Piaf, Brel, Dalida, Aznavour, Gréco, Gainsbourg, Ferré, Barbara, Chevalier ou Trenet n’ont pas seulement chanté Paris : ils ont laissé derrière eux des adresses, des atmosphères, des fragments d’époque.

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier réunit ses visites, croisières et concerts pour faire redécouvrir ce Paris musical, entre anecdotes, interprétation a cappella et lieux emblématiques.

Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux de Paris et de la Chanson Française !

Paris en chansons, un nouveau nom pour relier les lieux, les voix et les époques

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier donne une cohérence à plusieurs créations développées au fil des années : la visite Montmartre en chansons, la croisière Guinguettes en chansons sur la Marne avec RiverCat, les concerts autour du Paris de Piaf, et une nouvelle visite lancée en 2026, Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Le projet repose sur un principe fort : faire découvrir Paris non par ses seuls monuments, mais par les artistes qui ont marqué ses quartiers, ses cabarets, ses caves, ses cafés et ses rives. Chaque parcours associe récit, anecdotes, adresses emblématiques et interprétations chantées a cappella et parfois accompagnées à l’accordéon.

Une proposition culturelle entre patrimoine, musique et expérience vivante

Paris en chansons s’adresse autant aux visiteurs qu’aux habitants curieux de redécouvrir la capitale autrement. L’approche n’est ni celle d’un simple tour touristique, ni celle d’un concert classique : elle se situe au croisement de la visite culturelle, du récit biographique et de la performance vocale.

Chaque expérience permet de suivre un fil différent :

• Montmartre, la Butte des cabarets, d’artistes emblématiques et de la bohème populaire ;
• Saint-Germain-des-Prés, quartier des caves, du jazz, de l’existentialisme et des voix de l’après-guerre ;
• la Marne, territoire des guinguettes, des dimanches chantants et d’un imaginaire festif francilien ;
• la scène, avec les concerts consacrés notamment à l’univers de Piaf.

L’ensemble compose une cartographie musicale de Paris, à la fois populaire, historique et incarnée.

Saint-Germain-des-Prés en chansons, la nouveauté 2026

Le lancement de Paris en chansons s’accompagne d’une nouvelle création : Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Cette visite s’intéresse à l’un des quartiers les plus chargés de mémoire musicale et intellectuelle de la capitale. Au lendemain de la guerre, Saint-Germain-des-Prés devient le territoire d’une jeunesse en quête de liberté, d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de chanteurs. Dans les caves où résonnent jazz et chansons se retrouvent Juliette Gréco, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Charles Aznavour, Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Marcel Mouloudji, Cora Vaucaire, mais aussi de nombreux jazzmen américains.

Le parcours traverse des lieux associés à cette histoire : l’église Saint-Germain-des-Prés, le Café de Flore, Les Deux Magots, le pont des Arts, la Monnaie de Paris ou encore Saint-Sulpice. Anne-Sophie Guerrier y raconte les adresses, les rencontres, les nuits, les débuts, puis interprète les chansons qui ont marqué le quartier.

“Les feuilles mortes”, “Dis, quand reviendras-tu ?”, “La Javanaise” ou “Il n’y a plus d’après” deviennent les repères d’une promenade qui ne se limite pas à l’évocation nostalgique. Elle restitue un moment culturel précis, celui d’un Paris d’après-guerre où la chanson dialogue avec la littérature, le jazz et les idées.

Montmartre en chansons, la genèse de l’aventure

Avant Paris en chansons, il y a Montmartre en chansons. Cette visite reste au programme et constitue le socle du projet.

À travers les ruelles de la Butte, Anne-Sophie Guerrier guide les visiteurs sur les traces d’Édith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Dalida et de nombreux artistes ayant vécu ou séjourné à Montmartre.

Le parcours fait découvrir les lieux emblématiques du quartier : les vignes, les moulins, le Mur des “je t’aime”, le Sacré-Cœur, les anciens cabarets, mais aussi des passages plus secrets et des recoins bucoliques.

À chaque étape, le récit se prolonge par une chanson : “La vie en rose”, “La complainte de la butte”, “Sous le ciel de Paris”, “La Bohème”… Le quartier n’est pas traité comme un décor figé, mais comme un lieu de création, de débuts difficiles, de rencontres et de légendes populaires.

Guinguettes en chansons, la Marne comme mémoire populaire

En 2024, Anne-Sophie Guerrier décline son concept sur la Marne avec Guinguettes en chansons, une croisière musicale développée avec RiverCat.

À bord, accompagnée par l’accordéoniste Yann Cotty, elle fait revivre l’esprit des guinguettes, ces lieux de fête qui ont longtemps animé les bords de Marne. Le bateau longe notamment Chez Gégène et évoque des établissements aujourd’hui disparus comme Chez Jullien ou le Casino du Viaduc.

Le répertoire rend hommage à Maurice Chevalier, Charles Trenet, Bourvil, Jean Gabin, Lucienne Delyle, Damia ou Fréhel, avec des chansons telles que “Ah ! Le petit vin blanc”, “Quand on s’promène au bord de l’eau”, “La java bleue” ou “À Joinville-le-Pont”.

Anne-Sophie Guerrier, créatrice d’un univers musical parisien

Le projet porte la marque du parcours d’Anne-Sophie Guerrier. Installée à Paris depuis plus de dix ans, elle vit à Montmartre, quartier d’artistes pour lequel elle a eu un véritable coup de cœur.

Chanteuse professionnelle, elle débute en 2019 dans les couloirs du métro parisien en tant que Musicienne du métro. En 2020, la pandémie l’empêche de poursuivre cette activité. Elle chante alors dans la rue et découvre la difficulté d’enchaîner un répertoire complet sans micro ni accompagnement.

De cette contrainte naît une forme originale : alterner refrains et anecdotes sur les artistes liés à Montmartre. Après de longues recherches sur leur vie et leur empreinte dans le quartier, elle construit un circuit autour des lieux où ils ont vécu et se sont produits.

En août 2021, elle lance Montmartre en chansons. Ce premier succès ouvre la voie aux créations suivantes.

De la rue aux scènes internationales

Le parcours d’Anne-Sophie Guerrier connaît aussi plusieurs prolongements artistiques.

En janvier 2024, elle représente la région Île-de-France au Grand Concours des Régions, diffusé en prime-time sur France 3. Sa manière de remettre au goût du jour la chanson réaliste et l’univers des guinguettes séduit Cyril Féraud et le jury. Cette exposition accompagne la naissance de Guinguettes en chansons.

Lors d’une visite à Montmartre, elle rencontre ensuite Guillaume Cardot, chef de l’Orchestre d’harmonie de Clermont-Ferrand. Ensemble, ils créent le concert Le Paris de Piaf, joué à guichets fermés à la Maison de la Culture de Clermont-Ferrand avec 75 musiciens. Face à l’accueil rencontré, le concert est décliné en duo et en quatuor. Il tourne aujourd’hui dans plusieurs villes en France, en Belgique et en Allemagne.

Ces créations scéniques donnent une autre dimension à Paris en chansons : le projet ne se limite pas aux parcours dans la ville, il se prolonge aussi sur scène, avec la même volonté de faire vivre le répertoire dans un rapport direct au public.

Une manière plus intime de redécouvrir Paris

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier rassemble les différentes facettes de son travail : la voix, la recherche, la transmission, la rue, la scène, les quartiers et la mémoire populaire.

Le projet s’adresse aux amoureux de Paris, aux passionnés de chanson française, aux visiteurs de passage comme aux habitants qui souhaitent poser un autre regard sur des lieux familiers. Il propose une expérience où l’on écoute autant que l’on regarde, où la chanson devient un outil de lecture de la ville.

En donnant une unité à ses visites, croisières et concerts, Anne-Sophie Guerrier affirme une démarche singulière : faire de Paris non pas un décor, mais un répertoire vivant.

En savoir plus

Vidéo de présentation : https://www.youtube.com/watch?v=5hOq-F5CjTA

Le site internet : https://www.parisenchansons.com

Facebook : https://www.facebook.com/annesophieguerrier

Instagram : https://www.instagram.com/annesophie.guerrier/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/annesophie-guerrier/

Avant même d’entrer en scène, Monsieur Wish installe un univers. Il ne parle pas, ou presque. Il observe, mime, improvise, déclenche la surprise.

Dans une époque où les contenus doivent capter l’attention en quelques secondes, son humour visuel possède un avantage rare : il se comprend partout, sans traduction.

Derrière ce personnage inspiré de Mr Bean, il y a Sand Wish, créateur de contenu, performeur et humoriste visuel français.

Devenu viral sur TikTok avec plus de 1,2 million d’abonnés et des vidéos dépassant les 50 millions de vues, il rassemble aussi une communauté sur Snapchat, Instagram et Twitch, tandis qu’un projet YouTube est en cours.

Déjà suivi par près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, Monsieur Wish prépare désormais une nouvelle étape internationale, notamment en Chine, où il est invité par l’agence MCN Top Agency à Hefei.

Quand Mr Bean rencontre TikTok, une ressemblance devient métier

Originaire de Normandie et aujourd’hui basé entre Épernay et ses nombreux voyages, Sand Wish a longtemps entendu la même remarque : il ressemblait naturellement à Mr Bean. Enfant déjà, il amuse son entourage en reproduisant les expressions, la démarche, le coucou, la voix et le célèbre “hey low” du personnage.

Pendant la période du Covid, alors qu’il vit plusieurs mois à Barcelone, il observe le succès de créateurs incarnant des personnages humoristiques sur les réseaux sociaux. À son retour en France, il décide de transformer cette ressemblance en véritable concept artistique. Il enfile le costume, publie ses premières vidéos, et le buzz est immédiat.

Monsieur Wish n’est pas seulement une imitation. C’est une vocation devenue personnage à plein temps : une figure vivante, immersive, construite pour le réel autant que pour les écrans.

Le rire sans sous-titres, la signature Wish

La force de Monsieur Wish tient à son silence.

Sans prononcer un mot, Sand Wish construit des situations comiques fondées sur le regard, le décalage, la précision gestuelle et l’improvisation. Une hésitation, une réaction, une entrée dans le champ, une rencontre avec un passant suffisent à créer un moment.

Ce langage visuel donne au personnage une portée rare. Il peut être compris par un enfant, un adulte, un public français, européen, asiatique ou américain. L’humour ne dépend ni d’une langue, ni d’un texte, ni d’un contexte culturel complexe.

Ce qui fait la singularité de Monsieur Wish :

• Une ressemblance naturelle et spontanée avec Mr Bean ;
• Un humour visuel, familial et intergénérationnel ;
• Une présence immersive, aussi forte hors caméra que sur les réseaux ;
• Une capacité à transformer des interactions simples en moments mémorables ;
• Une forte viralité sur TikTok ;
• Une communauté internationale en pleine expansion.

Monsieur Wish ne cherche pas seulement à faire rire. Il crée une scène autour de lui. Le public ne regarde plus seulement une vidéo : il entre dans l’action, filme, réagit, pose, partage.

L’événement comme terrain de jeu grandeur nature

Si TikTok l’a propulsé, Monsieur Wish prend toute sa dimension sur le terrain. Il intervient dans des fêtes foraines partout en France, des salons, foires événementielles, inaugurations, boîtes de nuit, clubs, événements privés, anniversaires, mariages et soirées à thème.

Sur place, il devient le “mème” vivant de l’événement : celui que l’on repère, que l’on filme, que l’on veut croiser. Il déambule, improvise, surprend les visiteurs, danse, anime et crée une ambiance immédiatement identifiable.

Ses prestations reposent sur une mécanique simple et efficace :

• Déambulation en interaction directe avec le public ;
• Photos, selfies et vidéos TikTok, Reels ou Snapchat ;
• Improvisations humoristiques ;
• Distribution de peluches Teddy ;
• Animations dansantes et moments participatifs.

L’intérêt pour les organisateurs est double : créer une expérience chaleureuse sur place et générer un contenu visuel naturellement partageable.

La Mini et Teddy, les deux aimants de l’univers Wish

La Mini inspirée de Mr Bean, proposée en option, joue un rôle central. Immédiatement reconnaissable, elle attire les regards dès son arrivée et crée un effet de curiosité. En exposition statique ou intégrée à une déambulation, elle devient un point d’attraction visuel pour un centre commercial, un salon, un festival ou une entreprise.

Elle permet aussi de créer des souvenirs durables : photos de groupe, selfies, vidéos, contenus exploitables pour la communication de l’événement. Avec la Mini, le public ne voit plus seulement un sosie ; il entre dans une expérience complète.

Teddy complète cet imaginaire. Distribué pendant certaines prestations, il apporte une dimension affective très appréciée des enfants comme des adultes. Ensemble, le costume, la voiture et Teddy forment une signature immédiatement lisible.

De Rednote à Hefei, l’humour Wish change d’échelle

Après la France, Monsieur Wish regarde désormais vers l’international. En Chine, la dynamique est déjà forte : près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, une invitation officielle par l’agence MCN Top Agency à Hefei, une tournée de création de contenu en préparation et plusieurs collaborations avec des productions chinoises à forte audience mondiale.

Cette étape confirme le potentiel de son registre comique : Monsieur Wish peut voyager sans perdre son efficacité. Là où beaucoup de concepts nécessitent traduction, adaptation ou repositionnement, son humour muet conserve sa force d’impact.

Vers un Monsieur Wish World Tour

Sand Wish souhaite aujourd’hui développer son personnage à l’échelle internationale, créer des collaborations avec des marques et événements majeurs, participer à des festivals populaires et renforcer sa présence médiatique en France comme à l’étranger.

Son ambition est aussi de lancer un véritable “Monsieur Wish World Tour” à travers la France, l’Europe, l’Asie et les États-Unis.

À la frontière du spectacle vivant, du contenu viral, de l’influence événementielle et de la culture populaire, Monsieur Wish s’impose comme une figure singulière du divertissement visuel moderne. Né d’une ressemblance, propulsé par TikTok, attendu en Chine, il raconte surtout une chose : le rire peut encore faire le tour du monde sans prononcer un mot.

En savoir plus

Site web : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ

Facebook : https://www.facebook.com/MonsieurWish/?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/monsieurwish/

Linkedin : https://fr.linkedin.com/in/sand-wish-b4b98328

TikTok : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ

En quelques années, les conditions d’entrée dans les secteurs du théâtre, du cinéma et de l’audiovisuel se sont profondément transformées : généralisation des self-tapes, multiplication des productions pour les plateformes, accélération des rythmes de casting, hybridation entre jeu théâtral et jeu caméra, montée des créations indépendantes et nouveaux usages liés aux réseaux sociaux.

Pour les jeunes comédiens, cette évolution modifie directement les attentes des professionnels. Les directeurs de casting, réalisateurs et agents artistiques recherchent désormais des profils capables de maîtriser plusieurs registres de jeu tout en comprenant rapidement les contraintes concrètes du métier.

Cette mutation du secteur pousse certaines écoles à revoir leur modèle pédagogique.

À Paris, le Studio Muller, école professionnelle de théâtre et de cinéma fondée en 2003, ouvre ses inscriptions pour la rentrée de septembre 2026 en mettant précisément l’accent sur cette question : comment former aujourd’hui des acteurs et actrices capables d’évoluer durablement dans un environnement artistique devenu plus complexe et plus concurrentiel ? 

Plus de 45 professionnels rencontrés chaque année : une pédagogie construite autour du contact avec le terrain

Le Studio Muller a été pensé comme un lieu de transmission dans lequel les élèves apprennent non seulement les techniques de jeu, mais aussi le fonctionnement réel du milieu artistique.

Cette orientation se traduit par l’intervention régulière de professionnels en activité au sein des cursus.

Chaque année, plus de 45 metteurs en scène, réalisateurs, agents artistiques et directeurs de casting rencontrent les étudiants.

Au-delà de la dimension pédagogique, ces interventions répondent à une problématique récurrente dans les métiers artistiques : la difficulté pour les jeunes acteurs d’accéder aux réseaux professionnels et de comprendre les attentes concrètes des recruteurs du secteur culturel et audiovisuel.

L’école défend ainsi une approche centrée sur l’immersion dans les réalités du métier.

Les élèves sont confrontés aux pratiques actuelles du casting, aux exigences du jeu face caméra, aux mécanismes de direction d’acteurs ainsi qu’aux attentes spécifiques des productions théâtrales et audiovisuelles.

Dans un secteur où les parcours professionnels se construisent souvent de manière fragmentée, ces rencontres jouent également un rôle d’orientation et de compréhension des évolutions du marché artistique.

Théâtre, cinéma, audiovisuel : la polyvalence devient un enjeu central de formation

Le modèle traditionnel de spécialisation unique tend progressivement à s’effacer dans les métiers du jeu.

Les jeunes comédiens sont aujourd’hui amenés à évoluer entre plusieurs formats : scène, séries, courts-métrages, publicité, contenus numériques ou créations indépendantes.

Cette évolution influence directement les contenus pédagogiques proposés par certaines écoles d’acteurs.

Le Studio Muller développe ainsi des cursus mêlant théâtre et cinéma afin de préparer les élèves à des contextes de jeu variés.

La formation comprend notamment le jeu théâtral, le jeu face caméra, l’improvisation, la technique Meisner, le travail de la voix, le corps, la préparation casting et la création de bande-démo.

L’école revendique également une approche ouverte des méthodes de jeu afin de permettre aux étudiants de développer leur singularité artistique plutôt que de reproduire un modèle unique d’interprétation.

Cette question de la singularité devient d’ailleurs de plus en plus importante dans les processus de sélection contemporains.

Les directeurs de casting accordent désormais une attention croissante à la personnalité artistique des candidats et à leur capacité d’adaptation à différents univers de réalisation.

Le Studio Muller affirme ainsi vouloir former des acteurs et actrices capables d’évoluer aussi bien au théâtre qu’au cinéma, avec une préparation à la fois artistique et professionnelle.

Classes à taille humaine et accompagnement individualisé : la réponse aux nouveaux parcours artistiques

L’évolution des métiers artistiques transforme également les attentes des étudiants vis-à-vis des écoles.

Les jeunes artistes recherchent désormais davantage de flexibilité, un accompagnement plus personnalisé et des parcours capables de s’adapter à des trajectoires souvent non linéaires.

Le Studio Muller met en avant des classes à taille humaine et un accompagnement individualisé afin de suivre plus précisément l’évolution artistique des élèves.

L’école présente sa pédagogie comme exigeante, moderne et bienveillante, avec une volonté constante de relier travail technique et préparation concrète à l’insertion professionnelle.

Depuis sa création, l’établissement indique avoir accompagné plusieurs milliers d’élèves dans leur formation artistique.

Cette expérience de plus de vingt ans constitue aujourd’hui l’un des éléments différenciants mis en avant par l’école dans un secteur de la formation artistique particulièrement concurrentiel.

Auditions, stages, projets face caméra : l’insertion professionnelle intégrée au cursus

La professionnalisation constitue aujourd’hui l’un des principaux sujets de préoccupation des étudiants en école d’acteurs.

Au-delà des enseignements artistiques, le Studio Muller cherche à multiplier les situations concrètes de mise en pratique.

Auditions, rencontres métiers, stages, spectacles et projets face caméra font partie des expériences proposées aux élèves durant leur cursus.

L’objectif affiché est de permettre aux étudiants d’acquérir une expérience progressive des réalités professionnelles avant leur entrée sur le marché du travail artistique.

Cette logique d’insertion repose également sur l’idée qu’un acteur doit désormais savoir construire activement son parcours professionnel, développer ses outils de présentation et comprendre les attentes spécifiques des différents interlocuteurs du secteur : agents, réalisateurs, directeurs de casting ou producteurs.

Studio Muller Prod : quand les écoles d’acteurs deviennent aussi des espaces de production

Le développement récent de Studio Muller Prod illustre une autre évolution importante dans les écoles artistiques : la création de structures de production intégrées.

Créée par le Studio Muller, cette maison de production a pour vocation d’accompagner les projets des élèves et de transformer leurs idées en spectacles, vidéos ou films aboutis.

En savoir plus

Site web : https://studio-muller.com/studio-muller-prod

Facebook : https://www.facebook.com/LeStudioMuller75014/

Instagram : https://www.instagram.com/lestudiomuller/

La sortie de Weber – Eine Welt in meinem Innern, nouvel album de l’Ensemble Hexaméron placé sous la direction artistique de Luca Montebugnoli, est prévue pour le 5 juin 2026 chez Paraty, jour du bicentenaire de Carl Maria von Weber.

Ce projet discographique sera précédé par un concert de sortie le 24 mai 2026 au Festival de La Nouvelle Athènes, dans le cadre du 4^e Festival Les Premiers Romantiques et la Nature, organisé au Château de Malmaison et à Bois- Préau.

Avec Weber – Eine Welt in meinem Innern, l’Ensemble Hexaméron propose de redécouvrir Carl Maria von Weber au-delà de l’image du seul compositeur du Freischütz. Figure centrale du romantisme allemand, Weber y apparaît dans toute la diversité de son langage : de la scène au salon, du lied à la musique de chambre, de la pièce concertante à l’arrangement. Cette circulation entre les genres, pensée et creusée par l’ensemble, constitue l’un des fils conducteurs du disque. Elle révèle une œuvre traversée par le théâtre, le récit, la virtuosité et le goût des couleurs instrumentales, où chaque format semble ouvrir un espace dramatique singulier.

Ce disque s’inscrit dans une dynamique artistique plus large, portée depuis plusieurs années par Luca Montebugnoli, personnalité de proue au sein de La Nouvelle Athènes, dans la redécouverte des premiers romantismes sur pianos historiques. Le concert du 24 mai donne ainsi au lancement de Weber – Eine Welt in meinem Innern une résonance particulière. Il relie l’actualité discographique de l’Ensemble Hexaméron, pensée pour honorer les 200 ans d’un compositeur majeur encore trop rarement reconnu à sa juste valeur, à l’implication de Luca Montebugnoli au sein de l’un des collectifs les plus dynamiques en France dans ce domaine.

La présence de ce concert au sein du Festival de La Nouvelle Athènes offre au lancement du disque un cadre particulièrement cohérent. Consacré aux premiers romantismes et à la nature, le festival met en regard musique, pensée romantique, arts visuels et patrimoine naturel autour des sensibilités du début du XIXe siècle. Cette thématique entre en résonance avec l’univers de Weber, où la nature, le théâtre, le paysage intérieur et la couleur instrumentale participent d’un même imaginaire romantique.

En savoir plus

Site de l’ensemble Hexaméron : https://www.hexameron.fr/

C’est le pari porté par La malédiction des filles Martin, création de l’auteur-compositeur lyonnais Frank Berty, qui franchit aujourd’hui une étape décisive avec une première représentation annoncée le 17 septembre 2026 à 20h30 salle Bellevue, au Radiant-Bellevue de Caluire-et-Cuire.

Inspiré de son roman publié aux Éditions du Lys Bleu, le projet se construit comme une œuvre à part entière, pensée dès l’origine pour exister à la fois sur scène, en musique et à l’image.

Entre concert blues rock, récit autobiographique et projections visuelles, il propose une forme immersive qui cherche à rendre une histoire intime accessible au public, non pas par le récit seul, mais par l’émotion.

Un spectacle musical immersif qui mêle concert, récit autobiographique et images projetées

Avec La malédiction des filles Martin, Frank Berty ne propose pas un concert au sens classique, ni une adaptation littéraire fidèle. Le projet repose sur une volonté clairement formulée : créer une expérience située à la frontière du spectacle musical et du langage cinématographique.

Sur scène, trois dimensions coexistent :

• La musique live, ancrée dans une esthétique blues rock ;
• Des projections visuelles immersives ;
• Une narration suggérée, non linéaire.

La musique structure l’ensemble et agit comme un vecteur émotionnel direct.

L’image, elle, installe des atmosphères, prolonge les sensations et inscrit le spectacle dans une dimension visuelle proche du cinéma. Entre les deux, le récit circule sans s’imposer frontalement.

L’ambition est explicite : proposer une forme intime, émotionnelle et accessible, où le spectateur n’est pas simplement face à une histoire, mais immergé dans une expérience qui sollicite à la fois l’écoute, le regard et la perception.

Un univers blues rock qui privilégie la sincérité à l’effet

L’identité musicale du spectacle s’inscrit dans un blues rock organique et authentique, porté par une équipe de musiciens professionnels français et américains, au service d’un son live puissant et immersif.

Ce choix permet de créer une proximité forte avec le public, en cohérence avec la dimension intime du projet. La musique s’y exprime avec justesse et intensité, portée par une équipe de musiciens professionnels, privilégiant l’émotion et l’interprétation plutôt que la démonstration.

Frank Berty développe cet univers depuis plusieurs années. Son premier album AQUABLUES (2019) a été remarqué par Oui FM, qui évoque « un voyage permanent à travers l’espace et le temps ». Il s’est également produit dans l’émission « JLPP » sur IDF1.

Avec Timelapse (2020), enregistré fin 2019, il poursuit cette exploration musicale. Le clip du titre « Rendre les larmes » a atteint près de 100 000 vues sur YouTube.

Son parcours s’inscrit dans une trajectoire personnelle assumée : « Au début des années 80, un ami m’apporte deux vinyles : ‘Deep Purple Made in Japan’ et ‘Bernard Lavilliers O’Gringo’. Ces deux albums m’ont donné envie de faire de la musique. »

Nancy Sinatra rejoint le projet et apporte une autre présence scénique

Le spectacle intègre également la participation de Nancy Sinatra, artiste belge reconnue comme animatrice TV, chanteuse et comédienne.

Sa présence vient enrichir la dynamique scénique, en introduisant une autre voix, une autre manière d’interpréter et d’habiter les séquences. Cette interaction contribue à élargir le registre émotionnel du spectacle.

Elle renforce la dimension internationale du projet, notamment en Belgique où elle bénéficie d’une forte notoriété (RTBF, RTL-TVI, Club RTL). Côté France : Nancy est une ancienne de France 2 (Stéphane Bern, Loto). Vous l’avez aussi remarqué sur Hit Talent, @ Vos clips , E-Classement et le meilleur du Top 50 sur M6 / W9.

Le 17 septembre 2026 Salle Bellevue, une première représentation pensée comme un lancement

La date du 17 septembre 2026 à 20h30, à la Salle Bellevue du Radiant-Bellevue, située à Caluire-et-Cuire, constitue un moment structurant pour le projet.

Cette première représentation marque le lancement artistique et médiatique de La malédiction des filles Martin.

L’événement est organisé au profit de l’association T.E.E.M. (Téléphane Énergie – Éditions et Multimédia), engagée dans le soutien à la création artistique, la production culturelle et l’accompagnement de projets musicaux et éditoriaux.

Etre accueilli dans la Salle Bellevue, du Radiant-Bellevue est un haut patronage, quand on connait les nombreuses réalisations de Victor Bosch, son directeur, producteur de Cabrel et de Voulzy, entre autres. Citons aussi la mairie de Caluire, qui prend en charge les frais de salle, en soutien à l’association.

Cette première étape s’inscrit dans une perspective plus large :

• Développement d’une tournée en France ;
• Ouverture vers la Belgique ;
• Montée en puissance progressive du projet.

Un projet qui se déploie au-delà du spectacle vivant

La malédiction des filles Martin s’inscrit dans une démarche artistique globale, déjà structurée autour de plusieurs formats.

Le roman constitue le socle. Le spectacle en est une extension scénique. La création musicale prolonge l’univers sonore. Un clip, dont le tournage est prévu en mai 2026, viendra renforcer la visibilité du projet.

Par ailleurs, des discussions sont en cours autour d’une éventuelle adaptation audiovisuelle.

Cette articulation entre différents supports donne au projet une profondeur particulière et ouvre des perspectives de développement à moyen et long terme.

Une expérience immersive qui place le spectateur au centre de ce qu’il ressent

L’ambition du spectacle dépasse la simple narration. Il s’agit de proposer une expérience où le spectateur ne se contente pas de suivre une histoire, mais la traverse.

La musique agit comme un vecteur direct d’émotion. L’image prolonge cette sensation. La narration, volontairement fragmentée, laisse des espaces d’interprétation.

Le spectateur devient ainsi partie prenante de l’expérience, invité à construire son propre rapport à ce qui lui est donné à voir et à entendre.

Informations pratiques

• Lieu : Salle Bellevue – Caluire-et-Cuire ;
• Date : 17 septembre 2026 ;
• Horaire : 20h30 ;
• Billetterie : https://yp.events/03c9a1dd-bc0c-423a-90dc-6cdb08af2a17/La-malediction-des-filles-Martin-Le-concert.

En savoir plus

Le spectacle : https://www.frankberty.com/le-spectacle/

Site web : www.frankberty.com

Facebook : https://www.facebook.com/FrankBerty

Depuis près de dix ans, Théo Didier avance ainsi. À contre-courant des logiques d’exposition immédiate, il privilégie la scène, les rencontres et l’épreuve du public. Plus de 200 concerts, trois albums, une présence constante sur les territoires : son parcours raconte autant une ascension qu’un ancrage.

Et comme toute construction finit par atteindre un point de bascule, 2026 marque ce moment.

Dix ans après ses débuts en solo, l’artiste drômois dévoile Roulotte Orchestra, un album qui raconte un cheminement, un parcours.

Derrière ce nom, il y a à la fois un disque, un groupe et une manière de penser la musique : collective, mouvante, nourrie d’influences multiples. Un projet qui pose une question simple, mais décisive : Et si cette roulotte était sur le point d’embarquer toute la France ? 

Un album qui s’écoute comme on feuillette un carnet de route

Roulotte Orchestra ne cherche pas à impressionner par rupture. Il s’impose plutôt comme une continuité approfondie, une matière retravaillée à partir de ce qui a été vécu. On y retrouve les marqueurs de l’univers de Théo Didier : ce mélange de rock, de reggae, de funk et de chanson française.

Les morceaux semblent écrits pour affirmer une direction et relier des fragments : une origine géographique, des visages croisés sur la route, des moments de doute ou d’élan. Le Vercors n’est pas seulement un décor, il devient un point d’ancrage. Les amitiés, les amours, les questionnements sur la trajectoire personnelle s’entrelacent sans hiérarchie, comme si l’album refusait de choisir entre l’intime et le collectif.

Ce qui se dégage, au fil de l’écoute, c’est une forme de sincérité sans effet. L’écriture ne cherche pas à simplifier ni à dramatiser. Elle avance par touches, par images, parfois presque à bas bruit, laissant apparaître un artiste qui regarde son propre parcours sans filtre. Regarder d’où il vient pour comprendre où il va.

“Roulotte Orchestra” : derrière le nom, une manière de faire de la musique ensemble

Le titre de l’album pourrait évoquer un simple habillage. Il est en réalité au cœur du projet. Le Roulotte Orchestra, c’est d’abord une formation de scène, mais c’est surtout une manière de penser la création : un centre autour duquel gravitent des musiciens, un espace de circulation.

Sur scène comme en studio, chaque musicien amène avec lui un territoire, un savoir-faire. La basse de Louis Bilong, marquée par des expériences aux côtés de figures majeures des musiques africaines, installe une profondeur rythmique immédiate et irrésistible. La guitare électrique de Bob Darlet, nourrie de décennies de pratique dans les bals et les fêtes populaires, convoque une mémoire vivante des riffs et des solos, de Santana à Pink Floyd.

La batterie de Daniele Filoso introduit une tension particulière, entre traditions méditerranéennes et influences reggae, tandis que la guitare rythmique de Victor Papillon ouvre des échappées vers des sonorités espagnoles et sud-américaines.

Au milieu de cet ensemble, l’accordéon de Théo Didier ne cherche pas à dominer. Il relie, il tisse, il circule entre les registres. Et c’est peut-être là que se joue l’équilibre du projet : dans cette capacité à faire coexister des univers sans les lisser. Où chaque différence devient nuance et complémentarité.

Sur ce nouvel album, Théo invite à bord de sa roulotte plusieurs artistes, dont les figures locales Pep’s (Liberta) et Théo Bertrand (Plus Belle la Vie) sur le titre bien nommé « Le Vercors ».

Une musique façonnée par la scène, et non l’inverse

Chez Théo Didier, la scène n’est pas un prolongement du disque. C’est l’inverse. Depuis ses débuts en 2016, chaque étape s’est construite au contact du public. Le premier album, très acoustique, portait déjà cette logique : une écriture directe, éprouvée en concert.

Avec « Conscience Libre », puis avec l’album Live de 2022, cette relation s’est renforcée. Les morceaux évoluent, se transforment, parfois se réinventent d’un concert à l’autre. Ce rapport mouvant à la musique se retrouve dans « Roulotte Orchestra », qui semble avoir été conçu pour rester ouvert, pour continuer à vivre une fois sorti.

La tournée des dix ans, prévue en parallèle de la sortie, s’inscrit dans cette continuité. Elle ne vient pas “accompagner” l’album, elle en est l’une des formes, une variation. C’est d’ailleurs sur scène que le projet trouve sa pleine dimension, dans cette capacité à faire circuler l’énergie entre les musiciens et le public.

Derrière le mur, une idée simple : se construire sans se figer

La pochette de l’album met en scène un mur. L’image pourrait, au premier regard, n’être perçue que comme un élément graphique. Elle révèle pourtant une ambivalence plus profonde. Le mur, c’est ce qui enferme (les étiquettes, les attentes), mais c’est aussi ce qui soutient, ce qui permet de tenir.

Dans cette représentation, chaque pierre compte. Certaines sont régulières, d’autres non. Certaines viennent d’ici, d’autres d’ailleurs. L’ensemble n’est pas homogène, mais il tient. C’est une manière de raconter un parcours artistique : un assemblage d’expériences, de rencontres, d’influences qui, mises bout à bout, finissent par former une structure.

Cette lecture visuelle fait écho à la musique. Elle dit quelque chose d’essentiel : rien n’est construit d’un bloc. Tout s’ajoute, se déplace, s’ajuste. Où chacun est invité à ajouter sa pierre.

Du Vercors à une circulation plus large : changer d’échelle sans changer de méthode

Bien que Paris l’ait déjà remarqué (The Voice, concert pour les JO 2024), c’est en Rhône-Alpes que Théo Didier a forgé son identité artistique. Cette implantation locale n’est pas un hasard : elle est le résultat d’un travail de terrain, concert après concert.

Avec « Roulotte Orchestra », l’ambition évolue. L’enjeu n’est pas seulement de toucher davantage de public, mais aussi de faire circuler une musique qui s’est construite dans un contexte précis vers d’autres territoires. Il est temps de découvrir ce que cette musique a à offrir au reste de la France.

Cette perspective s’appuie sur plusieurs éléments : une expérience scénique solide, une formation musicale structurée et une identité artistique désormais lisible. Mais elle repose aussi sur une forme de pari : celui que cette musique, née d’un ancrage local, peut trouver une résonance partout ailleurs.
Bienvenue dans le « Roulotte Orchestra »

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Aujourd’hui, certaines initiatives cherchent à retrouver cette intensité première, non pas en simplifiant l’opéra, mais en en modifiant les conditions d’écoute.

À Paris, cette recherche trouve un terrain d’expression singulier dans les lieux patrimoniaux, où l’histoire et l’intimité des espaces offrent une autre acoustique, une autre relation au temps.

C’est dans cette dynamique que s’inscrit la deuxième édition du Festival Lyrique de Paris au musée Jacquemart-André, imaginée par Opera a Palazzo : du 2 au 11 juillet 2026, quatre soirées lyriques prennent place dans les salons de l’hôtel particulier, pour proposer une expérience où la musique ne se projette plus à distance, mais se vit dans une proximité immédiate, au croisement du répertoire, de l’architecture et du regard.

Les Nuits de l’Opéra : quatre soirées pour habiter la musique, du 2 au 11 juillet 2026

Du 2 au 11 juillet 2026, Les Nuits de l’Opéra au musée Jacquemart-André donnent rendez-vous au public pour une deuxième édition construite autour de quatre soirées distinctes, chacune pensée comme une traversée musicale et sensible du répertoire lyrique.

Porté par Opera a Palazzo en collaboration avec le musée Jacquemart-André, le festival s’installe dans les salons historiques de l’hôtel particulier pour proposer une expérience qui s’éloigne des formats traditionnels. Chaque soirée, d’une durée de 1h30, se déploie en deux parties équilibrées, séparées par un entracte de 30 minutes durant lequel les spectateurs accèdent librement aux collections du musée, accompagnés d’une coupe de champagne.

Le déroulé précis structure cette expérience :

• 19h30 : ouverture des portes ;
• 20h00 : première partie du concert ;
• 20h45 : entracte – visite libre et champagne ;
• 21h15 : deuxième partie ;
• 22h00 : fin du concert ;
• 22h30 : fermeture du musée.

Pensées pour accueillir à la fois amateurs d’opéra et publics curieux, ces soirées reposent sur un format volontairement resserré, où la proximité avec les artistes redéfinit la perception de la musique. Loin d’une succession d’airs, chaque programme est conçu comme un récit, articulé autour d’une thématique forte.

Ici, l’opéra ne se regarde pas : il circule, il frôle, il atteint

Dans les salons du musée Jacquemart-André, l’opéra abandonne ses distances habituelles. Les artistes évoluent dans le même espace que le public, sans séparation scénique marquée.

Ce choix modifie profondément la réception :

• La voix se déploie sans intermédiaire, portée uniquement par l’accompagnement au piano ;
• Chaque nuance, chaque respiration devient perceptible ;
• L’émotion s’inscrit dans une relation directe, presque immédiate.

Le spectateur ne se situe plus face à une représentation, mais au cœur d’une situation musicale. Cette proximité transforme l’écoute en expérience sensible, où la musique ne traverse pas seulement l’espace, mais engage une perception plus fine, plus incarnée.

Musée Jacquemart-André : un lieu habité qui ne se contente pas d’accueillir, mais qui répond

Le musée Jacquemart-André ne sert pas de simple écrin. Il agit comme un espace actif, presque réactif, où la musique trouve un prolongement naturel.

Ancienne demeure d’Édouard André et de Nélie Jacquemart, le lieu conserve une organisation pensée pour recevoir l’art dans une forme d’intimité maîtrisée. Les salons, les perspectives, les collections ne sont pas dissociés : ils composent un ensemble cohérent, où chaque élément dialogue avec les autres.

Lorsque les voix s’y déploient, elles ne s’ajoutent pas au décor. Elles s’inscrivent dans une continuité. Les œuvres peintes, les matières, les volumes deviennent autant de surfaces de résonance, visibles ou invisibles.

L’entracte prolonge cette relation. En circulant dans les salles, le spectateur ne quitte pas vraiment la musique. Il la retrouve autrement, dans le silence des œuvres, dans la lenteur du regard, dans cette impression diffuse que tout continue à vibrer.

Quatre nuits, quatre imaginaires lyriques

Chaque soirée explore une thématique spécifique, construite comme une progression dramatique.

Jeudi 2 juillet – Voyage lyrique en Italie : de Così fan tutte à L’Elisir
Un parcours entre Così fan tutte, Il barbiere di Siviglia, Don Carlos, Norma et L’Elisir d’amore, où alternent légèreté, virtuosité et expression des sentiments, prolongé par la Barcarolle d’Offenbach.

Samedi 4 juillet – Passions Italiennes : de Lucia di Lammermoor à Turandot 

Un programme centré sur les tensions émotionnelles du répertoire italien, de Don Pasquale et Lucia di Lammermoor à Turandot, en passant par Norma, La Bohème, et Madama Butterfly.

Jeudi 9 juillet – L’Espagne en opéra : Carmen et Don Giovanni
Une exploration des figures espagnoles à travers Carmen, Il barbiere di Siviglia ou Don Giovanni, enrichie par les univers de de Falla et Lara.

Samedi 11 juillet – Nuit Viennoise : de Mozart à Strauss
Une soirée dédiée à l’univers viennois, entre Mozart, Strauss, Lehár et Schubert, où opéra, opérette et lied se rejoignent.

Des artistes engagés dans une approche directe du chant

Les artistes invités se produisent sur des scènes françaises et internationales tout en s’inscrivant dans une démarche attentive aux formats immersifs.

Parmi eux :

• Emilie Rose Bry ;
• Armelle Khourdoïan ;
• Aurélie Loilier ;
• Mathilde Legrand ;
• Séraphine Cotrez ;
• Christophe Poncet de Solages ;
• Yu Shao ;
• Marc Souchet
• Jiwon Song.

À leurs côtés, Yuko Osawa, Katia Weimann et Philip Richardson assurent l’accompagnement musical.

Opera a Palazzo : faire basculer l’opéra du spectacle vers l’expérience vécue

Ce que propose Opera a Palazzo avec Les Nuits de l’Opéra ne relève pas d’un simple changement de décor. Il s’agit d’un déplacement plus profond, presque structurel, dans la manière d’envisager le rapport à l’opéra.

Depuis son lancement en 2021 par Armand Cohen et Marie-Laure de Bello-Portu, le projet s’inscrit dans une filiation assumée avec les soirées de Musica a Palazzo à Venise. Mais à Paris, il prend une coloration particulière : celle d’une ville où le patrimoine n’est pas seulement un cadre, mais une matière vivante, capable d’absorber et de transformer les formes artistiques.

Avec plus de 100 événements et près de 7 000 spectateurs accueillis, Opera a Palazzo a progressivement affirmé une ligne : réduire la distance sans réduire l’exigence. Ici, la proximité n’est pas un effet, c’est un engagement. Elle oblige les artistes à une précision accrue, et invite le public à une écoute plus active.

Cette approche trouve déjà une expression forte dans les productions de La Traviata et de Rigoletto présentées au musée Jacquemart-André, où les grandes œuvres du répertoire verdien quittent la frontalité de la scène traditionnelle pour se déployer au plus près des spectateurs, dans une relation plus directe, plus sensible, presque physique à la musique et au drame.

Les Nuits de l’Opéra au musée Jacquemart-André prolongent cette démarche en la densifiant. Le format du festival permet d’aller plus loin dans la construction des programmes, dans la cohérence des parcours, dans l’inscription de l’expérience dans un temps long — celui de la soirée, mais aussi celui du lieu.

L’ambition n’est pas de proposer une alternative aux grandes scènes, mais d’explorer un autre point d’équilibre : un espace où l’opéra ne s’impose pas par son ampleur, mais s’insinue par sa présence.

Informations Pratiques

Lieu : Musée Jacquemart-André, 158 Boulevard Haussmann, Paris 8ᵉ

Dates : 2, 4, 9 et 11 juillet 2026

Horaires : de 19h30 à 22h30

Tarifs :

• Catégorie 1 (deux premiers rangs) : 170 €

• Catégorie 2 : 140 €

• Catégorie debout au balcon : 38 €

Réservations : opera-palazzo.com

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Site web : https://opera-palazzo.com/

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Instagram : https://www.instagram.com/operapalazzo/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/opera-a-palazzo-paris/

Contacts Presse

Opera a Palazzo – contact@opera-palazzo.com

Culturespaces – victoire.vauris@culturespaces.com

Avec Tangos aumentados, Fleurs Noires ouvre une nouvelle ère du tango. La mémoire argentine y rencontre l’écriture contemporaine, l’électronique et les formes immersives, dans un même élan de création. Ici, le tango ne se fige pas dans son héritage : il redevient une matière vivante, un champ d’expérimentation, de tension et de liberté.

Fondé en 2003 par Veronica Votti, Luciana Jatuff et Andrea Marsili, Fleurs Noires s’est imposé, entre Buenos Aires et Paris, comme une formation singulière du tango contemporain. L’ensemble s’inscrit dans un compagnonnage durable entre musiciennes et amies, nourri par l’écoute, la fidélité et une même exigence artistique. Depuis plus de vingt ans, il développe un travail de création continu, porté notamment par les compositions d’Andrea Marsili, où le tango dialogue avec le jazz, la musique contemporaine et des recherches sonores plus ouvertes.

Avec Tangos aumentados, cette trajectoire atteint aujourd’hui un point de maturité décisif. Conçu à partir des compositions d’Andrea Marsili, l’album approfondit un travail sur l’orchestre, l’électronique, les timbres et la circulation du son dans l’espace. Les pièces y associent un orchestre typique à son double virtuel préenregistré, nourri d’une écriture de synthèse élaborée à partir de matières sonores issues des gestes instrumentaux propres au tango. De cette superposition entre acoustique et électronique naît un jeu de miroirs, de déphasages et de complémentarités inédites, qui ouvre de nouvelles perspectives dans l’écriture contemporaine du genre. Plusieurs pièces prennent appui sur le dialogue entre la musique d’Andrea Marsili et les textes d’Omar Marsili. L’album réunit également plusieurs invités : Tomás Gubitsch, Mandy Lerouge, Aureliano Marin et Vanesa García, qui en renforcent l’architecture vocale, rythmique et sonore.

Au fil des années, Fleurs Noires a développé une démarche qui dépasse le seul cadre du concert. L’ensemble mène des actions de transmission et de médiation auprès de publics variés, dans les conservatoires, les écoles, les quartiers, mais aussi dans des lieux où la création musicale est rarement attendue. Il inscrit également son travail dans un dialogue avec d’autres formes, notamment la danse, la récitation et la scène. À travers la collaboration entre Andrea Marsili et Omar Marsili, dont les textes accompagnent plusieurs créations, se dessine une manière de faire du tango non seulement une forme musicale, mais aussi un espace de passage, de partage et de renouvellement.

En savoir plus

Site web : http://www.fleursnoires.org/

Dans l’imaginaire du spectacle vivant, le cabaret burlesque occupe une place singulière.

Héritier du music-hall et des grandes revues qui ont façonné la culture populaire, il mêle danse, théâtralité, humour, strass et esthétique spectaculaire. Depuis plusieurs années, cet univers connaît un nouvel essor à l’échelle internationale : festivals dédiés, écoles de burlesque et nouvelles scènes artistiques témoignent d’un regain d’intérêt pour un art où créativité, mise en scène et expression artistique se rencontrent.

Le cabaret burlesque attire aujourd’hui un public curieux de propositions immersives, sensible à l’esthétique rétro-glamour autant qu’à la liberté de ton qui le caractérise.

Le Grand Olala : une soirée burlesque à Annecy

C’est dans cette dynamique que s’inscrit Le Grand Olala, un nouveau rendez-vous annuel dédié à l’univers du cabaret et de l’effeuillage burlesque.

Pour sa toute première édition, le samedi 2 mai 2026, le Centre de Congrès Impérial à Annecy accueillera cet événement imaginé et dirigé par Mlle Loison, fondatrice d’Olala Party.

Pensé comme une grande soirée immersive mêlant spectacle et bal dansant, Le Grand Olala réunira des artistes français et internationaux autour de deux temps fort :

• 20h – 22h : spectacle “Le Grand Olala 2026”, présenté par George Bangable (Crazy Horse Paris)
• 22h – minuit : grand bal dansant accompagné par le groupe live Mademoiselle Faustine

Une programmation artistique plurielle

Au fil de la soirée, les artistes proposeront un univers riche et multidisciplinaire, mêlant :

• danse cabaret
• acrobatie sur chaise
• effeuillage burlesque
• drag
• chant
• roller dance
• danse d’éventails
• humour

Entre glamour, audace et performance, Le Grand Olala promet une soirée spectaculaire, festive et raffinée, pensée comme une véritable célébration du cabaret contemporain.

Le Grand Olala : un spectacle qui célèbre l’audace et la liberté artistique

Au-delà de la performance, Le Grand Olala affirme une identité artistique forte.

La soirée s’inscrit dans une vision contemporaine du cabaret, où créativité, exigence et liberté d’expression se rencontrent. Chaque numéro devient un espace d’exploration, un terrain de jeu où les artistes suggèrent, détournent et surprennent.

L’effeuillage burlesque y est envisagé comme une discipline scénique à part entière, à la croisée de la danse, du théâtre et du mime. Plus qu’un art du dévoilement, il devient un langage artistique porté par la mise en scène, le regard et le costume.

Entre élégance et impertinence, Le Grand Olala célèbre une scène inclusive, audacieuse et libre.

Les piliers de l’expérience

Une esthétique spectaculaire.
Costumes somptueux, strass, plumes, jeux de lumière composent un univers visuel inspiré des grandes traditions du cabaret, revisité avec une sensibilité contemporaine.

Un spectacle visuel et narratif

Chaque numéro dépasse la simple performance technique pour devenir un récit. Les artistes jouent avec les codes du cabaret, détournent les attentes et explorent des formes d’expression multiples, entre poésie, humour et théâtralité.

Une célébration des genres et de la créativité

La scène accueille des artistes aux univers singuliers, qui utilisent le burlesque comme un véritable langage artistique. Les esthétiques se croisent, les identités s’expriment et la créativité s’affirme sans contrainte.

Un esprit festif et immersif

Plus qu’un spectacle, Le Grand Olala propose une expérience. Le public est invité à plonger dans une atmosphère vibrante, où la frontière entre scène et salle s’efface au profit d’un moment collectif.
Le public est invité à se vêtir de paillettes et plonger dans un moment hors du temps et festif.

PROGRAMME

19h : Ouverture des portes : bar et petite restauration / Stands Créateurs.
20h : Les lumières se tamisent pour laisser place au spectacle “Le Grand Olala 2026″
22h : La soirée se poursuit ensuite avec Le Grand Bal dansant accompagné par la musique live du groupe Mademoiselle Faustine jusqu’à minuit.

Mlle Loison, une artiste qui fait vivre l’univers du cabaret depuis 2009

La soirée est imaginée et dirigée par Mlle Loison (Émilie Loison), artiste, directrice artistique et metteuse en scène, fondatrice de la compagnie et école Olala Party, référence dans la transmission des arts du cabaret depuis 2009.

Depuis plus de quinze ans, elle développe un univers artistique singulier, à la croisée de la scène, de la pédagogie et de la création. À travers Olala Party, elle accompagne femmes et hommes dans l’exploration du cabaret et la création de numéros, en mettant au cœur de son approche la présence scénique, l’expression personnelle et l’émancipation artistique.

Le projet du Grand Olala – Annecy Burlesque Festival s’inscrit naturellement dans cette trajectoire. Il est né de l’observation d’un intérêt croissant pour l’art du cabaret et du burlesque, mais aussi d’une volonté forte : créer un événement fédérateur, capable de réunir artistes confirmés, talents émergents et public curieux autour d’un rendez-vous artistique exigeant et accessible.

Annecy s’est imposée comme une évidence pour accueillir cette première édition. Portée par une dynamique culturelle forte et un cadre d’exception, la ville offre un écrin idéal pour faire émerger ce nouveau temps fort du cabaret contemporain.

Informations pratiques

• Le Grand Olala – Annecy Burlesque Festival ;
• samedi 2 mai 2026 ;
• Centre de Congrès de l’Impérial Palace – Annecy ;
• Informations : https://www.olalaparty.com/annecy-burlesque-festival-cabaret/.

En savoir plus

Site web : https://www.olalaparty.com/annecy-burlesque-festival-cabaret/

Face à cette réalité, des initiatives émergent pour permettre à ces jeunes de souffler, de se retrouver entre pairs et de vivre des expériences qui leur sont souvent difficiles d’accès. L’association Aidant.e.s en Auvergne propose ainsi des Ateliers Répit Théâtre, un programme de séjours et d’activités artistiques destiné aux jeunes aidants de 12 à 17 ans. L’objectif est simple mais essentiel : leur offrir un espace où ils peuvent prendre du recul sur leur quotidien, rencontrer d’autres jeunes vivant une situation similaire et découvrir le théâtre comme outil d’expression et de reconstruction.

Une jeunesse souvent invisible dans les politiques publiques

Les jeunes aidants restent encore peu visibles dans les politiques sociales et les représentations collectives.

Pourtant, leur rôle au sein de la famille peut être considérable. Certains participent aux soins médicaux, d’autres s’occupent des tâches domestiques ou veillent au bien-être d’un parent fragilisé.

Dans de nombreux cas, ces responsabilités s’ajoutent à la scolarité et à la vie d’adolescent, créant une pression importante.

Ces engagements familiaux peuvent affecter le temps libre, la réussite scolaire et la santé psychologique des jeunes concernés.

Ils peuvent également générer un sentiment d’isolement, notamment lorsqu’il est difficile de partager cette réalité avec leurs camarades ou leur entourage.

C’est précisément à ce carrefour entre responsabilité et adolescence que se situe l’initiative portée par l’association Aidant·e·s en Auvergne : proposer un cadre où ces jeunes peuvent se retrouver entre eux, partager leurs expériences et vivre des moments de respiration.

Un projet né d’une expérience de terrain

L’association Aidant·e·s en Auvergne a été fondée en janvier 2024 par Marie-Claire Chavaroche-Laurent, éducatrice spécialisée retraitée.

Sa carrière professionnelle a été consacrée à l’accompagnement des jeunes et des familles ainsi qu’à la formation à l’animation professionnelle.

Elle a notamment exercé comme directrice de séjours de vacances, éducatrice en psychiatrie infantile et directrice de crèche.

Depuis plusieurs années, elle anime également des rencontres destinées aux aidants adultes à Clermont-Ferrand.

Forte de cette expérience, elle a souhaité créer un dispositif spécifiquement dédié aux jeunes aidants, afin de leur proposer des espaces de répit et de rencontre adaptés à leur âge.

Après une première année d’expérimentation en 2025, l’association a choisi de poursuivre les séjours sous le label JADE, reconnu pour son action auprès des jeunes aidants.

Le théâtre comme espace de respiration et d’expression

Les Ateliers Répit Théâtre reposent sur un principe simple : utiliser la pratique artistique pour permettre aux jeunes aidants de prendre de la distance avec leur quotidien.

Le théâtre devient alors un outil d’expression, d’imagination et de rencontre.

Au cours des ateliers, les participants sont invités à créer des personnages, improviser des situations, inventer des histoires et explorer leur imaginaire. Le jeu théâtral offre un espace où l’on peut être quelqu’un d’autre pendant un moment, expérimenter différentes émotions et partager une expérience collective.

Ces ateliers visent à transformer le regard des jeunes sur leur quotidien d’aidants

Ces ateliers sont encadrés par une comédienne professionnelle qui accompagne les jeunes dans leur démarche artistique tout en veillant à leur bien-être et à leur sécurité affective.

L’objectif n’est pas de former des acteurs, mais de créer un cadre bienveillant où chacun peut s’exprimer à son rythme.

La pratique artistique permet également de transformer le regard porté sur la situation d’aidant.

En mettant à distance leur vécu à travers la création et le jeu, les jeunes peuvent trouver de nouvelles façons de comprendre et d’exprimer ce qu’ils traversent.

Deux séjours marquants pour vivre des vacances autrement

Le programme proposé par l’association s’organise autour de deux temps forts en 2026 , encadrés par des animateurs dont un titulaire de brevet de secourisme, une comédienne, une directrice.

Le premier séjour se déroulera du 5 au 12 avril 2026 aux Sables-d’Olonne, sur la côte vendéenne.

Les participants partiront en minibus pour une semaine de vacances mêlant ateliers de théâtre quotidiens et activités liées à l’environnement maritime,

L’objectif est de proposer un cadre dépaysant où les jeunes peuvent profiter de la mer, découvrir de nouvelles activités et partager des moments collectifs avec d’autres adolescents.

Le second séjour aura lieu du 17 au 21 juillet 2026 au Festival d’Avignon, l’un des rendez-vous majeurs du spectacle vivant en Europe.

Les jeunes y assisteront à plusieurs spectacles et participeront également à des ateliers de pratique théâtrale.

Le déplacement se fera en train, offrant l’occasion de vivre une expérience culturelle au cœur d’un événement artistique reconnu.

Ces deux séjours sont conçus comme des moments de respiration dans le parcours de jeunes qui portent souvent des responsabilités importantes au sein de leur famille.

Une continuité dans l’année pour créer un collectif

Au-delà des séjours ponctuels, l’initiative vise également à construire une dynamique durable entre les participants.

À partir de la rentrée scolaire, un atelier théâtre sera proposé un samedi par mois à Clermont-Ferrand, permettant aux jeunes de continuer à pratiquer avec la même comédienne et de retrouver les autres participants rencontrés lors des séjours.

Des sorties et moments de rencontre seront également organisés pour maintenir le lien entre les jeunes et prolonger l’expérience collective.

Cette continuité est essentielle pour éviter que les séjours ne restent des parenthèses isolées dans leur quotidien.

Aujourd’hui, il reste encore cinq places disponibles pour rejoindre le programme.

Une initiative reconnue et soutenue

Les premières expériences menées en 2025 ont montré l’intérêt du dispositif pour les participants.

Plusieurs jeunes ayant pris part aux premiers ateliers ont souhaité poursuivre l’aventure et participent à nouveau aux activités.

Les professionnels qui accompagnent ces adolescents – éducateurs, travailleurs sociaux ou soignants et les animateurs – observent également des évolutions positives : davantage d’aisance à l’oral, une meilleure confiance en soi et un sentiment d’appartenance à un groupe.

Le projet bénéficie par ailleurs d’une reconnaissance institutionnelle, notamment à travers les subventions qui soutiennent son développement.

L’association Aidant·e·s en Auvergne est reconnue d’intérêt général depuis août 2025, ce qui lui permet notamment d’établir des reçus fiscaux pour les donateurs.

Vers un projet destiné aux jeunes adultes aidants

L’initiative ne s’arrête pas aux adolescents. Les responsables du projet envisagent déjà une extension du dispositif pour les jeunes adultes.

L’objectif est de proposer, dès l’été prochain, un projet destiné aux jeunes aidants âgés de 18 à 25 ans, notamment autour d’un séjour au Festival d’Avignon.

Cette continuité permettrait aux participants devenus majeurs de poursuivre l’expérience artistique et collective initiée pendant l’adolescence.

À plus long terme, les jeunes eux-mêmes pourraient contribuer à définir les nouvelles orientations du projet, selon leurs envies et leurs besoins.

Au-delà de l’expérience artistique, les Ateliers Répit Théâtre mettent en lumière une réalité encore peu visible : celle des jeunes aidants.

En offrant à ces adolescents un espace pour se rencontrer, s’exprimer et partager des moments de vacances, l’initiative cherche à reconnaître leur engagement familial tout en leur permettant de vivre pleinement leur jeunesse.

Dans un contexte où les questions de solidarité familiale et de santé publique occupent une place croissante dans le débat social, ces expériences rappellent l’importance de soutenir celles et ceux qui, parfois très jeunes, participent déjà à l’équilibre de leur famille.

En savoir plus

Site internet : https://www.aidants-auvergne.com/fr/

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