur le court, perpétuant les gestes, les souvenirs et l’esprit du jeu.

ACE ’98 incarne ce mouvement : s’appuyer sur l’héritage pour inventer la suite. En transformant des balles usées en ressources, Zèta réinvente le jeu.

Inspirée de l’héritage du tennis, la basket ACE’98 est un hommage à la culture des courts. Avec sa silhouette basse, ses tonalités vintage et sa semelle épaisse, elle reprend les codes des années 90 et se décline en 5 teintes.

Cette collection comprend également un tee-shirt, des chaussettes et une casquette fabriqués au Portugal à partir de matières upcyclées et recyclées.

Revaloriser l’existant pour créer un produit désirable

Depuis sa création en 2020 à Bordeaux, Zèta développe des sneakers à partir de matières alternatives comme du raisin, du maïs, du café ou encore de l’olive.

Avec les balles de tennis, la marque poursuit cette démarche en explorant une nouvelle ressource issue du sport. L’objectif reste le même : transformer ce qui existe déjà plutôt que produire du neuf.

Laure Babin, fondatrice de Zèta

Laure Babin a créé Zèta avec une idée simple : proposer des sneakers à la fois esthétiques, confortables et plus respectueuses de l’environnement et des Hommes.

Issue d’une formation en management, elle lance la marque pendant ses études après avoir pris conscience de l’impact très polluant de l’industrie de la mode. Elle choisit alors d’explorer une autre approche, basée sur l’innovation et l’utilisation de matières alternatives.

La sneaker Ace’98 s’inscrit dans cette démarche : elle marque une nouvelle étape, en intégrant cette fois une matière issue du monde du sport.

En savoir plus

Site web : https://www.zeta-shoes.com/

Facebook : https://www.facebook.com/zeta.sneakers/

Instagram : https://www.instagram.com/zeta_shoes/