Depuis près de dix ans, Théo Didier avance ainsi. À contre-courant des logiques d’exposition immédiate, il privilégie la scène, les rencontres et l’épreuve du public. Plus de 200 concerts, trois albums, une présence constante sur les territoires : son parcours raconte autant une ascension qu’un ancrage.

Et comme toute construction finit par atteindre un point de bascule. 2026 marque ce moment.

Dix ans après ses débuts en solo, l’artiste drômois dévoile Roulotte Orchestra, un album qui raconte un cheminement, un parcours.

Derrière ce nom, il y a à la fois un disque, un groupe et une manière de penser la musique : collective, mouvante, nourrie d’influences multiples. Un projet qui pose une question simple, mais décisive : Et si cette roulotte était sur le point d’embarquer toute la France ? 

Un album qui s’écoute comme on feuillette un carnet de route

Roulotte Orchestra ne cherche pas à impressionner par rupture. Il s’impose plutôt comme une continuité approfondie, une matière retravaillée à partir de ce qui a été vécu. On y retrouve les marqueurs de l’univers de Théo Didier : ce mélange de rock, de reggae, de funk et de chanson française.

Les morceaux semblent écrits pour affirmer une direction et relier des fragments : une origine géographique, des visages croisés sur la route, des moments de doute ou d’élan. Le Vercors n’est pas seulement un décor, il devient un point d’ancrage. Les amitiés, les amours, les questionnements sur la trajectoire personnelle s’entrelacent sans hiérarchie, comme si l’album refusait de choisir entre l’intime et le collectif.

Ce qui se dégage, au fil de l’écoute, c’est une forme de sincérité sans effet. L’écriture ne cherche pas à simplifier ni à dramatiser. Elle avance par touches, par images, parfois presque à bas bruit, laissant apparaître un artiste qui regarde son propre parcours sans filtre. Regarder d’où il vient pour comprendre où il va.

“Roulotte Orchestra” : derrière le nom, une manière de faire de la musique ensemble

Le titre de l’album pourrait laisser penser à un simple habillage. Il est en réalité au cœur du projet. Le Roulotte Orchestra, c’est d’abord une formation de scène, mais c’est surtout une manière de penser la création : un centre autour duquel gravitent des musiciens, un espace de circulation.

Sur scène comme en studio, chaque musicien amène avec lui un territoire, un savoir-faire. La basse de Louis Bilong, marquée par des expériences aux côtés de figures majeures des musiques africaines, installe une profondeur rythmique immédiate et irrésistible. La guitare électrique de Bob Darlet, nourrie de décennies de pratique dans les bals et les fêtes populaires, convoque une mémoire vivante des riffs et des solos, de Santana à Pink Floyd.

La batterie de Daniele Filoso introduit une tension particulière, entre traditions méditerranéennes et influences reggae, tandis que la guitare rythmique de Victor Papillon ouvre des échappées vers des sonorités espagnoles et sud-américaines.

Au milieu de cet ensemble, l’accordéon de Théo Didier ne cherche pas à dominer. Il relie, il tisse, il circule entre les registres. Et c’est peut-être là que se joue l’équilibre du projet : dans cette capacité à faire coexister des univers sans les lisser. Où chaque différence devient nuance et complémentarité.

Sur ce nouvel album, Théo invite à bord de sa roulotte plusieurs artistes, dont les figures locales Pep’s (Liberta) et Théo Bertrand (Plus Belle la Vie) sur le titre bien nommé « Le Vercors ».

Une musique façonnée par la scène, et non l’inverse

Chez Théo Didier, la scène n’est pas un prolongement du disque. C’est l’inverse. Depuis ses débuts en 2016, chaque étape s’est construite au contact du public. Le premier album, très acoustique, portait déjà cette logique : une écriture directe, éprouvée en concert.

Avec « Conscience Libre », puis avec l’album Live de 2022, cette relation s’est renforcée. Les morceaux évoluent, se transforment, parfois se réinventent d’un concert à l’autre. Ce rapport mouvant à la musique se retrouve dans « Roulotte Orchestra », qui semble avoir été conçu pour rester ouvert, pour continuer à vivre une fois sorti.

La tournée des dix ans, prévue en parallèle de la sortie, s’inscrit dans cette continuité. Elle ne vient pas “accompagner” l’album, elle en est l’une des formes, une variation. C’est d’ailleurs sur scène que le projet trouve sa pleine dimension, dans cette capacité à faire circuler l’énergie entre les musiciens et le public.

Derrière le mur, une idée simple : se construire sans se figer

La pochette de l’album met en scène un mur. L’image pourrait sembler qu’un simple habillage. Elle est en réalité plus ambivalente qu’il n’y paraît. Le mur, c’est ce qui enferme (les étiquettes, les attentes) mais c’est aussi ce qui soutient, ce qui permet de tenir.

Dans cette représentation, chaque pierre compte. Certaines sont régulières, d’autres non. Certaines viennent d’ici, d’autres d’ailleurs. L’ensemble n’est pas homogène, mais il tient. C’est une manière de raconter un parcours artistique : un assemblage d’expériences, de rencontres, d’influences qui, mises bout à bout, finissent par former une structure.

Cette lecture visuelle fait écho à la musique. Elle dit quelque chose d’essentiel : rien n’est construit d’un bloc. Tout s’ajoute, se déplace, s’ajuste. Où chacun est invité à ajouter sa pierre.

Du Vercors à une circulation plus large : changer d’échelle sans changer de méthode

Bien que Paris l’ait déjà remarqué (The Voice, concert pour les JO 2024), c’est en Rhône-Alpes que Théo Didier a forgé son identité artistique. Cette implantation locale n’est pas un hasard : elle est le résultat d’un travail de terrain, concert après concert.

Avec « Roulotte Orchestra », l’ambition évolue. L’enjeu n’est pas seulement de toucher davantage de public, mais aussi de faire circuler une musique qui s’est construite dans un contexte précis vers d’autres territoires. Il est temps de découvrir ce que cette musique a à offrir au reste de la France.

Cette perspective s’appuie sur plusieurs éléments : une expérience scénique solide, une formation musicale structurée et une identité artistique désormais lisible. Mais elle repose aussi sur une forme de pari : celui que cette musique, née d’un ancrage local, peut trouver une résonance partout ailleurs.
Bienvenu dans le « Roulotte Orchestra »

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Aujourd’hui, certaines initiatives cherchent à retrouver cette intensité première, non pas en simplifiant l’opéra, mais en en modifiant les conditions d’écoute.

À Paris, cette recherche trouve un terrain d’expression singulier dans les lieux patrimoniaux, où l’histoire et l’intimité des espaces offrent une autre acoustique, une autre relation au temps.

C’est dans cette dynamique que s’inscrit la deuxième édition du Festival Lyrique de Paris au musée Jacquemart-André, imaginée par Opera a Palazzo : du 2 au 11 juillet 2026, quatre soirées lyriques prennent place dans les salons de l’hôtel particulier, pour proposer une expérience où la musique ne se projette plus à distance, mais se vit dans une proximité immédiate, au croisement du répertoire, de l’architecture et du regard.

Les Nuits de l’Opéra : quatre soirées pour habiter la musique, du 2 au 11 juillet 2026

Du 2 au 11 juillet 2026, Les Nuits de l’Opéra au musée Jacquemart-André donnent rendez-vous au public pour une deuxième édition construite autour de quatre soirées distinctes, chacune pensée comme une traversée musicale et sensible du répertoire lyrique.

Porté par Opera a Palazzo en collaboration avec le musée Jacquemart-André, le festival s’installe dans les salons historiques de l’hôtel particulier pour proposer une expérience qui s’éloigne des formats traditionnels. Chaque soirée, d’une durée de 1h30, se déploie en deux parties équilibrées, séparées par un entracte de 30 minutes durant lequel les spectateurs accèdent librement aux collections du musée, accompagnés d’une coupe de champagne.

Le déroulé précis structure cette expérience :

• 19h30 : ouverture des portes ;
• 20h00 : première partie du concert ;
• 20h45 : entracte – visite libre et champagne ;
• 21h15 : deuxième partie ;
• 22h00 : fin du concert ;
• 22h30 : fermeture du musée.

Pensées pour accueillir à la fois amateurs d’opéra et publics curieux, ces soirées reposent sur un format volontairement resserré, où la proximité avec les artistes redéfinit la perception de la musique. Loin d’une succession d’airs, chaque programme est conçu comme un récit, articulé autour d’une thématique forte.

Ici, l’opéra ne se regarde pas : il circule, il frôle, il atteint

Dans les salons du musée Jacquemart-André, l’opéra abandonne ses distances habituelles. Les artistes évoluent dans le même espace que le public, sans séparation scénique marquée.

Ce choix modifie profondément la réception :

• La voix se déploie sans intermédiaire, portée uniquement par l’accompagnement au piano ;
• Chaque nuance, chaque respiration devient perceptible ;
• L’émotion s’inscrit dans une relation directe, presque immédiate.

Le spectateur ne se situe plus face à une représentation, mais au cœur d’une situation musicale. Cette proximité transforme l’écoute en expérience sensible, où la musique ne traverse pas seulement l’espace, mais engage une perception plus fine, plus incarnée.

Musée Jacquemart-André : un lieu habité qui ne se contente pas d’accueillir, mais qui répond

Le musée Jacquemart-André ne sert pas de simple écrin. Il agit comme un espace actif, presque réactif, où la musique trouve un prolongement naturel.

Ancienne demeure d’Édouard André et de Nélie Jacquemart, le lieu conserve une organisation pensée pour recevoir l’art dans une forme d’intimité maîtrisée. Les salons, les perspectives, les collections ne sont pas dissociés : ils composent un ensemble cohérent, où chaque élément dialogue avec les autres.

Lorsque les voix s’y déploient, elles ne s’ajoutent pas au décor. Elles s’inscrivent dans une continuité. Les œuvres peintes, les matières, les volumes deviennent autant de surfaces de résonance, visibles ou invisibles.

L’entracte prolonge cette relation. En circulant dans les salles, le spectateur ne quitte pas vraiment la musique. Il la retrouve autrement, dans le silence des œuvres, dans la lenteur du regard, dans cette impression diffuse que tout continue à vibrer.

Quatre nuits, quatre imaginaires lyriques

Chaque soirée explore une thématique spécifique, construite comme une progression dramatique.

Jeudi 2 juillet – Voyage lyrique en Italie : de Così fan tutte à L’Elisir
Un parcours entre Così fan tutte, Il barbiere di Siviglia, Don Carlos, Norma et L’Elisir d’amore, où alternent légèreté, virtuosité et expression des sentiments, prolongé par la Barcarolle d’Offenbach.

Samedi 4 juillet – Passions Italiennes : de Lucia di Lammermoor à Turandot 

Un programme centré sur les tensions émotionnelles du répertoire italien, de Don Pasquale et Lucia di Lammermoor à Turandot, en passant par Norma, La Bohème, et Madama Butterfly.

Jeudi 9 juillet – L’Espagne en opéra : Carmen et Don Giovanni
Une exploration des figures espagnoles à travers Carmen, Il barbiere di Siviglia ou Don Giovanni, enrichie par les univers de de Falla et Lara.

Samedi 11 juillet – Nuit Viennoise : de Mozart à Strauss
Une soirée dédiée à l’univers viennois, entre Mozart, Strauss, Lehár et Schubert, où opéra, opérette et lied se rejoignent.

Des artistes engagés dans une approche directe du chant

Les artistes invités se produisent sur des scènes françaises et internationales tout en s’inscrivant dans une démarche attentive aux formats immersifs.

Parmi eux :

• Emilie Rose Bry ;
• Armelle Khourdoïan ;
• Aurélie Loilier ;
• Mathilde Legrand ;
• Séraphine Cotrez ;
• Christophe Poncet de Solages ;
• Yu Shao ;
• Jiwon Song ;
• Marc Souchet.

À leurs côtés, Yuko Osawa, Katia Weimann et Philip Richardson assurent l’accompagnement musical.

Opera a Palazzo : faire basculer l’opéra du spectacle vers l’expérience vécue

Ce que propose Opera a Palazzo avec Les Nuits de l’Opéra ne relève pas d’un simple changement de décor. Il s’agit d’un déplacement plus profond, presque structurel, dans la manière d’envisager le rapport à l’opéra.

Depuis son lancement en 2021 par Armand Cohen et Marie-Laure de Bello-Portu, le projet s’inscrit dans une filiation assumée avec les soirées de Musica a Palazzo à Venise. Mais à Paris, il prend une coloration particulière : celle d’une ville où le patrimoine n’est pas seulement un cadre, mais une matière vivante, capable d’absorber et de transformer les formes artistiques.

Avec plus de 100 événements et près de 7 000 spectateurs accueillis, Opera a Palazzo a progressivement affirmé une ligne : réduire la distance sans réduire l’exigence. Ici, la proximité n’est pas un effet, c’est un engagement. Elle oblige les artistes à une précision accrue, et invite le public à une écoute plus active.

Les Nuits de l’Opéra au musée Jacquemart-André prolongent cette démarche en la densifiant. Le format du festival permet d’aller plus loin dans la construction des programmes, dans la cohérence des parcours, dans l’inscription de l’expérience dans un temps long — celui de la soirée, mais aussi celui du lieu.

L’ambition n’est pas de proposer une alternative aux grandes scènes, mais d’explorer un autre point d’équilibre : un espace où l’opéra ne s’impose pas par son ampleur, mais s’insinue par sa présence.

Informations Pratiques

Lieu : Musée Jacquemart-André, 158 Boulevard Haussmann, Paris 8ᵉ

Dates : 2, 4, 9 et 11 juillet 2026

Horaires : de 19h30 à 22h30

Tarifs :

• Catégorie 1 (deux premiers rangs) : 170 €

• Catégorie 2 : 140 €

• Catégorie debout au balcon : 38 €

Réservations : opera-palazzo.com

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Instagram : https://www.instagram.com/operapalazzo/

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Contacts Presse

Opera a Palazzo – contact@opera-palazzo.com

Culture Espaces – victoire.vauris@culturespaces.com

Avec Tangos aumentados, Fleurs Noires ouvre une nouvelle ère du tango. La mémoire argentine y rencontre l’écriture contemporaine, l’électronique et les formes immersives, dans un même élan de création. Ici, le tango ne se fige pas dans son héritage : il redevient une matière vivante, un champ d’expérimentation, de tension et de liberté.

Fondé en 2003 par Veronica Votti, Luciana Jatuff et Andrea Marsili, Fleurs Noires s’est imposé, entre Buenos Aires et Paris, comme une formation singulière du tango contemporain. L’ensemble s’inscrit dans un compagnonnage durable entre musiciennes et amies, nourri par l’écoute, la fidélité et une même exigence artistique. Depuis plus de vingt ans, il développe un travail de création continu, porté notamment par les compositions d’Andrea Marsili, où le tango dialogue avec le jazz, la musique contemporaine et des recherches sonores plus ouvertes.

Avec Tangos aumentados, cette trajectoire atteint aujourd’hui un point de maturité décisif. Conçu à partir des compositions d’Andrea Marsili, l’album approfondit un travail sur l’orchestre, l’électronique, les timbres et la circulation du son dans l’espace. Les pièces y associent un orchestre typique à son double virtuel préenregistré, nourri d’une écriture de synthèse élaborée à partir de matières sonores issues des gestes instrumentaux propres au tango. De cette superposition entre acoustique et électronique naît un jeu de miroirs, de déphasages et de complémentarités inédites, qui ouvre de nouvelles perspectives dans l’écriture contemporaine du genre. Plusieurs pièces prennent appui sur le dialogue entre la musique d’Andrea Marsili et les textes d’Omar Marsili. L’album réunit également plusieurs invités : Tomás Gubitsch, Mandy Lerouge, Aureliano Marin et Vanesa García, qui en renforcent l’architecture vocale, rythmique et sonore.

Au fil des années, Fleurs Noires a développé une démarche qui dépasse le seul cadre du concert. L’ensemble mène des actions de transmission et de médiation auprès de publics variés, dans les conservatoires, les écoles, les quartiers, mais aussi dans des lieux où la création musicale est rarement attendue. Il inscrit également son travail dans un dialogue avec d’autres formes, notamment la danse, la récitation et la scène. À travers la collaboration entre Andrea Marsili et Omar Marsili, dont les textes accompagnent plusieurs créations, se dessine une manière de faire du tango non seulement une forme musicale, mais aussi un espace de passage, de partage et de renouvellement.

En savoir plus

Site web : http://www.fleursnoires.org/

Dans l’imaginaire du spectacle vivant, le cabaret burlesque occupe une place singulière.

Héritier du music-hall et des grandes revues qui ont façonné la culture populaire, il mêle danse, théâtralité, humour, strass et esthétique spectaculaire. Depuis plusieurs années, cet univers connaît un nouvel essor à l’échelle internationale : festivals dédiés, écoles de burlesque et nouvelles scènes artistiques témoignent d’un regain d’intérêt pour un art où créativité, mise en scène et expression artistique se rencontrent.

Le cabaret burlesque attire aujourd’hui un public curieux de propositions immersives, sensible à l’esthétique rétro-glamour autant qu’à la liberté de ton qui le caractérise.

Le Grand Olala : une soirée burlesque à Annecy

C’est dans cette dynamique que s’inscrit Le Grand Olala, un nouveau rendez-vous annuel dédié à l’univers du cabaret et de l’effeuillage burlesque.

Pour sa toute première édition, le samedi 2 mai 2026, le Centre de Congrès Impérial à Annecy accueillera cet événement imaginé et dirigé par Mlle Loison, fondatrice d’Olala Party.

Pensé comme une grande soirée immersive mêlant spectacle et bal dansant, Le Grand Olala réunira des artistes français et internationaux autour de deux temps fort :

• 20h – 22h : spectacle “Le Grand Olala 2026”, présenté par George Bangable (Crazy Horse Paris)
• 22h – minuit : grand bal dansant accompagné par le groupe live Mademoiselle Faustine

Une programmation artistique plurielle

Au fil de la soirée, les artistes proposeront un univers riche et multidisciplinaire, mêlant :

• danse cabaret
• acrobatie sur chaise
• effeuillage burlesque
• drag
• chant
• roller dance
• danse d’éventails
• humour

Entre glamour, audace et performance, Le Grand Olala promet une soirée spectaculaire, festive et raffinée, pensée comme une véritable célébration du cabaret contemporain.

Le Grand Olala : un spectacle qui célèbre l’audace et la liberté artistique

Au-delà de la performance, Le Grand Olala affirme une identité artistique forte.

La soirée s’inscrit dans une vision contemporaine du cabaret, où créativité, exigence et liberté d’expression se rencontrent. Chaque numéro devient un espace d’exploration, un terrain de jeu où les artistes suggèrent, détournent et surprennent.

L’effeuillage burlesque y est envisagé comme une discipline scénique à part entière, à la croisée de la danse, du théâtre et du mime. Plus qu’un art du dévoilement, il devient un langage artistique porté par la mise en scène, le regard et le costume.

Entre élégance et impertinence, Le Grand Olala célèbre une scène inclusive, audacieuse et libre.

Les piliers de l’expérience

Une esthétique spectaculaire.
Costumes somptueux, strass, plumes, jeux de lumière composent un univers visuel inspiré des grandes traditions du cabaret, revisité avec une sensibilité contemporaine.

Un spectacle visuel et narratif

Chaque numéro dépasse la simple performance technique pour devenir un récit. Les artistes jouent avec les codes du cabaret, détournent les attentes et explorent des formes d’expression multiples, entre poésie, humour et théâtralité.

Une célébration des genres et de la créativité

La scène accueille des artistes aux univers singuliers, qui utilisent le burlesque comme un véritable langage artistique. Les esthétiques se croisent, les identités s’expriment et la créativité s’affirme sans contrainte.

Un esprit festif et immersif

Plus qu’un spectacle, Le Grand Olala propose une expérience. Le public est invité à plonger dans une atmosphère vibrante, où la frontière entre scène et salle s’efface au profit d’un moment collectif.
Le public est invité à se vêtir de paillettes et plonger dans un moment hors du temps et festif.

PROGRAMME

19h : Ouverture des portes : bar et petite restauration / Stands Créateurs.
20h : Les lumières se tamisent pour laisser place au spectacle “Le Grand Olala 2026″
22h : La soirée se poursuit ensuite avec Le Grand Bal dansant accompagné par la musique live du groupe Mademoiselle Faustine jusqu’à minuit.

Mlle Loison, une artiste qui fait vivre l’univers du cabaret depuis 2009

La soirée est imaginée et dirigée par Mlle Loison (Émilie Loison), artiste, directrice artistique et metteuse en scène, fondatrice de la compagnie et école Olala Party, référence dans la transmission des arts du cabaret depuis 2009.

Depuis plus de quinze ans, elle développe un univers artistique singulier, à la croisée de la scène, de la pédagogie et de la création. À travers Olala Party, elle accompagne femmes et hommes dans l’exploration du cabaret et la création de numéros, en mettant au cœur de son approche la présence scénique, l’expression personnelle et l’émancipation artistique.

Le projet du Grand Olala – Annecy Burlesque Festival s’inscrit naturellement dans cette trajectoire. Il est né de l’observation d’un intérêt croissant pour l’art du cabaret et du burlesque, mais aussi d’une volonté forte : créer un événement fédérateur, capable de réunir artistes confirmés, talents émergents et public curieux autour d’un rendez-vous artistique exigeant et accessible.

Annecy s’est imposée comme une évidence pour accueillir cette première édition. Portée par une dynamique culturelle forte et un cadre d’exception, la ville offre un écrin idéal pour faire émerger ce nouveau temps fort du cabaret contemporain.

Informations pratiques

• Le Grand Olala – Annecy Burlesque Festival ;
• samedi 2 mai 2026 ;
• Centre de Congrès de l’Impérial Palace – Annecy ;
• Informations : https://www.olalaparty.com/annecy-burlesque-festival-cabaret/.

En savoir plus

Site web : https://www.olalaparty.com/annecy-burlesque-festival-cabaret/

Face à cette réalité, des initiatives émergent pour permettre à ces jeunes de souffler, de se retrouver entre pairs et de vivre des expériences qui leur sont souvent difficiles d’accès. L’association Aidant.e.s en Auvergne propose ainsi des Ateliers Répit Théâtre, un programme de séjours et d’activités artistiques destiné aux jeunes aidants de 12 à 17 ans. L’objectif est simple mais essentiel : leur offrir un espace où ils peuvent prendre du recul sur leur quotidien, rencontrer d’autres jeunes vivant une situation similaire et découvrir le théâtre comme outil d’expression et de reconstruction.

Une jeunesse souvent invisible dans les politiques publiques

Les jeunes aidants restent encore peu visibles dans les politiques sociales et les représentations collectives.

Pourtant, leur rôle au sein de la famille peut être considérable. Certains participent aux soins médicaux, d’autres s’occupent des tâches domestiques ou veillent au bien-être d’un parent fragilisé.

Dans de nombreux cas, ces responsabilités s’ajoutent à la scolarité et à la vie d’adolescent, créant une pression importante.

Ces engagements familiaux peuvent affecter le temps libre, la réussite scolaire et la santé psychologique des jeunes concernés.

Ils peuvent également générer un sentiment d’isolement, notamment lorsqu’il est difficile de partager cette réalité avec leurs camarades ou leur entourage.

C’est précisément à ce carrefour entre responsabilité et adolescence que se situe l’initiative portée par l’association Aidant·e·s en Auvergne : proposer un cadre où ces jeunes peuvent se retrouver entre eux, partager leurs expériences et vivre des moments de respiration.

Un projet né d’une expérience de terrain

L’association Aidant·e·s en Auvergne a été fondée en janvier 2024 par Marie-Claire Chavaroche-Laurent, éducatrice spécialisée retraitée.

Sa carrière professionnelle a été consacrée à l’accompagnement des jeunes et des familles ainsi qu’à la formation à l’animation professionnelle.

Elle a notamment exercé comme directrice de séjours de vacances, éducatrice en psychiatrie infantile et directrice de crèche.

Depuis plusieurs années, elle anime également des rencontres destinées aux aidants adultes à Clermont-Ferrand.

Forte de cette expérience, elle a souhaité créer un dispositif spécifiquement dédié aux jeunes aidants, afin de leur proposer des espaces de répit et de rencontre adaptés à leur âge.

Après une première année d’expérimentation en 2025, l’association a choisi de poursuivre les séjours sous le label JADE, reconnu pour son action auprès des jeunes aidants.

Le théâtre comme espace de respiration et d’expression

Les Ateliers Répit Théâtre reposent sur un principe simple : utiliser la pratique artistique pour permettre aux jeunes aidants de prendre de la distance avec leur quotidien.

Le théâtre devient alors un outil d’expression, d’imagination et de rencontre.

Au cours des ateliers, les participants sont invités à créer des personnages, improviser des situations, inventer des histoires et explorer leur imaginaire. Le jeu théâtral offre un espace où l’on peut être quelqu’un d’autre pendant un moment, expérimenter différentes émotions et partager une expérience collective.

Ces ateliers visent à transformer le regard des jeunes sur leur quotidien d’aidants

Ces ateliers sont encadrés par une comédienne professionnelle qui accompagne les jeunes dans leur démarche artistique tout en veillant à leur bien-être et à leur sécurité affective.

L’objectif n’est pas de former des acteurs, mais de créer un cadre bienveillant où chacun peut s’exprimer à son rythme.

La pratique artistique permet également de transformer le regard porté sur la situation d’aidant.

En mettant à distance leur vécu à travers la création et le jeu, les jeunes peuvent trouver de nouvelles façons de comprendre et d’exprimer ce qu’ils traversent.

Deux séjours marquants pour vivre des vacances autrement

Le programme proposé par l’association s’organise autour de deux temps forts en 2026 , encadrés par des animateurs dont un titulaire de brevet de secourisme, une comédienne, une directrice.

Le premier séjour se déroulera du 5 au 12 avril 2026 aux Sables-d’Olonne, sur la côte vendéenne.

Les participants partiront en minibus pour une semaine de vacances mêlant ateliers de théâtre quotidiens et activités liées à l’environnement maritime,

L’objectif est de proposer un cadre dépaysant où les jeunes peuvent profiter de la mer, découvrir de nouvelles activités et partager des moments collectifs avec d’autres adolescents.

Le second séjour aura lieu du 17 au 21 juillet 2026 au Festival d’Avignon, l’un des rendez-vous majeurs du spectacle vivant en Europe.

Les jeunes y assisteront à plusieurs spectacles et participeront également à des ateliers de pratique théâtrale.

Le déplacement se fera en train, offrant l’occasion de vivre une expérience culturelle au cœur d’un événement artistique reconnu.

Ces deux séjours sont conçus comme des moments de respiration dans le parcours de jeunes qui portent souvent des responsabilités importantes au sein de leur famille.

Une continuité dans l’année pour créer un collectif

Au-delà des séjours ponctuels, l’initiative vise également à construire une dynamique durable entre les participants.

À partir de la rentrée scolaire, un atelier théâtre sera proposé un samedi par mois à Clermont-Ferrand, permettant aux jeunes de continuer à pratiquer avec la même comédienne et de retrouver les autres participants rencontrés lors des séjours.

Des sorties et moments de rencontre seront également organisés pour maintenir le lien entre les jeunes et prolonger l’expérience collective.

Cette continuité est essentielle pour éviter que les séjours ne restent des parenthèses isolées dans leur quotidien.

Aujourd’hui, il reste encore cinq places disponibles pour rejoindre le programme.

Une initiative reconnue et soutenue

Les premières expériences menées en 2025 ont montré l’intérêt du dispositif pour les participants.

Plusieurs jeunes ayant pris part aux premiers ateliers ont souhaité poursuivre l’aventure et participent à nouveau aux activités.

Les professionnels qui accompagnent ces adolescents – éducateurs, travailleurs sociaux ou soignants et les animateurs – observent également des évolutions positives : davantage d’aisance à l’oral, une meilleure confiance en soi et un sentiment d’appartenance à un groupe.

Le projet bénéficie par ailleurs d’une reconnaissance institutionnelle, notamment à travers les subventions qui soutiennent son développement.

L’association Aidant·e·s en Auvergne est reconnue d’intérêt général depuis août 2025, ce qui lui permet notamment d’établir des reçus fiscaux pour les donateurs.

Vers un projet destiné aux jeunes adultes aidants

L’initiative ne s’arrête pas aux adolescents. Les responsables du projet envisagent déjà une extension du dispositif pour les jeunes adultes.

L’objectif est de proposer, dès l’été prochain, un projet destiné aux jeunes aidants âgés de 18 à 25 ans, notamment autour d’un séjour au Festival d’Avignon.

Cette continuité permettrait aux participants devenus majeurs de poursuivre l’expérience artistique et collective initiée pendant l’adolescence.

À plus long terme, les jeunes eux-mêmes pourraient contribuer à définir les nouvelles orientations du projet, selon leurs envies et leurs besoins.

Au-delà de l’expérience artistique, les Ateliers Répit Théâtre mettent en lumière une réalité encore peu visible : celle des jeunes aidants.

En offrant à ces adolescents un espace pour se rencontrer, s’exprimer et partager des moments de vacances, l’initiative cherche à reconnaître leur engagement familial tout en leur permettant de vivre pleinement leur jeunesse.

Dans un contexte où les questions de solidarité familiale et de santé publique occupent une place croissante dans le débat social, ces expériences rappellent l’importance de soutenir celles et ceux qui, parfois très jeunes, participent déjà à l’équilibre de leur famille.

En savoir plus

Site internet : https://www.aidants-auvergne.com/fr/

Facebook : https://www.facebook.com/profile.php?id=61569734014850

Écrite par Céline Rotard Prineau et mise en scène par Hervé Petit, L’idéaliste Adélaïde sera jouée du 12 mars au 30 avril 2026 au Théâtre La Croisée des Chemins, à Paris. Une création théâtrale qui choisit la comédie pour rendre visibles les lignes de fracture qui traversent aujourd’hui les individus bien plus que les idéologies.q

Quand un plateau de théâtre se transforme en bureau d’études et champ de bataille idéologique

Dès l’ouverture, L’idéaliste Adélaïde installe un espace immédiatement reconnaissable : celui d’une petite entreprise de fabrication d’emballages en carton, « Luis Emball’ ». Un lieu clos, structuré par des bureaux, des ordinateurs, des prototypes, envahi de plantes vertes et de peintures, traversé par les bruits de la ville et de la circulation. Rien d’exceptionnel en apparence, et pourtant un terrain dramaturgique d’une grande richesse.

Le théâtre devient ici un lieu d’observation. Par le jeu des acteurs, par la circulation des corps et par la matérialité du décor, la pièce donne à voir comment des enjeux globaux (écologiques, industriels, politiques) s’invitent dans un quotidien professionnel ordinaire. Le plateau n’est pas un symbole abstrait : il est un espace de travail sous tension, où chaque geste, chaque parole, chaque silence prend une portée politique.

Découvrir un extrait de la pièce (étape de création sans le décor) : https://www.youtube.com/watch?v=lZflbh0dYug

Un futur proche comme ressort dramatique, pas comme décor de science-fiction

L’action se situe entre 2026 et 2035, dans un avenir immédiat où l’interdiction progressive des voitures thermiques et la généralisation de l’électrique bouleversent les équilibres existants. Ce choix temporel n’a rien de spectaculaire. Il agit comme un révélateur.

Chez « Luis Emball’ », l’approche d’un salon professionnel majeur cristallise les inquiétudes. Luis, le patron, espère enfin obtenir une reconnaissance symbolique avec l’un de ses nouveaux modèles d’emballage. Mais cette ambition se heurte à un contexte économique fragilisé par les mutations industrielles, les contraintes réglementaires et les transformations des modes de production.

La transition écologique n’est jamais traitée comme une abstraction. Elle pèse sur les décisions, sur les relations humaines, sur la survie même de l’entreprise. Elle devient un moteur dramaturgique à part entière.

Adélaïde, une héroïne théâtrale qui s’engage autrement

Adélaïde, dessinatrice industrielle, se distingue immédiatement des figures militantes attendues. Elle ne manifeste pas. Elle ne descend pas dans la rue. Elle ne se reconnaît pas dans l’agitation collective ni dans les slogans. Son engagement est intime, presque silencieux.

Elle peint.
Ses tableaux dénoncent les atteintes portées à la nature par la voiture thermique. Ils traduisent une colère contenue, un attachement viscéral au vivant, une inquiétude profonde face à la destruction des paysages. Lorsqu’elle apprend l’existence d’un concours de peinture sur le thème de la nature, elle s’y accroche comme à une possibilité de reconnaissance et d’expression.

La destruction accidentelle de ses toiles dans l’espace de travail agit alors comme un point de rupture. Ce qui était jusque-là intériorisé surgit sur scène. Le conflit ne se joue plus seulement dans les mots, mais dans les corps, les gestes, les choix.

La destruction des peintures : un point de non-retour dramaturgique

L’accident survient dans l’espace le plus banal : le bureau. Les peintures qu’Adélaïde avait transportées à vélo sont détruites malencontreusement par Luis. Ce geste involontaire agit comme une déflagration.
La pièce bascule alors dans un conflit ouvert, nourri par un échange frontal entre Adélaïde et Stéphane. Lui développe un discours politique structuré, évoquant les batteries, les métaux rares, les lobbies industriels, l’impérialisme économique et la responsabilité des gouvernements. Elle lui oppose une vision radicale, presque intransigeante, où la défense de la nature prime sur toute autre considération.

Ce dialogue, tendu, vif, parfois violent, constitue l’un des cœurs battants de la pièce. Il ne vise pas à trancher, mais à exposer l’impossibilité de concilier pleinement ces deux approches.

L’arbre comme prolongement du plateau : quand le théâtre déborde

Isolée, incomprise, privée du soutien de Babeth, Adélaïde accomplit un geste radical. Elle grimpe dans un arbre situé face aux fenêtres de l’entreprise et y expose ses peintures abîmées ainsi que son travail destiné au salon de l’emballage.
Ce moment suspend le temps. Le théâtre déborde du bureau, s’ouvre sur l’extérieur, convoque une image forte, presque burlesque et profondément poétique. L’arbre devient scène, manifeste silencieux, espace de résistance fragile.

Stéphane perçoit immédiatement la portée médiatique de ce geste et contacte des journalistes. Touché par l’audace et la folie d’Adélaïde, il la rejoint dans l’arbre, tentant de la faire redescendre. Ce face-à-face en hauteur donne au conflit une dimension nouvelle, à la fois intime et spectaculaire.

Quatre personnages, quatre trajectoires empêchées

Autour d’Adélaïde, la pièce compose un trio d’une grande finesse dramaturgique :

• Stéphane, nouvellement embauché, est très engagé pour plus de justice sociale. Il développe une parole politique structurée, évoquant les batteries, les métaux rares, les lobbies industriels, l’impérialisme économique et la responsabilité des gouvernements. Son discours, argumenté et radical, se heurte cependant à la lassitude et à l’impuissance.

• Luis, le patron, incarne une contradiction largement partagée. Il vit à la campagne, se revendique proche de la nature, possède des chevaux, mais roule en SUV et refuse les coûts économiques de la transition vers l’électrique ;

• Babeth, la commerciale, tente de maintenir un équilibre fragile entre loyauté professionnelle, pragmatisme et relations personnelles, jusqu’à être elle-même dépassée par les conséquences de ses choix.

La comédie naît de ces frictions constantes, de ces dialogues où chacun défend une part de vérité tout en révélant ses propres angles morts.

Le choix de la comédie : une nécessité dramaturgique

L’idéaliste Adélaïde assume pleinement la comédie comme forme. Le rire n’adoucit pas les enjeux, il permet de les rendre supportables, partageables, visibles. Il crée un espace où la tension peut circuler sans se figer en discours moralisateur.
La pièce préfère la friction à la démonstration, l’émotion au slogan, la situation vécue à l’argument théorique.

Une mise en scène qui laisse la matière envahir l’espace

Hervé Petit conçoit la mise en scène comme un dialogue constant entre le réel et le symbolique. Les plantes naturelles prennent progressivement possession du plateau, les peintures évoluent, se dégradent, se transforment, et les cartons d’emballage deviennent matière plastique et dramaturgique.
La bande sonore, composée de bruits urbains et de sons retravaillés, donne à entendre la ville comme un personnage invisible, oppressant, omniprésent.

Une écriture née d’un rapport charnel au monde

Le projet est profondément lié au parcours de Céline Rotard Prineau.

Née en région nantaise, élevée au contact des champs maraîchers de ses grands-parents, elle développe très tôt un rapport intime à la nature.

Comédienne depuis vingt-trois ans, elle mène une carrière mêlant théâtre, cinéma, télévision, doublage et radio. Très sportive, elle pratique la course à pied en compétition et participe en 2025 aux championnats de France du marathon et du semi-marathon. L’écriture de la pièce s’inscrit dans ce rapport au corps, à l’endurance, à la persévérance.

La voiture traverse son histoire personnelle de manière tragique, marquée par plusieurs décès liés à des accidents. Son arrivée à Paris, la violence de la circulation, transforment une peur ancienne en colère, puis en geste artistique. L’écriture de L’idéaliste Adélaïde commence en 2011, bien avant que le scénario mis en scène ne devienne une perspective crédible.

Infos pratiques

L’idéaliste Adélaïde

• Autrice : Céline Rotard Prineau ;
• Mise en scène : Hervé Petit ;
• Interprétation : Myriam Allais, Raphaël Mondon, Hervé Petit, Céline Rotard Prineau ;
• Lieu : Théâtre La Croisée des Chemins – 120 bis rue Haxo, 75019 Paris ;
• Dates : du 12 mars au 30 avril 2026 ;
• Jours et horaires : jeudis et vendredis à 19h ;
• Nombre de représentations : 15 ;
• Durée : 1h15 ;
• Production : DLM Productions.

En savoir plus

Site web : https://www.theatrelacroiseedeschemins.com/programmation/l’id%C3%A9aliste-ad%C3%A9la%C3%AFde

Facebook : https://www.facebook.com/celine.rotard?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/l_idealiste_adelaide/reels/

Linkedin : https://www.linkedin.com/in/c%C3%A9line-rotard-prineau-81a789291/

En France, elle concerne aujourd’hui près de 272 500 personnes et 25 000 nouveaux cas sont diagnostiqués chaque année. Derrière ces chiffres se cache une réalité beaucoup plus complexe et largement méconnue. L’âge moyen du diagnostic est de 58 ans, un moment de la vie où l’on travaille encore, où l’on élève des enfants, où l’on se projette. Plus encore, 17 % des personnes atteintes ont moins de 50 ans (source). Des femmes et des hommes jeunes, actifs, engagés socialement, qui doivent composer avec une maladie chronique tout en restant, aux yeux de la société, parfaitement « valides ».

Ces formes précoces de Parkinson bouleversent les repères habituels. Le corps se dérègle alors même que rien, extérieurement, ne semble l’annoncer. Les gestes se font incertains, la fatigue s’installe, les émotions se dérèglent, mais la maladie demeure souvent invisible, difficile à nommer, complexe à partager. Dans l’espace public, cette expérience reste largement absente, confinée aux cabinets médicaux et aux statistiques de santé, laissant peu de place à la parole de celles et ceux qui la vivent au quotidien.

C’est précisément ce silence que vient fissurer Fragments dopaminergiques, un voyage déjanté au cœur de Parkinson. Ce projet artistique et profondément humaniste choisit de raconter la maladie autrement, non pas à travers un discours explicatif, mais par la poésie, la scène et la présence incarnée de personnes directement concernées.

Porté par l’auteure du spectacle, Lili Saint Laurent, elle-même atteinte d’une forme précoce de la maladie, le spectacle donne à entendre Parkinson depuis l’intérieur, en poésie, dans toute sa complexité sensible.

Créé en 2019 et présenté au Théâtre de la Huchette, Fragments dopaminergiques revient à Paris pour deux nouvelles représentations les 24 et 25 mars 2026 à l’Espace Jemmapes, poursuivant une démarche de médecine narrative où l’art devient un espace de compréhension, de reconnaissance et de transformation du regard porté sur le handicap invisible.

Un spectacle-poème pour dire la maladie autrement

Fragments dopaminergiques n’est pas un spectacle au sens classique du terme. Il se présente comme une constellation de textes et de poèmes, fragments d’une vie bouleversée par la maladie de Parkinson, mis en voix et en espace avec une grande sobriété. Ici, la poésie ne sert pas à embellir le réel, mais à l’approcher au plus près, à dire l’indicible, à nommer les sensations, les peurs et les contradictions qui traversent les corps malades.

La mise en scène de Rémi Prosper choisit volontairement l’épure. Le plateau devient un lieu d’écoute et d’attention, où chaque mot compte, où chaque silence résonne. Les textes sont portés par Jean-Claude Drouot, ainsi que par Pierre Santini, dont les voix donnent chair à ces écritures intimes. À leurs côtés, deux personnes atteintes d’une forme précoce de la maladie de Parkinson sont présentes sur scène, affirmant un choix artistique fort : celui de ne pas déléguer la parole, mais de la partager.

Une captation de la représentation de 2019 est disponible en ligne et permet de saisir l’atmosphère particulière du spectacle, sa tension poétique et sa force émotionnelle :
https://youtu.be/5dwRUzGrO0o?si=3XUca11zKVMvH-7X

Quand la scène devient un espace de reconnaissance collective

Le spectacle s’adresse à des publics multiples. Aux personnes atteintes de la maladie de Parkinson et à leurs proches, qui y trouvent des mots capables de résonner avec leur propre vécu. Aux aidants, souvent relégués dans l’ombre, qui reconnaissent dans ces textes la complexité de leur place. Aux professionnels de santé, pour qui l’approche sensible et narrative ouvre une autre compréhension de la maladie. Mais aussi à un public plus large, sensible à la poésie, à la création contemporaine et aux enjeux sociétaux liés au handicap invisible.

Fragments dopaminergiques ne se contente pas de sensibiliser. Il crée un espace de reconnaissance mutuelle, où la maladie cesse d’être une abstraction médicale pour redevenir une expérience humaine partagée. En cela, le projet s’inscrit pleinement dans une démarche de médecine narrative, qui reconnaît la valeur des récits personnels comme outil de compréhension, de soin et de transformation du regard social.

Portrait – Lili Saint Laurent, écrire pour rester vivante

Lili Saint Laurent n’a jamais cherché à devenir porte-parole. Diagnostiquée d’une forme précoce de la maladie de Parkinson juste avant la quarantaine, elle se retrouve confrontée à un double choc : celui du corps qui se dérobe, et celui du silence qui entoure cette maladie lorsqu’elle touche des personnes encore jeunes. Très vite, elle constate que les récits disponibles ne lui ressemblent pas. La maladie y est souvent décrite comme une fin, une rupture définitive avec le monde social, professionnel et affectif.

En 2012, elle choisit une autre voie. Elle crée Fils de Park’s, d’abord sous la forme d’un blog, devenu depuis un site internet (https://filsdeparks.com/#home). Elle y écrit pour ne pas disparaître, pour ne pas se laisser enfermer dans un récit qui ne serait pas le sien. La poésie devient son outil principal : un langage capable de dire le corps, la colère, l’humour, la fatigue, mais aussi la joie et le désir de lien.

Résolument optimiste, sans jamais être naïve, Lili Saint Laurent utilise la création artistique comme un outil de résilience qu’elle partage avec d’autres. Elle écrit plus d’une cinquantaine de poèmes, dont les quinze premiers sont réunis dans le recueil Wanted, publié en auto-édition en 2016. Elle anime des lectures dans les hôpitaux, participe à des événements consacrés à la maladie de Parkinson, et intervient auprès de publics variés, convaincue que la méconnaissance est souvent à l’origine du rejet et de la stigmatisation.

De l’écriture intime à la scène : la naissance de Fragments dopaminergiques

C’est naturellement que l’univers de Fils de Park’s trouve un prolongement sur scène. En 2019, Lili Saint Laurent crée Fragments dopaminergiques avec le metteur en scène Rémi Prosper. Le spectacle est présenté au Théâtre de la Huchette, à Paris, et réunit lectures poétiques et témoignages incarnés.

À cette occasion, Lili Saint Laurent choisit de monter elle-même sur scène, aux côtés de Frédéric Bellanger, lui aussi atteint d’une forme précoce de la maladie de Parkinson. Ami proche, qu’elle décrit comme un « frère de combat », Frédéric Bellanger est engagé dans une démarche sportive qu’il considère comme essentielle dans son rapport à la maladie. Il a notamment organisé des défis sur home-trainer dans le hall de l’hôpital de Boulogne-sur-Mer. Sa présence sur scène, pédalant pendant le spectacle, prolonge cet engagement et donne à voir une autre manière d’habiter son corps malgré la maladie.

Une aventure collective portée par le théâtre

Le projet est porté par Lili Saint Laurent et par l’association Les Treize Desserts, dont la vocation est de conserver la mémoire d’hommes et de femmes de théâtre. Rémi Prosper et Murielle Charlot-Doré assurent la production, la mise en scène ainsi que la gestion technique et administrative du spectacle. Leur collaboration repose sur une amitié de longue date et un amour commun des mots et de la poésie.

Une démarche en résonance avec les politiques de santé publique

La démarche s’inscrit pleinement dans le cadre de la Stratégie nationale maladies neuro-dégénératives 2025–2030, portée par le ministère de la Santé, qui encourage une évolution du regard sur la maladie de Parkinson et une meilleure prise en compte de ses dimensions sociales, culturelles et humaines.

Deux nouvelles dates pour prolonger la rencontre

Les représentations des 24 et 25 mars 2026 à l’Espace Jemmapes s’inscrivent dans la continuité de la création de 2019. Elles pourraient permettre de toucher environ 200 spectateurs supplémentaires, contre 80 lors de la première représentation.

Pour accompagner cette nouvelle étape, une collecte de financement participatif par paliers sera lancée mi-janvier sur la plateforme Ulule. Le premier palier permettra l’organisation des deux représentations. Le second vise à dédommager correctement les comédiens, à déployer une communication adaptée et à réaliser une captation professionnelle du spectacle. Le troisième palier ouvrirait la voie à une diffusion élargie, notamment dans les hôpitaux et les centres de santé, et à la poursuite des projets artistiques autour de Fils de Park’s.

Page de collecte Ulule : https://fr.ulule.com/un-voyage-au-coeur-de-parkinson

Informations pratiques

• Spectacle : Fragments dopaminergiques, un voyage déjanté au cœur de Parkinson 
• Dates : 24 et 25 mars 2026
• Lieu : Espace Jemmapes, Paris
• Site du projet : https://filsdeparks.com
• Vidéo du spectacle : https://youtu.be/5dwRUzGrO0o?si=3XUca11zKVMvH-7X
• Espace presse : https://filsdeparks.com/presse/

En savoir plus

Site web : https://filsdeparks.com/#home

YouTube : https://www.youtube.com/@lilisaintlaurent

Facebook : https://www.facebook.com/LiliSLaurent/ -  https://www.facebook.com/filsdeparks/

Instagram : https://www.instagram.com/lilisaintlaurent/

Le Strip Club appartient à cette catégorie d’activités invisibilisées.

Présent en France depuis plusieurs décennies, il reste rarement abordé comme une entreprise à part entière.

Peu de regards se posent sur ce qu’il implique réellement, des établissements recevant du public soumis à des normes précises, des investissements lourds, une organisation managériale exigeante, une relation client codifiée, une économie nocturne proche par bien des aspects de celle du CHR traditionnel.

À force d’amalgames persistants avec les bars à hôtesses, les établissements illégaux ou les clichés véhiculés par la culture populaire, le Strip Club reste exclu des analyses entrepreneuriales et des logiques de réseau.

C’est précisément cette zone aveugle que le SC Club choisit aujourd’hui d’explorer.

Avec l’ouverture officielle de son concept à la franchise, l’enseigne affirme une démarche inédite en France, structurer un réseau de strip clubs autour de standards communs, d’une éthique revendiquée et d’un modèle entrepreneurial transmissible.

Une initiative qui invite à regarder autrement un secteur nouveau, discret, mais bien réel dans l’économie française.

SC Club : un strip club, oui, mais selon des règles clairement établies

Le SC Club revendique une définition précise de son activité. Ni bar à hôtesses, ni établissement hybride, ni concept ambigu. Le Strip Club y est envisagé comme un lieu de divertissement nocturne structuré, fondé sur des prestations artistiques encadrées, proposées dans un cadre festif, sécurisé et légal.

Cette précision n’est pas sémantique, elle est centrale.

En France, la confusion entre Strip Club, bar à hôtesses et établissements dits “border” demeure tenace. Le SC Club s’inscrit à contre-courant de cet amalgame. Les danseuses y vendent des prestations de danse, publiques ou privées, selon des règles connues, des tarifs affichés et une organisation transparente.

L’expérience repose sur la qualité de l’accueil, le confort des lieux et le respect des personnes, artistes comme invités.

Cette lecture assumée du Strip Club constitue le socle du concept. Elle permet de repositionner l’activité non comme une zone grise de la nuit, mais comme un établissement comparable, dans son fonctionnement, à d’autres acteurs premium du divertissement nocturne.

Notre enseigne se veut festive et respectueuse de toutes les règles et de tous les acteurs qui la compose

Une expérience pensée pour durer

L’expérience SC Club se construit autour d’un équilibre maîtrisé. Loin d’une logique de consommation agressive, l’enseigne privilégie la fidélisation, la satisfaction et la clarté des interactions. La clientèle, majoritairement masculine et adulte, inclut une part importante de profils issus du monde des affaires, du tourisme ou du CHR, mais aussi des visiteurs occasionnels attirés par la singularité du lieu.

Les établissements portent une attention particulière à la sécurité, à la gestion de l’alcool, à l’état d’ébriété des clients et à la transparence des prestations proposées.

L’objectif est simple : que l’invité reparte satisfait de sa soirée, sans sentiment d’abus ou de confusion, et qu’il ait envie de revenir.

Cette exigence contribue à créer une relation de confiance durable, rare dans un secteur encore trop souvent associé à des pratiques opaques.

Pourquoi faire une franchise… dans un Strip Club ?

La décision d’ouvrir le SC Club à la franchise repose sur un constat paradoxal :

• D’un côté, un marché existant, novateur, avec une demande réelle et des établissements qui fonctionnent ;
• De l’autre, une absence quasi totale de structuration en réseau, faute de modèles transmissibles et de cadres clairs.

En choisissant la franchise, le SC Club fait un pas de côté. Il applique à un secteur inattendu des logiques bien connues de l’entrepreneuriat : duplication de savoir-faire, standardisation des pratiques, accompagnement des porteurs de projets, homogénéité de l’expérience client.

Cette approche fait de la franchise SC Club une proposition atypique dans le paysage français. Une franchise insolite, non par provocation, mais parce qu’elle s’implante là où les réseaux organisés n’osent généralement pas aller.

Elle s’adresse à des entrepreneurs aguerris, à des professionnels du CHR en quête de diversification, mais aussi à des candidats à la reconversion professionnelle attirés par un projet encadré, différenciant et économiquement assumé.

Un modèle construit sur l’expertise et le contrôle

Le SC Club fonde son modèle sur une maîtrise complète de l’activité. Gestion d’un ERP, programmation artistique, recrutement, formation, management des équipes, relation client : l’ensemble des segments est intégré dans un cadre formalisé.

L’enseigne s’appuie sur un réseau important de danseuses et sur une école de formation interne, conçue pour professionnaliser les artistes et garantir un niveau de prestation homogène au sein du réseau. Des plans de carrière sont proposés aux collaborateurs et collaboratrices, dans une logique de fidélisation et de stabilité, rarement mise en avant dans ce secteur.

Le management responsable, les rituels managériaux et un formalisme rigoureux constituent des éléments clés du concept, pensés pour sécuriser les franchisés et préserver la cohérence de l’enseigne.

Entre stigmatisation et réalité économique

Le développement du SC Club s’inscrit dans un contexte économique contraint. Le secteur du Strip Club reste confronté à une forte stigmatisation, qui se traduit notamment par des difficultés d’accès au financement bancaire. Le monde de la nuit et le CHR, déjà fragilisés depuis la crise sanitaire, sont souvent perçus comme risqués, voire en déclin.

Face à ces réticences, le SC Club a dû s’appuyer sur des investisseurs privés et des solutions alternatives. Cette réalité nourrit aujourd’hui la démarche de structuration : en apportant des standards, une lisibilité et une cohérence de réseau, l’enseigne entend renforcer la crédibilité économique d’un modèle encore trop souvent jugé à l’aune de représentations dépassées.

D’où vient cette vision : le temps long comme boussole

Si le SC Club peut aujourd’hui envisager la franchise, c’est en grande partie grâce au parcours de son fondateur, Laurent Roué.

Entrepreneur nantais, il évolue exclusivement dans le milieu du Charme depuis le début des années 1990. Il fonde notamment Charme & Séduction, agence spécialisée dans l’érotisme, puis Frenchy Girl, l’un des premiers sites de vidéoconférence érotique sur Internet, rapidement positionné à l’international.

Il exploite ensuite pendant dix ans Le Petit Théâtre Coquin, avant d’ouvrir en 2001 le Strip Café Club, considéré comme l’un des premiers véritables Strip Clubs en France.

Ce parcours de plus de trente-cinq ans constitue aujourd’hui le socle de la vision SC Club : une activité sensible, certes, mais qui exige rigueur, constance et professionnalisme.

Grandir sans renier : une ambition volontairement maîtrisée

L’ambition affichée par le SC Club est de développer une vingtaine d’enseignes en France d’ici une décennie.

Un objectif progressif, assumé, qui privilégie la qualité des implantations et la sélection des franchisés à une croissance rapide.

En savoir plus

Site web : sc-club.com

La franchise : https://sc-club.com/franchise/

Facebook : https://www.facebook.com/SCClubNantes44

Instagram : https://www.instagram.com/nantesscclub/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/scclubfrance

Derrière les performances académiques, une autre réalité se dessine : une génération connectée à l’IA mais souvent déconnectée d’elle-même.

Hyperstimulation, peurs, doutes, perte de sens : autant de pressions invisibles qui fragilisent les étudiants au moment même où ils s’apprêtent à entrer dans la vie professionnelle.

Or, les neurosciences l’affirment : les émotions gouvernent l’attention, la motivation et la prise de décision. Apprendre à les reconnaître, les comprendre et les réguler devient une compétence aussi essentielle que les savoirs techniques.

Be Enjoy Attitudes, fondée par Béatrice Fornari, replace l’intelligence émotionnelle au cœur des établissements scolaires, en direction des personnels d’encadrement, des enseignants et des étudiants.

Une démarche originale et atypique qui relie neurosciences, pédagogie et improvisation théâtrale. 

L’objectif : offrir aux jeunes un levier d’équilibre, de confiance et de coopération. Pour que l’éducation se réapproprie ce qu’elle a de plus précieux : le plaisir d’apprendre et la joie de réussir.

Apprendre à “être” : une compétence du XXIᵉ siècle

Si les cursus post-bac développent efficacement les savoirs académiques et techniques, ils négligent encore une dimension essentielle : la connaissance de soi.

Cette compétence essentielle de “consicence de soi” qui conditionne la valeur des apprentissages, la qualité des relations et la possibilité de construire ensemble.

C’est dans cet espace, entre cognition et émotion, que Be Enjoy Attitudes a choisi d’intervenir : en aidant les étudiants à transformer leurs émotions en alliées pour en faire des leviers d’action et de performance.

C’est une nouvelle manière d’envisager la réussite : non plus comme une course aux résultats, mais comme un système global, où l’intelligence émotionnelle complète l’intelligence cognitive.

Une pédagogie vivante : du théâtre d’improvisation aux neurosciences, il n’y a qu’un pas !

Be Enjoy Attitudes s’appuie sur une pédagogie singulière, ancrée dans l’expérience, tel le “hands-on learning” décrit par John Dewey.

Ici, l’intelligence émotionnelle ne se “théorise” pas, elle se vit.

Chaque intervention est conçue comme une véritable expérience où les étudiants apprennent à devenir acteurs et responsables de leur stabilité émotionnelle.

Ces sessions parlent réellement aux jeunes : elles sont rythmées et participatives, ancrées dans le sens , la réflexion et la mise en pratique.

L’objectif est clair. Transmettre aux étudiants les “soft skills” que le marché de l’emploi attend, et leur donner les clés pour évoluer avec assurance.

“J’ai accompagné des jeunes qui ont utilisé les techniques des jeux d’improvisation théâtrale en entretien de recrutement ou même pour un oral de soutenance de mémoire”, ajoute Béatrice F. “Cela leur a été très favorable et positif”.

Gérer le stress, parler en public, valoriser son image de soi et créer du lien, autant de compétences dont on a besoin dans nos vies quotidiennes pour réussir. Et qui excellent quand les émotions sont reconnues et ajustées.

Cette pédagogie renoue avec une évidence : l’émotion n’est pas un parasite du savoir, elle en est le souffle.

Des formats qui s’adaptent à chaque campus

Avec l’ambition de rendre l’intelligence émotionnelle accessible à tous, Be Enjoy Attitudes déploie plusieurs dispositifs, selon les besoins spécifiques de chaque établissement.

• Les MasterClass Inspirantes : immersions collectives où les étudiants expérimentent les mécanismes de la communication émotionnelle et les clés de la régulation intérieure. Elles créent un espace de conscience partagée, fondé sur la curiosité et la bienveillance ;
• Les Rencontres Expertes : temps d’échanges thématiques autour de la santé émotionnelle, du neuro leadership et du management relationnel, pour croiser les regards, nourrir la réflexion et enrichir les idées.
• Les Rentrées Solennelles, Séminaires et Événements Internes : interventions atypiques, rythmées et fédératrices, destinées à insuffler énergie et cohésion dans tous les temps forts de l’année académique.

Chaque format peut être adapté : conférences d’une heure, demi-journées interactives, cycles d’ateliers ou accompagnements sur-mesure. 

Tous poursuivent une même finalité : inscrire durablement les “savoir être” de l’intelligence émotionnelle dans la culture éducative, au même titre que les savoirs et les “savoir-faire”.

L’intelligence émotionnelle : compétence du futur

Le Forum Économique Mondial identifie l’intelligence émotionnelle parmi les dix compétences clés de demain (Future of Jobs Report 2023).

Dans un monde du travail où l’automatisation gagne du terrain, ce sont les qualités humaines (écoute, empathie, gestion du stress, créativité) qui deviendront les plus différenciantes. 

Former les étudiants à ces aptitudes, c’est leur offrir une boussole pour s’orienter dans la complexité des enjeux de demain.

Les jeunes qui apprennent à maitriser leurs émotions, développent plus facilement l’affirmation d’eux mêmes pour prendre leur place sans rapport de force, engagent leur communication pour des relations solides et durables, et favorisent l’ouverture à des solutions innovantes.

Ces compétences transversales, longtemps négligées, constituent aujourd’hui un atout stratégique autant qu’un gage de bien-être.

De l’individu au collectif : une transformation éducative

L’intelligence émotionnelle ne s’enseigne pas comme une discipline : elle se découvre, elle s’entraine, elle se cultive.

Elle change les dynamiques de groupe, apaise les tensions et ouvre un espace de confiance mutuelle.

Cette démarche dépasse la simple innovation pédagogique : elle devient un acte de responsabilité sociétale.

Former des étudiants capables d’écoute et de coopération, c’est participer à l’émergence d’une génération plus lucide, plus apaisée et plus responsable. 

Réconcilier “l’être et le faire”, relier la performance à la présence, redonner aux émotions leur importance dans le processus éducatif, c’est faire autrement.

Vers une culture de la réussite durable

Adopter l’intelligence émotionnelle dans les cursus post-bac, c’est redéfinir la réussite comme la capacité à se connaitre pour mieux comprendre l’autre et s’ajuster au monde. 

Cette pédagogie de la conscience, ancrée dans la science et nourrie par l’art vivant, propose une éducation dont le monde de demain a besoin : humaine, lucide et joyeuse. 

Une éducation où l’émotion cesse d’être une faiblesse pour devenir un talent. Cela semble vital !

Quand la joie devient méthode

Béatrice Fornari incarne un profil rare, à la frontière de la pédagogie, de l’entreprise et de la scène.

Ce qui la distingue singulièrement, c’est un chemin traversé par des expériences professionnelles plurielles dans la création de voyages, l’enseignement, le management d’un service formation et la scène.

Diplômée en Neuropsychopédagogie, coach certifiée RNCP, praticienne EQi 2.0 et certifiée au Profil Nova Global, elle accompagne et soutient des dirigeants, des managers et des équipes dans le développement de leur intelligence émotionnelle avec la méthode S.M.I.L.E®.

Mais sa signature réside dans sa double appartenance au monde professionnel et à celui de l’art vivant.

Comédienne d’improvisation et conférencière, sa créativité n’a pas de limite sur scène pour partager plus largement les vertus de l’intelligence émotionnelle dans des formats originaux dont le “show up” (un spectacle/conférence improvisé vivifiant et impactant)

Sa passion et sa conviction que l’intelligence émotionnelle est une compétence prioritaire l’engage à s’investir auprès des jeunes, au sein de l’association “Entreprendre pour apprendre” par exemple.

Béatrice Fornari y partage un credo : “Pour bien faire, il est essentiel de bien être”.

À propos de Be Enjoy Attitudes

Structure dédiée à l’impact de l’énergie émotionnelle sur la communciation, le leadership et la prise de parole dans les parcours éducatifs et professionnels. Des interventions pour retrouver le sourire, la motivation et la joie d’avancer.

L’approche de Be Enjoy Attitudes repose sur une triple alliance : 

Les neurosciences affectives et sociales, pour comprendre les mécanismes du cerveau émotionnel ; Les émotions, pour gagner en bien-être, en motivation et en plaisir ;

L’improvisation théâtrale, pour expérimenter la spontanéité, l’écoute et la confiance. Cette pédagogie, créée et animée par Béatrice se veut immersive, ludique et exigeante.

Elle transforme les apprentissages en expériences vécues, pour être en capacité de les réinvestir dans les contextes personnel et professionnel.

Elle s’adresse aux établissements d’enseignements supérieurs, aux organisations publiques et aux entreprises désireuses d’ancrer l’intelligence émotionnelle au cœur de leurs process.

En savoir plus

Site web : https://be-enjoy.fr

Facebook : https://www.facebook.com/share/1Guxr9yc2n/?mibextid=wwXIfr

Instagram : https://www.instagram.com/beatrice.fornari?igsh=cG96dnMwYzltZWg3

Linkedin : https://www.linkedin.com/in/beatricefornari

Des femmes arrivent timidement dans la salle, souvent persuadées qu’elles « ne savent pas danser ». Certaines s’excusent presque d’être là. D’autres disent simplement vouloir « se remettre en mouvement ».

Mais très vite, ce qui se joue dépasse la danse.

Au fil des séances, les épaules se redressent, les gestes s’assument, les regards changent. Comme si le corps retrouvait peu à peu un langage oublié.

Ce constat, Beelinda Zekhenine l’a fait des centaines de fois depuis qu’elle enseigne la danse orientale en Seine-Saint-Denis, territoire populaire où elle a été l’une des premières à transmettre cette discipline venue d’Égypte.

Avec les années, une évidence s’est imposée : la danse agit souvent comme un espace de reconstruction pour les femmes.

Le corps comme mémoire et point de départ

Dans cette approche, le corps est envisagé comme un espace qui conserve les traces des expériences vécues : tensions, émotions, fatigue, périodes de transformation personnelle.

Le travail proposé repose sur la mobilisation du mouvement et de la respiration pour réactiver les sensations corporelles et créer un espace d’expression non verbal.

Les séances s’organisent autour d’exercices progressifs qui permettent de porter attention à la posture, au souffle et aux mouvements du corps.

Cette démarche vise à permettre aux participantes de retrouver une relation plus consciente et plus apaisée avec leur corps.

« Danser pour être » : un concept qui relie mouvement et présence

Au fil des années, Beelinda Zekhenine a structuré son approche sous le concept « Danser pour être ».

Cette démarche se situe à la croisée de trois domaines :

• la danse

• la sophrologie

• le développement personnel

L’objectif n’est pas la performance artistique mais la recherche d’une présence à soi. Les séances s’appuient sur la combinaison du mouvement, de la respiration et de la musique orientale afin de créer un espace d’exploration corporelle accessible à toutes.

Le geste devient un moyen de perception et d’expression des sensations et des émotions.

La Sophrodanse Orientale : une méthode née de l’expérience

Au cœur de ce concept se trouve la Sophrodanse Orientale, méthode développée par Beelinda Zekhenine à partir de son expérience d’enseignement.

Cette approche repose sur deux dimensions complémentaires.

Une pratique corporelle inspirée de la danse orientale

Les mouvements circulaires, les ondulations et les déplacements caractéristiques de la danse orientale permettent de travailler la mobilité, la fluidité et l’ancrage corporel.

La symbolique et la musicalité propres à cette danse offrent un cadre d’expression qui mobilise différentes qualités de mouvement.

Un travail de respiration et de conscience corporelle

Des exercices inspirés de la sophrologie sont intégrés aux séances afin d’accompagner l’attention portée au souffle et aux sensations corporelles.

L’association du mouvement et de la respiration vise à favoriser un équilibre entre le corps et l’esprit.

La méthode est conçue pour être accessible à des participantes de tous âges et de tous niveaux de pratique.

Un parcours structuré en cinq étapes

La Sophrodanse Orientale®, marque déposée à l’INPI et créée par Beelinda, s’inscrit dans une méthodologie appelée AEIOU, qui propose un cheminement progressif et structuré.

Inspirée des voyelles de l’alphabet français, cette approche associe respiration, mouvement et présence à soi dans un parcours accessible et évolutif.

Chaque cycle de pratique s’organise autour de cinq étapes :

• L’éveil corporel : développer la perception des sensations corporelles et de la respiration
• L’ancrage : favoriser la stabilité corporelle et le recentrage
• La régulation : relâcher les tensions physiques et émotionnelles
• L’expression : développer l’aisance corporelle et la capacité à s’exprimer
• L’intégration : ancrer les acquis et faciliter leur transfert dans le quotidien

Cette progression fait de la danse un support pédagogique, associant exploration corporelle et développement des capacités personnelles.

Un espace inclusif ouvert à toutes les femmes

Au fil des années, les ateliers de Beelinda ont accueilli des femmes aux parcours très différents : étudiantes, mères de famille, femmes en reconversion professionnelle, seniors… Certaines portent le voile, d’autres non. Certaines arrivent avec une grande aisance corporelle, d’autres découvrent pour la première fois la danse.

La diversité des profils reflète celle du territoire où elle enseigne.

Dans cet espace, le regard porté sur le corps change. La beauté ne se mesure pas à la performance ou à l’apparence, mais à la qualité de présence et au ressenti.

La danse devient un lieu de bienveillance, d’écoute et de partage.

Aux origines de la méthode : le parcours de Beelinda Zekhenine

Le chemin qui a conduit Beelinda vers cette approche est lui aussi singulier.

Originaire du Havre, elle commence sa carrière comme coiffeuse. Très vite, sa passion pour la danse orientale prend une place centrale dans sa vie. Elle décide alors de se former en Égypte auprès du maître Asmast et obtient en 1995 un certificat de professeur de danse orientale.

De retour en France, elle fonde Orient Danse et commence à transmettre la danse orientale égyptienne en Seine-Saint-Denis. À cette époque, cette discipline reste peu enseignée dans ce territoire.

Au contact de ses élèves, elle découvre la dimension sociale et psychologique du mouvement. La danse devient un espace où les femmes peuvent relâcher les tensions du quotidien, retrouver confiance et affirmer leur présence.

Ces observations vont progressivement nourrir la création de la Sophrodanse Orientale.

Une ambition nationale : faire rayonner la Sophrodanse Orientale

Après plus de 29 années de pratique et de transmission, Beelinda Zekhenine souhaite aujourd’hui développer cette approche à plus grande échelle.

Plusieurs projets sont en préparation :

• l’ouverture de nouveaux cours et ateliers dans différentes villes

• l’organisation de stages immersifs

• la création de formations structurées basées sur la méthode AEIOU

• le développement de partenariats avec des structures professionnelles et associatives

• l’organisation de conférences autour du lien entre danse, conscience corporelle et féminin

L’objectif est de faire connaître la Sophrodanse Orientale® comme une discipline située à la croisée de l’art du mouvement et de l’accompagnement personnel.

En savoir plus

Site web : https://www.beelinda.com

Facebook : https://www.facebook.com/Beelindadanseorientale01/

Instagram : https://www.instagram.com/beelindadanseetsophrologie/

La méthode AEIOU Sophro danse orientale en vidéo : https://youtu.be/V4iKvr9mDpA?si=-nDbA_OBqCAByHw1