Image : une des énigmes de la pièce

Certains textes disent immédiatement où ils veulent conduire le spectateur. D’autres avancent à bas bruit, installent des gestes, des silences et des conversations apparemment anodines, avant de faire vaciller ce qui semblait aller de soi.

Massacre appartient à cette seconde famille. Dans un hôtel isolé, deux femmes se retrouvent chaque soir dans un salon. Elles parlent. Elles attendent. Rien, en apparence, ne paraît devoir troubler ce rituel. Pourtant, derrière la simplicité extrême des échanges, quelque chose affleure peu à peu.

C’est cette écriture du trouble, entre quotidien et inquiétante étrangeté, que la Compagnie La Traverse a choisi de porter sur scène du 10 au 15 novembre 2026 au Théâtre de l’Opprimé, à Paris.

Mise en scène par Hervé Petit, Massacre est une pièce de Lluïsa Cunillé, figure reconnue de la dramaturgie catalane contemporaine, traduite par Laurent Gallardo avec le soutien de la Maison Antoine Vitez – Centre international de la traduction théâtrale.

Le spectacle prolonge plus de deux décennies de travail de La Traverse autour des écritures dramatiques espagnoles et catalanes.

Un hôtel isolé, deux femmes et un équilibre qui menace de rompre

Massacre est un huis clos.

Dans un hôtel isolé en montagne, deux femmes se rencontrent à un moment charnière de leur existence. Chaque soir, comme si elles accomplissaient un rituel dont elles seules connaissaient les règles, elles se retrouvent dans le salon.

Leurs mots sont simples. Leurs échanges semblent appartenir à l’ordinaire.

Pourtant, derrière cette banalité apparente s’installe progressivement un trouble.

Les conversations dévoilent, sans les expliquer totalement, des failles, des tensions et une part d’énigme.

Puis un homme arrive.

Cette apparition impromptue fait voler en éclats l’équilibre précaire qui s’était installé entre les deux femmes et déplace brutalement le regard porté sur ce qui précédait.

Les éditions Les Solitaires Intempestifs, qui ont publié le texte le 9 janvier 2020, présentent ainsi une pièce dans laquelle le spectateur glisse progressivement vers un thriller où les apparences deviennent incertaines.

Massacre avait été créé quelques jours plus tard, le 23 janvier 2020 au Studio-Théâtre de la Comédie-Française, dans une mise en scène de Tommy Milliot.

Faire entendre en France une voix singulière du théâtre catalan contemporain

Avec Massacre, La Traverse poursuit un parcours engagé depuis 2000 autour du répertoire théâtral espagnol, puis plus particulièrement des écritures contemporaines espagnoles et catalanes.

La rencontre avec le texte de Lluïsa Cunillé est née de plusieurs lectures de pièces contemporaines, mais aussi d’échanges nourris avec les acteurs de la diffusion de la culture catalane en France : notamment le représentant parisien de l’Institut Ramon Llull et le Centre d’études catalanes de Sorbonne Université.

Au fil de ce travail de recherche, Hervé Petit découvre une autrice très reconnue dans son pays mais encore relativement peu présente auprès du grand public français.

La Maison Antoine Vitez décrit Lluïsa Cunillé comme une personnalité importante du nouveau théâtre catalan, dont l’œuvre repose notamment sur un fort pouvoir de suggestion et sur une dramaturgie qui soustrait volontiers certains ressorts conventionnels du récit.

C’est précisément ce qui retient l’attention du metteur en scène : une pièce radicale dans sa construction tout en reposant sur une langue quotidienne, dépouillée et d’une grande simplicité apparente.

Un paradoxe qui traverse toute la pièce : il semble parfois ne presque rien se passer, alors même qu’une tension se construit sous chaque échange. Ci-dessous, un visuel du spectacle de la compagnie en 2016 sur une autre pièce catalane du grand auteur Josep M. Benet i Jornet, père du théâtre catalan contemporain.

“Deux femmes qui dansent” - Comédiennes : Béatrice Laoût et Catherine Perrotte

La traduction comme passage d’une scène théâtrale à une autre

Écrite à l’origine en catalan, Massacre est présentée dans la traduction française de Laurent Gallardo, publiée aux éditions Les Solitaires Intempestifs.

Cette traduction a bénéficié du soutien de la Maison Antoine Vitez – Centre international de la traduction théâtrale, avec laquelle Laurent Gallardo collabore notamment sur plusieurs textes du théâtre catalan contemporain.

Cette dimension rejoint directement l’histoire de La Traverse. La compagnie s’est progressivement spécialisée dans l’exploration d’œuvres théâtrales espagnoles, classiques puis contemporaines, avec une attention particulière portée aux textes encore peu connus en France et à leur traduction.

Hervé Petit, metteur en scène mais également comédien, a lui-même traduit plusieurs pièces espagnoles. Plusieurs de ces traductions ont été publiées aux Éditions de l’Amandier.

Pour Massacre, il poursuit ce travail de transmission en plaçant au centre de la mise en scène le texte et le jeu des acteurs : la tension ne repose pas sur l’accumulation d’effets, mais sur ce qui se dit, ce qui se devine et ce qui demeure en suspens.

“La Lutine” de Calderón de la Barca -Théâtre de L’Opprimé 2010 – Comédien Jean-Claude Fernandez (Cosme)

Un travail de compagnie construit autour des grands textes depuis plus de trois décennies

La Compagnie La Traverse développe depuis 35 ans un travail centré sur des textes à forte construction dramatique et sur la puissance de l’écriture.

Depuis 1992, 17 créations mises en scène par Hervé Petit ont été programmées à Paris, plusieurs ayant également connu des tournées.

La compagnie a notamment représenté la France au Festival international de théâtre classique d’Almagro, en Espagne.

Depuis 2000, son parcours s’est fortement orienté vers les dramaturgies espagnoles.

Cette ligne artistique lui a permis de nouer au fil du temps des relations avec les institutions espagnoles, des hispanistes ainsi qu’avec de nombreux enseignants d’espagnol. Certains enseignants ont déjà réservé des places pour les représentations de Massacre.

La compagnie a parallèlement développé de nombreuses actions culturelles, particulièrement auprès du public scolaire, avec notamment le soutien du Rectorat et de la DRAC : classes à PAC, résidences scolaires, lectures-spectacles, ateliers ou encore stages de formation pour comédiens.

Conventionnée de 2006 à 2016 par la Région Île-de-France au titre de la Permanence artistique et culturelle, La Traverse a également reçu au fil de ses créations le soutien de la Région Île-de-France, de la Ville de Paris, de la DRAC, de l’ADAMI, de la SPEDIDAM, de l’Ambassade d’Espagne ou encore du ministère espagnol de la Culture à travers l’INAEM.

En 2021, la Fondation pour la Mémoire de la Shoah a également soutenu la création du Cartographe.

Parmi les créations récentes figurent La Paix perpétuelle de Juan Mayorga, présentée au Théâtre de l’Épée de Bois en 2023, et Sous-sol de Josep M. Benet i Jornet, présenté au Théâtre de l’Opprimé en 2026.

“La Paix perpétuelle” de Juan Mayorga en 2023 – Comédiens David Decraene, Raphaël Mondon, Nicolas Thinot

Avec Massacre, sortir le théâtre catalan de son seul cercle d’initiés

Si La Traverse bénéficie d’une relation ancienne avec les enseignants, les hispanistes et un public familier du répertoire espagnol, Massacre entend précisément dépasser ce cercle.

Le spectacle s’adresse à un large public à partir de 13 ans, hispanisant ou non.

Cette nouvelle création marque ainsi la volonté de ne pas limiter le travail théâtral à la seule période de répétition ou de représentation : faire circuler le texte, susciter la curiosité et permettre une éventuelle reprise de ce spectacle, dont le nombre de représentations parisiennes restera limité.

En savoir plus

Site : https://hervepetit.wixsite.com/cie-la-traverse

Facebook : https://www.facebook.com/compagnielatraverse/

C’est ce que Beelinda observe depuis 30 ans.

Fondatrice d’Orient Danse, elle transmet la danse orientale depuis 1996 et a progressivement élargi son travail au corps, au mouvement, à la respiration et aux sensations.

En 2026, elle donne une identité plus claire à cette évolution : Orient Danse devient « École de Danse Orientale & Accompagnement Corporel et Sensoriel ». La danse orientale reste son cœur historique et la principale porte d’entrée du grand public.

Mais autour d’elle se dessine désormais une approche plus large, avec une idée centrale : accompagner chacun non pas pour le transformer, mais pour lui permettre d’évoluer à partir de ce qu’il est déjà. 

30 ans de danse, et une évidence qui s’est dessinée avec le temps

L’histoire d’Orient Danse commence en 1996, à Aulnay-sous-Bois. Pendant trois décennies, Beelinda enseigne, transmet et observe.

Et derrière l’apprentissage de la danse orientale, elle voit progressivement apparaître autre chose.

Apprendre un mouvement suppose de trouver ses appuis. De ressentir son corps. De coordonner geste et respiration. D’oser prendre sa place. De développer une expression qui ne ressemble pas nécessairement à celle de la personne d’à côté.

La danse reste de la danse. Mais ce qu’elle mobilise peut aller au-delà de la technique.

Cette observation nourrit progressivement le parcours de Beelinda. En 2017, elle clarifie son positionnement et structure des outils transversaux issus de son expérience.

En 2026, elle franchit une étape supplémentaire : mettre sous une même bannière ce qu’elle développe depuis des années autour de la danse, du corps, du mouvement, des sensations et de l’accompagnement.

D’où cette nouvelle identité : École de Danse Orientale & Accompagnement Corporel et Sensoriel.

Ici, pas de transformation promise : on commence par ce qui est déjà là

C’est le principe qui relie toutes les activités d’Orient Danse.

Beelinda ne propose pas un modèle auquel chacun devrait parvenir. Elle part au contraire de la personne : son histoire, son corps, sa respiration, ses sensations, son vécu, ses ressources, ses envies et ses possibilités.

Autrement dit, pas de « nouvelle version de soi » à fabriquer.

L’idée est plutôt d’accompagner une progression depuis un point de départ propre à chacun : mieux comprendre, expérimenter, intégrer, mobiliser ses ressources et avancer à son rythme.

Cette approche permet à Orient Danse d’accompagner des projets très différents :

• Personnels, autour notamment du corps, de l’expression, de la confiance ou de l’estime de soi ;
• Artistiques, lorsqu’il s’agit de développer une pratique ou un projet ;
• Professionnels, selon les objectifs et le contexte ;
• Collectifs, à travers des interventions et partenariats auprès d’entreprises, associations, collectivités, institutions ou autres structures.

Une règle demeure : Orient Danse intervient en complémentarité avec les dispositifs et professionnels concernés, et non à leur place.

La danse en premier… mais pas forcément pour tout le monde

Pour le grand public, le chemin le plus évident reste celui qui existe depuis les débuts : la danse orientale.

Le cours collectif du dimanche à Aulnay-sous-Bois demeure ainsi l’offre principale pour les nouvelles participantes.

Mais l’élargissement d’Orient Danse permet désormais plusieurs portes d’entrée. Selon la personne, le projet et l’objectif, le travail peut aussi commencer par la SophroDanse Orientale®, la sophrologie, le sophrocoaching ou la Danse Mouvement Thérapie.

À cela s’ajoutent différentes propositions développées au sein de l’écosystème : Arabian Danse Energy pour une pratique plus dynamique autour de l’entraînement et de l’expression ; Maestria Premium pour certains projets d’évolution ; mais aussi des cours particuliers, accompagnements et interventions auprès de structures.

Le principe reste volontairement souple : ce n’est pas la personne qui doit entrer dans un parcours prédéfini ; c’est le parcours qui se construit à partir d’elle.

A.E.I.O.U.® : mettre une méthode derrière l’expérience

Pour donner un socle commun à cette approche, Beelinda a structuré au fil de son expérience la Méthode A.E.I.O.U.®.

Son nom résume cinq dimensions :

• Ancrage, pour revenir au corps, aux appuis et à la présence ;
• Éveil, pour développer la perception des sensations ;
• Intégration, pour inscrire progressivement l’expérience et les apprentissages ;
• Ouverture, pour explorer de nouvelles possibilités de mouvement, d’expression et d’évolution ;
• Unification, pour mettre en lien le corps, les sensations, le mouvement et l’expression.

La méthode constitue ainsi le fil transversal entre les différentes facettes du projet. Ses protocoles et modalités internes restent réservés aux formations dédiées.

En savoir plus

Site web : https://www.beelinda.com

Facebook : https://www.facebook.com/beelindaofficiel/

Instagram : https://www.instagram.com/beelindaofficiel/

La méthode AEIOU Sophro danse orientale en vidéo : https://www.youtube.com/@beelindaofficiel

Quand les portes du Musée Jacquemart-André se referment, la soirée ne fait que commencer. Dans le silence retrouvé des salons, les œuvres, les voix et les regards se rencontrent autrement.

Depuis 2021, Opera a Palazzo Paris imagine une autre manière de vivre l’opéra, au plus près des artistes et dans des lieux où le patrimoine devient partie intégrante du spectacle.

Pour sa nouvelle saison, cette aventure parisienne ouvre un nouveau chapitre. Le partenariat avec le Musée Jacquemart-André se prolonge pour quatre années supplémentaires et s’enrichit de nouvelles propositions.

Désormais, les visiteurs pourront prolonger leur soirée Opera a Palazzo par une découverte de l’exposition temporaire en cours. Une invitation à composer sa soirée autrement, au gré des expositions qui se succéderont au fil des saisons.

Pour cette nouvelle édition, le public pourra découvrir Éternel Tintoret avant de retrouver La Traviata ou Rigoletto de Verdi dans les salons du musée.

Une même soirée, un même lieu, et de nouvelles façons de faire dialoguer les arts.

Rigoletto

De Venise à Paris, une dramaturgie sans scène ni distance

À Opera a Palazzo, l’opéra se vit autrement. Rien n’est frontal : il ne se déroule pas face à un public immobile, mais se déploie autour de lui, avec lui, parfois presque à travers lui. Dans les salons du Musée Jacquemart-André, les artistes apparaissent, disparaissent, réapparaissent ailleurs. Le spectateur se déplace, se rapproche, recule et choisit instinctivement la distance à laquelle il souhaite recevoir l’émotion. Cette proximité transforme l’écoute : une respiration devient audible, un frémissement de voix prend une densité nouvelle, et l’intensité dramatique naît moins de la projection que de la présence.

Cette approche trouve son origine à Venise, où Marie-Laure de Bello-Portu et Armand Cohen découvrent Musica a Palazzo, dont l’intensité de la rencontre entre artistes et spectateurs le marque profondément. De retour à Paris, il fonde Opera a Palazzo Paris en 2021, avec l’ambition d’inscrire cette relation renouvelée à l’opéra dans des lieux patrimoniaux parisiens, en collaboration avec une équipe artistique française. De la Fondation Dosne-Thiers à la Monnaie de Paris, puis à la Fondation Simone et Cino del Duca, le projet s’est construit au fil de lieux emblématiques avant de s’installer au Musée Jacquemart-André.

Rigoletto

Une nouvelle expérience combinée : l’opéra en dialogue avec « Éternel Tintoret »

À partir de septembre 2026, les spectateurs pourront enrichir leur soirée Opera a Palazzo d’une découverte de l’exposition temporaire Éternel Tintoret.

Première grande rétrospective française consacrée à Tintoret, elle réunit une quarantaine d’œuvres majeures retraçant la carrière de l’artiste et mettant en lumière l’influence considérable qu’il a exercée sur l’histoire de l’art européen.

La formule « Soirée Opéra + Exposition » permettra aux détenteurs de cette offre d’accéder à l’exposition dès 19h30, avant la représentation, dans le cadre d’une visite réservée à une jauge limitée. Cette ouverture privilégiée offrira une découverte plus intime des œuvres, pour une immersion progressive dans l’univers du Musée Jacquemart-André avant de retrouver les artistes dans ses salons.

Au fil de la soirée, deux grands maîtres italiens se retrouveront ainsi réunis dans un même lieu : Tintoret, figure majeure de la peinture vénitienne du XVIᵉ siècle, et Verdi, dont La Traviata et Rigoletto sont au cœur de la programmation d’Opera a Palazzo.

Tintoret, « Suzanne et les vieillards », 1557

La programmation 2026–2027 : La Traviata et Rigoletto

La nouvelle saison s’inscrit sous le signe de la continuité : La Traviata et Rigoletto, déjà présentées dans les salons du Musée Jacquemart-André, y font leur retour et rythment toute la saison.

La Traviata – Le public se retrouve au cœur de l’histoire de Violetta et d’Alfredo. Portée par trois chanteurs et un trio instrumental, cette adaptation resserrée sur les trois rôles principaux – mise en scène de Patrizia Di Paolo, costumes du Nicolao Atelier de Venise – a été primée à l’Argus Angel Award.

Rigoletto – Les spectateurs deviennent les invités du Duc de Mantoue et suivent les personnages d’un salon à l’autre, au plus près de l’intrigue et des émotions. Interprétée par cinq chanteurs accompagnés d’un trio instrumental, cette adaptation immersive fait de l’hôtel particulier du XIXᵉ siècle le décor naturel du drame.

La Traviata

Les artistes

Chanter à quelques mètres du public n’autorise aucun repli : ni fosse, ni recul, ni amplification. Le format exige des interprètes une précision de tous les instants, et c’est sur ce critère que s’est constituée, saison après saison, la troupe d’Opera a Palazzo – des jeunes talents et des voix déjà installées, réunies par le même goût du chant en présence. Beaucoup partagent leur temps entre ces salons et les grandes maisons, des Chorégies d’Orange à La Scala de Milan ou au Gran Teatre del Liceu de Barcelone. Comme les distributions changent d’une date à l’autre, deux soirées ne se ressemblent jamais tout à fait.
Découvrez les artistes d’Opera a Palazzo et leurs biographies sur notre site :  https://opera-palazzo.com/les-artistes/

Une structure solide pour porter une expérience singulière

Derrière Opera a Palazzo Paris, se trouve Music Opera Events, filiale de Musique & Opéra, spécialiste de la musique classique depuis plus de 30 ans. À la fois agence de réservation de concerts, opéras, ballets et festivals, agence de voyages et tour-opérateur, Musique & Opéra accompagne les passionnés de musique classique à travers le monde, notamment via son site music-opera.com.

Opera Palazzo en chiffres

+ 100 soirées publiques
15 soirées privées
3 galas
2 soirées du Nouvel An
+ 8 000 spectateurs

INFORMATIONS PRATIQUES

Lieu : Musée Jacquemart-André, 158 boulevard Haussmann, Paris 8ᵉ
Saison 2026–2027 : du 19 septembre 2026 au 26 juin 2027
Tarifs : à partir de 255 €

Réservations : opera-palazzo.com

Pour retrouver l’ensemble des dates, horaires, tarifs et informations pratiques de la saison, rendez-vous sur opera-palazzo.com.

Contact Presse

Opera a Palazzo – contact@opera-palazzo.com

Marion Barba

marion.barba@opera-palazzo.com

+33 1 47 05 74 61

En savoir plus

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La plateforme offre deux modes de rémunération, l’un et l’autre en violation des règles de droit.

• Le paiement « au cachet » : LiveArts se prétend employeur sans en assumer les obligations (convention collective bafouée, contrats et bulletins de salaire non conformes, et absence de lien de subordination). LiveArts organise ainsi un portage salarial, strictement interdit pour engager des artistes du spectacle.

• Le paiement « sur facture » : La plateforme pousse les artistes vers le statut d’« artiste-entrepreneur » et offre une solution de fortune à tous les organisateurs qui ne souhaitent pas assumer le rôle d’employeur. La pérennisation d’un tel système est source de grand danger pour la protection des artistes. En effet, le principe de la présomption de salariat permet de garantir aux artistes un accès à une protection sociale, un système de retraite et des indemnités de chômage adaptés à leur activité (l’intermittence du spectacle).

En tout état de cause, ces paiements sur facture ne sont pas correctement assumés par LiveArts, et le SAMVA dénonce de nombreux retards de paiement.

Dans les deux cas, LiveArts n’est ni producteur ni diffuseur de spectacle, mais un simple intermédiaire qui s’enrichit au détriment des artistes.

À cela s’ajoute une tarification dérisoire : LiveArts impose des prix particulièrement bas (par exemple, 200 € pour trois artistes et deux heures d’animation), sans rapport avec le travail fourni et incompatible avec une juste rémunération.

Cette ubérisation du métier est aussi inutile que dangereuse : le GUSO (Guichet Unique du Spectacle Occasionnel) devrait déjà permettre à toute maison de retraite d’employer un artiste et de lui verser un cachet, en toute légalité. En précarisant les artistes, c’est le lien social et culturel auprès de nos aînés que l’on sacrifie.

Les artistes n’ont jamais eu besoin d’une plateforme pour entrer dans les maisons de retraite. La loi est claire : celui qui se produit est présumé salarié. Nous ne laisserons pas une application transformer nos métiers en faux indépendants corvéables.

 Jean-Luc Icard, président du SAMVA CFE-CGC

Le SAMVA alerte les pouvoirs publics sur ces pratiques qui pénalisent les artistes et précarisent l’activité d’artiste et enjoint à LiveArts de procéder à la mise en conformité de son service.

À Nantes, le SC Club défend cette vision depuis douze ans.

Ce gentlemen’s club, dédié au strip-tease dans une ambiance festive, célèbre son anniversaire du 1er au 30 septembre 2026 avec une programmation placée sous le signe des « Arts du Cirque ».

Chaque soir, de 22 heures à 4 heures, dix artistes évolueront dans les espaces du club, entre démonstrations de pole dance, shows privés, scénographie thématique, cocktails, dégustations et animations organisées avec ses partenaires.

Un mois pour découvrir un lieu de charme qui assume pleinement sa vocation, tout en plaçant le spectacle et l’indépendance des danseuses au centre de son modèle.

Douze ans à donner une autre scène au strip-tease

Quand l’érotisme entre en piste

Pour son anniversaire 2026, le SC Club a choisi de s’approprier l’imaginaire des Arts du Cirque.

Le rapprochement s’impose naturellement. Comme les disciplines circassiennes, la pole dance repose sur la force, la souplesse, l’équilibre, la précision du geste et la capacité à capter le regard. Le thème permet également de jouer avec les notions de scène, de costume, de lumière et de mise en tension, particulièrement adaptées à l’univers du spectacle érotique.

Du 1er au 30 septembre, l’intérieur climatisé du club et sa terrasse seront décorés et animés autour de cet univers. Chaque soir, de 22 heures à 4 heures, douze danseuses proposeront leur propre interprétation de la thématique.

La programmation réunira notamment :

• Des spectacles de strip-tease sur les podiums ;
• Des démonstrations de pole dance ;
• Des shows privés dans les salons du club ;
• Une décoration inspirée des Arts du Cirque ;
• Des animations spéciales avec les partenaires de l’établissement ;
• Des cocktails et des dégustations ;
• Des temps musicaux et festifs tout au long de la soirée.

Cette mise en scène ne cherche pas à masquer la nature du lieu. Elle vient au contraire enrichir l’expérience d’un club de charme qui fait du corps, de la séduction et de la performance les principaux fils conducteurs de ses soirées.

Dix artistes au cœur de chaque soirée

Pendant le mois anniversaire, douze danseuses seront présentes chaque soir au SC Club. Leur travail constitue le cœur de la programmation.

Sur les podiums, elles proposeront des passages de strip-tease et des démonstrations de pole dance devant l’ensemble du public. Ces performances mêlent sensualité, maîtrise corporelle et expression artistique, chacune développant son propre univers, son rythme et sa relation avec la scène.

Des shows privés seront également proposés dans les salons de l’établissement. Plus intimistes, ils permettent aux visiteurs seuls ou aux couples de vivre un moment privilégié avec une artiste, dans le respect des règles du club et des limites posées par la danseuse.

Le public reste libre de composer sa soirée. Il peut assister aux spectacles collectifs, profiter du bar ou de la terrasse, échanger autour d’un verre, participer aux dégustations ou choisir une prestation privée. Cette diversité permet au SC Club d’accueillir aussi bien des habitués que des personnes peu familières de l’univers des clubs de charme.

Un lieu pour adultes, avec des règles sans ambiguïté

Le SC Club revendique clairement son positionnement dans le domaine du charme. Il tient cependant à distinguer le spectacle érotique de toute activité sexuelle.

Les relations sexuelles ne sont pas tolérées au sein de l’établissement. Les danseuses sont indépendantes et libres de choisir de travailler au club. Elles décident également des prestations qu’elles proposent et des limites dans lesquelles celles-ci se déroulent.

Le fonctionnement du lieu repose sur plusieurs principes :

• L’indépendance professionnelle des artistes ;
• Le respect de leur consentement et de leurs limites ;
• L’interdiction des relations sexuelles ;
• La sécurité des danseuses et de la clientèle ;
• L’application de règles de comportement précises ;
• La possibilité pour les artistes d’exercer sereinement leur activité.

Ces éléments sont essentiels pour comprendre le projet du SC Club. L’établissement ne cherche pas à effacer la dimension érotique de son activité, mais à l’inscrire dans un environnement encadré, dans lequel la danseuse reste maîtresse de sa performance.

Laurent Roué, trente ans dans l’univers du charme

Le SC Club a été créé par Laurent Roué, qui évolue dans le milieu du charme en France depuis les années 1990.

En ouvrant cet établissement à Nantes, il souhaitait s’inspirer des meilleurs gentlemen’s clubs américains et contribuer à donner ses lettres de noblesse au strip-tease français. Son projet reposait sur une idée simple : proposer un club pour adultes capable d’assumer sa sensualité sans négliger l’accueil, l’esthétique, la qualité des spectacles ni les conditions de travail des artistes.

Douze ans plus tard, cette orientation continue de structurer l’identité du lieu. Le SC Club se présente comme une adresse emblématique de la vie nocturne nantaise, reconnaissable à son ambiance feutrée, à son accueil chaleureux et personnalisé ainsi qu’à ses prestations haut de gamme.

Un mois pour franchir les portes d’un club de charme

Pour de nombreux visiteurs, entrer pour la première fois dans un gentlemen’s club peut encore susciter des interrogations. Quel public y rencontre-t-on ? Quelle place les couples y occupent-ils ? Comment se déroule une soirée ? Où s’arrête le spectacle et quelles règles encadrent les prestations ?

Le mois anniversaire constitue précisément un moment privilégié pour dépasser ces idées reçues. Grâce à sa thématique, à ses animations et à la diversité de ses rendez-vous, il permet de découvrir le club dans une ambiance particulièrement festive.

Le SC Club accueille des hommes seuls, mais aussi des groupes d’amis, des collègues et des couples. Sa clientèle principale est constituée d’hommes de plus de 30 ans, appartenant aux catégories socioprofessionnelles supérieures et vivant ou travaillant à Nantes et dans un rayon d’environ vingt kilomètres.

Tous viennent cependant rechercher une même chose : une parenthèse nocturne où le charme, le spectacle et la convivialité se rencontrent sans faux-semblants.

Informations pratiques

• Événement : 12e anniversaire du SC Club – « Les Arts du Cirque » ;
• Dates : du 1er au 30 septembre 2026 ;
• Horaires : chaque soir, de 22 heures à 4 heures ;
• Lieu : SC Club, 15 rue Fouré, 44000 Nantes .

En savoir plus

Site web : sc-club.com

La franchise : https://sc-club.com/franchise/

Facebook : https://www.facebook.com/SCClubNantes44

Instagram : https://www.instagram.com/nantesscclub/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/scclubfrance

La plateforme offre deux modes de rémunération, l’un et l’autre en violation des règles de droit.

• Le paiement « au cachet » : LiveArts se prétend employeur sans en assumer les obligations (convention collective bafouée, contrats et bulletins de salaire non conformes, et absence de lien de subordination). LiveArts organise ainsi un portage salarial, strictement interdit pour engager des artistes du spectacle.

• Le paiement « sur facture » : La plateforme pousse les artistes vers le statut d’« artiste-entrepreneur » et offre une solution de fortune à tous les organisateurs qui ne souhaitent pas assumer le rôle d’employeur. La pérennisation d’un tel système est source de grand danger pour la protection des artistes. En effet, le principe de la présomption de salariat permet de garantir aux artistes un accès à une protection sociale, un système de retraite et des indemnités de chômage adaptés à leur activité (l’intermittence du spectacle).

En tout état de cause, ces paiements sur facture ne sont pas correctement assumés par LiveArts, et le SAMVA dénonce de nombreux retards de paiement.

Dans les deux cas, LiveArts n’est ni producteur ni diffuseur de spectacle, mais un simple intermédiaire qui s’enrichit au détriment des artistes.

À cela s’ajoute une tarification dérisoire : LiveArts impose des prix particulièrement bas (par exemple, 200 € pour trois artistes et deux heures d’animation), sans rapport avec le travail fourni et incompatible avec une juste rémunération.

Cette ubérisation du métier est aussi inutile que dangereuse : le GUSO (Guichet Unique du Spectacle Occasionnel) devrait déjà permettre à toute maison de retraite d’employer un artiste et de lui verser un cachet, en toute légalité. En précarisant les artistes, c’est le lien social et culturel auprès de nos aînés que l’on sacrifie.

Les artistes n’ont jamais eu besoin d’une plateforme pour entrer dans les maisons de retraite. La loi est claire : celui qui se produit est présumé salarié. Nous ne laisserons pas une application transformer nos métiers en faux indépendants corvéables. 

— Jean-Luc Icard, président du SAMVA CFE-CGC

Le SAMVA alerte les pouvoirs publics sur ces pratiques qui pénalisent les artistes et précarisent l’activité d’artiste et enjoint à LiveArts de procéder à la mise en conformité de son service.

Dans ce village du Haut Beaujolais, le paysage ne sert pas de simple décor : il entre dans la partition.

Les samedi 19 et dimanche 20 septembre 2026, le JazzFest’ Chiroubles reviendra pour une troisième édition pensée comme une expérience musicale, visuelle et gustative.

Au programme : jazz Nouvelle-Orléans avec le New Orleans Syndicate, jazz vocal et world music avec Alfio Origlio « Nomades », puis gospel avec la chorale Amazing Singers.

Autour des concerts, le public retrouvera également des ateliers de live painting, une restauration du terroir proposée par des food trucks, une buvette et des dégustations de vins de Chiroubles.

Deux jours pour faire dialoguer une musique en perpétuelle évolution avec les arts de la vigne, la création visuelle et l’identité d’un territoire rural.

Jazz, vin, peinture : la signature d’un festival profondément beaujolais

Le JazzFest’ Chiroubles est un festival de jazz, de musiques émergentes, d’arts visuels et de vin. Il est né d’une volonté : redécouvrir le terroir de Chiroubles par la musique et faire du village un lieu de rencontre entre plusieurs cultures.

Celle du jazz, d’abord, avec son histoire, ses improvisations et sa capacité à se réinventer. Celle de la vigne, ensuite, façonnée depuis des siècles par des vignerons travaillant sur les vallons et les pentes granitiques du Beaujolais. Celle des arts visuels, enfin, qui trouvent dans le live painting un espace de création immédiate, au contact de la musique et du public.

Le projet repose sur plusieurs lignes fortes :

• Proposer une programmation culturelle exigeante au cœur d’un territoire rural ;
• Réunir musique, peinture, vin et gastronomie dans une même expérience ;
• Valoriser l’appellation Chiroubles, les producteurs et les prestataires locaux ;
• Préserver une atmosphère à taille humaine, ouverte à tous les publics ;
• Inscrire l’événement dans une démarche éco-responsable.

Le festival entend ainsi attirer aussi bien les amateurs de musique que les passionnés de vin, d’art, de patrimoine et de gastronomie. Il porte l’ambition de devenir le premier événement associant jazz, arts visuels et vin en Beaujolais.

Samedi soir : la place du village prend le rythme de La Nouvelle-Orléans

Le samedi 19 septembre, le Clos Georges Durand, sur la place du village, accueillera la première soirée.

Le New Orleans Syndicate ouvrira le festival avec un jazz Nouvelle-Orléans porté par l’improvisation, les cuivres et l’énergie collective.

La soirée se poursuivra avec Alfio Origlio « Nomades », à la croisée du jazz vocal et de la world music.

Deux univers pour faire entendre un jazz à la fois fidèle à son histoire et ouvert aux influences, aux voyages et aux métissages.

Dimanche matin : le gospel fait vibrer l’église

Le dimanche 20 septembre, le festival changera de lieu et d’atmosphère.

La chorale Amazing Singers investira l’église de Chiroubles pour un concert de gospel. Après l’effervescence du samedi soir, les voix et les harmonies offriront un moment plus intérieur.

Du Clos Georges Durand à l’église, Chiroubles devient ainsi la véritable scène du festival.

Quand les pinceaux improvisent avec les musiciens

Des ateliers de live painting compléteront la programmation musicale.

Le public pourra voir des œuvres se créer en direct, au rythme des concerts. Couleurs, matières et gestes répondront ainsi aux improvisations des musiciens.

Cette rencontre entre musique et arts visuels constitue l’une des signatures du JazzFest’, qui souhaite devenir le premier événement associant jazz, peinture et vin en Beaujolais.

Le terroir s’invite dans les assiettes et dans les verres

Au JazzFest’, la découverte se poursuit autour des produits du territoire.

Des food trucks proposeront une restauration du terroir, complétée par une buvette et des dégustations de vins de Chiroubles. Ces rendez-vous prolongeront les concerts en créant des espaces de convivialité et d’échange.

Le vin occupe une place centrale dans l’identité du festival. Chiroubles fait partie des douze appellations reconnues du Beaujolais. Entre montagnes, vallons et pentes granitiques, ses vignerons façonnent un terroir dont le festival souhaite faire entendre et comprendre la singularité.

Musique, peinture et dégustation participent ainsi d’un même récit : celui d’un village qui invite le public à découvrir son patrimoine autrement.

Faire entendre une culture d’excellence loin des grandes scènes urbaines

Le JazzFest’ porte également une ambition territoriale. En implantant un festival de jazz et de musiques émergentes dans une zone rurale relativement isolée, son équipe défend un accès plus large à la culture.

L’événement ne cherche pas à reproduire les codes d’un grand rendez-vous métropolitain. Il construit son identité à partir de Chiroubles, de ses lieux et de ses ressources.

Cette proximité favorise une relation directe avec les artistes et une circulation entre des publics de tous horizons. Le festival accorde par ailleurs une attention particulière à la mise en avant des femmes musiciennes et chanteuses dans sa programmation.

Une organisation accordée au tempo local

L’éco-responsabilité constitue l’une des valeurs structurantes du projet. Elle se traduit notamment par :

• Le recours à des prestataires locaux ;
• La valorisation des circuits courts ;
• La présence des vins de Chiroubles ;
• Une attention portée au recyclage ;
• L’implication des acteurs et bénévoles du territoire.

Le développement du festival est ainsi pensé en cohérence avec son environnement. Son rayonnement ne doit pas se faire au détriment de son identité, mais au contraire renforcer la visibilité de Chiroubles et du Beaujolais.

Une philosophie résumée par sa signature : « So green, so wine, so groovy, tellement Chiroubles ! »

Olivier Depardon, un compositeur revenu faire vibrer son village

Le JazzFest’ est porté par Olivier Depardon, compositeur de musique à l’image originaire de Chiroubles.

Ingénieur télécom de formation, il étudie à l’American School of Modern Music à Paris, crée le groupe électro-pop Doune, puis devient compositeur professionnel en 2011.

Il signe des bandes originales pour des films et documentaires diffusés sur Arte, Canal+ et France Télévisions. Il est également membre définitif de la SACEM et membre du Bureau de l’Union des Compositrices et Compositeurs.

« Ma principale motivation était d’offrir au site magnifique de Chiroubles, perdu entre vignobles et montagnes, un festival de qualité, une expérience sensorielle et artistique unique et quoi de plus beau et magique que la musique Jazz pour résonner dans cet endroit ! », déclare-t-il.

Il porte le projet avec Frédéric Bésème, ancien maire de Chiroubles, ainsi qu’avec Philippe Charpenel, régisseur, et Nathalie Depardon, responsable des bénévoles.

Les 19 et 20 septembre, Chiroubles jouera sa propre partition

Pour sa troisième édition, le JazzFest’ Chiroubles poursuivra la construction d’un rendez-vous indissociable de son territoire.

Du jazz Nouvelle-Orléans au gospel, de la world music au live painting, du vin aux produits du terroir, chaque proposition contribuera à une même ambition : faire circuler les cultures et donner à découvrir Chiroubles sous un nouveau rythme.

Infos pratiques

Quand ? 19 & 20 septembre 2026

Où ? Le Bourg – Jeu de Boule et Eglise, 69115 Chiroubles

Billetterie : https://yp.events/b08b8790-c17f-48fc-bb00-0c10db95730c/JAZZFEST-CHIROUBLES-2026

En savoir plus

After-movie 2024 : https://www.youtube.com/watch?v=0jFJVDpnzYM

Site web : http://www.jazzfest-chiroubles.fr

Facebook : https://www.facebook.com/jazzfestchiroubles

Instagram : https://www.instagram.com/jazzfest_chiroubles/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/101167962/admin/feed/posts/

Gilbert Laffaille appartient à cette famille d’auteurs-compositeurs-interprètes dont l’univers se reconnaît à une écriture précise, une poésie sans surcharge et une musicalité profondément personnelle.

Contraint de stopper ses tours de chant pour des raisons de santé, Gilbert Laffaille laisse son public face à une absence de scène. C’est à partir de cette nouvelle que Marc Caballero a décidé de créer Gilbert Laffaille Reprises : un concert unique consacré à une partie de son répertoire, pensé comme un geste de transmission plus que comme un simple hommage.

La singularité du projet tient notamment à la réunion, pour cette occasion, de plusieurs musiciens intimement liés à l’histoire artistique de Gilbert Laffaille. Marc Caballero sera accompagné de Michel Haumont, Gilles Michel et Jack Ada, qui ont spontanément accepté de prendre part à cette aventure musicale. Christine Caballero participera également au concert.

Guitariste de renom, Jack Ada a été de toutes les aventures aux côtés de Gilbert Laffaille et de Michel Haumont. Sa participation, désormais confirmée, permet de réunir à nouveau toute l’équipe pour cette occasion exceptionnelle.

Ensemble, ils feront réentendre ces chansons dans une forme intimiste, respectueuse et vivante.

Reprendre Laffaille sans l’imiter : l’art délicat du pas de côté

Reprendre Gilbert Laffaille demande une approche particulière. Son répertoire ne se prête pas à la démonstration. Il exige de laisser les mots respirer, de ne pas forcer l’émotion, de préserver cette élégance qui tient souvent dans un détail : une inflexion, un silence, une ligne mélodique, une phrase qui semble simple mais qui reste.

Marc Caballero aborde ces reprises avec une intention claire : ne pas se substituer à l’artiste, mais faire circuler une œuvre qui continue de compter pour son public. Le concert se construit donc autour de trois principes :

• La fidélité à l’esprit des chansons, sans volonté de les transformer artificiellement ;
• La proximité avec le public de Gilbert Laffaille, premier destinataire du projet ;
• La sobriété d’interprétation, portée par une voix douce et intimiste.

Cette voix, Marc Caballero la présente avec lucidité : elle n’est pas puissante, mais elle possède un timbre doux, adapté à une chanson de proximité. Cette caractéristique devient ici un atout : elle permet d’approcher le répertoire par la nuance, la délicatesse et la confidence.

Michel Haumont, Jack Ada et Gilles Michel : quand les anciens compagnons de scène rallument la mémoire musicale

La présence de Michel Haumont, Jack Ada et Gilles Michel confère au concert une dimension essentielle. Ils ne sont pas de simples musiciens invités : ils sont les passeurs d’une mémoire musicale, directement liés à l’histoire scénique et artistique de Gilbert Laffaille.

Leur participation apporte au projet :

• Une connaissance intime de l’univers musical de Gilbert Laffaille ;
• Une continuité naturelle avec l’esprit de ses concerts ;
• Une profondeur artistique que ne pourrait offrir une reprise déconnectée de son histoire.

Leur adhésion spontanée donne au projet une force particulière. Elle inscrit ce concert dans une forme de prolongement naturel : les chansons ne sont pas seulement rejouées, elles retrouvent les musiciens et les sensibilités qui les ont accompagnées de l’intérieur.

Le retour de Jack Ada complète aujourd’hui cette réunion exceptionnelle. Toute l’équipe est ainsi reformée afin de faire revivre, le temps d’une soirée, l’émotion et la complicité musicale qui ont marqué tant de concerts.

Marc Caballero, un passeur issu de la chanson française de texte

Marc Caballero est lui-même auteur-compositeur. Présent sur YouTube à travers des clips et des captations de concerts, il inscrit son parcours dans une tradition de chanson française attentive aux mots et aux mélodies. Ses inspirations vont de Maxime Le Forestier à Henri Salvador, en passant par Louis Chedid et d’autres artistes qui ont façonné une chanson française exigeante, humaine et mélodique.

Son lien avec Gilbert Laffaille remonte à sa découverte de l’artiste lors des Hotnany, organisés à l’époque au Centre Américain, boulevard Raspail, à Paris. Ce premier contact artistique a laissé une trace durable : Marc Caballero a été marqué par la finesse des textes, la poésie de l’œuvre et les choix musicaux de Gilbert Laffaille.

Avec ce concert, il ne cherche donc pas à s’approprier un répertoire, mais à le faire circuler à nouveau. Il devient passeur d’une œuvre qu’il admire, en assumant une interprétation personnelle mais respectueuse.

Un concert unique pour celles et ceux qui gardent ces chansons en mémoire

L’ambition est volontairement ciblée : toucher principalement le public de Gilbert Laffaille. Un public probablement âgé de plus de 50 ans en moyenne, attaché à une chanson française où le texte, l’interprétation et la musicalité occupent une place centrale.

Ce concert unique propose un rendez-vous rare : celui d’un public avec des chansons qu’il connaît, qu’il a peut-être entendues sur scène, et qu’il pourra redécouvrir dans une forme nouvelle, mais respectueuse.

Le projet trouve son intérêt dans cet équilibre :

• Assez fidèle pour ne pas trahir l’univers de Gilbert Laffaille ;
• Assez personnel pour ne pas devenir une imitation ;
• Assez vivant pour faire de la reprise un moment de scène à part entière.

Informations pratiques

Concert — Reprises du répertoire de Gilbert Laffaille avec Marc Caballero, Christine Caballero, Michel Haumont, Gilles Michel et Jack Ada ;

• Quand ? Le 8 octobre à 20h30 ;
• Où ? Auditorium Maurice Ravel - 62, avenue Georges Clemenceau – Le Perreux-sur-Marne ;
• Tarifs : 10 € tarif réduit / 10 € par téléphone / 15 € sur place ;
• Contact – Téléphone : 06 85 05 54 21 // Facebook : https://www.facebook.com/marc.caballero.336.

En savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/marc.caballero.336?locale=fr_FR

Piaf, Brel, Dalida, Aznavour, Gréco, Gainsbourg, Ferré, Barbara, Chevalier ou Trenet n’ont pas seulement chanté Paris : ils ont laissé derrière eux des adresses, des atmosphères, des fragments d’époque.

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier réunit ses visites, croisières et concerts pour faire redécouvrir ce Paris musical, entre anecdotes, interprétation a cappella et lieux emblématiques.

Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux de Paris et de la Chanson Française !

Paris en chansons, un nouveau nom pour relier les lieux, les voix et les époques

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier donne une cohérence à plusieurs créations développées au fil des années : la visite Montmartre en chansons, la croisière Guinguettes en chansons sur la Marne avec RiverCat, les concerts autour du Paris de Piaf, et une nouvelle visite lancée en 2026, Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Le projet repose sur un principe fort : faire découvrir Paris non par ses seuls monuments, mais par les artistes qui ont marqué ses quartiers, ses cabarets, ses caves, ses cafés et ses rives. Chaque parcours associe récit, anecdotes, adresses emblématiques et interprétations chantées a cappella et parfois accompagnées à l’accordéon.

Une proposition culturelle entre patrimoine, musique et expérience vivante

Paris en chansons s’adresse autant aux visiteurs qu’aux habitants curieux de redécouvrir la capitale autrement. L’approche n’est ni celle d’un simple tour touristique, ni celle d’un concert classique : elle se situe au croisement de la visite culturelle, du récit biographique et de la performance vocale.

Chaque expérience permet de suivre un fil différent :

• Montmartre, la Butte des cabarets, d’artistes emblématiques et de la bohème populaire ;
• Saint-Germain-des-Prés, quartier des caves, du jazz, de l’existentialisme et des voix de l’après-guerre ;
• la Marne, territoire des guinguettes, des dimanches chantants et d’un imaginaire festif francilien ;
• la scène, avec les concerts consacrés notamment à l’univers de Piaf.

L’ensemble compose une cartographie musicale de Paris, à la fois populaire, historique et incarnée.

Saint-Germain-des-Prés en chansons, la nouveauté 2026

Le lancement de Paris en chansons s’accompagne d’une nouvelle création : Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Cette visite s’intéresse à l’un des quartiers les plus chargés de mémoire musicale et intellectuelle de la capitale. Au lendemain de la guerre, Saint-Germain-des-Prés devient le territoire d’une jeunesse en quête de liberté, d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de chanteurs. Dans les caves où résonnent jazz et chansons se retrouvent Juliette Gréco, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Charles Aznavour, Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Marcel Mouloudji, Cora Vaucaire, mais aussi de nombreux jazzmen américains.

Le parcours traverse des lieux associés à cette histoire : l’église Saint-Germain-des-Prés, le Café de Flore, Les Deux Magots, le pont des Arts, la Monnaie de Paris ou encore Saint-Sulpice. Anne-Sophie Guerrier y raconte les adresses, les rencontres, les nuits, les débuts, puis interprète les chansons qui ont marqué le quartier.

“Les feuilles mortes”, “Dis, quand reviendras-tu ?”, “La Javanaise” ou “Il n’y a plus d’après” deviennent les repères d’une promenade qui ne se limite pas à l’évocation nostalgique. Elle restitue un moment culturel précis, celui d’un Paris d’après-guerre où la chanson dialogue avec la littérature, le jazz et les idées.

Montmartre en chansons, la genèse de l’aventure

Avant Paris en chansons, il y a Montmartre en chansons. Cette visite reste au programme et constitue le socle du projet.

À travers les ruelles de la Butte, Anne-Sophie Guerrier guide les visiteurs sur les traces d’Édith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Dalida et de nombreux artistes ayant vécu ou séjourné à Montmartre.

Le parcours fait découvrir les lieux emblématiques du quartier : les vignes, les moulins, le Mur des “je t’aime”, le Sacré-Cœur, les anciens cabarets, mais aussi des passages plus secrets et des recoins bucoliques.

À chaque étape, le récit se prolonge par une chanson : “La vie en rose”, “La complainte de la butte”, “Sous le ciel de Paris”, “La Bohème”… Le quartier n’est pas traité comme un décor figé, mais comme un lieu de création, de débuts difficiles, de rencontres et de légendes populaires.

Guinguettes en chansons, la Marne comme mémoire populaire

En 2024, Anne-Sophie Guerrier décline son concept sur la Marne avec Guinguettes en chansons, une croisière musicale développée avec RiverCat.

À bord, accompagnée par l’accordéoniste Yann Cotty, elle fait revivre l’esprit des guinguettes, ces lieux de fête qui ont longtemps animé les bords de Marne. Le bateau longe notamment Chez Gégène et évoque des établissements aujourd’hui disparus comme Chez Jullien ou le Casino du Viaduc.

Le répertoire rend hommage à Maurice Chevalier, Charles Trenet, Bourvil, Jean Gabin, Lucienne Delyle, Damia ou Fréhel, avec des chansons telles que “Ah ! Le petit vin blanc”, “Quand on s’promène au bord de l’eau”, “La java bleue” ou “À Joinville-le-Pont”.

Anne-Sophie Guerrier, créatrice d’un univers musical parisien

Le projet porte la marque du parcours d’Anne-Sophie Guerrier. Installée à Paris depuis plus de dix ans, elle vit à Montmartre, quartier d’artistes pour lequel elle a eu un véritable coup de cœur.

Chanteuse professionnelle, elle débute en 2019 dans les couloirs du métro parisien en tant que Musicienne du métro. En 2020, la pandémie l’empêche de poursuivre cette activité. Elle chante alors dans la rue et découvre la difficulté d’enchaîner un répertoire complet sans micro ni accompagnement.

De cette contrainte naît une forme originale : alterner refrains et anecdotes sur les artistes liés à Montmartre. Après de longues recherches sur leur vie et leur empreinte dans le quartier, elle construit un circuit autour des lieux où ils ont vécu et se sont produits.

En août 2021, elle lance Montmartre en chansons. Ce premier succès ouvre la voie aux créations suivantes.

De la rue aux scènes internationales

Le parcours d’Anne-Sophie Guerrier connaît aussi plusieurs prolongements artistiques.

En janvier 2024, elle représente la région Île-de-France au Grand Concours des Régions, diffusé en prime-time sur France 3. Sa manière de remettre au goût du jour la chanson réaliste et l’univers des guinguettes séduit Cyril Féraud et le jury. Cette exposition accompagne la naissance de Guinguettes en chansons.

Lors d’une visite à Montmartre, elle rencontre ensuite Guillaume Cardot, chef de l’Orchestre d’harmonie de Clermont-Ferrand. Ensemble, ils créent le concert Le Paris de Piaf, joué à guichets fermés à la Maison de la Culture de Clermont-Ferrand avec 75 musiciens. Face à l’accueil rencontré, le concert est décliné en duo et en quatuor. Il tourne aujourd’hui dans plusieurs villes en France, en Belgique et en Allemagne.

Ces créations scéniques donnent une autre dimension à Paris en chansons : le projet ne se limite pas aux parcours dans la ville, il se prolonge aussi sur scène, avec la même volonté de faire vivre le répertoire dans un rapport direct au public.

Une manière plus intime de redécouvrir Paris

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier rassemble les différentes facettes de son travail : la voix, la recherche, la transmission, la rue, la scène, les quartiers et la mémoire populaire.

Le projet s’adresse aux amoureux de Paris, aux passionnés de chanson française, aux visiteurs de passage comme aux habitants qui souhaitent poser un autre regard sur des lieux familiers. Il propose une expérience où l’on écoute autant que l’on regarde, où la chanson devient un outil de lecture de la ville.

En donnant une unité à ses visites, croisières et concerts, Anne-Sophie Guerrier affirme une démarche singulière : faire de Paris non pas un décor, mais un répertoire vivant.

En savoir plus

Vidéo de présentation : https://www.youtube.com/watch?v=5hOq-F5CjTA

Le site internet : https://www.parisenchansons.com

Facebook : https://www.facebook.com/annesophieguerrier

Instagram : https://www.instagram.com/annesophie.guerrier/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/annesophie-guerrier/

Avant même d’entrer en scène, Monsieur Wish installe un univers. Il ne parle pas, ou presque. Il observe, mime, improvise, déclenche la surprise.

Dans une époque où les contenus doivent capter l’attention en quelques secondes, son humour visuel possède un avantage rare : il se comprend partout, sans traduction.

Derrière ce personnage inspiré de Mr Bean, il y a Sand Wish, créateur de contenu, performeur et humoriste visuel français.

Devenu viral sur TikTok avec plus de 1,2 million d’abonnés et des vidéos dépassant les 50 millions de vues, il rassemble aussi une communauté sur Snapchat, Instagram et Twitch, tandis qu’un projet YouTube est en cours.

Déjà suivi par près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, Monsieur Wish prépare désormais une nouvelle étape internationale, notamment en Chine, où il est invité par l’agence MCN Top Agency à Hefei.

Quand Mr Bean rencontre TikTok, une ressemblance devient métier

Originaire de Normandie et aujourd’hui basé entre Épernay et ses nombreux voyages, Sand Wish a longtemps entendu la même remarque : il ressemblait naturellement à Mr Bean. Enfant déjà, il amuse son entourage en reproduisant les expressions, la démarche, le coucou, la voix et le célèbre “hey low” du personnage.

Pendant la période du Covid, alors qu’il vit plusieurs mois à Barcelone, il observe le succès de créateurs incarnant des personnages humoristiques sur les réseaux sociaux. À son retour en France, il décide de transformer cette ressemblance en véritable concept artistique. Il enfile le costume, publie ses premières vidéos, et le buzz est immédiat.

Monsieur Wish n’est pas seulement une imitation. C’est une vocation devenue personnage à plein temps : une figure vivante, immersive, construite pour le réel autant que pour les écrans.

Le rire sans sous-titres, la signature Wish

La force de Monsieur Wish tient à son silence.

Sans prononcer un mot, Sand Wish construit des situations comiques fondées sur le regard, le décalage, la précision gestuelle et l’improvisation. Une hésitation, une réaction, une entrée dans le champ, une rencontre avec un passant suffisent à créer un moment.

Ce langage visuel donne au personnage une portée rare. Il peut être compris par un enfant, un adulte, un public français, européen, asiatique ou américain. L’humour ne dépend ni d’une langue, ni d’un texte, ni d’un contexte culturel complexe.

Ce qui fait la singularité de Monsieur Wish :

• Une ressemblance naturelle et spontanée avec Mr Bean ;
• Un humour visuel, familial et intergénérationnel ;
• Une présence immersive, aussi forte hors caméra que sur les réseaux ;
• Une capacité à transformer des interactions simples en moments mémorables ;
• Une forte viralité sur TikTok ;
• Une communauté internationale en pleine expansion.

Monsieur Wish ne cherche pas seulement à faire rire. Il crée une scène autour de lui. Le public ne regarde plus seulement une vidéo : il entre dans l’action, filme, réagit, pose, partage.

L’événement comme terrain de jeu grandeur nature

Si TikTok l’a propulsé, Monsieur Wish prend toute sa dimension sur le terrain. Il intervient dans des fêtes foraines partout en France, des salons, foires événementielles, inaugurations, boîtes de nuit, clubs, événements privés, anniversaires, mariages et soirées à thème.

Sur place, il devient le “mème” vivant de l’événement : celui que l’on repère, que l’on filme, que l’on veut croiser. Il déambule, improvise, surprend les visiteurs, danse, anime et crée une ambiance immédiatement identifiable.

Ses prestations reposent sur une mécanique simple et efficace :

• Déambulation en interaction directe avec le public ;
• Photos, selfies et vidéos TikTok, Reels ou Snapchat ;
• Improvisations humoristiques ;
• Distribution de peluches Teddy ;
• Animations dansantes et moments participatifs.

L’intérêt pour les organisateurs est double : créer une expérience chaleureuse sur place et générer un contenu visuel naturellement partageable.

La Mini et Teddy, les deux aimants de l’univers Wish

La Mini inspirée de Mr Bean, proposée en option, joue un rôle central. Immédiatement reconnaissable, elle attire les regards dès son arrivée et crée un effet de curiosité. En exposition statique ou intégrée à une déambulation, elle devient un point d’attraction visuel pour un centre commercial, un salon, un festival ou une entreprise.

Elle permet aussi de créer des souvenirs durables : photos de groupe, selfies, vidéos, contenus exploitables pour la communication de l’événement. Avec la Mini, le public ne voit plus seulement un sosie ; il entre dans une expérience complète.

Teddy complète cet imaginaire. Distribué pendant certaines prestations, il apporte une dimension affective très appréciée des enfants comme des adultes. Ensemble, le costume, la voiture et Teddy forment une signature immédiatement lisible.

De Rednote à Hefei, l’humour Wish change d’échelle

Après la France, Monsieur Wish regarde désormais vers l’international. En Chine, la dynamique est déjà forte : près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, une invitation officielle par l’agence MCN Top Agency à Hefei, une tournée de création de contenu en préparation et plusieurs collaborations avec des productions chinoises à forte audience mondiale.

Cette étape confirme le potentiel de son registre comique : Monsieur Wish peut voyager sans perdre son efficacité. Là où beaucoup de concepts nécessitent traduction, adaptation ou repositionnement, son humour muet conserve sa force d’impact.

Vers un Monsieur Wish World Tour

Sand Wish souhaite aujourd’hui développer son personnage à l’échelle internationale, créer des collaborations avec des marques et événements majeurs, participer à des festivals populaires et renforcer sa présence médiatique en France comme à l’étranger.

Son ambition est aussi de lancer un véritable “Monsieur Wish World Tour” à travers la France, l’Europe, l’Asie et les États-Unis.

À la frontière du spectacle vivant, du contenu viral, de l’influence événementielle et de la culture populaire, Monsieur Wish s’impose comme une figure singulière du divertissement visuel moderne. Né d’une ressemblance, propulsé par TikTok, attendu en Chine, il raconte surtout une chose : le rire peut encore faire le tour du monde sans prononcer un mot.

En savoir plus

Site web : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ

Facebook : https://www.facebook.com/MonsieurWish/?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/monsieurwish/

Linkedin : https://fr.linkedin.com/in/sand-wish-b4b98328

TikTok : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ