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Du Mont à l’oreille du monde : la fresque sonore primée “L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’ouvre gratuitement au grand public

servelnicolas@talariaxr.com — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Le Mont Saint-Michel ne se résume pas à une silhouette iconique dressée entre ciel et mer. Derrière ses remparts, ce sont des siècles d’histoires entremêlées qui se déploient, faites de foi, de luttes, de constructions titanesques et de vies humaines profondément ancrées dans leur époque.

Pourtant, cette richesse narrative échappe souvent à l’expérience de visite, absorbée par la densité des flux touristiques et la fascination immédiate pour le paysage. Face à ce décalage entre ce que l’on voit et ce que l’on comprend, de nouvelles formes de médiation émergent, capables de redonner chair au passé.

C’est dans cette logique que s’inscrit “L’Épopée du Mont Saint-Michel”, une fresque sonore immersive produite en 2020 par Talaria-XR, récompensée par le Prix Historia 2022.

Après cinq années de diffusion via une application mobile dédiée à la visite du site, cette œuvre s’affranchit désormais de tout dispositif pour être accessible gratuitement et librement sur SoundCloud, ouvrant son univers à un public élargi.

Quand le Mont se raconte lui-même : une fresque sonore qui redonne voix aux siècles oubliés

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” ne se contente pas de raconter l’histoire du site : elle la fait vivre. Conçue comme une véritable création narrative, elle propose une traversée immersive de plusieurs siècles, du XIIe au XVe siècle, à travers 21 épisodes répartis en quatre livres et un épilogue.

Cette construction en chapitres épouse le rythme d’un récit au long cours, où se succèdent scènes de vie, moments de tension, épisodes de guerre et instants plus intimes. Le Mont n’y apparaît plus seulement comme un décor, mais comme un espace habité, traversé par des hommes et des femmes dont les voix deviennent le fil conducteur.

Chantiers, batailles, festins, rencontres : chaque épisode donne à entendre une histoire en train de se faire, portée par une écriture qui privilégie l’incarnation. L’auditeur découvre les événements non pas à distance, mais à travers les regards et les expériences de ceux qui les ont vécus.

Cette approche permet de restituer la complexité d’une période historique tout en la rendant accessible, en transformant le savoir en récit.

Une œuvre pensée pour être vécue sur place… et désormais partout

À son lancement, “L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’inscrivait dans une expérience de visite augmentée. Les épisodes étaient intégrés à des parcours audio accessibles via une application mobile, permettant aux visiteurs d’écouter le récit à des points précis du site.

Ce dispositif répondait à plusieurs enjeux concrets liés à la visite du Mont :

Transformer les temps d’attente en moments d’écoute et de découverte ;
Proposer une alternative au bruit et à la densité de la fréquentation touristique ;
Orienter les visiteurs vers des lieux moins fréquentés, offrant des perspectives différentes sur l’abbaye et la baie ;
Adapter l’expérience selon le moment de l’écoute, en amont ou pendant la visite.

Soutenue par la ville du Mont Saint-Michel et l’office de tourisme Avranches – Mont Saint-Michel, cette diffusion ancrée dans le territoire participait à une nouvelle manière d’explorer le site.

Avec sa mise à disposition gratuite sur SoundCloud, l’œuvre change de nature. Elle quitte le cadre du parcours géolocalisé pour devenir une expérience autonome, accessible depuis n’importe quel lieu. L’écoute peut désormais se faire chez soi, en mobilité, seul ou en famille, prolongeant ou anticipant la découverte du Mont.

Une écriture sous tension entre exigence historique et souffle narratif

Au cœur du projet se trouve une double exigence : raconter sans simplifier, transmettre sans figer. Les faits historiques présentés dans “L’Épopée du Mont Saint-Michel” ont été étayés et vérifiés par une professeure d’histoire spécialiste de la guerre de Cent Ans, garantissant la solidité du socle documentaire.

Mais cette rigueur ne se fait pas au détriment de la narration. Au contraire, elle en constitue la base, sur laquelle vient se déployer un travail scénaristique qui donne au récit sa dynamique.

Le texte s’inscrit dans une écriture à la fois précise et incarnée, qui privilégie la progression dramatique. Les partis pris narratifs sont explicités dans le portail en ligne associé au projet, assurant une transparence sur les choix d’interprétation.

Cette articulation entre recherche historique et écriture immersive permet de proposer une lecture du passé à la fois fiable et sensible, où l’émotion devient un vecteur de compréhension.

Une mise en scène sonore qui fait basculer l’écoute dans l’expérience

L’une des spécificités majeures de “L’Épopée du Mont Saint-Michel” réside dans son traitement sonore. L’œuvre a été pensée comme une expérience immersive, où chaque élément participe à la construction d’un univers.

La spatialisation du son joue un rôle central : voix, ambiances, bruits de chantier, échos de batailles ou instants de silence viennent structurer l’écoute et situer l’auditeur dans l’espace.

À cela s’ajoutent :

Une composition musicale qui accompagne les moments clés du récit ;
Une direction artistique attentive aux rythmes et aux transitions ;
Un travail d’interprétation porté par des comédiens issus du cinéma et de la télévision.

Parmi eux figurent Olivier Bonjour (Zone Blanche, HPI), Constance Gay (Le dernier panache, Face à face), ainsi que Romain Tamisier, Christophe Perez, Nicolas Planchais, Angelina Diaz et Loris Gallo.

Leur prestation contribue à donner une présence tangible aux personnages, renforçant l’impression d’immersion. L’histoire ne se raconte plus, elle se vit “comme si on y était”.

Un format pensé pour s’inscrire dans les usages contemporains

Le choix du format audio n’est pas anodin. Il répond à une évolution des usages, marquée par la montée en puissance du podcast comme mode de consommation culturelle.

Dans le cas de “L’Épopée du Mont Saint-Michel”, ce format présente plusieurs atouts :

Une accessibilité immédiate, sans nécessité de support visuel ;
Une compatibilité avec la mobilité, permettant une écoute en situation de visite ou à distance ;
Un découpage en épisodes courts, facilitant l’appropriation du contenu ;
Une dimension immersive qui favorise la concentration et l’imaginaire.

Le podcast s’adresse ainsi à un public large : familles, touristes, passionnés d’histoire, amateurs de récits épiques ou simples curieux. Il peut être partagé collectivement, notamment dans le cadre familial, ou écouté de manière individuelle.

Une trajectoire singulière : de la production indépendante à la diffusion libre

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” est née de l’initiative de Julie Servel et Nicolas Servel, cofondateurs de Talaria-XR en 2020. Leur parcours, à la croisée de la production audiovisuelle, de la réalisation et de l’entrepreneuriat, a nourri une approche hybride, mêlant création artistique et médiation culturelle.

Julie Servel, réalisatrice et productrice, a mené une carrière à Bruxelles avant de se tourner vers des projets de fiction. Nicolas Servel, après un parcours de diplomate en Chine et des expériences internationales, s’est orienté vers la production et la réalisation.

Ensemble, ils ont développé plusieurs projets liés au patrimoine, notamment pour le Scriptorial d’Avranches ou le Port Center du Havre.

La dissolution de Talaria-XR en 2025 marque une inflexion dans leur trajectoire. Julie Servel poursuit désormais une carrière dans le cinéma, tandis que Nicolas Servel s’oriente vers une activité de guide d’expédition dans des environnements extrêmes (Arctique, Antarctique, Amazonie) et de conférencier.

Dans ce contexte, la décision de rendre leurs créations accessibles gratuitement s’inscrit dans une volonté de transmission, détachée de toute logique entrepreneuriale.

Une reconnaissance qui inscrit le projet dans les mutations de la médiation culturelle

L’attribution du Prix Historia 2022 dans la catégorie “Histoire et Nouvelles Technologies” vient souligner la pertinence du projet. Cette distinction met en lumière une évolution des pratiques culturelles, où les formats numériques et immersifs prennent une place croissante.

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’inscrit dans ce mouvement, en proposant une alternative aux dispositifs traditionnels de médiation. Elle illustre la capacité du son à porter un récit historique complexe, tout en renouvelant l’expérience du public.

Une œuvre qui poursuit sa route, au-delà du Mont

En devenant librement accessible en ligne, “L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’affranchit de son ancrage initial pour toucher un public élargi. Elle peut désormais accompagner des auditeurs qui ne se rendront pas nécessairement sur le site, tout en enrichissant l’expérience de ceux qui préparent ou prolongent leur visite.

Cette ouverture correspond à l’ambition portée par ses auteurs : permettre à l’œuvre de continuer à circuler, à être écoutée, partagée et appropriée.

Dans ce passage d’une expérience localisée à une diffusion ouverte, le podcast conserve son identité : celle d’un récit exigeant, immersif et accessible, qui propose une autre manière d’entrer dans l’histoire.

Pour en savoir plus

Le podcast : https://soundcloud.com/talaria-xr

L’application : https://app.talariaxr.com/

Site web : https://www.talaria-xr.com/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/company/talaria-xr

Contact Presse

Nicolas SERVEL

Mail : servelnicolas@gmail.com

Téléphone (Whatsapp préféré) : +33 (0)7 67 17 62 79

Les Noctambules d’Avignon : dans la pénombre des pierres, une autre histoire s’écrit

info@lesnoctambulesdavignon.com — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

À Avignon, la fréquentation touristique ne faiblit pas.

Portée par la renommée internationale du Palais des Papes et par l’intensité culturelle qui caractérise la ville, elle s’accompagne pourtant d’une évolution des attentes : visiteurs comme prescripteurs cherchent désormais des expériences plus incarnées, plus qualitatives, capables de dépasser la simple accumulation de sites pour proposer une véritable compréhension des lieux.

Dans cette ville où l’histoire affleure à chaque coin de rue, une question s’impose alors : comment redonner du relief à un patrimoine déjà largement exploré, sans le réduire à un discours figé ou à un parcours standardisé ?

C’est dans cet espace de réflexion qu’émerge une approche singulière, qui fait le choix de la nuit pour transformer le regard, ralentir le rythme et réintroduire du lien.

Les Noctambules d’Avignon s’inscrivent dans cette dynamique, en proposant des visites guidées immersives et conviviales qui invitent à découvrir la cité papale autrement, à travers une déambulation sensible, un échange direct et une lecture renouvelée de son histoire.

Quand la lumière décline, la ville se révèle : Avignon en clair-obscur

La nuit n’est pas ici un simple décor, ni un artifice destiné à renouveler l’expérience. Elle constitue le cœur même du dispositif.

À mesure que les rues se vident, Avignon se transforme. Les lignes s’adoucissent, les volumes s’approfondissent, les bruits s’effacent. La ville devient plus lisible, presque plus honnête dans sa manière de se dévoiler. Là où le jour impose un regard rapide, la nuit invite à la lenteur.

Les Noctambules d’Avignon s’inscrivent dans cette temporalité particulière, en proposant des circuits à pied qui tirent pleinement parti de cette métamorphose.

Les éclairages nocturnes redessinent les monuments, révélant des détails souvent ignorés ;
Les ruelles médiévales retrouvent leur dimension originelle, propice à l’écoute et à l’imaginaire ;
Le calme ambiant permet une immersion sans rupture, sans distraction ;
La baisse des températures transforme la marche en expérience confortable, même en plein été.

Dans ce contexte, la visite cesse d’être une succession d’informations pour devenir une expérience sensorielle, presque narrative, où chaque pas prolonge le précédent.

Déambuler, plutôt que visiter : quatre parcours comme autant de récits vivants

Les Noctambules d’Avignon ne proposent pas un catalogue de visites, mais une série de traversées, chacune construite comme un récit autonome, avec ses tensions, ses révélations, ses points d’ancrage.

La Noctambule du Pape — Dans l’ombre portée du pouvoir pontifical

Ce parcours plonge au cœur de la transformation d’Avignon au XIVe siècle. Il ne s’agit pas seulement d’évoquer la présence des papes, mais de comprendre comment elle a redéfini la ville, ses équilibres, ses symboles. Le pont d’Avignon, entre autres, s’inscrit dans cette lecture, comme un point de passage entre histoire et imaginaire collectif.

Pour certains visiteurs, l’expérience agit comme un véritable prolongement de la visite du Palais :

Un vrai complément et un vrai “plus” à la visite intérieure… On repart enchanté et riche de cette remontée dans le temps.

Régis R., avril 2025

La Noctambule entre Chrétiens et Bourgeois — La ville comme théâtre des équilibres sociaux

Ici, les rues deviennent des indices. Les hôtels particuliers, les édifices religieux, la chapelle des pénitents noirs racontent une autre histoire : celle des rapports de force, des influences, des cohabitations. Une lecture plus fine, plus discrète, mais essentielle pour comprendre la structure de la ville.

La Noctambule entre passé et présent — Une ville stratifiée, toujours en mouvement

Du vestige romain à la forteresse pontificale classée au patrimoine mondial de l’UNESCO, ce parcours interroge la continuité. Comment ces différentes époques coexistent-elles aujourd’hui ? Comment s’inscrivent-elles dans le quotidien des habitants ? La rue des Teinturiers devient ici un fil conducteur.

La Noctambule de Villeneuve-lez-Avignon — Franchir le fleuve, changer de perspective

En quittant Avignon pour sa ville sœur, le regard se déplace. Villeneuve-lez-Avignon, avec ses ensembles gothiques, propose une autre lecture du territoire. Moins exposée, mais tout aussi riche, elle révèle une identité propre, complémentaire de celle de la cité papale.

Une expérience particulièrement marquante pour les visiteurs :

Beaucoup d’explications, d’informations, d’anecdotes… de jolis points de vue et de photos en souvenirs.

Magalie M., septembre 2025

Chaque parcours est conçu comme une progression, où l’histoire se dévoile par touches successives, sans jamais rompre le fil de la déambulation.

Une parole qui circule : remettre l’échange au cœur de la visite

Ce qui distingue profondément Les Noctambules d’Avignon, c’est la place accordée à la parole — non pas comme outil de diffusion, mais comme vecteur de relation.

Ici, le guide ne s’adresse pas à un groupe, il s’adresse à des personnes. La nuance est essentielle.

Concrètement, cela se traduit par :

Des groupes volontairement restreints, favorisant l’attention et la proximité ;
L’absence d’amplification sonore, pour préserver une relation directe ;
Une narration souple, capable de s’adapter aux réactions et aux questions ;
Un dialogue constant, où le visiteur devient acteur de sa découverte.

Cette approche trouve un écho direct dans les retours du public :

Vincent partage ses connaissances avec humour et ponctue la découverte d’anecdotes savoureuses… Un vrai plaisir à écouter !

Véronique N.

Ni conférence, ni spectacle : une manière habitée de transmettre l’histoire

Les Noctambules d’Avignon occupent une position singulière, à distance des formats traditionnels.

Il ne s’agit ni d’un cours magistral, ni d’une mise en scène spectaculaire. L’enjeu est ailleurs : dans la justesse du ton, dans la capacité à faire exister un récit sans l’imposer.

Cette approche repose sur un équilibre subtil :

Une exigence historique réelle, fondée sur une connaissance approfondie ;
Une liberté de narration, qui permet d’ajuster le discours à chaque groupe ;
Une intégration d’éléments personnels, qui incarnent les lieux sans les détourner ;
Une attention constante à la réception, pour maintenir un engagement actif.

Pour certains visiteurs, cette posture fait toute la différence :

Un guide passionné et passionnant… le meilleur ambassadeur de sa ville.

Isabelle R.-D.

Vincent Pasquinelli : raconter Avignon depuis l’intérieur

Derrière Les Noctambules d’Avignon, il y a une voix. Et cette voix porte une histoire qui dépasse celle des monuments.

Vincent Pasquinelli est né à Avignon. Il y a grandi, arpenté ses rues, vécu ses transformations. Cette relation précoce au territoire constitue aujourd’hui une dimension essentielle de son approche.

Mais cette connaissance intime ne s’est pas construite en vase clos. Elle s’est enrichie ailleurs.

À Barcelone, pendant dix ans, il développe son métier de guide, après avoir obtenu une licence en tourisme durable. Il y apprend la diversité des publics, l’importance de l’adaptation, la nécessité de rendre accessible sans simplifier.

En Inde, dans le Maharashtra, où il cofonde une agence en 2017, il approfondit encore cette relation à la transmission, en partageant son savoir-faire et en découvrant d’autres manières de raconter un territoire.

Son retour à Avignon, en 2018, agit comme une synthèse. Une promenade nocturne devient un moment fondateur. La ville, soudainement apaisée, lui apparaît autrement. Les Noctambules naissent de cette évidence.

Depuis, l’obtention du diplôme de guide conférencier en septembre 2023 vient asseoir cette trajectoire, en lui permettant d’intervenir dans l’ensemble des monuments emblématiques de la région.

2026 : étendre le territoire sans perdre l’esprit

La saison 2026 marque une nouvelle étape dans le développement des Noctambules d’Avignon.

Plusieurs axes structurent cette évolution :

L’ouverture à de nouveaux territoires, avec des circuits développés en partenariat avec l’office de tourisme du Grand Avignon, notamment à Roquemaure, Vedène, Rochefort-du-Gard et Caumont-sur-Durance ;
La possibilité d’intervenir à l’intérieur des monuments, en particulier le Palais des Papes, grâce à la certification obtenue ;
Le maintien d’un format à taille humaine, malgré l’élargissement de l’offre.

Cette dynamique permet de diversifier les expériences tout en conservant l’ADN du projet : proximité, dialogue, immersion.

Les collaborations avec des institutions comme l’abbaye Saint-André, dont Vincent Pasquinelli est le guide officiel, témoignent de la reconnaissance de cette approche.

Faire de la visite un moment partagé : une autre manière d’habiter le tourisme

Au fond, Les Noctambules d’Avignon posent une question simple : que reste-t-il d’une visite une fois qu’elle est terminée ?

Des informations, sans doute. Des images, parfois. Mais plus rarement un souvenir incarné, lié à un moment, à une rencontre, à une sensation.

C’est précisément ce que le concept cherche à provoquer.

En replaçant l’humain au centre, en ralentissant le rythme, en ouvrant un espace de dialogue, il transforme la visite en expérience. Non pas spectaculaire, mais sensible. Non pas démonstrative, mais partagée.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.lesnoctambulesdavignon.com/

Facebook : https://www.facebook.com/lesnoctambulesdavignon

Instagram : https://www.instagram.com/lesnoctambulesdavignon/

Poétique de L’Arbre – Le rendez-vous des enchanteurs, du 28 mars au 30 mai 2026

Gestion Edissio — Tue, 24 Mar 2026 13:39:25 +0000

GALERIE ORENDA

54, rue de Verneuil. 75007 Paris

Pour célébrer le printemps 2026, la galerie ORENDA a réuni trois artistes amoureux de la Nature : Roland De Leu, Thierry Lamouche et France Mitrofanoff. Créateurs et enchanteurs, ils nous invitent à une méditation sur la présence des arbres dans notre imaginaire.

Roland De Leu, architecte, dessinateur hors pair et peintre subtil, a rendu hommage aux arbres de multiples manières- tracés au fusain et à la mine de plomb, à l’encre de chine, à la sanguine ou au pastel. Ses arbres, comme l’a révélé son exposition à le Galerie ORENDA à l’automne 2018, semblent souvent en lévitation, libérés du sol, émancipés de leur tronc. Leur présence individuelle est si forte qu’ils invitent au dialogue avec ceux qui les observent. L’artiste a porté son regard sur les lignes d’horizons dessinées par les feuillages, les points de rencontre entre leurs silhouettes généreuses, opulentes, voire ébouriffées, et la plénitude du paysage. Certaines futaies rencontrent le ciel. L’artiste aimait à jouer sur le clair-obscur et disait avec humour qu’en dépit de leur calme apparent ses arbres semblaient « comme en attente d’un événement ».

Thierry Lamouche, dessinateur et peintre connu pour sa capacité d’épure et son inspiration poétique (il a conçu la gracieuse Marianne adoptée en 2004, les yeux levés vers le ciel, devenue effigie officielle des timbres français), présente dans cette exposition une farandole d’arbres dans les formats les plus variés alternant rotondités figuratives et formes géométriques anguleuses. Il joue sur des tonalités acidulées, pétillantes, inattendues, parfaitement adaptées à son sens accompli du design. Quelques noirs et blancs se distinguent par leur puissance éthérée. L’artiste, qui a travaillé avec des musiciens, confère une vitalité rythmée à ses compositions. Il dépeint admirablement la force vitale des arbres, l’élan des troncs d’où surgit le foisonnement des feuillages. Ses arbres imaginaires deviennent les personnages ludiques d’un ballet de couleurs et de formes.

France Mitrofanoff, artiste accomplie, portée par son énergie prodigieuse et sa maitrise technique vers la réalisation de vastes fresques, excelle aussi dans les formats plus intimes, où se révèle son intériorité profonde. Sa rétrospective intitulée, Ces chênes qu’on abat, qui remporta en 2024 un grand succès à la Mairie du Ve arrondissement de Paris, a mis en évidence la constance de l’arbre et de la forêt dans ses méditations sur les menaces qui pèsent sur le monde naturel et notre propre équilibre vital. Ses forêts noires, dévorées par les incendies, sont saisissantes. En contrepoint, ses rêveries la conduisent à recréer admirablement des mondes merveilleux- mémoires d’enfance, forêts blanches russes, nuits étoilées, et lui inspirent des compositions lumineuses et foisonnantes. L’arbre y apparaît comme un pôle de résistance aux fracas du monde. La régénération saisonnière des arbres, la puissance de leurs racines et leur élan vers le ciel deviennent sous son pinceau des métaphores puissantes d’une quête existentielle, d’un rêve d’harmonie. La sélection des œuvres pour l’exposition à la Galerie ORENDA met en évidence l’émerveillement de l’artiste devant la splendeur d’instants fugitifs inoubliables d’osmose avec la Nature.

Symphonie printanière à trois voix, au-delà de la botanique, cette exposition nous invite tant à partager l’intériorité des artistes qu’à porter notre regard sur les arbres qui nous entourent, agrémentent et accompagnent notre espace vital. Souvent menacés mais renaissants au fil des saisons, leurs silhouettes habitent nos rêves et nos souvenirs. Avec ces trois artistes, qui confèrent à leur présence une qualité vibrante, voire surnaturelle, cette exposition est une invitation à les replacer au cœur de nos vies.

En savoir plus

Site web : https://www.orenda-art.com

Téléphone : 06 73 79 45 18

Hüdada et les premiers Hommes : un album jeunesse entre bande dessinée et récit initiatique qui interroge les préjugés et les croyances

sandcorre@gmail.com — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Les récits destinés à la jeunesse ont longtemps été des terrains privilégiés pour explorer les grandes questions humaines : la peur de l’inconnu, la différence, l’apprentissage de soi ou encore la manière dont les croyances façonnent notre regard sur le monde. De nombreux albums et bandes dessinées contemporains prolongent aujourd’hui cette tradition en proposant des histoires accessibles aux enfants tout en ouvrant plusieurs niveaux de lecture pour les adultes.

C’est dans cette perspective que s’inscrit la publication de l’album Hüdada et les premiers Hommes, écrit et illustré par Cyril Flautat et publié par les éditions Présence. Pensé pour les lecteurs rêveurs, petits et grands, cet album propose une aventure graphique et narrative qui mêle humour, imaginaire et réflexion autour de la tolérance, de la confiance en soi et de la remise en question des croyances.

À travers l’univers des Dahüts — créatures inspirées d’une légende comique revisitée — le livre propose un récit accessible dès 6 ans, tout en s’adressant aussi aux adolescents et aux adultes grâce à ses multiples niveaux de lecture.

Une chasse à l’Homme qui se transforme en exploration du regard porté sur l’autre

Le point de départ de l’histoire repose sur une situation simple, presque ludique : Hüdada, jeune dahüt appartenant au clan des Dahüts d’là-haut, poursuit une partie de chasse à l’Homme commencée avec ses deux compagnons de toujours, Ptilhü et Goulhü.

Très vite, ce jeu d’aventure bascule vers une exploration plus large.

Le protagoniste, décidé à continuer seul son périple, s’aventure dans un territoire mystérieux où chaque rencontre devient une occasion d’apprentissage.

L’histoire progresse alors de découvertes en révélations, au fil d’une quête qui amène progressivement le personnage à reconsidérer le sens même de cette chasse.

Et si après tout la chasse à l’Homme était bien plus qu’un simple jeu ?

Ce renversement progressif constitue l’un des ressorts du récit : la chasse, initialement présentée comme un divertissement, devient un questionnement sur la perception de l’autre, les idées reçues et la construction des croyances.

Un album pensé pour plusieurs niveaux de lecture, accessible dès 6 ans

L’ouvrage adopte un format d’album illustré proche de la bande dessinée. Il compte 60 pages couleur et se présente sous la forme d’un volume relié à couverture rigide au format fermé 23 × 29 cm.

Le livre s’adresse officiellement aux enfants et adolescents à partir de 6 ans, tout en revendiquant une lecture ouverte à tous les âges.

Les éditions Présence expliquent cette intention éditoriale en ces termes : le livre s’adresse aux lecteurs “à partir de 6 ans, jusqu’à… pas d’âge ! Parce qu’on ne finit jamais de grandir, ni de remettre en question ce qu’on croyait savoir !”

L’histoire est donc construite pour permettre plusieurs niveaux de lecture :

les plus jeunes suivent l’aventure et l’humour du récit
les lecteurs plus âgés peuvent y percevoir une réflexion sur la différence, les croyances et les mécanismes de jugement.

Un autre élément distingue l’ouvrage : la typographie utilisée est adaptée aux lecteurs dyslexiques, un choix éditorial systématique dans les publications des éditions Présence.

Un projet artistique développé pendant plus d’une décennie

L’univers des Dahüts n’est pas né récemment. L’auteur et illustrateur Cyril Flautat explique que ce projet l’accompagne depuis de nombreuses années.

Cette idée des Dahüts dort dans mes cartons et cahiers depuis une bonne douzaine d’années… encore fallait-il trouver une maison d’édition intéressée par ce projet. C’est chose faite avec les éditions Présence.

L’artiste évoque une construction nourrie par ses centres d’intérêt et par ses expériences personnelles. Il décrit un mélange d’influences :

“J’ai toujours eu des passions multiples dans lesquelles je m’immergeais complètement : le dessin, la BD, le cinéma, la lecture (Fantasy, SF, Histoire, récits d’aventure, etc.), l’archéologie et la géologie. Et bien sûr, beaucoup d’activités physiques liées au milieu montagnard. Si je mélange tout cet ensemble, on en arrive aux Dahüts”, explique Cyril Flautat.

L’auteur précise également les inspirations intellectuelles de l’univers, entre légende comique réappropriée, touche de sciences humaines mâtinées de mythologie occidentale, et mise en scène graphique la plus riche possible, afin de divertir les lecteurs de tous âges.

Cette approche hybride explique le positionnement du livre : à la fois récit d’aventure accessible et univers narratif plus large.

Un parcours professionnel entre illustration, publicité et narration

Cyril Flautat vit aujourd’hui en Savoie, dans les Alpes du Nord. S’il a passé son enfance en Normandie, il évoque également les séjours dans le Morvan chez ses grands-parents maternels comme une source importante d’inspiration :

Un vieux pays pétri de légendes, de forêts impénétrables et de vieilles bâtisses en granit. De quoi nourrir son inspiration.

En 1983, sa famille s’installe en Savoie. Il décrit ce territoire comme “un univers d’une richesse inouïe”, marqué par “ses montagnes vertigineuses, ses vallées cachées et ses torrents impétueux”.

Formé aux Arts appliqués de Lyon, il a ensuite travaillé pendant environ trente ans dans différentes agences de communication, où il a occupé plusieurs fonctions liées à la création publicitaire : graphiste, roughman illustrateur, directeur artistique et concepteur rédacteur.

Cette double expérience – artistique et narrative – influence sa manière de concevoir ses projets éditoriaux, entre écrit et dessin. Cyril évoque un attrait tout particulier pour le travail du fond et de la forme, qu’il juge très varié et enrichissant.

Une rencontre éditoriale décisive avec les éditions Présence

La publication de l’album résulte d’une rencontre avec la maison d’édition Présence, dirigée par Sandrine Corre.

L’éditrice raconte avoir été immédiatement marquée par le projet. L’adhésion se fait également autour des valeurs portées par l’histoire.

J’y ai vu des messages qui collaient avec mes valeurs et ce que je veux transmettre. L’humour a fini de me convaincre qu’il ne fallait pas que je laisse passer ce coup de cœur !

Une maison d’édition indépendante centrée sur la transmission et les émotions

Sandrine Corre a fondé les éditions Présence en 2019.

L’ambition de la maison d’édition Présence est claire : partager, transmettre des émotions et des valeurs à travers les livres.

La maison d’édition revendique une ligne éditoriale centrée sur la dimension humaine et éducative de la lecture.

Son slogan résume cette orientation : “Des livres qui font grandir.”

Depuis sa création, huit livres ont été publiés, certains écrits par l’éditrice elle-même et d’autres sélectionnés parmi des auteurs extérieurs, tous porteurs de messages qu’elle juge essentiels.

Elle décrit également sa manière d’aborder l’édition indépendante :

Ma maison d’édition est peut-être petite, mais elle est d’un esprit convivial et familial, au plus près des auteurs et des lecteurs. Quand j’édite un livre, il prend vie et chemine, même après des années.

Une série en préparation pour explorer d’autres thèmes

Hüdada et les premiers Hommes constitue le premier volume d’un univers appelé à s’étendre.

Les éditions Présence annoncent leur intention de développer une série complète, et précisent que ce livre n’est que le début.

L’objectif ? Créer un personnage qui rappellerait de ne pas avoir de préjugés, de se remettre en question ainsi que nos croyances, mais aussi d’avoir confiance.

En savoir plus

Site : https://editions-presence.fr

Facebook : https://www.facebook.fr/sandrinecorreauteur

Et si le sort des mères disait l’état de nos démocraties ?

Gestion Edissio — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Un film documentaire réalisé par Eve Simonet et Sarah Tahlaiti

La maternité est-elle un choix intime… ou un champ de bataille politique ?

Avec Mothers Without Borders, Sarah Tahlaiti et Eve Simonet signent un long documentaire qui interroge les conditions dans lesquelles on devient mère aujourd’hui.

Synopsis

Sarah rêve d’avoir un enfant, mais craint de trahir ses convictions féministes. Eve est mère solo, lesbienne, militante pour les droits des enfants, et vit au quotidien les discriminations liées à sa maternité.

Avec la montée de l’extrême droite en France et les discours natalistes conservateurs, elles s’interrogent sur les restrictions des droits reproductifs ainsi que le statut actuel des mères.

De ce dialogue naît une traversée européenne dans des pays marqués par un basculement à l’extrême droite ou au contraire par des politique progressistes. De Paris à Milan, de Madrid à Varsovie, les réalisatrices rencontrent des mères, celles et ceux qui les entourent ou les soignent pour déterminer quels sont les risques ou avancées lorsque les politiques publiques s’attaquent aux droits des mères.

Une production on.suzane

on.suzane est une maison de production indépendante fondée par les deux réalisatrices. Elle développe des œuvres documentaires à la croisée de l’intime et du politique, avec une attention particulière aux récits féministes, queer et sociaux.

Leur précédent documentaire, Réinventer l’enfance, soutenu par le CNC Talent, a rencontré un large écho médiatique et public.

Le documentaire sera disponible sur la plateforme à partir du 01 avril 2026

Les réalisatrices

Eve Simonet

Réalisatrice, productrice et cofondatrice de on.suzane. Mère solo et militante, elle est également fondatrice de l’association Le Club Poussette, présente dans 180 villes.

Sarah Tahlaiti

Réalisatrice, productrice et directrice générale de on.suzane. Activiste féministe, elle s’empare des sujets liés aux inégalités au travers des documentaires produits et réalisés.

En savoir plus

Site web : https://on-suzane.shop/fr/

Opentalent 2026 : alléger la gestion pour préserver ce qui fait vivre la culture

guillaume.corcoba@opentalent.fr — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

La culture ne tient pas uniquement sur des scènes, des salles ou des programmations.

Elle repose sur une organisation invisible, souvent fragile, portée par des femmes et des hommes engagés, bénévoles, artistes, enseignants, responsables associatifs, qui assurent chaque jour la continuité de la vie culturelle sur les territoires. Or, à mesure que les exigences administratives s’intensifient, cet engagement devient plus difficile à soutenir, moins attractif, parfois décourageant.

Cette tension silencieuse interroge directement la capacité du secteur culturel à se projeter dans la durée.

Comment préserver la diversité des pratiques, la transmission et l’ancrage local, lorsque l’énergie se consume dans la gestion plutôt que dans la création ?

C’est à partir de cette question, profondément ancrée dans la réalité du terrain, qu’Opentalent a construit son projet.

Avec une ambition assumée : apporter des outils concrets pour soutenir celles et ceux qui font vivre la culture, et contribuer, par la technologie, à la défense d’un écosystème culturel accessible, structuré et durable.

Les bénévoles des structures culturelles sous tension

Dans les structures culturelles, le quotidien est fait d’enchaînements très concrets. Inscriptions à gérer, adhérents à suivre, emplois du temps à ajuster, matériel à inventorier, événements à organiser, informations à transmettre aux publics, aux familles, aux partenaires institutionnels. Autant de tâches indispensables, rarement visibles, mais déterminantes pour la survie des projets.

Dans de nombreux cas, ces missions reposent sur des équipes réduites, parfois sur une seule personne, souvent bénévoles. Les outils disponibles, lorsqu’ils existent, sont fréquemment morcelés, peu adaptés aux usages culturels ou conçus pour des organisations disposant de moyens humains et financiers sans commune mesure avec ceux du tissu associatif.

Cette fragmentation a un coût. Elle allonge les temps de gestion, multiplie les risques d’erreur, concentre la charge mentale sur quelques individus et fragilise l’organisation globale. À terme, ce sont des projets qui peinent à se renouveler, des responsabilités difficiles à transmettre et un engagement qui devient plus difficile à maintenir.

C’est précisément sur cette réalité opérationnelle qu’Opentalent a choisi d’intervenir, non en ajoutant une couche supplémentaire de complexité, mais en repensant la manière dont les structures culturelles s’organisent, communiquent et valorisent leurs actions.

Structurer sans alourdir : la mission d’Opentalent

La plateforme Opentalent repose sur un choix fort : centraliser, dans un environnement unique, l’ensemble des fonctions nécessaires à la vie d’une structure culturelle. Gestion des membres, organisation des événements, communication, suivi du matériel, visibilité des actions, tout est pensé pour limiter les ruptures, les doublons et la dispersion des informations.

Ce choix n’est pas seulement technique. Il répond à un enjeu fondamental pour le secteur culturel : préserver l’énergie humaine.

En simplifiant les processus, Opentalent permet aux équipes de retrouver de la lisibilité dans leur organisation, de sécuriser leurs données et de consacrer davantage de temps aux projets artistiques et pédagogiques.

Opentalent Artist : pour que la gestion soit facilitée et n’effraie plus les bénévoles

Opentalent Artist est le premier logiciel d’Opentalent, conçu spécifiquement pour les orchestres, chorales, compagnies de théâtre et troupes artistiques. Avec ce logiciel, les structures peuvent gérer tous les aspects de leur activité : des membres aux événements, en passant par la gestion des équipements comme les instruments, partitions, costumes, et plus encore.

En 2026, Opentalent franchit une nouvelle étape majeure : Opentalent Artist est désormais commercialisé auprès de tous les acteurs culturels, au-delà du réseau historique de la Confédération Musicale de France (CMF). Fort de plus de 15 années d’expertise et de l’accompagnement de plus de 3 300 structures, le logiciel s’ouvre aujourd’hui à l’ensemble des structures culturelles sur tout le territoire français, avec l’ambition de simplifier durablement leur gestion et de libérer leur énergie créative.

En plus de cette gestion complète des événements, Opentalent Artist offre une communication fluide avec les membres et le public, tout en optimisant la logistique des répétitions et des concerts.

La solution permet également de bénéficier d’une visibilité immédiate sur le web grâce au site internet inclus dans l’offre et à la parution automatique de la structure et de ses événements sur l’agenda et l’annuaire culturel Opentalent.

“Opentalent Artist Premium, répond parfaitement aux besoins d’une structure comme la nôtre. Son atout majeur ? L’intégration avec le site internet, qui évite les doubles saisies et optimise notre temps.”
M. MONTESSUIT, Directeur musical, Orchestre d’harmonie de Cluses

Pour faciliter l’adoption, chaque structure peut tester gratuitement le logiciel pendant 30 jours, puis accéder à un compte gratuit après la période d’essai pour maintenir sa présence en ligne. Les associations ont également la possibilité d’intégrer HelloAsso pour la billetterie et les dons, ainsi que BasiCompta® pour la gestion comptable.

Cette ouverture progressive à l’ensemble du monde associatif confirme l’ambition d’Opentalent de devenir un partenaire de référence pour toutes les structures qui souhaitent faciliter leur gestion quotidienne.

Opentalent School : une solution complète pour les établissements d’enseignement artistique, quelle que soit leur taille

Opentalent School est conçu pour les écoles de musique, de danse, de théâtre, de cirque, les conservatoires et les MJC. La solution accompagne des établissements de 50 à plus de 3 000 élèves dans la gestion des inscriptions, des emplois du temps, du suivi pédagogique, du matériel, de la facturation et de la communication avec les familles et les équipes.

À l’origine prévu pour les petites écoles associatives, le logiciel se devait d’être simple, ergonomique et économique. Ces caractéristiques ont rapidement attiré des établissements plus importants, séduits par une approche qui privilégie l’efficacité sans sacrifier l’accessibilité.

“Opentalent School est un logiciel simple d’utilisation après la formation. Pensé initialement pour la musique, il s’adapte très bien à d’autres domaines. L’outil est bien conçu et efficace, développé par une équipe ouverte, dynamique et à l’écoute. L’assistance est très réactive : j’ai toujours obtenu une réponse rapide à mes besoins, ce qui est fort appréciable.”
M. CATHELIN, Directeur administratif, Conservatoire de Musique et de Danse de Sens.

Les établissements utilisateurs constatent une réduction significative du temps consacré aux tâches administratives, estimée à 30 %. Ce gain permet aux équipes de se recentrer sur leur mission pédagogique et sur la qualité de l’accompagnement proposé aux élèves, dans un contexte où les moyens restent souvent contraints.

Opentalent School s’affirme également comme un partenaire des collectivités territoriales en s’interfaçant avec leurs logiciels de facturation et de comptabilité. Parmi les collaborations récentes, un partenariat stratégique a été noué avec Arpège, acteur majeur des portails famille, renforçant ainsi l’intégration de la solution dans l’écosystème numérique territorial.

En 2026, Opentalent enrichit son offre avec de nouvelles fonctionnalités, notamment un module dédié à la gestion des stages, répondant ainsi aux besoins croissants des établissements d’enseignement artistique.

Opentalent Manager : simplification et efficacité pour les fédérations culturelles grâce à une automatisation de nombreuses tâches

Les fédérations, confédérations et institutions publiques peuvent compter sur Opentalent Manager pour centraliser la gestion des cotisations, des événements publics et des communications. Opentalent Manager est un outil performant qui permet de simplifier les processus internes tout en renforçant le lien avec les structures culturelles locales, régionales ou nationales.

Au cœur d’un écosystème interconnecté, Opentalent Manager assure la transversalité entre tous les outils de la gamme. En faisant le lien entre Opentalent School et Opentalent Artist, il permet aux fédérations de recueillir automatiquement les informations de l’ensemble du réseau pour générer des statistiques consolidées, disposer d’un répertoire centralisé des structures adhérentes, et piloter leur réseau en temps réel. Cette vision d’ensemble offre aux fédérations une capacité de décision stratégique inédite, fondée sur des données actualisées quotidiennement.

Le logiciel facilite l’automatisation des tâches essentielles, comme la gestion des adhésions et la diffusion des événements, et permet ainsi à ces organisations de se concentrer sur des actions à plus forte valeur ajoutée. Les fédérations qui utilisent Opentalent Manager témoignent de gains importants en termes de fluidité organisationnelle, de réactivité et de transparence dans la gestion des réseaux culturels.

Conçu dès l’origine pour répondre aux problématiques spécifiques de la Confédération Musicale de France (CMF), Opentalent Manager s’est développé en étroite collaboration avec cette institution depuis 2010. Cette collaboration continue permet d’affiner constamment l’outil pour faire rayonner les confédérations au mieux et répondre précisément à leurs besoins évolutifs. Forte de 140 structures en réseau, 3 300 structures adhérentes et plus de 216 000 utilisateurs, cette solution éprouvée démontre chaque jour sa capacité à accompagner le plus grand réseau culturel de France.

L’agenda et l’annuaire Opentalent, rendre visible la culture de proximité

Dans un secteur où la visibilité est cruciale, Opentalent a développé un agenda culturel collaboratif, totalement gratuit, pour permettre aux structures culturelles de promouvoir leurs événements. Cet outil innovant permet à chacun de diffuser ses événements tout en se faisant connaître de manière plus large.

L’agenda repose sur un principe de croisement de sources multiples, afin de constituer un agenda complet, représentatif et fidèle à la diversité artistique. Il intègre des événements amateurs comme professionnels, gratuits comme payants, avec une logique d’égalité de visibilité, quelle que soit la taille ou la notoriété des organisateurs.

L’agenda Opentalent assume un positionnement grand public, renforcé par un partenariat avec la FNAC. Ce partenariat permet d’intégrer la billetterie FNAC directement aux événements référencés et, surtout, d’inscrire des événements portés par des structures culturelles locales au même niveau de visibilité que des concerts et spectacles à forte notoriété, une approche encore rare dans les agendas traditionnels.

Pourquoi l’agenda Opentalent est indispensable ?

Visibilité maximale : diffusion d’événements à un public large
Collaboration simple : chaque acteur peut ajouter ses événements et les partager avec la communauté
Accessibilité gratuite : un outil ouvert à toutes les structures culturelles, sans frais cachés

À la fois outil de promotion, annuaire et mise en réseau, il devient un levier concret de communication pour les structures, tout en facilitant l’accès du public à une offre culturelle riche, variée et accessible. Cet agenda constitue une véritable vitrine numérique accessible via un compte gratuit (disponible après l’essai de 30 jours gratuit du logiciel Artist Premium).

HelloAsso, BasiCompta®, FNAC… des partenaires pensés comme des leviers au service du terrain

Opentalent a structuré des partenariats destinés à renforcer l’autonomie des structures et à compléter les usages au quotidien. HelloAsso est intégré pour la gestion des dons et de la billetterie en ligne ; BasiCompta® apporte une réponse dédiée à la gestion financière et comptable ; la FNAC complète la dimension grand public avec l’intégration billetterie au sein de l’agenda. L’ensemble contribue à une offre cohérente, connectée, conçue pour des acteurs culturels de toutes tailles, afin d’améliorer la gestion, la visibilité et la capacité d’action sur les territoires.

Une réponse construite à partir du terrain, pas d’un modèle théorique

Opentalent ne s’est pas construit à partir d’un modèle théorique. Le projet prend racine dans une expérience directe du monde culturel associatif. Guillaume CORCOBA, président d’un orchestre d’harmonie, membre du conseil d’administration d’une école de musique et d’une fédération locale, a longtemps cumulé les rôles de musicien, d’organisateur et de responsable de structures. Cette immersion lui permet d’identifier très tôt un décalage persistant entre l’engagement déployé sur le terrain et les outils disponibles pour structurer cette activité.

En 2005, aucune solution ne répondait aux besoins spécifiques de ces structures. Pour impliquer davantage les bénévoles dans la gestion, il fallait une solution en ligne, collaborative, tout intégré, un véritable “couteau suisse” numérique. Cette inadéquation n’était pas marginale : elle conditionnait la capacité des structures à durer, à se transmettre et à continuer d’exister sur les territoires.

C’est dans ce contexte qu’est né Openassos en 2008, devenu Opentalent en 2014 pour marquer une évolution majeure. Conçu initialement pour les associations, le logiciel s’est progressivement ouvert aux collectivités territoriales et au réseau circassien. Cette extension naturelle vers de nouveaux types de structures rendait le nom “Openassos” trop restrictif : Opentalent traduit désormais cette capacité à accompagner tout le spectre des acteurs culturels. Non comme une promesse abstraite, mais comme une réponse pragmatique à des besoins concrets, avec une ligne directrice constante : adapter les outils aux acteurs culturels, et non l’inverse.

2026 : Opentalent accélère son développement au service des territoires culturels

Après plus de quinze ans d’engagement, notamment aux côtés de la Confédération Musicale de France, et le développement de solutions reconnues comme Opentalent Artist et Opentalent School, Opentalent franchit une nouvelle étape. En 2026, la plateforme s’ouvre à l’ensemble des structures culturelles et associatives en France, quelle que soit leur discipline ou leur taille, avec l’ambition d’élargir progressivement son offre à l’ensemble du monde associatif.

Cette évolution s’accompagne du lancement d’un compte gratuit, conçu pour lever les freins financiers et techniques rencontrés par de nombreuses petites structures. Il permet de référencer la structure dans l’annuaire Opentalent, de publier des événements sur l’agenda culturel collaboratif et de bénéficier d’une première visibilité numérique, sans engagement.

Pour 2026, Opentalent poursuit plusieurs priorités : renforcer la position de l’agenda Opentalent comme référence nationale grand public pour la promotion des événements culturels, déployer le compte gratuit pour accompagner un maximum de structures dans leur transition numérique, enrichir Opentalent School avec de nouvelles fonctionnalités, notamment un module dédié à la gestion des stages, élargir son réseau de partenaires pour consolider l’écosystème culturel et soutenir les acteurs de terrain.

En s’ouvrant à tous et en préparant une extension vers l’ensemble du monde associatif, Opentalent confirme son ambition : contribuer à une culture plus visible, plus collaborative et plus durable sur l’ensemble du territoire français.

En savoir plus

Site web : https://logiciels.opentalent.fr

Site culturel : https://opentalent.fr

Facebook : https://www.facebook.com/opentalent

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/opentalent-solutions-culturelles

Du 5 au 7 juin 2026 à Cloyes-sur-le-Loir : le Cloyes Art & Tattoo Fest réunit 5 000 ans d’histoire du tatouage entre Tattoo Museum, Kaamelott et campement médiéval

JEROME DELESALLE — Wed, 18 Feb 2026 11:08:20 +0000

Ötzi portait 63 tatouages il y a plus de 5 000 ans. Des rites polynésiens aux ports américains immortalisés par Sailor Jerry, le tatouage traverse les siècles, les continents et les imaginaires.

Longtemps relégué aux marges, il attire aujourd’hui des milliers de visiteurs lors de conventions, signe d’une reconnaissance culturelle désormais assumée.

Mais si l’encre contemporaine se montre volontiers, son histoire, elle, reste rarement donnée à voir dans toute son ampleur, encore moins dans un dialogue direct avec le patrimoine architectural.

Les 5, 6 et 7 juin 2026, à Cloyes-sur-le-Loir (28220), le Cloyes Art & Tattoo Fest propose précisément cette rencontre inédite : un festival artistique et immersif qui associe convention de tatouage, exposition exceptionnelle du Tattoo Museum de William Robinson, conférences, artisanat d’art, shows et campement médiéval, au cœur de deux sites complémentaires dont le Prieuré d’Yron.

Pendant trois jours, l’encre s’inscrit dans la pierre et le tatouage se découvre comme un art à part entière, ancré dans 5 000 ans d’histoire.

Cloyes Art & Tattoo Fest : un festival pour tous les publics

Le Cloyes Art & Tattoo Fest est porté par l’association Black Ball Tattoo Show & Event, présidée par Jérôme Delesalle, Cloisien depuis trois ans. L’association organise plusieurs conventions de tatouage en France, dont certaines de grande ampleur, comme à Marseille au Palais des Sports avec environ 250 exposants et plus de 6 000 visiteurs, ou à Saint-Quentin-en-Yvelines avec 150 exposants.

À Cloyes-sur-le-Loir, le format est volontairement resserré : 50 exposants. Ce choix traduit une volonté précise. Ici, la proximité prime. Le public peut échanger avec les artistes, observer les gestes, comprendre les styles. L’association revendique des week-ends complets, intenses, festifs et bienveillants, où l’expérience humaine compte autant que la performance artistique.

Le Cloyes Art & Tattoo Fest n’est donc pas conçu comme une simple juxtaposition de stands. Il s’inscrit comme un rendez-vous artistique et patrimonial qui entend valoriser le tatouage comme discipline artistique à part entière.

Deux lieux, deux atmosphères, une seule immersion

Le festival se déploie sur deux sites complémentaires, pensés comme les deux temps d’une même expérience.

L’Espace socio-culturel : la création en action

À l’Espace socio-culturel, Route de Montigny, la convention de tatouage constitue le cœur battant de l’événement. Durant tout le week-end, des tatoueurs et tatoueuses travaillent en direct. Le public observe la préparation des motifs, la précision des lignes, les échanges qui précèdent l’encrage. Entrée payante pour les adultes et gratuite pour les moins de 18 ans.

Autour de cette pratique vivante se déploient :

Un espace créateurs qui met en lumière artisans et créatrices ;
Des stands spécialisés qui enrichissent l’offre ;
Une zone de restauration avec un banquet VIP ;
Un campement médiéval immersif de 500 m² qui propose des ateliers participatifs pour enfants et adultes.

Ce campement apporte une dimension familiale et pédagogique. Les ateliers invitent à expérimenter, à manipuler, à comprendre des savoir-faire. Le patrimoine médiéval devient ici un partenaire de dialogue, rappelant que le rapport au corps et aux symboles traverse les siècles.

Au Prieuré d’Yron, 5 000 ans d’histoire du tatouage réunis en Eure-et-Loir

À quelques minutes de l’Espace socio-culturel, le Prieuré d’Yron et ses jardins accueillent un pôle culturel dédié à l’histoire du tatouage. Entrée gratuite.

Le site reçoit l’exposition exceptionnelle de William Robinson et de son Tattoo Museum, présentée comme la plus grande collection au monde consacrée à l’histoire du tatouage. Habituellement conservée en Finlande, elle est en partie exposée spécialement pour ce festival.

Le parcours retrace l’histoire du tatouage depuis la préhistoire jusqu’au tatouage contemporain. Une reproduction d’Ötzi, la momie vieille de plus de 5 000 ans portant 63 tatouages, permet d’ancrer la pratique dans le temps. Des pièces liées aux pionniers du tatouage, comme Sailor Jerry, sont également présentées. Des interventions autour du tatouage polynésien complètent cette perspective historique.

Le Prieuré accueille aussi :

De l’artisanat d’art ;
Une exposition avec Alexandra Bay autour du tatouage et des conférences sur le tatouage traditionnel électrique ;
Des spectacles intimistes payants, dont le seul-en-scène de « Sucre d’Orge montre son luth » le vendredi et le samedi soir.

Le vendredi 5 juin, à partir de 16 heures, le vernissage de l’exposition au Prieuré d’Yron marque l’ouverture officielle du festival.

Scène & invités : Kaamelott, musique, et rendez-vous du week-end

Le Cloyes Art & Tattoo Fest assume une programmation d’invités qui élargit le regard sur le tatouage et ses imaginaires.

Sont annoncés à l’espace socioculturel :

Guillaume Briat acteur de la série culte Kaamelott, rencontre avec le roi Burgonde et séances dédicaces samedi et dimanche
Paulo, membre fondateur du groupe Les Négresses Vertes, invité pour partager son histoire personnelle avec le tatouage et la musique
Le seul-en-scène « Sucre d’Orge montre son luth », programmés le vendredi et le samedi soir au prieuré d’Yron

Le festival annonce par ailleurs une volonté de contenus de fond : conférences autour de l’histoire du tatouage et du corps, avec notamment la présence d’Alexandra Bay autrice et conférencière ainsi que Colla Viriamu, spécialiste de la culture polynésienne et tatoueur.

Une ambition culturelle affirmée, ancrée dans le territoire

À l’origine du projet, Jérôme Delesalle, Cloisien depuis trois ans et président de l’association Black Ball Tattoo Show & Event. Lorsque le projet a été présenté à la municipalité, une écoute attentive a permis la construction d’un partenariat avec la Maison des Trois Rivières. L’événement est aujourd’hui porté conjointement.

Le Cloyes Art & Tattoo Fest est pensé comme un rendez-vous biennal en Centre-Val de Loire. Le choix d’un rythme de tous les deux ans est volontaire : il permet de travailler en profondeur le contenu et de proposer à chaque édition une véritable découverte.

Les ambitions sont structurées :

Valoriser le tatouage comme discipline artistique à part entière ;
Créer un rendez-vous culturel durable à l’échelle du territoire ;
Fédérer artistes, partenaires et institutions autour d’un projet commun ;
Proposer une expérience qualitative, claire et accessible.

À terme, le festival souhaite accueillir encore davantage d’artisans d’art et d’artistes, sculpteurs, peintres, illustrateurs et créateurs, afin que le tatouage dialogue plus largement avec d’autres formes d’expression artistique.

Trois jours pour regarder le tatouage autrement

Les 5, 6 et 7 juin 2026, Cloyes-sur-le-Loir ne sera pas seulement un lieu d’accueil. La commune deviendra un espace d’expérimentation culturelle où l’on peut, dans la même journée, assister à la réalisation d’un tatouage, rencontrer des acteurs et musiciens, découvrir une collection muséale internationale, écouter une conférence sur l’histoire du tatouage, participer à un atelier médiéval ou assister à un spectacle intimiste.

Le Cloyes Art & Tattoo Fest propose ainsi une traversée complète : du geste contemporain à la mémoire des peaux anciennes, du patrimoine médiéval aux expressions artistiques actuelles.

En articulant convention, exposition et immersion patrimoniale, le festival affirme une identité singulière dans le paysage des événements dédiés au tatouage en France. Un rendez-vous culturel structuré, ambitieux et ouvert.

Informations pratiques

Cloyes Art & Tattoo Fest
5, 6 et 7 juin 2026
Cloyes-sur-le-Loir (28220), Eure-et-Loir

Deux sites :
• Espace socio-culturel, Route de Montigny
• Prieuré d’Yron et ses jardins

Ouverture officielle :
• Vendredi 5 juin à partir de 16 h, vernissage de l’exposition au Prieuré d’Yron

Billetterie :
www.billetweb.fr/cloyes-art-tattoo-fest

En savoir plus

Site web : https://tattooexpofrance.com/

Instagram : https://www.instagram.com/cloyes_tattoo_fest/

Facebook : https://www.facebook.com/events/1910349212881216/?acontext=%7B%22event_action_history%22%3A[%7B%22surface%22%3A%22home%22%7D%2C%7B%22mechanism%22%3A%22search_results%22%2C%22surface%22%3A%22search%22%7D]%2C%22ref_notif_type%22%3Anull%7D

“Victoire – Le Film” – Une adolescente, une légende oubliée, un territoire réel : la trajectoire inattendue d’un film d’aventure né en Meuse et porté par son public

bkaspro@yahoo.fr — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Un film tourné loin des grands centres de production, sans acteurs connus, sans campagne nationale, n’est pas censé créer l’événement. Et pourtant, en Meuse, un long métrage indépendant parvient depuis plusieurs semaines à déplacer des spectateurs bien au-delà de son périmètre naturel. Certains parcourent plus d’une heure de route pour le découvrir, d’autres reviennent accompagnés. En neuf semaines, 4 000 entrées ont été enregistrées dans seulement deux salles, déclenchant une série de nouvelles demandes de programmation, d’abord dans le département, puis au Luxembourg et en Belgique. Cette circulation progressive, presque organique, interroge autant la place du cinéma indépendant aujourd’hui que la capacité d’un récit populaire à recréer du lien entre un territoire et son public.

Cette trajectoire inattendue est celle de Victoire et le Secret des Terres de Meuse, premier long métrage de Baptiste Kasprowicz.

Tourné en 21 jours avec un budget de 60 000 euros, financé en partie par un dispositif participatif du département de la Meuse et porté par une équipe majoritairement issue du Grand Est, le film propose une aventure familiale de chasse au trésor s’appuyant sur une légende médiévale liée au roi Lothaire.

À travers le parcours d’une jeune adulte en rupture avec son père, revenue sur les terres de son enfance, le film mêle patrimoine, transmission et mystère, tout en faisant du territoire meusien un moteur narratif à part entière.

Victoire, ou l’histoire d’un retour aux sources qui refuse la nostalgie

Victoire est une jeune adulte parisienne en conflit avec son père. Lorsqu’elle revient passer ses vacances en Meuse, ce n’est pas par choix mais par nécessité, avec l’idée de renouer, sans réelle conviction, avec des racines qu’elle a mises à distance. Ce retour familial agit comme un révélateur. Loin d’un simple séjour estival, il devient un moment de confrontation avec une histoire familiale inachevée.

Très vite, l’intime rencontre l’urgence. Pour sauver la maison de sa grand-mère, Victoire se voit contrainte d’engager une quête inattendue : découvrir le Secret des Terres de Meuse. Ce point de bascule fait glisser le récit d’un conflit familial contemporain vers une aventure structurée par l’énigme, les indices et la mémoire des lieux. Ce qu’elle trouvera ne se résume pas à un trésor matériel, mais à une transformation durable de son rapport à son héritage, à sa famille et à elle-même.

Découvrir la bande-annonce : https://www.youtube.com/watch?v=G0z6P6QfXtY&authuser=0

Le Secret des Terres de Meuse : quand une légende médiévale irrigue un récit contemporain

L’intrigue du film s’appuie sur une légende associée au roi Lothaire, souverain dont le territoire englobait la partie centrale de l’Europe actuelle. Cette référence historique constitue l’ossature du récit. Elle relie les indices, les lieux et les personnages, tout en inscrivant l’histoire dans une temporalité plus large que celle du simple récit familial.

En convoquant cette figure, le film donne à sa quête une profondeur singulière. Le secret à découvrir devient un trait d’union entre passé et présent, entre mémoire collective et trajectoire individuelle. La Meuse s’affirme ainsi comme un territoire chargé de traces et de récits, dont le spectateur est invité à explorer les strates.

Une chasse au trésor comme terrain de jeu intergénérationnel

Pour toucher un public large, à la fois familial et scolaire, avec une cible prioritaire de spectateurs de plus de 35 ans, Victoire et le Secret des Terres de Meuse fait le choix assumé d’un genre immédiatement identifiable : la chasse au trésor. Un genre profondément ancré dans l’imaginaire collectif, qui permet de mobiliser des clés de lecture déjà présentes chez le spectateur.

Les références convoquées s’inscrivent dans cette culture partagée :

Les Goonies pour l’aventure initiatique ;
Da Vinci Code pour l’enquête historique ;
Indiana Jones et Benjamin Gates pour la mise en récit du patrimoine et du mystère.

Ce cadre narratif familier permet d’aborder, sans didactisme, des thématiques plus profondes : la transmission, la filiation, la valeur symbolique des lieux et la manière dont un héritage peut se transmettre autrement que par les mots.

La Meuse, personnage invisible mais moteur de l’intrigue

Financée par le département de la Meuse, cette fiction pédagogique a été pensée dès l’origine comme un outil de valorisation territoriale. Le film traverse la Meuse en passant par cinq de ses plus grandes villes et met en lumière huit communes, intégrées directement à la narration.

Monuments, paysages et architectures ne sont pas de simples décors. Ils deviennent des éléments actifs du récit, porteurs d’indices et de sens. Cette approche permet au spectateur de découvrir les richesses historiques et architecturales du département, tout en donnant à voir les valeurs de ses habitants à travers les situations et les relations entre les personnages.

L’ambition initiale était de donner envie de découvrir la Meuse. Désormais, porté par son succès, le film vise un rayonnement national, voire international, en réveillant chez les spectateurs les souvenirs d’enfance des chasses au trésor entre amis les après-midis d’été.

21 jours, 8 villes, 300 visages : l’envers du décor d’une aventure collective

Derrière l’apparente simplicité du récit, Victoire et le Secret des Terres de Meuse repose sur une mécanique de production dense, révélatrice de l’ampleur humaine et logistique du projet.

Pensé comme une aventure collective, le film mobilise des ressources importantes, à l’échelle d’un territoire, tout en s’inscrivant dans un cadre de production indépendant.

Quelques chiffres permettent de mesurer concrètement cette réalité :

12 acteurs composent la distribution du film, donnant corps à une galerie de personnages ancrés dans le territoire et dans la fiction ;
300 figurants ont participé au tournage, impliquant directement les habitants et renforçant le lien entre le film et la population locale ;
66 techniciens ont été mobilisés, réunissant des professionnels expérimentés, des passionnés issus en partie du Grand Est, ainsi que des profils débutants, dans une logique assumée de transmission des savoir-faire.

Le tournage s’est déployé sur une échelle géographique significative :

8 villes traversées ;
20 lieux de tournage, intégrés au récit comme éléments narratifs à part entière ;
21 jours de tournage, concentrés majoritairement entre le 10 et le 25 août 2024.

Le rythme de production témoigne également de l’exigence du projet :

entre 15 et 20 plans tournés par jour ;
pour aboutir à un film d’une durée finale de 1 heure et 32 minutes.

De l’émergence de l’idée initiale à la projection en salle, 34 mois se sont écoulés. Un temps long, révélateur d’un travail de maturation, d’écriture, de préparation et de coordination, rarement perceptible à l’écran mais essentiel à la cohérence de l’ensemble.

D’un budget participatif à l’écran : la naissance d’un film citoyen

La genèse de Victoire et le Secret des Terres de Meuse s’inscrit dans une dynamique collective. En décembre 2022, l’association Placieux Production a été lauréate du budget participatif « Ma Fameuse Idée » et a reçu une subvention de 28 400 euros du département de la Meuse.

Le scénario, coécrit par Baptiste Kasprowicz et Yann Calesse, tous deux originaires de Verdun, a été tourné majoritairement du 10 au 25 août 2024. L’équipe de tournage réunit des professionnels expérimentés, des passionnés issus en partie de la région Grand Est, ainsi que des débutants, dans une logique assumée de transmission et de partage des compétences.

Une soirée d’avant-première est prévue au cinéma Caroussel à Verdun, marquant une étape symbolique dans le parcours du film.

Un film hors-cadre porté par le public, pas par le système

Avec plus de 3 800 entrées en huit semaines dans deux salles meusiennes, Victoire et le Secret des Terres de Meuse a dépassé les attentes initiales. Le succès rencontré a suscité de nouvelles demandes de programmation : trois autres cinémas en Meuse, des salles au Luxembourg, ainsi qu’en Belgique.

Une avant-première test est prévue au Luxembourg le 26 février, suivie de projections en Belgique à partir du mois de mars. Chaque nouvelle diffusion s’accompagne, dans la mesure du possible, de la présence du réalisateur et des acteurs, prolongeant l’expérience par des échanges directs avec le public.

Les ambitions du projet s’inscrivent dans une progression assumée :

Succès dans la ville d’origine ;
Diffusion départementale ;
Ouverture vers le Luxembourg et la Belgique ;
Déploiement en Lorraine ;
Extension au Grand Est ;
Diffusion nationale.

En savoir plus

Site web : https://victoire-lefilm.fr/

Le Biosite : https://bio.site/victoireetlesecretdesterres

Facebook : https://www.facebook.com/baptistefaitson1erfilm

Instagram : https://www.instagram.com/baptistefaitson1erfilm/

Linkedin : https://www.linkedin.com/in/baptiste-kasprowicz-b3374885/

Du 26 février au 22 mars 2026, Les Escales Artistiques jettent l’ancre aux Docks Village, Marseille : l’art contemporain et urbain en partage, au cœur du poumon économique de la ville

arts.production83@gmail.com — Mon, 30 Nov -0001 00:00:00 +0000

Aux Docks Village de Marseille, les flux ne sont pas seulement commerciaux ou professionnels, ils sont humains, stratégiques, créatifs.

Ancien poumon portuaire devenu carrefour économique et lieu de vie, le site concentre chaque jour dirigeants, salariés, entrepreneurs, visiteurs, familles et promeneurs. On y négocie, on y conçoit, on y circule — mais on y vit aussi.

Dans cet espace où se fabrique le présent, la place de l’art ne peut plus être périphérique. Elle devient une question centrale : comment faire dialoguer création contemporaine, art urbain, monde de l’entreprise et grand public dans un même mouvement, au cœur même d’un lieu traversé par la décision, l’action et la vie quotidienne ?

Du 26 février au 22 mars 2026, Les Escales Artistiques prennent position aux Docks de Marseille avec une proposition immersive mêlant art contemporain, art urbain, musique live, rencontres professionnelles et ateliers d’initiation ouverts à tous.

Inspiré par des œuvres emblématiques de JonOne, Pasqua, Keith Haring et Banksy, le projet réunit artistes confirmés et talents émergents internationaux dans un parcours vivant, pensé à la fois pour les collectionneurs privés, les entreprises intéressées par l’art et la défiscalisation, mais aussi pour le grand public de tout âge — curieux, amateurs, familles, jeunes publics et passionnés en devenir.

Ici, l’exposition devient escale, la visite devient dialogue, et l’art s’installe là où circulent déjà les idées — et les générations.

Les Docks Village, de la brique au bruissement des idées

Choisir les Docks Village, ce n’est pas choisir un simple espace d’exposition. C’est s’inscrire dans un bâtiment chargé d’histoire, réhabilité pour devenir un lieu de vie et de passage, fréquenté par un public large et diversifié.

Là où l’on attend habituellement le silence feutré d’une galerie, Les Escales Artistiques assument le mouvement.

Les œuvres s’installent dans un site traversé quotidiennement par des flux professionnels et urbains. Cette configuration modifie la réception de l’art : il ne se découvre pas à distance, il s’inscrit dans une réalité économique, sociale et familiale tangible.

Cette implantation crée un dialogue naturel avec le monde de l’entreprise — mais elle permet également à des visiteurs non initiés d’entrer en contact direct avec la création contemporaine, sans codes intimidants ni barrières symboliques.

Faire sortir l’art des formats institutionnels ou perçus comme élitistes, sans en atténuer la portée : telle est l’ambition. L’art devient accessible, visible, partageable.

JonOne, Pasqua, Keith Haring, Banksy : une constellation artistique comme ligne d’horizon

Les Escales Artistiques s’articulent autour d’un dialogue inspiré par des œuvres emblématiques de JonOne, Pasqua, Keith Haring et Banksy.

Leur point commun : conjuguer puissance visuelle et impact culturel, tout en parlant à un public large. Keith Haring, par exemple, a su créer un langage universel ; Banksy interpelle au-delà des cercles spécialisés ; JonOne et Pasqua imposent une force expressive immédiatement perceptible.

Ces influences nourrissent une programmation ouverte mêlant artistes confirmés et talents émergents internationaux. Les références servent de socle, les artistes invités prolongent, interrogent, déplacent.

Pour les collectionneurs privés, cette cohérence curatoriale offre un cadre lisible.
Pour les entreprises, elle permet d’appréhender les dynamiques contemporaines.
Pour le grand public, elle constitue une porte d’entrée accessible vers l’art contemporain et urbain.

Trois semaines pour découvrir, expérimenter et créer

Les Escales Artistiques ne se limitent pas à un accrochage d’œuvres. Elles se déploient comme un parcours animé durant trois semaines, pensé pour être vécu dans le temps et accessible à tous.

La scénographie est conçue comme un cheminement fluide et inclusif. On peut découvrir une œuvre lors d’une première visite, puis l’aborder différemment à l’occasion d’un concert jazz, d’un afterwork… ou d’un atelier d’initiation à la peinture.

Une place particulière est accordée aux ateliers participatifs, notamment aux ateliers d’initiation à la peinture, ouverts aux enfants, aux adolescents et aux adultes. Encadrés par des artistes, ces temps de pratique permettent de passer du regard à l’action, de l’observation à l’expérimentation.

L’objectif est clair : permettre à chacun, quel que soit son âge ou son niveau, d’oser créer.

La programmation rythme ces trois semaines : concerts jazz, conférences, rencontres avec les artistes, ateliers intergénérationnels. Chaque format enrichit l’expérience. L’art se donne à voir, à entendre, à comprendre — mais aussi à pratiquer.

Cette dimension pédagogique et participative constitue un élément central du projet. Les Escales Artistiques ne s’adressent pas uniquement aux initiés : elles invitent chacun à entrer dans le processus créatif.

Quand l’art dialogue avec l’entreprise… et la cité

Les Escales Artistiques s’adressent aux collectionneurs privés, au monde de l’entreprise, mais également au public marseillais dans toute sa diversité.

Pour les professionnels intéressés par l’art, la défiscalisation, la qualité de vie au travail ou la créativité en entreprise, l’événement devient un espace d’articulation entre création et enjeux stratégiques.

Pour les visiteurs, familles et jeunes publics, il devient un lieu de découverte, d’apprentissage et de partage.

Les conférences et rencontres offrent un terrain d’échange sur la place de l’art dans la société. Les afterworks favorisent les échanges professionnels. Les ateliers créent des passerelles entre générations.

L’art, ici, n’est ni réservé à une élite ni réduit à un outil décoratif. Il circule entre sphère économique et espace citoyen.

Arts Production, un trait d’union revendiqué

Les Escales Artistiques sont portées par Arts Production, structure née pour partager le goût des arts et faire découvrir le travail des artistes au plus grand nombre.

Sa vocation affirmée : créer des ponts — entre artistes et public, entre création et entreprise, entre amateurs et professionnels.

À l’origine du projet se trouve son initiateur, accompagné de Mina Merad, comédienne et artiste. Ensemble, ils ont souhaité proposer une autre manière de vivre l’art : décloisonnée, accessible, participative.

L’événement ne revendique pas une posture spectaculaire. Il se construit sur une logique relationnelle : faire dialoguer artistes, collectionneurs, professionnels, familles et visiteurs dans un même espace.

Installer une escale annuelle ouverte à tous

Cette première édition, organisée du 26 février au 22 mars 2026, est pensée comme le point de départ d’une série.

L’ambition est de faire des Escales Artistiques un rendez-vous annuel pour les artistes, pour les entreprises, pour les collectionneurs — et pour le grand public marseillais de tout âge.

En inscrivant le projet dans la durée, les organisateurs souhaitent ancrer une dynamique culturelle accessible et fédératrice au sein des Docks Village.

Les Escales Artistiques ne se présentent pas comme une simple exposition. Elles se définissent comme des rencontres qui laissent une trace :
dans le regard des visiteurs,
dans l’élan créatif des enfants et des adultes ayant participé aux ateliers,
dans les échanges entre professionnels,
dans la relation renouvelée entre la ville, l’art et l’entreprise.

Du 26 février au 22 mars 2026, aux Docks de Marseille, l’art ne sera pas isolé derrière des murs. Il circulera dans un lieu de vie, au rythme des concerts, des discussions, des ateliers et des retours successifs du public.

Une escale, au sens plein du terme : un temps d’arrêt pour mieux repartir, enrichi d’une expérience partagée.

En savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/ArtsProduction83/

Cinéma francophone indépendant : Quand la diffusion se ferme, le public ouvre la porte – Le cas Mitrani, ou la démonstration involontaire que le problème n’est pas le public, mais le système

marcova.productions@outlook.com — Thu, 29 Jan 2026 14:05:41 +0000

Le cinéma francophone indépendant produit aujourd’hui une multitude d’œuvres ambitieuses, souvent tournées avec des moyens modestes mais animées par une véritable exigence artistique.

Pourtant, une part significative de ces films ne parvient jamais à rencontrer son public.

Entre l’écriture, le tournage et l’achèvement d’un projet, un parcours entier se déroule dans l’ombre ; mais une fois le film terminé, son existence dépend presque entièrement de sa capacité à trouver un espace, même minime, où être vu, mentionné, identifié.

Or ce passage entre création et visibilité s’est progressivement fragilisé, au point que certains films aboutis demeurent sans reconnaissance extérieure, sans projection, sans trace. Ce phénomène, encore peu documenté, interroge la manière dont les œuvres circulent aujourd’hui, mais aussi la place qu’occupent, ou n’occupent plus, les récits francophones indépendants dans l’écosystème culturel contemporain.

C’est dans ce contexte qu’émerge un cas singulier : celui d’un film resté sans débouché traditionnel, puis mis en ligne gratuitement par son réalisateur, et qui a rencontré un public massif, dépassant les 4,5 millions de visionnements.

Une trajectoire inattendue, qui souligne non pas un engouement exceptionnel, mais une réalité souvent invisible : la demande existe, même lorsque les canaux habituels n’en portent plus la trace.

Ce point de bascule sert aujourd’hui de point d’appui au travail mené autour des films de Noël Mitrani et contribue à éclairer les réflexions qui structurent Marcova Productions.

Une création francophone dynamique, mais confrontée à une diffusion saturée

Contrairement à certaines idées reçues, le cinéma indépendant francophone demeure particulièrement actif. De nombreux films émergent chaque année, portés par des auteurs aux approches diverses : récits intimistes, drames psychologiques, films engagés, propositions formelles singulières. La vitalité artistique n’a pas faibli.

Pourtant, la majorité de ces œuvres rencontre d’importantes difficultés d’exposition. Le phénomène est multifactoriel :

Distributeurs fragilisés, qui réduisent leur prise de risque et se concentrent sur un volume restreint de titres ;
Systèmes de subvention sélectifs, favorisant certains formats et modes de production au détriment d’autres ;
Concurrence accrue dans les festivals, qui ne peuvent absorber la totalité des propositions ;
Sélection algorithmique des plateformes, orientée vers des contenus majoritaires ou internationaux.

Le résultat est une forme de goulot d’étranglement. Une partie significative des films, y compris en langue française, ne trouve plus son chemin vers le public. Certaines œuvres n’obtiennent ni sortie en salle, ni distribution télévisée, ni intégration durable dans des catalogues numériques.

Cette situation ne dit rien de la qualité des films, mais beaucoup sur l’état de la diffusion.

Le cas Mitrani : un geste simple, un résultat massif, un révélateur structurel

C’est dans ce contexte que s’inscrit l’expérience de Noël Mitrani. Réalisateur indépendant, son parcours est reconnu dans les circuits internationaux : présence à la Mostra de Venise, prix au Festival international du film de Toronto, diffusion dans plusieurs pays. Son travail s’inscrit dans une tradition d’auteur, exigeante et accessible.

Pour l’une de ses œuvres récentes, aucune solution de distribution ne se présente. Pas de sortie en salle, pas de télévision, pas de plateforme. L’œuvre, achevée et prête à rencontrer un public, se retrouve sans perspective de diffusion.

Face à cette impasse, Mitrani prend une décision rarement envisagée dans les stratégies traditionnelles : rendre le film disponible gratuitement en ligne.

Cette initiative, déconnectée de toute logique promotionnelle, produit pourtant un effet imprévisible : le film dépasse les 4,5 millions de visionnements.

Ce résultat invite à poser plusieurs constats :

Le public s’intéresse au cinéma francophone indépendant dès lors qu’il peut y accéder ;
L’absence de visibilité institutionnelle ne reflète pas l’absence d’intérêt ;
Les schémas historiques de circulation ne suffisent plus à relayer la diversité des œuvres ;
Des films sans distributeur peuvent rencontrer des audiences considérables.

L’expérience Mitrani agit ainsi comme un stress test involontaire du système : elle montre que le problème ne se situe ni du côté de la création, ni du côté du public, mais dans les espaces situés entre les deux.

La circulation alternative : pistes émergentes et nécessité de documentation

L’exemple de ce film ouvre un champ de réflexion sur les modèles alternatifs de circulation. Il ne s’agit pas de substituer totalement la mise en ligne aux circuits existants, mais de reconnaître que l’absence de solutions conduit les œuvres à disparaître, alors que d’autres voies sont possibles.

Différents leviers émergent ainsi :

L’auto-diffusion raisonnée, permettant d’exister malgré l’absence de distributeur ;
Les hybridations de diffusion (ligne, festivals, projections ponctuelles) ;
La création de dossiers de presse documentés, pour assurer la traçabilité culturelle des films ;
L’intégration aux bases de données culturelles (Wikipédia, IMDb), nécessitant des références vérifiables.

Cette dernière dimension est particulièrement stratégique. Sans traces médiatiques, un film (même vu par des millions de personnes) peut rester absent des outils de référencement utilisés par les institutions, les chercheurs ou les programmateurs. La documentation devient alors un enjeu aussi important que la diffusion.

Une situation observée par les professionnels : les limites d’un modèle unique

L’expérience vécue par Mitrani n’est pas isolée. De nombreux réalisateurs identifient des verrous similaires : impossibilité d’obtenir une sortie en salle, difficultés d’accès aux aides, projets trop atypiques pour les circuits traditionnels, ou encore délais incompatibles avec les rythmes de création.

Cette accumulation de obstacles révèle un système qui ne parvient plus à absorber toute la diversité de la production. Les professionnels qui accompagnent les films (producteurs, distributeurs, programmatrices) constatent également un besoin croissant de voies alternatives, notamment pour :

Eviter que des œuvres disparaissent avant d’avoir été vues ;
Créer des ponts entre auteurs et spectateurs ;
Maintenir un espace culturel francophone diversifié.

La réflexion dépasse ainsi le cas particulier pour devenir un sujet de fond concernant les politiques culturelles, les pratiques industrielles et l’évolution des usages.

Projets à venir : un horizon de création en 2026

Parallèlement à cette réflexion, plusieurs films sont actuellement en préparation pour 2026. Parmi eux, Révolté / Built from Rage, un long-métrage bilingue autour des tensions familiales et des questionnements adolescents. D’autres productions suivront, inscrites dans une même volonté de faire exister des récits francophones, qu’il s’agisse de drames, de films intimistes ou d’approches plus expérimentales.

L’objectif n’est pas ici d’annoncer un catalogue, mais de signaler l’existence d’une dynamique créative qui cherche à trouver sa place dans un paysage en pleine reconfiguration.

En savoir plus

Youtube : https://www.youtube.com/@marcovaproductions?si=3Mspuo7nvjaiZdfh

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Alice Delacroix-Verchet

Mail : alice@edissio.com

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