Pour l’été 2026, le slow tourisme ne relève plus seulement d’une aspiration douce ou d’un discours de tendance : il se traduit dans les choix concrets des vacanciers. Le voyage devient plus proche, plus libre, plus lent, mais pas moins dépaysant.

Cette mutation se confirme dans les réservations observées par Le Boat, leader européen des croisières fluviales sans permis.

Pour la saison 2026, l’entreprise enregistre une progression de 10 % des réservations globales pour les départs de la clientèle française en France, tandis que le mois de juillet affiche déjà +20 %.

Plus révélateur encore : les courts séjours progressent de 42 %, signe que la croisière fluviale s’impose aussi comme une escapade accessible, facile à organiser et propice à la déconnexion.

Quand les Français ne cherchent plus seulement une destination, mais un rythme

Le slow tourisme ne consiste pas simplement à voyager moins vite. Il répond à une fatigue plus profonde : celle des vacances trop denses, trop planifiées, trop semblables aux semaines que l’on voulait justement quitter.

La croisière fluviale propose une autre grammaire du départ. Le bateau devient à la fois hébergement, moyen de transport et lieu de vie. Il n’impose pas un programme : il ouvre une trajectoire. Chaque journée peut se recomposer au fil de l’eau, entre navigation, escale, marché local, baignade, promenade à vélo ou soirée amarrée au calme.

Avec Le Boat, cette liberté reste accessible. Dans la plupart des destinations, aucun permis ni expérience préalable ne sont nécessaires. Une prise en main est prévue avant le départ, avec accompagnement et assistance technique. Le séjour garde ainsi l’esprit d’aventure, sans basculer dans l’inconnu.

Le bateau habitable, anti-vacances saturées par excellence

La montée du slow tourisme traduit aussi un besoin très concret : éviter la saturation sans renoncer au départ. En bateau, le voyage se fait sans avion, sans changement d’hôtel, sans foule compacte, sans itinéraire minuté.

C’est ce qui rend l’expérience particulièrement lisible pour l’été 2026. Le Boat répond à plusieurs attentes en une seule formule :

• Partir en France, facilement accessible en voiture ;
• Retrouver de l’espace et du calme ;
• Construire son séjour à son rythme ;
• Découvrir des villages, des paysages et des territoires autrement ;
• Vivre une expérience dépaysante sans partir à l’autre bout du monde.

La progression de 42 % des courts séjours confirme cette évolution. La croisière fluviale n’est plus seulement envisagée comme une grande parenthèse estivale : elle devient aussi une escapade de quelques jours, simple à organiser, propice à la déconnexion, et compatible avec des envies de vacances plus fractionnées.

Le Boat, l’expert historique qui a rendu le slow travel navigable

Si Le Boat peut aujourd’hui prendre la parole sur cette tendance, c’est parce que l’entreprise ne la découvre pas. Depuis plus de 55 ans, elle développe les vacances fluviales sans permis sur les rivières, lacs et canaux du Royaume-Uni, de l’Irlande, de l’Europe et du Canada.

Avec plus de 950 bateaux, du modèle accessible aux unités premium, Le Boat dispose d’une expertise construite dans la durée : connaissance des voies navigables, choix des bases, accompagnement des débutants, diversité des itinéraires, maintenance de la flotte, accueil des familles, des couples, des groupes d’amis et des équipages multigénérationnels.

Cette antériorité est centrale. Le Boat n’est pas un nouvel entrant porté par l’effet de mode du slow travel. C’est un acteur qui a contribué à structurer le marché, à démocratiser l’accès à la navigation fluviale, et à faire du bateau habitable une véritable manière de voyager.

Lot, Bourgogne, Loire Nivernais : les territoires lents gagnent du terrain

Cette dynamique se lit aussi dans les destinations choisies. Le Loire Nivernais affiche +24 %, la Bourgogne +18 % et le Lot +18 %, trois territoires qui concentrent les marqueurs du slow tourisme : nature, patrimoine, villages, gastronomie, rythme lent et accessibilité en voiture.

Le Lot incarne cette promesse avec ses rivières propices à la baignade, ses paysages naturels et son rythme de déconnexion. La Bourgogne et le Loire Nivernais s’inscrivent dans une autre forme de lenteur, entre canaux, patrimoine, haltes gourmandes et villages de caractère.

La Charente, elle aussi, offre une expérience douce et habitée, entre villages, vignobles, patrimoine et escales comme Jarnac, Cognac ou Angoulême. Quant à la Camargue, elle permet de vivre le Sud autrement : moins frontal, moins saturé, entre canaux, lagunes, nature, eau douce, mer et accès à l’étang de Thau.

Une tendance qui monte aussi en gamme

Le slow tourisme ne signifie pas vacances sommaires. Les réservations de la gamme premium Le Boat progressent de 16 % en 2026, signe que les voyageurs recherchent aussi du confort, de la qualité et une expérience fluide.

En Bourgogne, pour un court séjour de 3 nuits en juillet, les repères tarifaires illustrent cette diversité d’accès :

• Gamme standard : environ 650 € à 900 € ;
• Gamme confort : environ 900 € à 1 200 € ;
• Gamme premium : environ 1 200 € à 1 600 € et plus.

Cette amplitude permet à Le Boat de s’adresser à plusieurs profils, du premier séjour fluvial à l’expérience plus premium, sans perdre le fil central : une autre façon de voyager, plus lente, plus libre et plus immersive.

Une expérience qui fidélise, parce qu’elle se vit autant qu’elle se visite

La hausse de 20 % des clients fidèles en 2026 confirme que les vacances fluviales ne relèvent pas seulement de la curiosité. Elles s’inscrivent dans une pratique qui se répète, se transmet, se partage.

Les avis clients Trustpilot récemment transmis en témoignent.

Sur le Lot, une cliente évoque « un superbe bateau avec tout le confort moderne », une région « magnifique » et « la possibilité de se baigner partout sur le Lot », en saluant l’équipe de Douelle. Sur la Charente, un autre client parle d’« une belle et unique expérience » et remercie l’équipe de Jarnac pour son accueil.

Ces retours donnent chair à ce que les chiffres dessinent : le slow tourisme n’est pas seulement une tendance de marché. C’est une expérience dont les voyageurs gardent la trace.

En savoir plus

• Site web : https://www.leboat.com/fr/
• Brochure : https://www.leboat.com/fr/brochure
• Facebook : https://www.facebook.com/leboatfrance/
• Instagram : https://www.instagram.com/leboat.france/

Les enfants ont besoin d’air, de mouvement, de découvertes ; les parents, eux, cherchent des activités fiables, bien encadrées, adaptées à l’âge de chacun et assez stimulantes pour ne pas ressembler à une simple solution de garde.

L’été devient alors un moment à organiser avec soin : une parenthèse pour tester une discipline, nourrir une curiosité, développer une passion ou gagner en confiance.

Pour aider les familles à faire le tri parmi les nombreuses possibilités, Kidsplanner.fr dévoile sa sélection de 10 stages vacances à faire cet été, entre sport, anglais, peinture, skate, LEGO, sciences, robotique, IA, audiovisuel et autonomie.

Kidsplanner, le réflexe pratique pour organiser les loisirs enfants toute l’année

Kidsplanner.fr est un site de réservation de loisirs pour enfants de 0 à 15 ans, pensé pour simplifier la recherche d’activités des parents et des grands-parents. La plateforme permet de trouver et réserver en ligne, en moins de 5 minutes, des activités originales dans toute la France.

Développée autour des anniversaires, avec plus de 3 000 animations et plus de 1 000 thèmes disponibles, à domicile, en extérieur ou en intérieur, Kidsplanner accompagne aussi les familles tout au long de l’année avec des activités du week-end, des stages vacances et des loisirs pour les enfants de 3 à 15 ans.

Son abonnement sans engagement de 19,90 € donne accès à vie à des réductions et services exclusifs, avec des remises pouvant aller jusqu’à 40 % sur les activités enfants et aucun frais de réservation sur les achats.

Été 2026 : 10 stages pour transformer les vacances en expériences utiles et vivantes

Avec sa sélection estivale, Kidsplanner met en avant des stages qui répondent à plusieurs attentes concrètes des familles : se dépenser, créer, apprendre, s’ouvrir au monde, comprendre les technologies ou gagner en autonomie.

L’objectif n’est pas seulement de remplir une semaine de vacances. Ces stages permettent aux enfants d’explorer des univers qu’ils n’ont pas toujours le temps d’approfondir pendant l’année scolaire.

1. Multisports au Paris Country Club : se dépenser dans un cadre encadré

Le stage multisports enfant de 4 à 17 ans au Paris Country Club propose aux enfants de découvrir ou d’approfondir plusieurs disciplines sportives à Rueil-Malmaison. Encadré par des professeurs diplômés, il permet de pratiquer différentes activités, avec un accueil, un déjeuner et des temps sportifs organisés tout au long de la journée. Il s’adresse autant aux enfants qui aiment varier les pratiques qu’à ceux qui ont besoin de canaliser leur énergie dans un cadre collectif et stimulant.

2. Créatif à Paris 6 : peinture, sculpture et imagination

Le stage créatif enfant de 4 à 14 ans à Paris 6, proposé par La Petite Académie Paris 6, initie les enfants à la peinture et/ou à la sculpture. Chaque atelier s’appuie sur un thème ou un artiste, avec des professeurs expérimentés. L’enfant y apprend à observer, interpréter et créer, dans un cadre qui valorise autant le geste artistique que la liberté d’expression.

3. Skate à Paris : apprendre la glisse en toute sécurité

Avec le stage skate enfant de 6 à 10 ans à Paris, Paris Skate Culture accompagne les enfants dans l’initiation ou le perfectionnement au skate. Encadrés par des moniteurs diplômés, ils apprennent à trouver leur équilibre, progresser techniquement et évoluer dans un univers urbain stimulant, notamment autour du skatepark EGP18. Ce stage permet aussi de travailler la persévérance : tomber, recommencer, ajuster son mouvement, puis réussir.

4. LEGO à Paris 11 : construire pour comprendre les sciences

Le stage LEGO enfant de 6 à 12 ans à Paris 11, proposé par Play-Well, transforme les briques LEGO Technic en support d’apprentissage. Les enfants y explorent la mécanique, l’ingénierie, l’architecture et la physique, tout en s’appuyant sur des univers ludiques. En manipulant des constructions concrètes, ils découvrent que les sciences peuvent se comprendre par le jeu, l’essai et la coopération.

5. English Camp au Paris Country Club : pratiquer l’anglais toute la journée

L’English Camp enfant de 3 à 16 ans au Paris Country Club propose une immersion linguistique vivante. Les enfants pratiquent l’anglais à travers les cours, le sport, l’art, le chant, les repas, les récréations et la piscine en été. Les enseignants ont l’anglais pour langue maternelle. L’intérêt du format tient à cette continuité : la langue n’est pas seulement étudiée, elle est utilisée dans les gestes et échanges du quotidien.

6. Sciences à Paris 16 : chimie, volcans, galaxies et expériences

Le stage scientifique enfant de 6 à 12 ans à Paris 16, proposé par Les Petits Atomes, plonge les enfants dans un laboratoire d’exploration. Chimie, galaxies, atomes, avions, écosystèmes, physique, volcans, nutrition, dinosaures ou animaux incroyables : les enfants manipulent, observent au microscope, expérimentent et apprennent en équipe. Le programme donne une place centrale à la curiosité, en transformant les grandes questions des enfants en expériences concrètes.

7. Informatique, robotique et électronique à Paris 10 : créer avec le numérique

Le stage informatique, robotique et électronique enfant de 7 à 14 ans à Paris 10, proposé par Code Code Codec, initie les enfants à la programmation, aux algorithmes, aux animations, au graphisme, à la robotique et à l’électronique. Scratch, Python, Minecraft ou impression 3D permettent de passer de l’écran subi à l’écran créatif. Le stage répond à un enjeu très actuel : aider les enfants à comprendre les outils numériques qu’ils utilisent déjà, plutôt que les laisser dans une posture de simples consommateurs.

8. Sciences, programmation et IA à Paris 16 : comprendre les technologies d’aujourd’hui

Le stage sciences, programmation et IA enfant de 8 à 14 ans à Paris 16, proposé par Bloomdayz, fait découvrir les liens entre sciences, programmation et intelligence artificielle. Les enfants programment, manipulent, expérimentent et apprennent à décoder des technologies déjà très présentes dans leur quotidien. En abordant l’IA par l’expérience, le stage rend un sujet parfois abstrait plus accessible, plus concret et plus maîtrisable.

9. Audiovisuel et culture à Paris 16 : filmer Paris et apprendre l’image

Le stage audiovisuel et culturel enfant de 8 à 13 ans à Paris 16, proposé par Bloomdayz, initie les enfants au cadrage, à la prise de son, à la mise en scène et au montage. Chaque jour, ils découvrent aussi des lieux emblématiques ou insolites de Paris. À travers ce format, les enfants apprennent à regarder leur environnement autrement et à construire un récit avec les images.

10. Master Mix à Paris 8 : aider les adolescents à gagner en autonomie

Le stage Master Mix enfant de 14 à 17 ans à Paris 8, proposé par Bloomdayz, s’adresse aux adolescents avec une approche différente : leur faire découvrir des compétences essentielles du quotidien, peu ou pas enseignées à l’école, mais utiles pour gagner en autonomie. Pensé pour une tranche d’âge souvent plus difficile à orienter vers des stages, il propose une réponse adaptée aux adolescents qui veulent apprendre autrement et se sentir davantage acteurs de leur quotidien.

François-Olivier Blay et Kevin Rainfray, deux amis derrière Kidsplanner

Kidsplanner.fr a été créé en 2015 par François-Olivier Blay et Kevin Rainfray, amis de longue date. François-Olivier Blay, aujourd’hui père de deux garçons, a évolué au sein d’une PME de 15 personnes, jusqu’à exercer la fonction de Directeur Général Adjoint. Kevin Rainfray, meilleur ami de François-Olivier et parrain de son premier fils, a travaillé pendant près de 10 ans dans le business développement, le conseil client et la communication digitale, notamment pour des agences médias comme Havas.

Tous deux avaient depuis longtemps l’envie de créer un projet ensemble. C’est en étant confrontés eux-mêmes à la difficulté d’organiser une sortie pour enfant qu’ils ont identifié le besoin d’un outil capable de centraliser les offres de loisirs et de faciliter la réservation en ligne.

Comme l’explique Kevin Rainfray : « Aujourd’hui, 2 familles sur 3 utilisent internet pour planifier les loisirs de leurs enfants. Même si le nombre d’activités proposé sur le web ne cesse de croître, il manquait un outil qui puisse permettre de centraliser toutes ces offres et surtout de réserver 24 h/24 et payer en ligne. »

En savoir plus

Site web : https://www.kidsplanner.fr/

Facebook : https://fr-fr.facebook.com/kidsplanner.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/kidsplanner.fr/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/company/kidsplanner

Derrière ces préoccupations légitimes se dessine toutefois une interrogation plus fondamentale, rarement abordée frontalement : lorsque les débats se concentrent principalement sur les modèles économiques, que reste-t-il de la vocation artistique du cinéma ?

Cette question est au cœur de la réflexion portée par la productrice québécoise Martina Adamcova, fondatrice de Marcova Productions.

Forte de plus de quarante années d’expérience dans le cinéma et la télévision, la productrice propose une lecture différente des défis actuels. Sans nier les réalités financières auxquelles l’industrie est confrontée, elle invite à replacer la création, la liberté artistique et l’indépendance au centre de la discussion.

Une prise de position qui dépasse le seul cas du cinéma québécois et interroge plus largement l’avenir du cinéma francophone.

Lorsque les indicateurs financiers prennent le pas sur les ambitions artistiques

Le débat actuel autour du cinéma indépendant est souvent présenté sous un angle économique.

Les coûts de production augmentent, les sources de financement se complexifient, les modèles de diffusion évoluent rapidement et la concurrence internationale s’intensifie.

Face à cette réalité, certains observateurs décrivent un secteur en crise, fragilisé par son incapacité à générer des revenus comparables à ceux des grandes productions commerciales.

Cette analyse, si elle met en lumière des enjeux réels, laisse parfois dans l’ombre une question essentielle : la finalité même du cinéma.

L’histoire du septième art s’est construite autour de créateurs qui ont cherché à raconter des histoires, expérimenter de nouvelles formes narratives, explorer des sensibilités singulières ou porter un regard personnel sur le monde.

La réussite économique a souvent accompagné certaines œuvres, mais elle n’a jamais constitué leur seule raison d’être.

Face aux discours alarmistes annonçant le déclin du cinéma indépendant, j’ai ressenti le besoin de rappeler une vérité fondamentale : le cinéma est avant tout un art et non un produit financier

Or, les débats récents donnent parfois le sentiment que la valeur d’un film se mesure d’abord à sa capacité à répondre à des objectifs de rentabilité.

Cette évolution suscite des interrogations chez de nombreux professionnels du secteur, notamment dans le cinéma indépendant où la prise de risque artistique demeure un élément constitutif du processus de création.

Une autre lecture des difficultés du cinéma indépendant

Pour Martina Adamcova, productrice, réalisatrice, scénariste et entrepreneure culturelle, la situation actuelle mérite d’être analysée sous un angle plus large que celui des seuls résultats financiers.

Native de Prague et installée au Canada depuis plusieurs décennies, elle évolue dans les univers du cinéma et de la télévision depuis plus de quarante ans.

Elle dirige aujourd’hui Marcova Productions ainsi que 7 Art Distribution.

Au cours de sa carrière, elle a participé à la production et à la diffusion de films présentés en Amérique du Nord, en Europe et en Asie.

Cette expérience internationale l’a amenée à observer des marchés différents, des systèmes de financement variés et des approches parfois opposées de la création cinématographique.

Les débats récents sur la viabilité économique du cinéma francophone ont agi comme un déclencheur.

Face aux discours annonçant le déclin inévitable du cinéma indépendant, elle a souhaité rappeler une conviction forgée par plusieurs décennies d’expérience : il demeure possible de créer, d’innover et de rejoindre un public même avec des moyens limités.

Cette idée ne repose pas sur une opposition entre économie et culture. Elle souligne plutôt que la créativité, l’agilité et la capacité d’adaptation constituent également des ressources essentielles pour les créateurs indépendants.

Le réalisateur au centre : un choix de production devenu singulier

La réflexion portée par Marcova Productions repose sur un principe simple : maintenir le réalisateur et le créateur au cœur des décisions artistiques.

Cette approche peut sembler évidente.

Pourtant, elle apparaît de plus en plus distinctive dans un environnement où les impératifs commerciaux interviennent souvent très tôt dans le développement des projets.

Le financement, la recherche de partenaires ou les stratégies de diffusion influencent naturellement les choix de production.

Mais lorsque ces considérations deviennent prédominantes, certains professionnels s’interrogent sur la capacité du cinéma à continuer de faire émerger des œuvres originales ou atypiques.

L’expérience développée par Marcova Productions défend une logique différente.

Les projets sont pensés à partir de leur identité artistique avant d’être évalués selon leur potentiel commercial.

Cette philosophie guide aussi bien les productions de fiction que les documentaires ou les projets d’animation actuellement en développement.

Cette démarche ne prétend pas constituer un modèle universel.

Elle illustre cependant la possibilité de maintenir une indépendance créative dans un environnement où celle-ci est souvent perçue comme difficilement compatible avec les réalités économiques.

Produire autrement pour continuer à créer

L’une des idées fréquemment associées au cinéma indépendant consiste à le présenter comme une forme de résistance permanente face aux contraintes du marché.

Pourtant, l’expérience de nombreux producteurs démontre qu’il existe aussi une capacité remarquable d’adaptation.

Travailler à l’international, développer des réseaux de diffusion alternatifs, optimiser les coûts de production, s’appuyer sur des collaborations transfrontalières ou explorer de nouveaux modes de financement constituent autant de leviers permettant à des projets indépendants d’exister.

Je souhaite encourager une réflexion sur de nouvelles façons de produire, financer et diffuser les œuvres indépendantes, tout en poursuivant le développement de productions originales destinées au marché international.

Marcova Productions s’inscrit dans cette logique depuis plusieurs années.

La société a accompagné des œuvres diffusées sur plusieurs continents tout en conservant une structure souple et indépendante.

Cette capacité à rejoindre des publics situés en Amérique du Nord, en Europe et en Asie montre qu’une autre approche de la circulation des œuvres demeure possible, même en dehors des modèles industriels dominants.

Une réflexion qui dépasse le seul cas d’une société de production

La démarche défendue par Marcova Productions vise à alimenter une discussion devenue centrale pour de nombreux acteurs du secteur : comment préserver la diversité des regards, des récits et des sensibilités dans une industrie de plus en plus structurée par des impératifs économiques ?

Cette interrogation concerne autant les producteurs que les réalisateurs, les diffuseurs, les institutions culturelles, les décideurs publics ou les étudiants qui se préparent à entrer dans la profession.

Elle renvoie également à une question plus large : quelle place les sociétés contemporaines souhaitent-elles accorder à la création artistique lorsqu’elle ne répond pas immédiatement aux logiques de marché ?

Défendre la liberté de créer comme condition d’avenir

Alors que plusieurs projets de fiction, de documentaire et d’animation poursuivent leur développement au sein de Marcova Productions, la réflexion portée par Martina Adamcova demeure résolument tournée vers l’avenir.

L’objectif n’est pas de regretter un âge d’or du cinéma ni de nier les transformations profondes qui traversent le secteur.

Il s’agit plutôt d’affirmer qu’aucune évolution économique ou technologique ne pourra remplacer ce qui constitue le cœur même du cinéma : la liberté d’imaginer, de raconter et de créer.

En savoir plus

Chaîne Youtube : https://youtube.com/@marcovaproductions

Instagram : https://www.instagram.com/tinaadamsfilm/

Média indépendant dédié à l’esthétique, à la culture visuelle et aux récits humains, LEVIA Magazine choisit Cannes comme terrain d’observation privilégié. Entre cinéma, mode, médias, célébrité et représentations publiques, le Festival concentre les tensions contemporaines entre image maîtrisée et ressenti intime.

Cannes, entre visibilité, pression et authenticité

Chaque année, Cannes devient une scène mondiale où circulent robes, tapis rouges, apparitions publiques, soirées privées et images soigneusement construites. Mais sous cette surface visuelle se trouvent des dimensions plus silencieuses : fatigue émotionnelle, pression psychologique, recherche d’équilibre et besoin de rester fidèle à soi-même.

« Dans un environnement comme le Festival de Cannes, le public voit souvent le glamour, la visibilité et l’image. On parle beaucoup moins de ce qui existe en coulisses : les émotions, la sensibilité, la pression et l’état intérieur des personnes exposées », explique l’équipe de LEVIA Magazine.

À travers des entretiens approfondis, des portraits photographiques et un storytelling visuel sensible, cette édition spéciale souhaite dépasser la couverture événementielle classique. L’objectif n’est pas seulement de documenter Cannes, mais d’interroger la manière dont les créateurs vivent l’exposition, le regard des autres et la construction de leur image publique.

Anna Sashina et Silksilky : une réflexion sur le corps, le confort et le ressenti

Parmi les figures centrales de cette édition, Anna Sashina, créatrice évoluant entre l’art, la mode, le cinéma et les médias, incarne cette réflexion sur la frontière entre perception extérieure et expérience intérieure.

Dans son entretien avec LEVIA Magazine, elle aborde la manière dont les créateurs contemporains tentent de préserver une relation sincère à eux-mêmes dans des environnements où tout est observé, commenté et exposé.

Pour ce projet, Anna Sashina porte des pièces conçues par Silksilky, partenaire de l’édition spéciale. Cette collaboration s’inscrit naturellement dans la démarche du magazine : réintroduire la notion de douceur, de sensation physique et de confort émotionnel au cœur d’un contexte marqué par la pression et la performance sociale.

Les matières naturelles, la fluidité des tissus et l’attention portée au bien-être prolongent la réflexion menée par LEVIA Magazine autour du corps, de l’apaisement et de la reconnexion à soi.

Un projet choral autour des créateurs et personnalités présents à Cannes

Cette édition spéciale réunit également plusieurs regards issus de la création contemporaine, de la mode, de la musique, de la photographie et du cinéma.

LEVIA Magazine mettra notamment en lumière :

À travers ces portraits et observations croisées, LEVIA Magazine documente différentes manières de traverser Cannes : entre visibilité, création, exposition médiatique, exigence artistique et recherche d’authenticité.

LEVIA Magazine : une approche introspective de la culture visuelle

Contrairement aux médias centrés sur la consommation rapide d’images ou les tendances immédiates, LEVIA Magazine défend une approche plus lente, plus atmosphérique et plus humaine.

Le magazine s’intéresse à ce qui existe entre l’image et la réalité : les états intérieurs, les émotions, les tensions psychologiques et les récits personnels que les apparitions publiques ne montrent pas toujours.

« Nous souhaitons que l’image ne soit pas seulement belle, mais qu’elle puisse provoquer une émotion, une réflexion et une connexion », souligne l’équipe du magazine.

À travers cette édition spéciale consacrée au Festival de Cannes 2026, LEVIA Magazine affirme une ambition internationale : développer un storytelling visuel centré sur les portraits, la culture contemporaine et les dimensions psychologiques liées à l’image.

Au-delà des tapis rouges, les flashs et les apparitions maîtrisées, le magazine pose finalement une question essentielle : dans une époque où tout pousse à être vu, comment continuer à exister sincèrement ?

En savoir plus

Site internet : https://leviamagazine.com/

Facebook : https://www.facebook.com/leviamagazine/

Instagram : https://www.instagram.com/leviamagazine/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/leviamagazine/

Pourtant, cette richesse narrative échappe souvent à l’expérience de visite, absorbée par la densité des flux touristiques et la fascination immédiate pour le paysage. Face à ce décalage entre ce que l’on voit et ce que l’on comprend, de nouvelles formes de médiation émergent, capables de redonner chair au passé.

C’est dans cette logique que s’inscrit “L’Épopée du Mont Saint-Michel”, une fresque sonore immersive produite en 2020 par Talaria-XR, récompensée par le Prix Historia 2022.

Après cinq années de diffusion via une application mobile dédiée à la visite du site, cette œuvre s’affranchit désormais de tout dispositif pour être accessible gratuitement et librement sur SoundCloud, ouvrant son univers à un public élargi.

Quand le Mont se raconte lui-même : une fresque sonore qui redonne voix aux siècles oubliés

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” ne se contente pas de raconter l’histoire du site : elle la fait vivre. Conçue comme une véritable création narrative, elle propose une traversée immersive de plusieurs siècles, du XIIe au XVe siècle, à travers 21 épisodes répartis en quatre livres et un épilogue.

Cette construction en chapitres épouse le rythme d’un récit au long cours, où se succèdent scènes de vie, moments de tension, épisodes de guerre et instants plus intimes. Le Mont n’y apparaît plus seulement comme un décor, mais comme un espace habité, traversé par des hommes et des femmes dont les voix deviennent le fil conducteur.

Chantiers, batailles, festins, rencontres : chaque épisode donne à entendre une histoire en train de se faire, portée par une écriture qui privilégie l’incarnation. L’auditeur découvre les événements non pas à distance, mais à travers les regards et les expériences de ceux qui les ont vécus.

Cette approche permet de restituer la complexité d’une période historique tout en la rendant accessible, en transformant le savoir en récit.

Une œuvre pensée pour être vécue sur place… et désormais partout

À son lancement, “L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’inscrivait dans une expérience de visite augmentée. Les épisodes étaient intégrés à des parcours audio accessibles via une application mobile, permettant aux visiteurs d’écouter le récit à des points précis du site.

Ce dispositif répondait à plusieurs enjeux concrets liés à la visite du Mont :

• Transformer les temps d’attente en moments d’écoute et de découverte ;
• Proposer une alternative au bruit et à la densité de la fréquentation touristique ;
• Orienter les visiteurs vers des lieux moins fréquentés, offrant des perspectives différentes sur l’abbaye et la baie ;
• Adapter l’expérience selon le moment de l’écoute, en amont ou pendant la visite.

Soutenue par la ville du Mont Saint-Michel et l’office de tourisme Avranches – Mont Saint-Michel, cette diffusion ancrée dans le territoire participait à une nouvelle manière d’explorer le site.

Avec sa mise à disposition gratuite sur SoundCloud, l’œuvre change de nature. Elle quitte le cadre du parcours géolocalisé pour devenir une expérience autonome, accessible depuis n’importe quel lieu. L’écoute peut désormais se faire chez soi, en mobilité, seul ou en famille, prolongeant ou anticipant la découverte du Mont.

Une écriture sous tension entre exigence historique et souffle narratif

Au cœur du projet se trouve une double exigence : raconter sans simplifier, transmettre sans figer. Les faits historiques présentés dans “L’Épopée du Mont Saint-Michel” ont été étayés et vérifiés par une professeure d’histoire spécialiste de la guerre de Cent Ans, garantissant la solidité du socle documentaire.

Mais cette rigueur ne se fait pas au détriment de la narration. Au contraire, elle en constitue la base, sur laquelle vient se déployer un travail scénaristique qui donne au récit sa dynamique.

Le texte s’inscrit dans une écriture à la fois précise et incarnée, qui privilégie la progression dramatique. Les partis pris narratifs sont explicités dans le portail en ligne associé au projet, assurant une transparence sur les choix d’interprétation.

Cette articulation entre recherche historique et écriture immersive permet de proposer une lecture du passé à la fois fiable et sensible, où l’émotion devient un vecteur de compréhension.

Une mise en scène sonore qui fait basculer l’écoute dans l’expérience

L’une des spécificités majeures de “L’Épopée du Mont Saint-Michel” réside dans son traitement sonore. L’œuvre a été pensée comme une expérience immersive, où chaque élément participe à la construction d’un univers.

La spatialisation du son joue un rôle central : voix, ambiances, bruits de chantier, échos de batailles ou instants de silence viennent structurer l’écoute et situer l’auditeur dans l’espace.

À cela s’ajoutent :

• Une composition musicale qui accompagne les moments clés du récit ;
• Une direction artistique attentive aux rythmes et aux transitions ;
• Un travail d’interprétation porté par des comédiens issus du cinéma et de la télévision.

Parmi eux figurent Olivier Bonjour (Zone Blanche, HPI), Constance Gay (Le dernier panache, Face à face), ainsi que Romain Tamisier, Christophe Perez, Nicolas Planchais, Angelina Diaz et Loris Gallo.

Leur prestation contribue à donner une présence tangible aux personnages, renforçant l’impression d’immersion. L’histoire ne se raconte plus, elle se vit “comme si on y était”.

Un format pensé pour s’inscrire dans les usages contemporains

Le choix du format audio n’est pas anodin. Il répond à une évolution des usages, marquée par la montée en puissance du podcast comme mode de consommation culturelle.

Dans le cas de “L’Épopée du Mont Saint-Michel”, ce format présente plusieurs atouts :

• Une accessibilité immédiate, sans nécessité de support visuel ;
• Une compatibilité avec la mobilité, permettant une écoute en situation de visite ou à distance ;
• Un découpage en épisodes courts, facilitant l’appropriation du contenu ;
• Une dimension immersive qui favorise la concentration et l’imaginaire.

Le podcast s’adresse ainsi à un public large : familles, touristes, passionnés d’histoire, amateurs de récits épiques ou simples curieux. Il peut être partagé collectivement, notamment dans le cadre familial, ou écouté de manière individuelle.

Une trajectoire singulière : de la production indépendante à la diffusion libre

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” est née de l’initiative de Julie Servel et Nicolas Servel, cofondateurs de Talaria-XR en 2020. Leur parcours, à la croisée de la production audiovisuelle, de la réalisation et de l’entrepreneuriat, a nourri une approche hybride, mêlant création artistique et médiation culturelle.

Julie Servel, réalisatrice et productrice, a mené une carrière à Bruxelles avant de se tourner vers des projets de fiction. Nicolas Servel, après un parcours de diplomate en Chine et des expériences internationales, s’est orienté vers la production et la réalisation.

Ensemble, ils ont développé plusieurs projets liés au patrimoine, notamment pour le Scriptorial d’Avranches ou le Port Center du Havre.

La dissolution de Talaria-XR en 2025 marque une inflexion dans leur trajectoire. Julie Servel poursuit désormais une carrière dans le cinéma, tandis que Nicolas Servel s’oriente vers une activité de guide d’expédition dans des environnements extrêmes (Arctique, Antarctique, Amazonie) et de conférencier.

Dans ce contexte, la décision de rendre leurs créations accessibles gratuitement s’inscrit dans une volonté de transmission, détachée de toute logique entrepreneuriale.

Une reconnaissance qui inscrit le projet dans les mutations de la médiation culturelle

L’attribution du Prix Historia 2022 dans la catégorie “Histoire et Nouvelles Technologies” vient souligner la pertinence du projet. Cette distinction met en lumière une évolution des pratiques culturelles, où les formats numériques et immersifs prennent une place croissante.

“L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’inscrit dans ce mouvement, en proposant une alternative aux dispositifs traditionnels de médiation. Elle illustre la capacité du son à porter un récit historique complexe, tout en renouvelant l’expérience du public.

Une œuvre qui poursuit sa route, au-delà du Mont

En devenant librement accessible en ligne, “L’Épopée du Mont Saint-Michel” s’affranchit de son ancrage initial pour toucher un public élargi. Elle peut désormais accompagner des auditeurs qui ne se rendront pas nécessairement sur le site, tout en enrichissant l’expérience de ceux qui préparent ou prolongent leur visite.

Cette ouverture correspond à l’ambition portée par ses auteurs : permettre à l’œuvre de continuer à circuler, à être écoutée, partagée et appropriée.

Dans ce passage d’une expérience localisée à une diffusion ouverte, le podcast conserve son identité : celle d’un récit exigeant, immersif et accessible, qui propose une autre manière d’entrer dans l’histoire.

Pour en savoir plus

Le podcast : https://soundcloud.com/talaria-xr

L’application : https://app.talariaxr.com/

Site web : https://www.talaria-xr.com/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/company/talaria-xr

Contact Presse

Nicolas SERVEL

Mail : servelnicolas@gmail.com

Téléphone (Whatsapp préféré) : +33 (0)7 67 17 62 79

Quand la lumière décline, la ville se révèle : Avignon en clair-obscur

La nuit n’est pas ici un simple décor, ni un artifice destiné à renouveler l’expérience. Elle constitue le cœur même du dispositif.

À mesure que les rues se vident, Avignon se transforme. Les lignes s’adoucissent, les volumes s’approfondissent, les bruits s’effacent. La ville devient plus lisible, presque plus honnête dans sa manière de se dévoiler. Là où le jour impose un regard rapide, la nuit invite à la lenteur.

Les Noctambules d’Avignon s’inscrivent dans cette temporalité particulière, en proposant des circuits à pied qui tirent pleinement parti de cette métamorphose.

• Les éclairages nocturnes redessinent les monuments, révélant des détails souvent ignorés ;
• Les ruelles médiévales retrouvent leur dimension originelle, propice à l’écoute et à l’imaginaire ;
• Le calme ambiant permet une immersion sans rupture, sans distraction ;
• La baisse des températures transforme la marche en expérience confortable, même en plein été.

Dans ce contexte, la visite cesse d’être une succession d’informations pour devenir une expérience sensorielle, presque narrative, où chaque pas prolonge le précédent.

Déambuler, plutôt que visiter : quatre parcours comme autant de récits vivants

Les Noctambules d’Avignon ne proposent pas un catalogue de visites, mais une série de traversées, chacune construite comme un récit autonome, avec ses tensions, ses révélations, ses points d’ancrage.

La Noctambule du Pape — Dans l’ombre portée du pouvoir pontifical

Ce parcours plonge au cœur de la transformation d’Avignon au XIVe siècle. Il ne s’agit pas seulement d’évoquer la présence des papes, mais de comprendre comment elle a redéfini la ville, ses équilibres, ses symboles. Le pont d’Avignon, entre autres, s’inscrit dans cette lecture, comme un point de passage entre histoire et imaginaire collectif.

Pour certains visiteurs, l’expérience agit comme un véritable prolongement de la visite du Palais :

Un vrai complément et un vrai “plus” à la visite intérieure… On repart enchanté et riche de cette remontée dans le temps.

Régis R., avril 2025

La Noctambule entre Chrétiens et Bourgeois — La ville comme théâtre des équilibres sociaux

Ici, les rues deviennent des indices. Les hôtels particuliers, les édifices religieux, la chapelle des pénitents noirs racontent une autre histoire : celle des rapports de force, des influences, des cohabitations. Une lecture plus fine, plus discrète, mais essentielle pour comprendre la structure de la ville.

La Noctambule entre passé et présent — Une ville stratifiée, toujours en mouvement

Du vestige romain à la forteresse pontificale classée au patrimoine mondial de l’UNESCO, ce parcours interroge la continuité. Comment ces différentes époques coexistent-elles aujourd’hui ? Comment s’inscrivent-elles dans le quotidien des habitants ? La rue des Teinturiers devient ici un fil conducteur.

La Noctambule de Villeneuve-lez-Avignon — Franchir le fleuve, changer de perspective

En quittant Avignon pour sa ville sœur, le regard se déplace. Villeneuve-lez-Avignon, avec ses ensembles gothiques, propose une autre lecture du territoire. Moins exposée, mais tout aussi riche, elle révèle une identité propre, complémentaire de celle de la cité papale.

Une expérience particulièrement marquante pour les visiteurs :

 Beaucoup d’explications, d’informations, d’anecdotes… de jolis points de vue et de photos en souvenirs.

Magalie M., septembre 2025

Chaque parcours est conçu comme une progression, où l’histoire se dévoile par touches successives, sans jamais rompre le fil de la déambulation.

Une parole qui circule : remettre l’échange au cœur de la visite

Ce qui distingue profondément Les Noctambules d’Avignon, c’est la place accordée à la parole — non pas comme outil de diffusion, mais comme vecteur de relation.

Ici, le guide ne s’adresse pas à un groupe, il s’adresse à des personnes. La nuance est essentielle.

Concrètement, cela se traduit par :

• Des groupes volontairement restreints, favorisant l’attention et la proximité ;
• L’absence d’amplification sonore, pour préserver une relation directe ;
• Une narration souple, capable de s’adapter aux réactions et aux questions ;
• Un dialogue constant, où le visiteur devient acteur de sa découverte.

Cette approche trouve un écho direct dans les retours du public :

Vincent partage ses connaissances avec humour et ponctue la découverte d’anecdotes savoureuses… Un vrai plaisir à écouter !

Véronique N.

Ni conférence, ni spectacle : une manière habitée de transmettre l’histoire

Les Noctambules d’Avignon occupent une position singulière, à distance des formats traditionnels.

Il ne s’agit ni d’un cours magistral, ni d’une mise en scène spectaculaire. L’enjeu est ailleurs : dans la justesse du ton, dans la capacité à faire exister un récit sans l’imposer.

Cette approche repose sur un équilibre subtil :

• Une exigence historique réelle, fondée sur une connaissance approfondie ;
• Une liberté de narration, qui permet d’ajuster le discours à chaque groupe ;
• Une intégration d’éléments personnels, qui incarnent les lieux sans les détourner ;
• Une attention constante à la réception, pour maintenir un engagement actif.

Pour certains visiteurs, cette posture fait toute la différence :

Un guide passionné et passionnant… le meilleur ambassadeur de sa ville.

 Isabelle R.-D.

Vincent Pasquinelli : raconter Avignon depuis l’intérieur

Derrière Les Noctambules d’Avignon, il y a une voix. Et cette voix porte une histoire qui dépasse celle des monuments.

Vincent Pasquinelli est né à Avignon. Il y a grandi, arpenté ses rues, vécu ses transformations. Cette relation précoce au territoire constitue aujourd’hui une dimension essentielle de son approche.

Mais cette connaissance intime ne s’est pas construite en vase clos. Elle s’est enrichie ailleurs.

À Barcelone, pendant dix ans, il développe son métier de guide, après avoir obtenu une licence en tourisme durable. Il y apprend la diversité des publics, l’importance de l’adaptation, la nécessité de rendre accessible sans simplifier.

En Inde, dans le Maharashtra, où il cofonde une agence en 2017, il approfondit encore cette relation à la transmission, en partageant son savoir-faire et en découvrant d’autres manières de raconter un territoire.

Son retour à Avignon, en 2018, agit comme une synthèse. Une promenade nocturne devient un moment fondateur. La ville, soudainement apaisée, lui apparaît autrement. Les Noctambules naissent de cette évidence.

Depuis, l’obtention du diplôme de guide conférencier en septembre 2023 vient asseoir cette trajectoire, en lui permettant d’intervenir dans l’ensemble des monuments emblématiques de la région.

2026 : étendre le territoire sans perdre l’esprit

La saison 2026 marque une nouvelle étape dans le développement des Noctambules d’Avignon.

Plusieurs axes structurent cette évolution :

• L’ouverture à de nouveaux territoires, avec des circuits développés en partenariat avec l’office de tourisme du Grand Avignon, notamment à Roquemaure, Vedène, Rochefort-du-Gard et Caumont-sur-Durance ;
• La possibilité d’intervenir à l’intérieur des monuments, en particulier le Palais des Papes, grâce à la certification obtenue ;
• Le maintien d’un format à taille humaine, malgré l’élargissement de l’offre.

Cette dynamique permet de diversifier les expériences tout en conservant l’ADN du projet : proximité, dialogue, immersion.

Les collaborations avec des institutions comme l’abbaye Saint-André, dont Vincent Pasquinelli est le guide officiel, témoignent de la reconnaissance de cette approche.

Faire de la visite un moment partagé : une autre manière d’habiter le tourisme

Au fond, Les Noctambules d’Avignon posent une question simple : que reste-t-il d’une visite une fois qu’elle est terminée ?

Des informations, sans doute. Des images, parfois. Mais plus rarement un souvenir incarné, lié à un moment, à une rencontre, à une sensation.

C’est précisément ce que le concept cherche à provoquer.

En replaçant l’humain au centre, en ralentissant le rythme, en ouvrant un espace de dialogue, il transforme la visite en expérience. Non pas spectaculaire, mais sensible. Non pas démonstrative, mais partagée.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.lesnoctambulesdavignon.com/

Facebook : https://www.facebook.com/lesnoctambulesdavignon

Instagram : https://www.instagram.com/lesnoctambulesdavignon/

54, rue de Verneuil. 75007 Paris

Pour célébrer le printemps 2026, la galerie ORENDA a réuni trois artistes amoureux de la Nature : Roland De Leu, Thierry Lamouche et France Mitrofanoff. Créateurs et enchanteurs, ils nous invitent à une méditation sur la présence des arbres dans notre imaginaire.

Roland De Leu, architecte, dessinateur hors pair et peintre subtil, a rendu hommage aux arbres de multiples manières- tracés au fusain et à la mine de plomb, à l’encre de chine, à la sanguine ou au pastel. Ses arbres, comme l’a révélé son exposition à le Galerie ORENDA à l’automne 2018, semblent souvent en lévitation, libérés du sol, émancipés de leur tronc. Leur présence individuelle est si forte qu’ils invitent au dialogue avec ceux qui les observent. L’artiste a porté son regard sur les lignes d’horizons dessinées par les feuillages, les points de rencontre entre leurs silhouettes généreuses, opulentes, voire ébouriffées, et la plénitude du paysage. Certaines futaies rencontrent le ciel. L’artiste aimait à jouer sur le clair-obscur et disait avec humour qu’en dépit de leur calme apparent ses arbres semblaient « comme en attente d’un événement ».

Thierry Lamouche, dessinateur et peintre connu pour sa capacité d’épure et son inspiration poétique (il a conçu la gracieuse Marianne adoptée en 2004, les yeux levés vers le ciel, devenue effigie officielle des timbres français), présente dans cette exposition une farandole d’arbres dans les formats les plus variés alternant rotondités figuratives et formes géométriques anguleuses. Il joue sur des tonalités acidulées, pétillantes, inattendues, parfaitement adaptées à son sens accompli du design. Quelques noirs et blancs se distinguent par leur puissance éthérée. L’artiste, qui a travaillé avec des musiciens, confère une vitalité rythmée à ses compositions. Il dépeint admirablement la force vitale des arbres, l’élan des troncs d’où surgit le foisonnement des feuillages. Ses arbres imaginaires deviennent les personnages ludiques d’un ballet de couleurs et de formes.

France Mitrofanoff, artiste accomplie, portée par son énergie prodigieuse et sa maitrise technique vers la réalisation de vastes fresques, excelle aussi dans les formats plus intimes, où se révèle son intériorité profonde. Sa rétrospective intitulée, Ces chênes qu’on abat, qui remporta en 2024 un grand succès à la Mairie du Ve arrondissement de Paris, a mis en évidence la constance de l’arbre et de la forêt dans ses méditations sur les menaces qui pèsent sur le monde naturel et notre propre équilibre vital. Ses forêts noires, dévorées par les incendies, sont saisissantes. En contrepoint, ses rêveries la conduisent à recréer admirablement des mondes merveilleux- mémoires d’enfance, forêts blanches russes, nuits étoilées, et lui inspirent des compositions lumineuses et foisonnantes. L’arbre y apparaît comme un pôle de résistance aux fracas du monde. La régénération saisonnière des arbres, la puissance de leurs racines et leur élan vers le ciel deviennent sous son pinceau des métaphores puissantes d’une quête existentielle, d’un rêve d’harmonie. La sélection des œuvres pour l’exposition à la Galerie ORENDA met en évidence l’émerveillement de l’artiste devant la splendeur d’instants fugitifs inoubliables d’osmose avec la Nature.

Symphonie printanière à trois voix, au-delà de la botanique, cette exposition nous invite tant à partager l’intériorité des artistes qu’à porter notre regard sur les arbres qui nous entourent, agrémentent et accompagnent notre espace vital. Souvent menacés mais renaissants au fil des saisons, leurs silhouettes habitent nos rêves et nos souvenirs. Avec ces trois artistes, qui confèrent à leur présence une qualité vibrante, voire surnaturelle, cette exposition est une invitation à les replacer au cœur de nos vies.

En savoir plus

Site web : https://www.orenda-art.com

Téléphone : 06 73 79 45 18

C’est dans cette perspective que s’inscrit la publication de l’album Hüdada et les premiers Hommes, écrit et illustré par Cyril Flautat et publié par les éditions Présence. Pensé pour les lecteurs rêveurs, petits et grands, cet album propose une aventure graphique et narrative qui mêle humour, imaginaire et réflexion autour de la tolérance, de la confiance en soi et de la remise en question des croyances.

À travers l’univers des Dahüts — créatures inspirées d’une légende comique revisitée — le livre propose un récit accessible dès 6 ans, tout en s’adressant aussi aux adolescents et aux adultes grâce à ses multiples niveaux de lecture.

Une chasse à l’Homme qui se transforme en exploration du regard porté sur l’autre

Le point de départ de l’histoire repose sur une situation simple, presque ludique : Hüdada, jeune dahüt appartenant au clan des Dahüts d’là-haut, poursuit une partie de chasse à l’Homme commencée avec ses deux compagnons de toujours, Ptilhü et Goulhü.

Très vite, ce jeu d’aventure bascule vers une exploration plus large.

Le protagoniste, décidé à continuer seul son périple, s’aventure dans un territoire mystérieux où chaque rencontre devient une occasion d’apprentissage.

L’histoire progresse alors de découvertes en révélations, au fil d’une quête qui amène progressivement le personnage à reconsidérer le sens même de cette chasse.

Et si après tout la chasse à l’Homme était bien plus qu’un simple jeu ?

Ce renversement progressif constitue l’un des ressorts du récit : la chasse, initialement présentée comme un divertissement, devient un questionnement sur la perception de l’autre, les idées reçues et la construction des croyances.

Un album pensé pour plusieurs niveaux de lecture, accessible dès 6 ans

L’ouvrage adopte un format d’album illustré proche de la bande dessinée. Il compte 60 pages couleur et se présente sous la forme d’un volume relié à couverture rigide au format fermé 23 × 29 cm.

Le livre s’adresse officiellement aux enfants et adolescents à partir de 6 ans, tout en revendiquant une lecture ouverte à tous les âges.

Les éditions Présence expliquent cette intention éditoriale en ces termes : le livre s’adresse aux lecteurs “à partir de 6 ans, jusqu’à… pas d’âge ! Parce qu’on ne finit jamais de grandir, ni de remettre en question ce qu’on croyait savoir !”

L’histoire est donc construite pour permettre plusieurs niveaux de lecture :

• les plus jeunes suivent l’aventure et l’humour du récit
• les lecteurs plus âgés peuvent y percevoir une réflexion sur la différence, les croyances et les mécanismes de jugement.

Un autre élément distingue l’ouvrage : la typographie utilisée est adaptée aux lecteurs dyslexiques, un choix éditorial systématique dans les publications des éditions Présence.

Un projet artistique développé pendant plus d’une décennie

L’univers des Dahüts n’est pas né récemment. L’auteur et illustrateur Cyril Flautat explique que ce projet l’accompagne depuis de nombreuses années.

Cette idée des Dahüts dort dans mes cartons et cahiers depuis une bonne douzaine d’années… encore fallait-il trouver une maison d’édition intéressée par ce projet. C’est chose faite avec les éditions Présence.

L’artiste évoque une construction nourrie par ses centres d’intérêt et par ses expériences personnelles. Il décrit un mélange d’influences :

“J’ai toujours eu des passions multiples dans lesquelles je m’immergeais complètement : le dessin, la BD, le cinéma, la lecture (Fantasy, SF, Histoire, récits d’aventure, etc.), l’archéologie et la géologie. Et bien sûr, beaucoup d’activités physiques liées au milieu montagnard. Si je mélange tout cet ensemble, on en arrive aux Dahüts”, explique Cyril Flautat.

L’auteur précise également les inspirations intellectuelles de l’univers, entre légende comique réappropriée, touche de sciences humaines mâtinées de mythologie occidentale, et mise en scène graphique la plus riche possible, afin de divertir les lecteurs de tous âges.

Cette approche hybride explique le positionnement du livre : à la fois récit d’aventure accessible et univers narratif plus large.

Un parcours professionnel entre illustration, publicité et narration

Cyril Flautat vit aujourd’hui en Savoie, dans les Alpes du Nord. S’il a passé son enfance en Normandie, il évoque également les séjours dans le Morvan chez ses grands-parents maternels comme une source importante d’inspiration :

Un vieux pays pétri de légendes, de forêts impénétrables et de vieilles bâtisses en granit. De quoi nourrir son inspiration.

En 1983, sa famille s’installe en Savoie. Il décrit ce territoire comme “un univers d’une richesse inouïe”, marqué par “ses montagnes vertigineuses, ses vallées cachées et ses torrents impétueux”.

Formé aux Arts appliqués de Lyon, il a ensuite travaillé pendant environ trente ans dans différentes agences de communication, où il a occupé plusieurs fonctions liées à la création publicitaire : graphiste, roughman illustrateur, directeur artistique et concepteur rédacteur.

Cette double expérience – artistique et narrative – influence sa manière de concevoir ses projets éditoriaux, entre écrit et dessin. Cyril évoque un attrait tout particulier pour le travail du fond et de la forme, qu’il juge très varié et enrichissant.

Une rencontre éditoriale décisive avec les éditions Présence

La publication de l’album résulte d’une rencontre avec la maison d’édition Présence, dirigée par Sandrine Corre.

L’éditrice raconte avoir été immédiatement marquée par le projet. L’adhésion se fait également autour des valeurs portées par l’histoire.

J’y ai vu des messages qui collaient avec mes valeurs et ce que je veux transmettre. L’humour a fini de me convaincre qu’il ne fallait pas que je laisse passer ce coup de cœur !

Une maison d’édition indépendante centrée sur la transmission et les émotions

Sandrine Corre a fondé les éditions Présence en 2019.

L’ambition de la maison d’édition Présence est claire : partager, transmettre des émotions et des valeurs à travers les livres.

La maison d’édition revendique une ligne éditoriale centrée sur la dimension humaine et éducative de la lecture.

Son slogan résume cette orientation : “Des livres qui font grandir.”

Depuis sa création, huit livres ont été publiés, certains écrits par l’éditrice elle-même et d’autres sélectionnés parmi des auteurs extérieurs, tous porteurs de messages qu’elle juge essentiels.

Elle décrit également sa manière d’aborder l’édition indépendante :

Ma maison d’édition est peut-être petite, mais elle est d’un esprit convivial et familial, au plus près des auteurs et des lecteurs. Quand j’édite un livre, il prend vie et chemine, même après des années.

Une série en préparation pour explorer d’autres thèmes

Hüdada et les premiers Hommes constitue le premier volume d’un univers appelé à s’étendre.

Les éditions Présence annoncent leur intention de développer une série complète, et précisent que ce livre n’est que le début.

L’objectif ? Créer un personnage qui rappellerait de ne pas avoir de préjugés, de se remettre en question ainsi que nos croyances, mais aussi d’avoir confiance.

En savoir plus

Site : https://editions-presence.fr

Facebook : https://www.facebook.fr/sandrinecorreauteur

Un film documentaire réalisé par Eve Simonet et Sarah Tahlaiti

La maternité est-elle un choix intime… ou un champ de bataille politique ?

Avec Mothers Without Borders, Sarah Tahlaiti et Eve Simonet signent un long documentaire qui interroge les conditions dans lesquelles on devient mère aujourd’hui.

Synopsis

Sarah rêve d’avoir un enfant, mais craint de trahir ses convictions féministes. Eve est mère solo, lesbienne, militante pour les droits des enfants, et vit au quotidien les discriminations liées à sa maternité.

Avec la montée de l’extrême droite en France et les discours natalistes conservateurs, elles s’interrogent sur les restrictions des droits reproductifs ainsi que le statut actuel des mères.

De ce dialogue naît une traversée européenne dans des pays marqués par un basculement à l’extrême droite ou au contraire par des politique progressistes. De Paris à Milan, de Madrid à Varsovie, les réalisatrices rencontrent des mères, celles et ceux qui les entourent ou les soignent pour déterminer quels sont les risques ou avancées lorsque les politiques publiques s’attaquent aux droits des mères.

Une production on.suzane

on.suzane est une maison de production indépendante fondée par les deux réalisatrices. Elle développe des œuvres documentaires à la croisée de l’intime et du politique, avec une attention particulière aux récits féministes, queer et sociaux.

Leur précédent documentaire, Réinventer l’enfance, soutenu par le CNC Talent, a rencontré un large écho médiatique et public.

Le documentaire sera disponible sur la plateforme à partir du 01 avril 2026

Les réalisatrices

Eve Simonet

Réalisatrice, productrice et cofondatrice de on.suzane. Mère solo et militante, elle est également fondatrice de l’association Le Club Poussette, présente dans 180 villes.

Sarah Tahlaiti

Réalisatrice, productrice et directrice générale de on.suzane. Activiste féministe, elle s’empare des sujets liés aux inégalités au travers des documentaires produits et réalisés.

 En savoir plus

Site web : https://on-suzane.shop/fr/ 

Elle repose sur une organisation invisible, souvent fragile, portée par des femmes et des hommes engagés, bénévoles, artistes, enseignants, responsables associatifs, qui assurent chaque jour la continuité de la vie culturelle sur les territoires. Or, à mesure que les exigences administratives s’intensifient, cet engagement devient plus difficile à soutenir, moins attractif, parfois décourageant.

Cette tension silencieuse interroge directement la capacité du secteur culturel à se projeter dans la durée.

Comment préserver la diversité des pratiques, la transmission et l’ancrage local, lorsque l’énergie se consume dans la gestion plutôt que dans la création ?

C’est à partir de cette question, profondément ancrée dans la réalité du terrain, qu’Opentalent a construit son projet.

Avec une ambition assumée : apporter des outils concrets pour soutenir celles et ceux qui font vivre la culture, et contribuer, par la technologie, à la défense d’un écosystème culturel accessible, structuré et durable.

Les bénévoles des structures culturelles sous tension

Dans les structures culturelles, le quotidien est fait d’enchaînements très concrets. Inscriptions à gérer, adhérents à suivre, emplois du temps à ajuster, matériel à inventorier, événements à organiser, informations à transmettre aux publics, aux familles, aux partenaires institutionnels. Autant de tâches indispensables, rarement visibles, mais déterminantes pour la survie des projets.

Dans de nombreux cas, ces missions reposent sur des équipes réduites, parfois sur une seule personne, souvent bénévoles. Les outils disponibles, lorsqu’ils existent, sont fréquemment morcelés, peu adaptés aux usages culturels ou conçus pour des organisations disposant de moyens humains et financiers sans commune mesure avec ceux du tissu associatif.

Cette fragmentation a un coût. Elle allonge les temps de gestion, multiplie les risques d’erreur, concentre la charge mentale sur quelques individus et fragilise l’organisation globale. À terme, ce sont des projets qui peinent à se renouveler, des responsabilités difficiles à transmettre et un engagement qui devient plus difficile à maintenir.

C’est précisément sur cette réalité opérationnelle qu’Opentalent a choisi d’intervenir, non en ajoutant une couche supplémentaire de complexité, mais en repensant la manière dont les structures culturelles s’organisent, communiquent et valorisent leurs actions.

Structurer sans alourdir : la mission d’Opentalent

La plateforme Opentalent repose sur un choix fort : centraliser, dans un environnement unique, l’ensemble des fonctions nécessaires à la vie d’une structure culturelle. Gestion des membres, organisation des événements, communication, suivi du matériel, visibilité des actions, tout est pensé pour limiter les ruptures, les doublons et la dispersion des informations.

Ce choix n’est pas seulement technique. Il répond à un enjeu fondamental pour le secteur culturel : préserver l’énergie humaine.

En simplifiant les processus, Opentalent permet aux équipes de retrouver de la lisibilité dans leur organisation, de sécuriser leurs données et de consacrer davantage de temps aux projets artistiques et pédagogiques.

Opentalent Artist : pour que la gestion soit facilitée et n’effraie plus les bénévoles

Opentalent Artist est le premier logiciel d’Opentalent, conçu spécifiquement pour les orchestres, chorales, compagnies de théâtre et troupes artistiques. Avec ce logiciel, les structures peuvent gérer tous les aspects de leur activité : des membres aux événements, en passant par la gestion des équipements comme les instruments, partitions, costumes, et plus encore.

En 2026, Opentalent franchit une nouvelle étape majeure : Opentalent Artist est désormais commercialisé auprès de tous les acteurs culturels, au-delà du réseau historique de la Confédération Musicale de France (CMF). Fort de plus de 15 années d’expertise et de l’accompagnement de plus de 3 300 structures, le logiciel s’ouvre aujourd’hui à l’ensemble des structures culturelles sur tout le territoire français, avec l’ambition de simplifier durablement leur gestion et de libérer leur énergie créative.

En plus de cette gestion complète des événements, Opentalent Artist offre une communication fluide avec les membres et le public, tout en optimisant la logistique des répétitions et des concerts.

La solution permet également de bénéficier d’une visibilité immédiate sur le web grâce au site internet inclus dans l’offre et à la parution automatique de la structure et de ses événements sur l’agenda et l’annuaire culturel Opentalent.

“Opentalent Artist Premium, répond parfaitement aux besoins d’une structure comme la nôtre. Son atout majeur ? L’intégration avec le site internet, qui évite les doubles saisies et optimise notre temps.”
M. MONTESSUIT, Directeur musical, Orchestre d’harmonie de Cluses

Pour faciliter l’adoption, chaque structure peut tester gratuitement le logiciel pendant 30 jours, puis accéder à un compte gratuit après la période d’essai pour maintenir sa présence en ligne. Les associations ont également la possibilité d’intégrer HelloAsso pour la billetterie et les dons, ainsi que BasiCompta® pour la gestion comptable.

Cette ouverture progressive à l’ensemble du monde associatif confirme l’ambition d’Opentalent de devenir un partenaire de référence pour toutes les structures qui souhaitent faciliter leur gestion quotidienne.

Opentalent School : une solution complète pour les établissements d’enseignement artistique, quelle que soit leur taille

Opentalent School est conçu pour les écoles de musique, de danse, de théâtre, de cirque, les conservatoires et les MJC. La solution accompagne des établissements de 50 à plus de 3 000 élèves dans la gestion des inscriptions, des emplois du temps, du suivi pédagogique, du matériel, de la facturation et de la communication avec les familles et les équipes.

À l’origine prévu pour les petites écoles associatives, le logiciel se devait d’être simple, ergonomique et économique. Ces caractéristiques ont rapidement attiré des établissements plus importants, séduits par une approche qui privilégie l’efficacité sans sacrifier l’accessibilité.

“Opentalent School est un logiciel simple d’utilisation après la formation. Pensé initialement pour la musique, il s’adapte très bien à d’autres domaines. L’outil est bien conçu et efficace, développé par une équipe ouverte, dynamique et à l’écoute. L’assistance est très réactive : j’ai toujours obtenu une réponse rapide à mes besoins, ce qui est fort appréciable.”
M. CATHELIN, Directeur administratif, Conservatoire de Musique et de Danse de Sens.

Les établissements utilisateurs constatent une réduction significative du temps consacré aux tâches administratives, estimée à 30 %. Ce gain permet aux équipes de se recentrer sur leur mission pédagogique et sur la qualité de l’accompagnement proposé aux élèves, dans un contexte où les moyens restent souvent contraints.

Opentalent School s’affirme également comme un partenaire des collectivités territoriales en s’interfaçant avec leurs logiciels de facturation et de comptabilité. Parmi les collaborations récentes, un partenariat stratégique a été noué avec Arpège, acteur majeur des portails famille, renforçant ainsi l’intégration de la solution dans l’écosystème numérique territorial.

En 2026, Opentalent enrichit son offre avec de nouvelles fonctionnalités, notamment un module dédié à la gestion des stages, répondant ainsi aux besoins croissants des établissements d’enseignement artistique.

Opentalent Manager : simplification et efficacité pour les fédérations culturelles grâce à une automatisation de nombreuses tâches

Les fédérations, confédérations et institutions publiques peuvent compter sur Opentalent Manager pour centraliser la gestion des cotisations, des événements publics et des communications. Opentalent Manager est un outil performant qui permet de simplifier les processus internes tout en renforçant le lien avec les structures culturelles locales, régionales ou nationales.

Au cœur d’un écosystème interconnecté, Opentalent Manager assure la transversalité entre tous les outils de la gamme. En faisant le lien entre Opentalent School et Opentalent Artist, il permet aux fédérations de recueillir automatiquement les informations de l’ensemble du réseau pour générer des statistiques consolidées, disposer d’un répertoire centralisé des structures adhérentes, et piloter leur réseau en temps réel. Cette vision d’ensemble offre aux fédérations une capacité de décision stratégique inédite, fondée sur des données actualisées quotidiennement.

Le logiciel facilite l’automatisation des tâches essentielles, comme la gestion des adhésions et la diffusion des événements, et permet ainsi à ces organisations de se concentrer sur des actions à plus forte valeur ajoutée. Les fédérations qui utilisent Opentalent Manager témoignent de gains importants en termes de fluidité organisationnelle, de réactivité et de transparence dans la gestion des réseaux culturels.

Conçu dès l’origine pour répondre aux problématiques spécifiques de la Confédération Musicale de France (CMF), Opentalent Manager s’est développé en étroite collaboration avec cette institution depuis 2010. Cette collaboration continue permet d’affiner constamment l’outil pour faire rayonner les confédérations au mieux et répondre précisément à leurs besoins évolutifs. Forte de 140 structures en réseau, 3 300 structures adhérentes et plus de 216 000 utilisateurs, cette solution éprouvée démontre chaque jour sa capacité à accompagner le plus grand réseau culturel de France.

L’agenda et l’annuaire Opentalent, rendre visible la culture de proximité

Dans un secteur où la visibilité est cruciale, Opentalent a développé un agenda culturel collaboratif, totalement gratuit, pour permettre aux structures culturelles de promouvoir leurs événements. Cet outil innovant permet à chacun de diffuser ses événements tout en se faisant connaître de manière plus large.

L’agenda repose sur un principe de croisement de sources multiples, afin de constituer un agenda complet, représentatif et fidèle à la diversité artistique. Il intègre des événements amateurs comme professionnels, gratuits comme payants, avec une logique d’égalité de visibilité, quelle que soit la taille ou la notoriété des organisateurs.

L’agenda Opentalent assume un positionnement grand public, renforcé par un partenariat avec la FNAC. Ce partenariat permet d’intégrer la billetterie FNAC directement aux événements référencés et, surtout, d’inscrire des événements portés par des structures culturelles locales au même niveau de visibilité que des concerts et spectacles à forte notoriété, une approche encore rare dans les agendas traditionnels.

Pourquoi l’agenda Opentalent est indispensable ?

• Visibilité maximale : diffusion d’événements à un public large
• Collaboration simple : chaque acteur peut ajouter ses événements et les partager avec la communauté
• Accessibilité gratuite : un outil ouvert à toutes les structures culturelles, sans frais cachés

À la fois outil de promotion, annuaire et mise en réseau, il devient un levier concret de communication pour les structures, tout en facilitant l’accès du public à une offre culturelle riche, variée et accessible. Cet agenda constitue une véritable vitrine numérique accessible via un compte gratuit (disponible après l’essai de 30 jours gratuit du logiciel Artist Premium).

HelloAsso, BasiCompta®, FNAC… des partenaires pensés comme des leviers au service du terrain

Opentalent a structuré des partenariats destinés à renforcer l’autonomie des structures et à compléter les usages au quotidien. HelloAsso est intégré pour la gestion des dons et de la billetterie en ligne ; BasiCompta® apporte une réponse dédiée à la gestion financière et comptable ; la FNAC complète la dimension grand public avec l’intégration billetterie au sein de l’agenda. L’ensemble contribue à une offre cohérente, connectée, conçue pour des acteurs culturels de toutes tailles, afin d’améliorer la gestion, la visibilité et la capacité d’action sur les territoires.

Une réponse construite à partir du terrain, pas d’un modèle théorique

Opentalent ne s’est pas construit à partir d’un modèle théorique. Le projet prend racine dans une expérience directe du monde culturel associatif. Guillaume CORCOBA, président d’un orchestre d’harmonie, membre du conseil d’administration d’une école de musique et d’une fédération locale, a longtemps cumulé les rôles de musicien, d’organisateur et de responsable de structures. Cette immersion lui permet d’identifier très tôt un décalage persistant entre l’engagement déployé sur le terrain et les outils disponibles pour structurer cette activité.

En 2005, aucune solution ne répondait aux besoins spécifiques de ces structures. Pour impliquer davantage les bénévoles dans la gestion, il fallait une solution en ligne, collaborative, tout intégré, un véritable “couteau suisse” numérique. Cette inadéquation n’était pas marginale : elle conditionnait la capacité des structures à durer, à se transmettre et à continuer d’exister sur les territoires.

C’est dans ce contexte qu’est né Openassos en 2008, devenu Opentalent en 2014 pour marquer une évolution majeure. Conçu initialement pour les associations, le logiciel s’est progressivement ouvert aux collectivités territoriales et au réseau circassien. Cette extension naturelle vers de nouveaux types de structures rendait le nom “Openassos” trop restrictif : Opentalent traduit désormais cette capacité à accompagner tout le spectre des acteurs culturels. Non comme une promesse abstraite, mais comme une réponse pragmatique à des besoins concrets, avec une ligne directrice constante : adapter les outils aux acteurs culturels, et non l’inverse.

2026 : Opentalent accélère son développement au service des territoires culturels

Après plus de quinze ans d’engagement, notamment aux côtés de la Confédération Musicale de France, et le développement de solutions reconnues comme Opentalent Artist et Opentalent School, Opentalent franchit une nouvelle étape. En 2026, la plateforme s’ouvre à l’ensemble des structures culturelles et associatives en France, quelle que soit leur discipline ou leur taille, avec l’ambition d’élargir progressivement son offre à l’ensemble du monde associatif.

Cette évolution s’accompagne du lancement d’un compte gratuit, conçu pour lever les freins financiers et techniques rencontrés par de nombreuses petites structures. Il permet de référencer la structure dans l’annuaire Opentalent, de publier des événements sur l’agenda culturel collaboratif et de bénéficier d’une première visibilité numérique, sans engagement.

Pour 2026, Opentalent poursuit plusieurs priorités : renforcer la position de l’agenda Opentalent comme référence nationale grand public pour la promotion des événements culturels, déployer le compte gratuit pour accompagner un maximum de structures dans leur transition numérique, enrichir Opentalent School avec de nouvelles fonctionnalités, notamment un module dédié à la gestion des stages, élargir son réseau de partenaires pour consolider l’écosystème culturel et soutenir les acteurs de terrain.

En s’ouvrant à tous et en préparant une extension vers l’ensemble du monde associatif, Opentalent confirme son ambition : contribuer à une culture plus visible, plus collaborative et plus durable sur l’ensemble du territoire français.

En savoir plus

Site web : https://logiciels.opentalent.fr

Site culturel : https://opentalent.fr

Facebook : https://www.facebook.com/opentalent

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/opentalent-solutions-culturelles