La plateforme offre deux modes de rémunération, l’un et l’autre en violation des règles de droit.

• Le paiement « au cachet » : LiveArts se prétend employeur sans en assumer les obligations (convention collective bafouée, contrats et bulletins de salaire non conformes, et absence de lien de subordination). LiveArts organise ainsi un portage salarial, strictement interdit pour engager des artistes du spectacle.

• Le paiement « sur facture » : La plateforme pousse les artistes vers le statut d’« artiste-entrepreneur » et offre une solution de fortune à tous les organisateurs qui ne souhaitent pas assumer le rôle d’employeur. La pérennisation d’un tel système est source de grand danger pour la protection des artistes. En effet, le principe de la présomption de salariat permet de garantir aux artistes un accès à une protection sociale, un système de retraite et des indemnités de chômage adaptés à leur activité (l’intermittence du spectacle).

En tout état de cause, ces paiements sur facture ne sont pas correctement assumés par LiveArts, et le SAMVA dénonce de nombreux retards de paiement.

Dans les deux cas, LiveArts n’est ni producteur ni diffuseur de spectacle, mais un simple intermédiaire qui s’enrichit au détriment des artistes.

À cela s’ajoute une tarification dérisoire : LiveArts impose des prix particulièrement bas (par exemple, 200 € pour trois artistes et deux heures d’animation), sans rapport avec le travail fourni et incompatible avec une juste rémunération.

Cette ubérisation du métier est aussi inutile que dangereuse : le GUSO (Guichet Unique du Spectacle Occasionnel) devrait déjà permettre à toute maison de retraite d’employer un artiste et de lui verser un cachet, en toute légalité. En précarisant les artistes, c’est le lien social et culturel auprès de nos aînés que l’on sacrifie.

Les artistes n’ont jamais eu besoin d’une plateforme pour entrer dans les maisons de retraite. La loi est claire : celui qui se produit est présumé salarié. Nous ne laisserons pas une application transformer nos métiers en faux indépendants corvéables.

 Jean-Luc Icard, président du SAMVA CFE-CGC

Le SAMVA alerte les pouvoirs publics sur ces pratiques qui pénalisent les artistes et précarisent l’activité d’artiste et enjoint à LiveArts de procéder à la mise en conformité de son service.

À Nantes, le SC Club défend cette vision depuis douze ans.

Ce gentlemen’s club, dédié au strip-tease dans une ambiance festive, célèbre son anniversaire du 1er au 30 septembre 2026 avec une programmation placée sous le signe des « Arts du Cirque ».

Chaque soir, de 22 heures à 4 heures, dix artistes évolueront dans les espaces du club, entre démonstrations de pole dance, shows privés, scénographie thématique, cocktails, dégustations et animations organisées avec ses partenaires.

Un mois pour découvrir un lieu de charme qui assume pleinement sa vocation, tout en plaçant le spectacle et l’indépendance des danseuses au centre de son modèle.

Douze ans à donner une autre scène au strip-tease

Quand l’érotisme entre en piste

Pour son anniversaire 2026, le SC Club a choisi de s’approprier l’imaginaire des Arts du Cirque.

Le rapprochement s’impose naturellement. Comme les disciplines circassiennes, la pole dance repose sur la force, la souplesse, l’équilibre, la précision du geste et la capacité à capter le regard. Le thème permet également de jouer avec les notions de scène, de costume, de lumière et de mise en tension, particulièrement adaptées à l’univers du spectacle érotique.

Du 1er au 30 septembre, l’intérieur climatisé du club et sa terrasse seront décorés et animés autour de cet univers. Chaque soir, de 22 heures à 4 heures, douze danseuses proposeront leur propre interprétation de la thématique.

La programmation réunira notamment :

• Des spectacles de strip-tease sur les podiums ;
• Des démonstrations de pole dance ;
• Des shows privés dans les salons du club ;
• Une décoration inspirée des Arts du Cirque ;
• Des animations spéciales avec les partenaires de l’établissement ;
• Des cocktails et des dégustations ;
• Des temps musicaux et festifs tout au long de la soirée.

Cette mise en scène ne cherche pas à masquer la nature du lieu. Elle vient au contraire enrichir l’expérience d’un club de charme qui fait du corps, de la séduction et de la performance les principaux fils conducteurs de ses soirées.

Dix artistes au cœur de chaque soirée

Pendant le mois anniversaire, douze danseuses seront présentes chaque soir au SC Club. Leur travail constitue le cœur de la programmation.

Sur les podiums, elles proposeront des passages de strip-tease et des démonstrations de pole dance devant l’ensemble du public. Ces performances mêlent sensualité, maîtrise corporelle et expression artistique, chacune développant son propre univers, son rythme et sa relation avec la scène.

Des shows privés seront également proposés dans les salons de l’établissement. Plus intimistes, ils permettent aux visiteurs seuls ou aux couples de vivre un moment privilégié avec une artiste, dans le respect des règles du club et des limites posées par la danseuse.

Le public reste libre de composer sa soirée. Il peut assister aux spectacles collectifs, profiter du bar ou de la terrasse, échanger autour d’un verre, participer aux dégustations ou choisir une prestation privée. Cette diversité permet au SC Club d’accueillir aussi bien des habitués que des personnes peu familières de l’univers des clubs de charme.

Un lieu pour adultes, avec des règles sans ambiguïté

Le SC Club revendique clairement son positionnement dans le domaine du charme. Il tient cependant à distinguer le spectacle érotique de toute activité sexuelle.

Les relations sexuelles ne sont pas tolérées au sein de l’établissement. Les danseuses sont indépendantes et libres de choisir de travailler au club. Elles décident également des prestations qu’elles proposent et des limites dans lesquelles celles-ci se déroulent.

Le fonctionnement du lieu repose sur plusieurs principes :

• L’indépendance professionnelle des artistes ;
• Le respect de leur consentement et de leurs limites ;
• L’interdiction des relations sexuelles ;
• La sécurité des danseuses et de la clientèle ;
• L’application de règles de comportement précises ;
• La possibilité pour les artistes d’exercer sereinement leur activité.

Ces éléments sont essentiels pour comprendre le projet du SC Club. L’établissement ne cherche pas à effacer la dimension érotique de son activité, mais à l’inscrire dans un environnement encadré, dans lequel la danseuse reste maîtresse de sa performance.

Laurent Roué, trente ans dans l’univers du charme

Le SC Club a été créé par Laurent Roué, qui évolue dans le milieu du charme en France depuis les années 1990.

En ouvrant cet établissement à Nantes, il souhaitait s’inspirer des meilleurs gentlemen’s clubs américains et contribuer à donner ses lettres de noblesse au strip-tease français. Son projet reposait sur une idée simple : proposer un club pour adultes capable d’assumer sa sensualité sans négliger l’accueil, l’esthétique, la qualité des spectacles ni les conditions de travail des artistes.

Douze ans plus tard, cette orientation continue de structurer l’identité du lieu. Le SC Club se présente comme une adresse emblématique de la vie nocturne nantaise, reconnaissable à son ambiance feutrée, à son accueil chaleureux et personnalisé ainsi qu’à ses prestations haut de gamme.

Un mois pour franchir les portes d’un club de charme

Pour de nombreux visiteurs, entrer pour la première fois dans un gentlemen’s club peut encore susciter des interrogations. Quel public y rencontre-t-on ? Quelle place les couples y occupent-ils ? Comment se déroule une soirée ? Où s’arrête le spectacle et quelles règles encadrent les prestations ?

Le mois anniversaire constitue précisément un moment privilégié pour dépasser ces idées reçues. Grâce à sa thématique, à ses animations et à la diversité de ses rendez-vous, il permet de découvrir le club dans une ambiance particulièrement festive.

Le SC Club accueille des hommes seuls, mais aussi des groupes d’amis, des collègues et des couples. Sa clientèle principale est constituée d’hommes de plus de 30 ans, appartenant aux catégories socioprofessionnelles supérieures et vivant ou travaillant à Nantes et dans un rayon d’environ vingt kilomètres.

Tous viennent cependant rechercher une même chose : une parenthèse nocturne où le charme, le spectacle et la convivialité se rencontrent sans faux-semblants.

Informations pratiques

• Événement : 12e anniversaire du SC Club – « Les Arts du Cirque » ;
• Dates : du 1er au 30 septembre 2026 ;
• Horaires : chaque soir, de 22 heures à 4 heures ;
• Lieu : SC Club, 15 rue Fouré, 44000 Nantes .

En savoir plus

Site web : sc-club.com

La franchise : https://sc-club.com/franchise/

Facebook : https://www.facebook.com/SCClubNantes44

Instagram : https://www.instagram.com/nantesscclub/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/scclubfrance

La plateforme offre deux modes de rémunération, l’un et l’autre en violation des règles de droit.

• Le paiement « au cachet » : LiveArts se prétend employeur sans en assumer les obligations (convention collective bafouée, contrats et bulletins de salaire non conformes, et absence de lien de subordination). LiveArts organise ainsi un portage salarial, strictement interdit pour engager des artistes du spectacle.

• Le paiement « sur facture » : La plateforme pousse les artistes vers le statut d’« artiste-entrepreneur » et offre une solution de fortune à tous les organisateurs qui ne souhaitent pas assumer le rôle d’employeur. La pérennisation d’un tel système est source de grand danger pour la protection des artistes. En effet, le principe de la présomption de salariat permet de garantir aux artistes un accès à une protection sociale, un système de retraite et des indemnités de chômage adaptés à leur activité (l’intermittence du spectacle).

En tout état de cause, ces paiements sur facture ne sont pas correctement assumés par LiveArts, et le SAMVA dénonce de nombreux retards de paiement.

Dans les deux cas, LiveArts n’est ni producteur ni diffuseur de spectacle, mais un simple intermédiaire qui s’enrichit au détriment des artistes.

À cela s’ajoute une tarification dérisoire : LiveArts impose des prix particulièrement bas (par exemple, 200 € pour trois artistes et deux heures d’animation), sans rapport avec le travail fourni et incompatible avec une juste rémunération.

Cette ubérisation du métier est aussi inutile que dangereuse : le GUSO (Guichet Unique du Spectacle Occasionnel) devrait déjà permettre à toute maison de retraite d’employer un artiste et de lui verser un cachet, en toute légalité. En précarisant les artistes, c’est le lien social et culturel auprès de nos aînés que l’on sacrifie.

Les artistes n’ont jamais eu besoin d’une plateforme pour entrer dans les maisons de retraite. La loi est claire : celui qui se produit est présumé salarié. Nous ne laisserons pas une application transformer nos métiers en faux indépendants corvéables. 

— Jean-Luc Icard, président du SAMVA CFE-CGC

Le SAMVA alerte les pouvoirs publics sur ces pratiques qui pénalisent les artistes et précarisent l’activité d’artiste et enjoint à LiveArts de procéder à la mise en conformité de son service.

Dans ce village du Haut Beaujolais, le paysage ne sert pas de simple décor : il entre dans la partition.

Les samedi 19 et dimanche 20 septembre 2026, le JazzFest’ Chiroubles reviendra pour une troisième édition pensée comme une expérience musicale, visuelle et gustative.

Au programme : jazz Nouvelle-Orléans avec le New Orleans Syndicate, jazz vocal et world music avec Alfio Origlio « Nomades », puis gospel avec la chorale Amazing Singers.

Autour des concerts, le public retrouvera également des ateliers de live painting, une restauration du terroir proposée par des food trucks, une buvette et des dégustations de vins de Chiroubles.

Deux jours pour faire dialoguer une musique en perpétuelle évolution avec les arts de la vigne, la création visuelle et l’identité d’un territoire rural.

Jazz, vin, peinture : la signature d’un festival profondément beaujolais

Le JazzFest’ Chiroubles est un festival de jazz, de musiques émergentes, d’arts visuels et de vin. Il est né d’une volonté : redécouvrir le terroir de Chiroubles par la musique et faire du village un lieu de rencontre entre plusieurs cultures.

Celle du jazz, d’abord, avec son histoire, ses improvisations et sa capacité à se réinventer. Celle de la vigne, ensuite, façonnée depuis des siècles par des vignerons travaillant sur les vallons et les pentes granitiques du Beaujolais. Celle des arts visuels, enfin, qui trouvent dans le live painting un espace de création immédiate, au contact de la musique et du public.

Le projet repose sur plusieurs lignes fortes :

• Proposer une programmation culturelle exigeante au cœur d’un territoire rural ;
• Réunir musique, peinture, vin et gastronomie dans une même expérience ;
• Valoriser l’appellation Chiroubles, les producteurs et les prestataires locaux ;
• Préserver une atmosphère à taille humaine, ouverte à tous les publics ;
• Inscrire l’événement dans une démarche éco-responsable.

Le festival entend ainsi attirer aussi bien les amateurs de musique que les passionnés de vin, d’art, de patrimoine et de gastronomie. Il porte l’ambition de devenir le premier événement associant jazz, arts visuels et vin en Beaujolais.

Samedi soir : la place du village prend le rythme de La Nouvelle-Orléans

Le samedi 19 septembre, le Clos Georges Durand, sur la place du village, accueillera la première soirée.

Le New Orleans Syndicate ouvrira le festival avec un jazz Nouvelle-Orléans porté par l’improvisation, les cuivres et l’énergie collective.

La soirée se poursuivra avec Alfio Origlio « Nomades », à la croisée du jazz vocal et de la world music.

Deux univers pour faire entendre un jazz à la fois fidèle à son histoire et ouvert aux influences, aux voyages et aux métissages.

Dimanche matin : le gospel fait vibrer l’église

Le dimanche 20 septembre, le festival changera de lieu et d’atmosphère.

La chorale Amazing Singers investira l’église de Chiroubles pour un concert de gospel. Après l’effervescence du samedi soir, les voix et les harmonies offriront un moment plus intérieur.

Du Clos Georges Durand à l’église, Chiroubles devient ainsi la véritable scène du festival.

Quand les pinceaux improvisent avec les musiciens

Des ateliers de live painting compléteront la programmation musicale.

Le public pourra voir des œuvres se créer en direct, au rythme des concerts. Couleurs, matières et gestes répondront ainsi aux improvisations des musiciens.

Cette rencontre entre musique et arts visuels constitue l’une des signatures du JazzFest’, qui souhaite devenir le premier événement associant jazz, peinture et vin en Beaujolais.

Le terroir s’invite dans les assiettes et dans les verres

Au JazzFest’, la découverte se poursuit autour des produits du territoire.

Des food trucks proposeront une restauration du terroir, complétée par une buvette et des dégustations de vins de Chiroubles. Ces rendez-vous prolongeront les concerts en créant des espaces de convivialité et d’échange.

Le vin occupe une place centrale dans l’identité du festival. Chiroubles fait partie des douze appellations reconnues du Beaujolais. Entre montagnes, vallons et pentes granitiques, ses vignerons façonnent un terroir dont le festival souhaite faire entendre et comprendre la singularité.

Musique, peinture et dégustation participent ainsi d’un même récit : celui d’un village qui invite le public à découvrir son patrimoine autrement.

Faire entendre une culture d’excellence loin des grandes scènes urbaines

Le JazzFest’ porte également une ambition territoriale. En implantant un festival de jazz et de musiques émergentes dans une zone rurale relativement isolée, son équipe défend un accès plus large à la culture.

L’événement ne cherche pas à reproduire les codes d’un grand rendez-vous métropolitain. Il construit son identité à partir de Chiroubles, de ses lieux et de ses ressources.

Cette proximité favorise une relation directe avec les artistes et une circulation entre des publics de tous horizons. Le festival accorde par ailleurs une attention particulière à la mise en avant des femmes musiciennes et chanteuses dans sa programmation.

Une organisation accordée au tempo local

L’éco-responsabilité constitue l’une des valeurs structurantes du projet. Elle se traduit notamment par :

• Le recours à des prestataires locaux ;
• La valorisation des circuits courts ;
• La présence des vins de Chiroubles ;
• Une attention portée au recyclage ;
• L’implication des acteurs et bénévoles du territoire.

Le développement du festival est ainsi pensé en cohérence avec son environnement. Son rayonnement ne doit pas se faire au détriment de son identité, mais au contraire renforcer la visibilité de Chiroubles et du Beaujolais.

Une philosophie résumée par sa signature : « So green, so wine, so groovy, tellement Chiroubles ! »

Olivier Depardon, un compositeur revenu faire vibrer son village

Le JazzFest’ est porté par Olivier Depardon, compositeur de musique à l’image originaire de Chiroubles.

Ingénieur télécom de formation, il étudie à l’American School of Modern Music à Paris, crée le groupe électro-pop Doune, puis devient compositeur professionnel en 2011.

Il signe des bandes originales pour des films et documentaires diffusés sur Arte, Canal+ et France Télévisions. Il est également membre définitif de la SACEM et membre du Bureau de l’Union des Compositrices et Compositeurs.

« Ma principale motivation était d’offrir au site magnifique de Chiroubles, perdu entre vignobles et montagnes, un festival de qualité, une expérience sensorielle et artistique unique et quoi de plus beau et magique que la musique Jazz pour résonner dans cet endroit ! », déclare-t-il.

Il porte le projet avec Frédéric Bésème, ancien maire de Chiroubles, ainsi qu’avec Philippe Charpenel, régisseur, et Nathalie Depardon, responsable des bénévoles.

Les 19 et 20 septembre, Chiroubles jouera sa propre partition

Pour sa troisième édition, le JazzFest’ Chiroubles poursuivra la construction d’un rendez-vous indissociable de son territoire.

Du jazz Nouvelle-Orléans au gospel, de la world music au live painting, du vin aux produits du terroir, chaque proposition contribuera à une même ambition : faire circuler les cultures et donner à découvrir Chiroubles sous un nouveau rythme.

Infos pratiques

Quand ? 19 & 20 septembre 2026

Où ? Le Bourg – Jeu de Boule et Eglise, 69115 Chiroubles

Billetterie : https://yp.events/b08b8790-c17f-48fc-bb00-0c10db95730c/JAZZFEST-CHIROUBLES-2026

En savoir plus

After-movie 2024 : https://www.youtube.com/watch?v=0jFJVDpnzYM

Site web : http://www.jazzfest-chiroubles.fr

Facebook : https://www.facebook.com/jazzfestchiroubles

Instagram : https://www.instagram.com/jazzfest_chiroubles/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/101167962/admin/feed/posts/

Gilbert Laffaille appartient à cette famille d’auteurs-compositeurs-interprètes dont l’univers se reconnaît à une écriture précise, une poésie sans surcharge et une musicalité profondément personnelle.

Contraint de stopper ses tours de chant pour des raisons de santé, Gilbert Laffaille laisse son public face à une absence de scène. C’est à partir de cette nouvelle que Marc Caballero a décidé de créer Gilbert Laffaille Reprises : un concert unique consacré à une partie de son répertoire, pensé comme un geste de transmission plus que comme un simple hommage.

La singularité du projet tient notamment à la réunion, pour cette occasion, de plusieurs musiciens intimement liés à l’histoire artistique de Gilbert Laffaille. Marc Caballero sera accompagné de Michel Haumont, Gilles Michel et Jack Ada, qui ont spontanément accepté de prendre part à cette aventure musicale. Christine Caballero participera également au concert.

Guitariste de renom, Jack Ada a été de toutes les aventures aux côtés de Gilbert Laffaille et de Michel Haumont. Sa participation, désormais confirmée, permet de réunir à nouveau toute l’équipe pour cette occasion exceptionnelle.

Ensemble, ils feront réentendre ces chansons dans une forme intimiste, respectueuse et vivante.

Reprendre Laffaille sans l’imiter : l’art délicat du pas de côté

Reprendre Gilbert Laffaille demande une approche particulière. Son répertoire ne se prête pas à la démonstration. Il exige de laisser les mots respirer, de ne pas forcer l’émotion, de préserver cette élégance qui tient souvent dans un détail : une inflexion, un silence, une ligne mélodique, une phrase qui semble simple mais qui reste.

Marc Caballero aborde ces reprises avec une intention claire : ne pas se substituer à l’artiste, mais faire circuler une œuvre qui continue de compter pour son public. Le concert se construit donc autour de trois principes :

• La fidélité à l’esprit des chansons, sans volonté de les transformer artificiellement ;
• La proximité avec le public de Gilbert Laffaille, premier destinataire du projet ;
• La sobriété d’interprétation, portée par une voix douce et intimiste.

Cette voix, Marc Caballero la présente avec lucidité : elle n’est pas puissante, mais elle possède un timbre doux, adapté à une chanson de proximité. Cette caractéristique devient ici un atout : elle permet d’approcher le répertoire par la nuance, la délicatesse et la confidence.

Michel Haumont, Jack Ada et Gilles Michel : quand les anciens compagnons de scène rallument la mémoire musicale

La présence de Michel Haumont, Jack Ada et Gilles Michel confère au concert une dimension essentielle. Ils ne sont pas de simples musiciens invités : ils sont les passeurs d’une mémoire musicale, directement liés à l’histoire scénique et artistique de Gilbert Laffaille.

Leur participation apporte au projet :

• Une connaissance intime de l’univers musical de Gilbert Laffaille ;
• Une continuité naturelle avec l’esprit de ses concerts ;
• Une profondeur artistique que ne pourrait offrir une reprise déconnectée de son histoire.

Leur adhésion spontanée donne au projet une force particulière. Elle inscrit ce concert dans une forme de prolongement naturel : les chansons ne sont pas seulement rejouées, elles retrouvent les musiciens et les sensibilités qui les ont accompagnées de l’intérieur.

Le retour de Jack Ada complète aujourd’hui cette réunion exceptionnelle. Toute l’équipe est ainsi reformée afin de faire revivre, le temps d’une soirée, l’émotion et la complicité musicale qui ont marqué tant de concerts.

Marc Caballero, un passeur issu de la chanson française de texte

Marc Caballero est lui-même auteur-compositeur. Présent sur YouTube à travers des clips et des captations de concerts, il inscrit son parcours dans une tradition de chanson française attentive aux mots et aux mélodies. Ses inspirations vont de Maxime Le Forestier à Henri Salvador, en passant par Louis Chedid et d’autres artistes qui ont façonné une chanson française exigeante, humaine et mélodique.

Son lien avec Gilbert Laffaille remonte à sa découverte de l’artiste lors des Hotnany, organisés à l’époque au Centre Américain, boulevard Raspail, à Paris. Ce premier contact artistique a laissé une trace durable : Marc Caballero a été marqué par la finesse des textes, la poésie de l’œuvre et les choix musicaux de Gilbert Laffaille.

Avec ce concert, il ne cherche donc pas à s’approprier un répertoire, mais à le faire circuler à nouveau. Il devient passeur d’une œuvre qu’il admire, en assumant une interprétation personnelle mais respectueuse.

Un concert unique pour celles et ceux qui gardent ces chansons en mémoire

L’ambition est volontairement ciblée : toucher principalement le public de Gilbert Laffaille. Un public probablement âgé de plus de 50 ans en moyenne, attaché à une chanson française où le texte, l’interprétation et la musicalité occupent une place centrale.

Ce concert unique propose un rendez-vous rare : celui d’un public avec des chansons qu’il connaît, qu’il a peut-être entendues sur scène, et qu’il pourra redécouvrir dans une forme nouvelle, mais respectueuse.

Le projet trouve son intérêt dans cet équilibre :

• Assez fidèle pour ne pas trahir l’univers de Gilbert Laffaille ;
• Assez personnel pour ne pas devenir une imitation ;
• Assez vivant pour faire de la reprise un moment de scène à part entière.

Informations pratiques

Concert — Reprises du répertoire de Gilbert Laffaille avec Marc Caballero, Christine Caballero, Michel Haumont, Gilles Michel et Jack Ada ;

• Quand ? Le 8 octobre à 20h30 ;
• Où ? Auditorium Maurice Ravel - 62, avenue Georges Clemenceau – Le Perreux-sur-Marne ;
• Tarifs : 10 € tarif réduit / 10 € par téléphone / 15 € sur place ;
• Contact – Téléphone : 06 85 05 54 21 // Facebook : https://www.facebook.com/marc.caballero.336.

En savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/marc.caballero.336?locale=fr_FR

Piaf, Brel, Dalida, Aznavour, Gréco, Gainsbourg, Ferré, Barbara, Chevalier ou Trenet n’ont pas seulement chanté Paris : ils ont laissé derrière eux des adresses, des atmosphères, des fragments d’époque.

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier réunit ses visites, croisières et concerts pour faire redécouvrir ce Paris musical, entre anecdotes, interprétation a cappella et lieux emblématiques.

Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux de Paris et de la Chanson Française !

Paris en chansons, un nouveau nom pour relier les lieux, les voix et les époques

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier donne une cohérence à plusieurs créations développées au fil des années : la visite Montmartre en chansons, la croisière Guinguettes en chansons sur la Marne avec RiverCat, les concerts autour du Paris de Piaf, et une nouvelle visite lancée en 2026, Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Le projet repose sur un principe fort : faire découvrir Paris non par ses seuls monuments, mais par les artistes qui ont marqué ses quartiers, ses cabarets, ses caves, ses cafés et ses rives. Chaque parcours associe récit, anecdotes, adresses emblématiques et interprétations chantées a cappella et parfois accompagnées à l’accordéon.

Une proposition culturelle entre patrimoine, musique et expérience vivante

Paris en chansons s’adresse autant aux visiteurs qu’aux habitants curieux de redécouvrir la capitale autrement. L’approche n’est ni celle d’un simple tour touristique, ni celle d’un concert classique : elle se situe au croisement de la visite culturelle, du récit biographique et de la performance vocale.

Chaque expérience permet de suivre un fil différent :

• Montmartre, la Butte des cabarets, d’artistes emblématiques et de la bohème populaire ;
• Saint-Germain-des-Prés, quartier des caves, du jazz, de l’existentialisme et des voix de l’après-guerre ;
• la Marne, territoire des guinguettes, des dimanches chantants et d’un imaginaire festif francilien ;
• la scène, avec les concerts consacrés notamment à l’univers de Piaf.

L’ensemble compose une cartographie musicale de Paris, à la fois populaire, historique et incarnée.

Saint-Germain-des-Prés en chansons, la nouveauté 2026

Le lancement de Paris en chansons s’accompagne d’une nouvelle création : Saint-Germain-des-Prés en chansons.

Cette visite s’intéresse à l’un des quartiers les plus chargés de mémoire musicale et intellectuelle de la capitale. Au lendemain de la guerre, Saint-Germain-des-Prés devient le territoire d’une jeunesse en quête de liberté, d’artistes, d’écrivains, de musiciens et de chanteurs. Dans les caves où résonnent jazz et chansons se retrouvent Juliette Gréco, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Charles Aznavour, Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Marcel Mouloudji, Cora Vaucaire, mais aussi de nombreux jazzmen américains.

Le parcours traverse des lieux associés à cette histoire : l’église Saint-Germain-des-Prés, le Café de Flore, Les Deux Magots, le pont des Arts, la Monnaie de Paris ou encore Saint-Sulpice. Anne-Sophie Guerrier y raconte les adresses, les rencontres, les nuits, les débuts, puis interprète les chansons qui ont marqué le quartier.

“Les feuilles mortes”, “Dis, quand reviendras-tu ?”, “La Javanaise” ou “Il n’y a plus d’après” deviennent les repères d’une promenade qui ne se limite pas à l’évocation nostalgique. Elle restitue un moment culturel précis, celui d’un Paris d’après-guerre où la chanson dialogue avec la littérature, le jazz et les idées.

Montmartre en chansons, la genèse de l’aventure

Avant Paris en chansons, il y a Montmartre en chansons. Cette visite reste au programme et constitue le socle du projet.

À travers les ruelles de la Butte, Anne-Sophie Guerrier guide les visiteurs sur les traces d’Édith Piaf, Charles Aznavour, Jacques Brel, Dalida et de nombreux artistes ayant vécu ou séjourné à Montmartre.

Le parcours fait découvrir les lieux emblématiques du quartier : les vignes, les moulins, le Mur des “je t’aime”, le Sacré-Cœur, les anciens cabarets, mais aussi des passages plus secrets et des recoins bucoliques.

À chaque étape, le récit se prolonge par une chanson : “La vie en rose”, “La complainte de la butte”, “Sous le ciel de Paris”, “La Bohème”… Le quartier n’est pas traité comme un décor figé, mais comme un lieu de création, de débuts difficiles, de rencontres et de légendes populaires.

Guinguettes en chansons, la Marne comme mémoire populaire

En 2024, Anne-Sophie Guerrier décline son concept sur la Marne avec Guinguettes en chansons, une croisière musicale développée avec RiverCat.

À bord, accompagnée par l’accordéoniste Yann Cotty, elle fait revivre l’esprit des guinguettes, ces lieux de fête qui ont longtemps animé les bords de Marne. Le bateau longe notamment Chez Gégène et évoque des établissements aujourd’hui disparus comme Chez Jullien ou le Casino du Viaduc.

Le répertoire rend hommage à Maurice Chevalier, Charles Trenet, Bourvil, Jean Gabin, Lucienne Delyle, Damia ou Fréhel, avec des chansons telles que “Ah ! Le petit vin blanc”, “Quand on s’promène au bord de l’eau”, “La java bleue” ou “À Joinville-le-Pont”.

Anne-Sophie Guerrier, créatrice d’un univers musical parisien

Le projet porte la marque du parcours d’Anne-Sophie Guerrier. Installée à Paris depuis plus de dix ans, elle vit à Montmartre, quartier d’artistes pour lequel elle a eu un véritable coup de cœur.

Chanteuse professionnelle, elle débute en 2019 dans les couloirs du métro parisien en tant que Musicienne du métro. En 2020, la pandémie l’empêche de poursuivre cette activité. Elle chante alors dans la rue et découvre la difficulté d’enchaîner un répertoire complet sans micro ni accompagnement.

De cette contrainte naît une forme originale : alterner refrains et anecdotes sur les artistes liés à Montmartre. Après de longues recherches sur leur vie et leur empreinte dans le quartier, elle construit un circuit autour des lieux où ils ont vécu et se sont produits.

En août 2021, elle lance Montmartre en chansons. Ce premier succès ouvre la voie aux créations suivantes.

De la rue aux scènes internationales

Le parcours d’Anne-Sophie Guerrier connaît aussi plusieurs prolongements artistiques.

En janvier 2024, elle représente la région Île-de-France au Grand Concours des Régions, diffusé en prime-time sur France 3. Sa manière de remettre au goût du jour la chanson réaliste et l’univers des guinguettes séduit Cyril Féraud et le jury. Cette exposition accompagne la naissance de Guinguettes en chansons.

Lors d’une visite à Montmartre, elle rencontre ensuite Guillaume Cardot, chef de l’Orchestre d’harmonie de Clermont-Ferrand. Ensemble, ils créent le concert Le Paris de Piaf, joué à guichets fermés à la Maison de la Culture de Clermont-Ferrand avec 75 musiciens. Face à l’accueil rencontré, le concert est décliné en duo et en quatuor. Il tourne aujourd’hui dans plusieurs villes en France, en Belgique et en Allemagne.

Ces créations scéniques donnent une autre dimension à Paris en chansons : le projet ne se limite pas aux parcours dans la ville, il se prolonge aussi sur scène, avec la même volonté de faire vivre le répertoire dans un rapport direct au public.

Une manière plus intime de redécouvrir Paris

Avec Paris en chansons, Anne-Sophie Guerrier rassemble les différentes facettes de son travail : la voix, la recherche, la transmission, la rue, la scène, les quartiers et la mémoire populaire.

Le projet s’adresse aux amoureux de Paris, aux passionnés de chanson française, aux visiteurs de passage comme aux habitants qui souhaitent poser un autre regard sur des lieux familiers. Il propose une expérience où l’on écoute autant que l’on regarde, où la chanson devient un outil de lecture de la ville.

En donnant une unité à ses visites, croisières et concerts, Anne-Sophie Guerrier affirme une démarche singulière : faire de Paris non pas un décor, mais un répertoire vivant.

En savoir plus

Vidéo de présentation : https://www.youtube.com/watch?v=5hOq-F5CjTA

Le site internet : https://www.parisenchansons.com

Facebook : https://www.facebook.com/annesophieguerrier

Instagram : https://www.instagram.com/annesophie.guerrier/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/annesophie-guerrier/

Avant même d’entrer en scène, Monsieur Wish installe un univers. Il ne parle pas, ou presque. Il observe, mime, improvise, déclenche la surprise.

Dans une époque où les contenus doivent capter l’attention en quelques secondes, son humour visuel possède un avantage rare : il se comprend partout, sans traduction.

Derrière ce personnage inspiré de Mr Bean, il y a Sand Wish, créateur de contenu, performeur et humoriste visuel français.

Devenu viral sur TikTok avec plus de 1,2 million d’abonnés et des vidéos dépassant les 50 millions de vues, il rassemble aussi une communauté sur Snapchat, Instagram et Twitch, tandis qu’un projet YouTube est en cours.

Déjà suivi par près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, Monsieur Wish prépare désormais une nouvelle étape internationale, notamment en Chine, où il est invité par l’agence MCN Top Agency à Hefei.

Quand Mr Bean rencontre TikTok, une ressemblance devient métier

Originaire de Normandie et aujourd’hui basé entre Épernay et ses nombreux voyages, Sand Wish a longtemps entendu la même remarque : il ressemblait naturellement à Mr Bean. Enfant déjà, il amuse son entourage en reproduisant les expressions, la démarche, le coucou, la voix et le célèbre “hey low” du personnage.

Pendant la période du Covid, alors qu’il vit plusieurs mois à Barcelone, il observe le succès de créateurs incarnant des personnages humoristiques sur les réseaux sociaux. À son retour en France, il décide de transformer cette ressemblance en véritable concept artistique. Il enfile le costume, publie ses premières vidéos, et le buzz est immédiat.

Monsieur Wish n’est pas seulement une imitation. C’est une vocation devenue personnage à plein temps : une figure vivante, immersive, construite pour le réel autant que pour les écrans.

Le rire sans sous-titres, la signature Wish

La force de Monsieur Wish tient à son silence.

Sans prononcer un mot, Sand Wish construit des situations comiques fondées sur le regard, le décalage, la précision gestuelle et l’improvisation. Une hésitation, une réaction, une entrée dans le champ, une rencontre avec un passant suffisent à créer un moment.

Ce langage visuel donne au personnage une portée rare. Il peut être compris par un enfant, un adulte, un public français, européen, asiatique ou américain. L’humour ne dépend ni d’une langue, ni d’un texte, ni d’un contexte culturel complexe.

Ce qui fait la singularité de Monsieur Wish :

• Une ressemblance naturelle et spontanée avec Mr Bean ;
• Un humour visuel, familial et intergénérationnel ;
• Une présence immersive, aussi forte hors caméra que sur les réseaux ;
• Une capacité à transformer des interactions simples en moments mémorables ;
• Une forte viralité sur TikTok ;
• Une communauté internationale en pleine expansion.

Monsieur Wish ne cherche pas seulement à faire rire. Il crée une scène autour de lui. Le public ne regarde plus seulement une vidéo : il entre dans l’action, filme, réagit, pose, partage.

L’événement comme terrain de jeu grandeur nature

Si TikTok l’a propulsé, Monsieur Wish prend toute sa dimension sur le terrain. Il intervient dans des fêtes foraines partout en France, des salons, foires événementielles, inaugurations, boîtes de nuit, clubs, événements privés, anniversaires, mariages et soirées à thème.

Sur place, il devient le “mème” vivant de l’événement : celui que l’on repère, que l’on filme, que l’on veut croiser. Il déambule, improvise, surprend les visiteurs, danse, anime et crée une ambiance immédiatement identifiable.

Ses prestations reposent sur une mécanique simple et efficace :

• Déambulation en interaction directe avec le public ;
• Photos, selfies et vidéos TikTok, Reels ou Snapchat ;
• Improvisations humoristiques ;
• Distribution de peluches Teddy ;
• Animations dansantes et moments participatifs.

L’intérêt pour les organisateurs est double : créer une expérience chaleureuse sur place et générer un contenu visuel naturellement partageable.

La Mini et Teddy, les deux aimants de l’univers Wish

La Mini inspirée de Mr Bean, proposée en option, joue un rôle central. Immédiatement reconnaissable, elle attire les regards dès son arrivée et crée un effet de curiosité. En exposition statique ou intégrée à une déambulation, elle devient un point d’attraction visuel pour un centre commercial, un salon, un festival ou une entreprise.

Elle permet aussi de créer des souvenirs durables : photos de groupe, selfies, vidéos, contenus exploitables pour la communication de l’événement. Avec la Mini, le public ne voit plus seulement un sosie ; il entre dans une expérience complète.

Teddy complète cet imaginaire. Distribué pendant certaines prestations, il apporte une dimension affective très appréciée des enfants comme des adultes. Ensemble, le costume, la voiture et Teddy forment une signature immédiatement lisible.

De Rednote à Hefei, l’humour Wish change d’échelle

Après la France, Monsieur Wish regarde désormais vers l’international. En Chine, la dynamique est déjà forte : près de 400 000 abonnés sur Rednote en quelques semaines, une invitation officielle par l’agence MCN Top Agency à Hefei, une tournée de création de contenu en préparation et plusieurs collaborations avec des productions chinoises à forte audience mondiale.

Cette étape confirme le potentiel de son registre comique : Monsieur Wish peut voyager sans perdre son efficacité. Là où beaucoup de concepts nécessitent traduction, adaptation ou repositionnement, son humour muet conserve sa force d’impact.

Vers un Monsieur Wish World Tour

Sand Wish souhaite aujourd’hui développer son personnage à l’échelle internationale, créer des collaborations avec des marques et événements majeurs, participer à des festivals populaires et renforcer sa présence médiatique en France comme à l’étranger.

Son ambition est aussi de lancer un véritable “Monsieur Wish World Tour” à travers la France, l’Europe, l’Asie et les États-Unis.

À la frontière du spectacle vivant, du contenu viral, de l’influence événementielle et de la culture populaire, Monsieur Wish s’impose comme une figure singulière du divertissement visuel moderne. Né d’une ressemblance, propulsé par TikTok, attendu en Chine, il raconte surtout une chose : le rire peut encore faire le tour du monde sans prononcer un mot.

En savoir plus

Site web : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ

Facebook : https://www.facebook.com/MonsieurWish/?locale=fr_FR

Instagram : https://www.instagram.com/monsieurwish/

Linkedin : https://fr.linkedin.com/in/sand-wish-b4b98328

TikTok : https://xhslink.com/m/1mpiNQfffuJ

En quelques années, les conditions d’entrée dans les secteurs du théâtre, du cinéma et de l’audiovisuel se sont profondément transformées : généralisation des self-tapes, multiplication des productions pour les plateformes, accélération des rythmes de casting, hybridation entre jeu théâtral et jeu caméra, montée des créations indépendantes et nouveaux usages liés aux réseaux sociaux.

Pour les jeunes comédiens, cette évolution modifie directement les attentes des professionnels. Les directeurs de casting, réalisateurs et agents artistiques recherchent désormais des profils capables de maîtriser plusieurs registres de jeu tout en comprenant rapidement les contraintes concrètes du métier.

Cette mutation du secteur pousse certaines écoles à revoir leur modèle pédagogique.

À Paris, le Studio Muller, école professionnelle de théâtre et de cinéma fondée en 2003, ouvre ses inscriptions pour la rentrée de septembre 2026 en mettant précisément l’accent sur cette question : comment former aujourd’hui des acteurs et actrices capables d’évoluer durablement dans un environnement artistique devenu plus complexe et plus concurrentiel ? 

Plus de 45 professionnels rencontrés chaque année : une pédagogie construite autour du contact avec le terrain

Le Studio Muller a été pensé comme un lieu de transmission dans lequel les élèves apprennent non seulement les techniques de jeu, mais aussi le fonctionnement réel du milieu artistique.

Cette orientation se traduit par l’intervention régulière de professionnels en activité au sein des cursus.

Chaque année, plus de 45 metteurs en scène, réalisateurs, agents artistiques et directeurs de casting rencontrent les étudiants.

Au-delà de la dimension pédagogique, ces interventions répondent à une problématique récurrente dans les métiers artistiques : la difficulté pour les jeunes acteurs d’accéder aux réseaux professionnels et de comprendre les attentes concrètes des recruteurs du secteur culturel et audiovisuel.

L’école défend ainsi une approche centrée sur l’immersion dans les réalités du métier.

Les élèves sont confrontés aux pratiques actuelles du casting, aux exigences du jeu face caméra, aux mécanismes de direction d’acteurs ainsi qu’aux attentes spécifiques des productions théâtrales et audiovisuelles.

Dans un secteur où les parcours professionnels se construisent souvent de manière fragmentée, ces rencontres jouent également un rôle d’orientation et de compréhension des évolutions du marché artistique.

Théâtre, cinéma, audiovisuel : la polyvalence devient un enjeu central de formation

Le modèle traditionnel de spécialisation unique tend progressivement à s’effacer dans les métiers du jeu.

Les jeunes comédiens sont aujourd’hui amenés à évoluer entre plusieurs formats : scène, séries, courts-métrages, publicité, contenus numériques ou créations indépendantes.

Cette évolution influence directement les contenus pédagogiques proposés par certaines écoles d’acteurs.

Le Studio Muller développe ainsi des cursus mêlant théâtre et cinéma afin de préparer les élèves à des contextes de jeu variés.

La formation comprend notamment le jeu théâtral, le jeu face caméra, l’improvisation, la technique Meisner, le travail de la voix, le corps, la préparation casting et la création de bande-démo.

L’école revendique également une approche ouverte des méthodes de jeu afin de permettre aux étudiants de développer leur singularité artistique plutôt que de reproduire un modèle unique d’interprétation.

Cette question de la singularité devient d’ailleurs de plus en plus importante dans les processus de sélection contemporains.

Les directeurs de casting accordent désormais une attention croissante à la personnalité artistique des candidats et à leur capacité d’adaptation à différents univers de réalisation.

Le Studio Muller affirme ainsi vouloir former des acteurs et actrices capables d’évoluer aussi bien au théâtre qu’au cinéma, avec une préparation à la fois artistique et professionnelle.

Classes à taille humaine et accompagnement individualisé : la réponse aux nouveaux parcours artistiques

L’évolution des métiers artistiques transforme également les attentes des étudiants vis-à-vis des écoles.

Les jeunes artistes recherchent désormais davantage de flexibilité, un accompagnement plus personnalisé et des parcours capables de s’adapter à des trajectoires souvent non linéaires.

Le Studio Muller met en avant des classes à taille humaine et un accompagnement individualisé afin de suivre plus précisément l’évolution artistique des élèves.

L’école présente sa pédagogie comme exigeante, moderne et bienveillante, avec une volonté constante de relier travail technique et préparation concrète à l’insertion professionnelle.

Depuis sa création, l’établissement indique avoir accompagné plusieurs milliers d’élèves dans leur formation artistique.

Cette expérience de plus de vingt ans constitue aujourd’hui l’un des éléments différenciants mis en avant par l’école dans un secteur de la formation artistique particulièrement concurrentiel.

Auditions, stages, projets face caméra : l’insertion professionnelle intégrée au cursus

La professionnalisation constitue aujourd’hui l’un des principaux sujets de préoccupation des étudiants en école d’acteurs.

Au-delà des enseignements artistiques, le Studio Muller cherche à multiplier les situations concrètes de mise en pratique.

Auditions, rencontres métiers, stages, spectacles et projets face caméra font partie des expériences proposées aux élèves durant leur cursus.

L’objectif affiché est de permettre aux étudiants d’acquérir une expérience progressive des réalités professionnelles avant leur entrée sur le marché du travail artistique.

Cette logique d’insertion repose également sur l’idée qu’un acteur doit désormais savoir construire activement son parcours professionnel, développer ses outils de présentation et comprendre les attentes spécifiques des différents interlocuteurs du secteur : agents, réalisateurs, directeurs de casting ou producteurs.

Studio Muller Prod : quand les écoles d’acteurs deviennent aussi des espaces de production

Le développement récent de Studio Muller Prod illustre une autre évolution importante dans les écoles artistiques : la création de structures de production intégrées.

Créée par le Studio Muller, cette maison de production a pour vocation d’accompagner les projets des élèves et de transformer leurs idées en spectacles, vidéos ou films aboutis.

En savoir plus

Site web : https://studio-muller.com/studio-muller-prod

Facebook : https://www.facebook.com/LeStudioMuller75014/

Instagram : https://www.instagram.com/lestudiomuller/

La sortie de Weber – Eine Welt in meinem Innern, nouvel album de l’Ensemble Hexaméron placé sous la direction artistique de Luca Montebugnoli, est prévue pour le 5 juin 2026 chez Paraty, jour du bicentenaire de Carl Maria von Weber.

Ce projet discographique sera précédé par un concert de sortie le 24 mai 2026 au Festival de La Nouvelle Athènes, dans le cadre du 4^e Festival Les Premiers Romantiques et la Nature, organisé au Château de Malmaison et à Bois- Préau.

Avec Weber – Eine Welt in meinem Innern, l’Ensemble Hexaméron propose de redécouvrir Carl Maria von Weber au-delà de l’image du seul compositeur du Freischütz. Figure centrale du romantisme allemand, Weber y apparaît dans toute la diversité de son langage : de la scène au salon, du lied à la musique de chambre, de la pièce concertante à l’arrangement. Cette circulation entre les genres, pensée et creusée par l’ensemble, constitue l’un des fils conducteurs du disque. Elle révèle une œuvre traversée par le théâtre, le récit, la virtuosité et le goût des couleurs instrumentales, où chaque format semble ouvrir un espace dramatique singulier.

Ce disque s’inscrit dans une dynamique artistique plus large, portée depuis plusieurs années par Luca Montebugnoli, personnalité de proue au sein de La Nouvelle Athènes, dans la redécouverte des premiers romantismes sur pianos historiques. Le concert du 24 mai donne ainsi au lancement de Weber – Eine Welt in meinem Innern une résonance particulière. Il relie l’actualité discographique de l’Ensemble Hexaméron, pensée pour honorer les 200 ans d’un compositeur majeur encore trop rarement reconnu à sa juste valeur, à l’implication de Luca Montebugnoli au sein de l’un des collectifs les plus dynamiques en France dans ce domaine.

La présence de ce concert au sein du Festival de La Nouvelle Athènes offre au lancement du disque un cadre particulièrement cohérent. Consacré aux premiers romantismes et à la nature, le festival met en regard musique, pensée romantique, arts visuels et patrimoine naturel autour des sensibilités du début du XIXe siècle. Cette thématique entre en résonance avec l’univers de Weber, où la nature, le théâtre, le paysage intérieur et la couleur instrumentale participent d’un même imaginaire romantique.

En savoir plus

Site de l’ensemble Hexaméron : https://www.hexameron.fr/

C’est le pari porté par La malédiction des filles Martin, création de l’auteur-compositeur lyonnais Frank Berty, qui franchit aujourd’hui une étape décisive avec une première représentation annoncée le 17 septembre 2026 à 20h30 salle Bellevue, au Radiant-Bellevue de Caluire-et-Cuire.

Inspiré de son roman publié aux Éditions du Lys Bleu, le projet se construit comme une œuvre à part entière, pensée dès l’origine pour exister à la fois sur scène, en musique et à l’image.

Entre concert blues rock, récit autobiographique et projections visuelles, il propose une forme immersive qui cherche à rendre une histoire intime accessible au public, non pas par le récit seul, mais par l’émotion.

Un spectacle musical immersif qui mêle concert, récit autobiographique et images projetées

Avec La malédiction des filles Martin, Frank Berty ne propose pas un concert au sens classique, ni une adaptation littéraire fidèle. Le projet repose sur une volonté clairement formulée : créer une expérience située à la frontière du spectacle musical et du langage cinématographique.

Sur scène, trois dimensions coexistent :

• La musique live, ancrée dans une esthétique blues rock ;
• Des projections visuelles immersives ;
• Une narration suggérée, non linéaire.

La musique structure l’ensemble et agit comme un vecteur émotionnel direct.

L’image, elle, installe des atmosphères, prolonge les sensations et inscrit le spectacle dans une dimension visuelle proche du cinéma. Entre les deux, le récit circule sans s’imposer frontalement.

L’ambition est explicite : proposer une forme intime, émotionnelle et accessible, où le spectateur n’est pas simplement face à une histoire, mais immergé dans une expérience qui sollicite à la fois l’écoute, le regard et la perception.

Un univers blues rock qui privilégie la sincérité à l’effet

L’identité musicale du spectacle s’inscrit dans un blues rock organique et authentique, porté par une équipe de musiciens professionnels français et américains, au service d’un son live puissant et immersif.

Ce choix permet de créer une proximité forte avec le public, en cohérence avec la dimension intime du projet. La musique s’y exprime avec justesse et intensité, portée par une équipe de musiciens professionnels, privilégiant l’émotion et l’interprétation plutôt que la démonstration.

Frank Berty développe cet univers depuis plusieurs années. Son premier album AQUABLUES (2019) a été remarqué par Oui FM, qui évoque « un voyage permanent à travers l’espace et le temps ». Il s’est également produit dans l’émission « JLPP » sur IDF1.

Avec Timelapse (2020), enregistré fin 2019, il poursuit cette exploration musicale. Le clip du titre « Rendre les larmes » a atteint près de 100 000 vues sur YouTube.

Son parcours s’inscrit dans une trajectoire personnelle assumée : « Au début des années 80, un ami m’apporte deux vinyles : ‘Deep Purple Made in Japan’ et ‘Bernard Lavilliers O’Gringo’. Ces deux albums m’ont donné envie de faire de la musique. »

Nancy Sinatra rejoint le projet et apporte une autre présence scénique

Le spectacle intègre également la participation de Nancy Sinatra, artiste belge reconnue comme animatrice TV, chanteuse et comédienne.

Sa présence vient enrichir la dynamique scénique, en introduisant une autre voix, une autre manière d’interpréter et d’habiter les séquences. Cette interaction contribue à élargir le registre émotionnel du spectacle.

Elle renforce la dimension internationale du projet, notamment en Belgique où elle bénéficie d’une forte notoriété (RTBF, RTL-TVI, Club RTL). Côté France : Nancy est une ancienne de France 2 (Stéphane Bern, Loto). Vous l’avez aussi remarqué sur Hit Talent, @ Vos clips , E-Classement et le meilleur du Top 50 sur M6 / W9.

Le 17 septembre 2026 Salle Bellevue, une première représentation pensée comme un lancement

La date du 17 septembre 2026 à 20h30, à la Salle Bellevue du Radiant-Bellevue, située à Caluire-et-Cuire, constitue un moment structurant pour le projet.

Cette première représentation marque le lancement artistique et médiatique de La malédiction des filles Martin.

L’événement est organisé au profit de l’association T.E.E.M. (Téléphane Énergie – Éditions et Multimédia), engagée dans le soutien à la création artistique, la production culturelle et l’accompagnement de projets musicaux et éditoriaux.

Etre accueilli dans la Salle Bellevue, du Radiant-Bellevue est un haut patronage, quand on connait les nombreuses réalisations de Victor Bosch, son directeur, producteur de Cabrel et de Voulzy, entre autres. Citons aussi la mairie de Caluire, qui prend en charge les frais de salle, en soutien à l’association.

Cette première étape s’inscrit dans une perspective plus large :

• Développement d’une tournée en France ;
• Ouverture vers la Belgique ;
• Montée en puissance progressive du projet.

Un projet qui se déploie au-delà du spectacle vivant

La malédiction des filles Martin s’inscrit dans une démarche artistique globale, déjà structurée autour de plusieurs formats.

Le roman constitue le socle. Le spectacle en est une extension scénique. La création musicale prolonge l’univers sonore. Un clip, dont le tournage est prévu en mai 2026, viendra renforcer la visibilité du projet.

Par ailleurs, des discussions sont en cours autour d’une éventuelle adaptation audiovisuelle.

Cette articulation entre différents supports donne au projet une profondeur particulière et ouvre des perspectives de développement à moyen et long terme.

Une expérience immersive qui place le spectateur au centre de ce qu’il ressent

L’ambition du spectacle dépasse la simple narration. Il s’agit de proposer une expérience où le spectateur ne se contente pas de suivre une histoire, mais la traverse.

La musique agit comme un vecteur direct d’émotion. L’image prolonge cette sensation. La narration, volontairement fragmentée, laisse des espaces d’interprétation.

Le spectateur devient ainsi partie prenante de l’expérience, invité à construire son propre rapport à ce qui lui est donné à voir et à entendre.

Informations pratiques

• Lieu : Salle Bellevue – Caluire-et-Cuire ;
• Date : 17 septembre 2026 ;
• Horaire : 20h30 ;
• Billetterie : https://yp.events/03c9a1dd-bc0c-423a-90dc-6cdb08af2a17/La-malediction-des-filles-Martin-Le-concert.

En savoir plus

Le spectacle : https://www.frankberty.com/le-spectacle/

Site web : www.frankberty.com

Facebook : https://www.facebook.com/FrankBerty