Que transmet une mère à sa fille à cet instant ? Que reste-t-il des silences, des peurs et des représentations hérités des générations précédentes ?

Et comment faire de cet événement intime un véritable sujet de dialogue ?

Le samedi 10 octobre à 10h, ces questions quitteront exceptionnellement la sphère privée pour entrer dans une salle de cinéma parisienne.

Le MK2 Quai de Seine accueillera une projection événement de Premières Lunes, documentaire de 90 minutes réalisé par Mélanie Mélot autour des premières menstruations et de la transmission mère-fille.

Pensée notamment comme un rendez-vous à partager entre mères et adolescentes, la séance sera prolongée par un échange avec la réalisatrice, l’équipe du film et plusieurs invitées.

Quand les premières règles deviennent à la fois sujet de cinéma et de société

Premières Lunes part d’un événement biologique universel pour observer ce qu’il révèle de chaque société, de chaque famille et de chaque génération.

Le documentaire suit des jeunes filles confrontées à leurs premières menstruations dans des environnements culturels différents.

Rwanda, Sénégal, Québec, La Réunion, France : d’un territoire à l’autre, le sang est le même, mais les mots, les rites, les réactions et les héritages diffèrent.

Certaines jeunes filles célèbrent ce passage. D’autres le redoutent ou le taisent. Certaines mères disposent de rites et de mots transmis depuis plusieurs générations ; d’autres doivent inventer une manière nouvelle de parler à leurs filles de ce qu’elles-mêmes ont parfois appris dans le silence.

À travers ces expériences, le documentaire déplace ainsi la question des menstruations : il ne s’agit plus uniquement de parler du fonctionnement du corps, mais d’observer la façon dont une société accompagne l’entrée d’une jeune fille dans une nouvelle étape de sa vie.

La relation mère-fille constitue à ce titre l’un des fils conducteurs du film.

Entre pudeur, maladresse, affection, héritages familiaux et désir de transmettre autrement, Premières Lunes s’intéresse à ce qui se joue précisément au moment où une expérience intime devient une expérience partagée.

Le 10 octobre, un film à voir mais aussi à discuter

La projection organisée au MK2 Quai de Seine entend prolonger cette démarche hors de l’écran.

Le samedi 10 octobre à 10h, le public parisien pourra découvrir Premières Lunes dans le cadre d’une séance événement.

Les mères et les adolescentes sont particulièrement invitées à venir ensemble : une manière de transformer le cinéma en point de départ d’une conversation qui n’a pas toujours lieu spontanément à la maison.

À l’issue de la projection, un temps d’échange permettra de revenir sur les questions soulevées par le documentaire, en présence notamment de Maïtie Trelaün, Aisha Sieburth et Marianne Tavennec, ainsi que d’autres invitées.

L’équipe de la réalisation du film sera également réunie, avec notamment Mélanie Mélot,  Samuel Fleury et Thibault Torzuoli.

Cette rencontre fait écho à la construction même de Premières Lunes. Le documentaire ne cherche pas à imposer une manière de vivre les premières menstruations : il met côte à côte des expériences, des cultures et des générations pour permettre à la parole de circuler.

Interroger la frontière entre expérience biologique et construction culturelle

En parcourant plusieurs territoires, Mélanie Mélot met en lumière des conceptions parfois très différentes de ce passage.

Les rites ancestraux rencontrent les pratiques contemporaines.

Les paroles assumées côtoient les non-dits. Des jeunes filles découvrent leur corps tandis que leurs mères sont, elles aussi, ramenées à leur propre histoire.

Le film s’intéresse ainsi autant à ce qui est transmis qu’à ce qui ne l’est pas.

Cette approche permet d’interroger la frontière entre expérience biologique et construction culturelle.

Si les premières règles constituent un phénomène physiologique, la manière dont elles sont vécues dépend également des mots employés, des représentations du corps féminin, des traditions et de la place accordée à la parole.

C’est précisément cette pluralité que le film donne à voir, sans hiérarchiser les expériences.

Filmer ce que les générations se transmettent

Derrière Premières Lunes se trouve le parcours de Mélanie Mélot.

Photographe pendant plusieurs années, elle a parcouru le monde à la rencontre de femmes, d’artistes et de communautés. Mais elle se heurte aux limites de cet art.

La fixité de l’image ne suffisait plus à rendre la complexité du réel. Il me manquait la voix, le souffle, la vibration des récits.

Elle se tourne alors vers le documentaire et complète sa formation par des études d’anthropologie et d’écriture de scénario.

Son travail se situe depuis au croisement d’une observation documentaire, d’une sensibilité poétique et d’une approche ethnographique.

Mère de trois enfants, Mélanie Mélot s’intéresse particulièrement à la circulation de la parole entre les femmes, les générations et les cultures.

Premières Lunes prolonge cette démarche en faisant du cinéma un espace où l’intime peut être observé sans être réduit à un discours démonstratif.

La réalisatrice résume d’ailleurs son approche par une formule : un film « sans tabous et sans frontières ».

Du silence familial à la salle de cinéma

La projection parisienne du 10 octobre donne une résonance particulière à cette ambition.

Faire entrer les premières règles au MK2 Quai de Seine, c’est déplacer sur grand écran une expérience longtemps reléguée à l’espace privé.

Mais c’est aussi réunir dans une même salle plusieurs générations susceptibles de ne pas avoir vécu ce passage de la même manière.

Une mère peut avoir grandi avec le silence là où sa fille attend des explications.

Une adolescente peut poser aujourd’hui des questions que sa mère n’a jamais pu poser au même âge.

Une famille peut également inventer ses propres mots et ses propres façons d’accompagner ce moment.

Le film devient alors moins une réponse qu’un déclencheur de conversation.

Cette dimension explique la place accordée à l’échange après la séance.

L’expérience ne doit pas s’arrêter au générique : elle doit permettre aux récits montrés à l’écran d’entrer en résonance avec ceux du public.

Pour Mélanie Mélot, la caméra devient ainsi un instrument de reliance : entre femmes, entre générations et entre cultures. Une démarche qui préfère la nuance à l’affrontement et l’écoute à la démonstration.

En savoir plus

Réserver la séance : https://www.mk2.com/panier/seance/tickets?cinemaId=0011&sessionId=47927

Facebook : https://www.facebook.com/premiereslunes/

Instagram : https://www.instagram.com/premiereslunes_film/ & Mélanie Mélot https://www.facebook.com/melaniemelot.g

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/m%C3%A9lanie-m%C3%A9lot-3abb5a196/

En 1895, à La Ciotat, les frères Lumière tournent L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat et y organisent l’une des toutes premières projections du cinématographe.

Cent trente et un ans plus tard, le SHAIKE Film Festival revient dans cette ville pour poser une question simple : que devient le cinéma quand l’intelligence artificielle s’invite dans la création ?

Une compétition de films dans la plus vieille salle de cinéma au monde

Les 2 et 3 octobre 2026, le SHAIKE Film Festival tient sa première édition à l’Eden Théâtre : une compétition inédite où des réalisateurs, qu’ils filment avec une caméra ou qu’ils créent avec l’intelligence artificielle, concourent devant un même jury, selon les mêmes exigences.

Toutes catégories confondues, le festival a reçu 450 films provenant de plus de 40 pays.

Lien de la bande-annonce

Olivier Dahan présidera le jury du SHAIKE Film Festival

Le jury réunit également Eric Judor (Problemos, Platane), Jacques Malaterre (Homo Sapiens, L’Odyssée de l’espéce), Anne Richard (la juge inoubliable de Boulevard du Palais), le superviseur VFX Seb Caudron (John Wick: Chapter 4, Napoleon), le producteur Yves Rousset-Rouard (Emmanuelle, Les Bronzés), Stéphane Barbato, auteur, réalisateur et producteur, Mike L. Bivins réalisateur et entertainer star aux USA et Jeremy Angelier, fondateur de la plateforme Shaike et du SHAIKE Film Festival.

La Ciotat, ville partenaire

Le festival s’installe avec le soutien de la Ville de La Ciotat.

Nous sommes heureux d’accompagner l’émergence de ce grand bouleversement planétaire des images, là où le cinéma est né, là où il se réinvente désormais.

Alexandre Doriot, maire de La Ciotat

Le SHAIKE Film Festival s’inscrit dans un mouvement mondial : un cinéma traversé par de nouveaux outils, toujours porté par la même nécessité de raconter.

Cette réalité, souvent vécue dans l’intimité des familles, est au cœur de Jone Sometimes, premier long-métrage de Sara Fantova. À Bilbao, pendant l’effervescence de la Semana Grande, Jone a 20 ans. Elle tombe amoureuse tandis que la maladie de Parkinson de son père s’aggrave. Deux mouvements contraires traversent alors le même été : l’émancipation d’une jeune femme et la vulnérabilité croissante d’un père.

Le 4 septembre, cette histoire quittera le seul territoire de la fiction pour devenir le support d’une opération de sensibilisation nationale. La Fidèle Studios, société de production et de distribution créée par Jok Berri, organise une projection de Jone Sometimes dans plus de 40 cinémas CGR en France. Une partie des bénéfices réalisées seront reversés à l’association France Parkinson.

À 20 ans, Jone découvre l’amour au moment où la maladie redistribue les rôles familiaux

Bilbao, au mois d’août. La ville célèbre sa Semana Grande. Jone vit avec son père et sa petite sœur Marta. Son père a dû arrêter de travailler en raison des conséquences de sa maladie de Parkinson. Au même moment, Jone rencontre Olga et connaît son premier amour.

Sara Fantova construit son récit autour de cette collision entre deux expériences que tout semble opposer : la sensation d’immortalité propre à la jeunesse et la prise de conscience progressive de la fragilité d’un parent.

Jone Sometimes raconte ainsi le passage de l’adolescence à l’âge adulte sans en faire une abstraction. Pour Jone, grandir signifie aimer, désirer, sortir et chercher sa place, mais également porter attention à sa sœur, observer l’évolution de son père et apprendre à vivre avec la maladie dans le cercle familial.

Cette dimension rejoint directement la question des proches aidants. France Parkinson rappelle que l’apparition de la maladie transforme non seulement la vie de la personne concernée, mais aussi celle de son entourage et peut bouleverser l’équilibre des relations préexistantes. L’association développe notamment le programme national A2Pa pour informer, accompagner et soutenir les proches aidants.

De la première parisienne à une opération nationale avec France Parkinson

Le rapprochement entre le film et France Parkinson est né après sa sortie française en décembre 2025, organisée dans plus de 60 salles d’art et essai.

Lors de la première parisienne, le président de France Parkinson, Jean Louis Dufloux, assiste à la projection. Il est particulièrement touché par la manière dont le film aborde la maladie à travers le regard et l’expérience des aidants.

La discussion se poursuit après la séance. Une rencontre réunit Sara Fantova, le président de l’association, et l’équipe de La Fidèle Studios. De ces échanges naît l’envie de prolonger le film au-delà de son exploitation traditionnelle et de toucher un public plus large.

L’équipe de programmation du réseau CGR, est à son tour convaincue par le film et par le principe de l’initiative. L’opération du 4 septembre prend alors forme : Jone Sometimes sera proposé simultanément dans 40 CGR, avec un principe simple et concret, puisque la moitié des bénéfices sera reversée à France Parkinson.

L’enjeu dépasse ainsi la projection ponctuelle. Le film devient un point de départ pour parler de la maladie à travers ceux dont le quotidien est également transformé par elle : les enfants, conjoints et proches qui accompagnent une personne malade.

Sara Fantova filme la maladie sans lui abandonner toute la vie de son personnage

Jone Sometimes ne réduit pourtant pas son héroïne à son rôle auprès de son père.

C’est précisément l’une des singularités du film : la maladie existe en même temps que le désir, l’amitié, la fête et la découverte amoureuse. La Semana Grande de Bilbao n’est pas un simple décor. Son mouvement et son énergie accompagnent une jeune femme partagée entre la liberté qu’elle découvre et les responsabilités qui s’imposent progressivement à elle.

Réalisé par Sara Fantova, le film est porté par Olaia Aguayo, Josean Bengoetxea et Ainhoa Artetxe. Il est produit par Escac Studio, Escándalo Films, Amania Films et l’ECPV (Escuela de Cine del País Vasco), l’école de cinéma du Pays Basque , et distribué en France par La Fidèle Studios.

Le parcours du film a déjà été jalonné de plusieurs reconnaissances : mention spéciale du Jury au Festival de Malaga 2025, session spéciale au Festival Nouvelles Vagues de Biarritz, Prix de l’élan collectif au Festival D.A de Barcelone, Prix des Nouveaux Cinéastes au Festival du Film de Saint-Sébastien, prix de la meilleure actrice à Cinespaña Toulouse et sélection au festival Cine Horizonte de Marseille.

Ces sélections accompagnent l’émergence d’un premier long-métrage qui fait de la jeunesse basque non pas un sujet périphérique, mais le centre du récit.

Art et essai ou cinéma grand public ? La Fidèle Studios choisit de ne pas choisir

L’opération du 4 septembre porte également une ambition concernant la circulation des films.

Après une première exploitation dans 60 salles d’art et essai, Jone Sometimes rejoint 40 cinémas CGR pour une séance associant diffusion cinématographique et soutien à une cause nationale.

Cette volonté correspond au positionnement développé par La Fidèle Studios depuis le Pays Basque français : produire et distribuer des films d’auteurs, accompagner l’émergence de nouveaux talents, défendre notamment les langues régionales et favoriser la coopération au-delà des frontières locales.

Avec des antennes internationales à Saint-Sébastien et Philadelphie, la structure entend désormais renforcer sa présence dans le réseau national de distribution tout en conservant cette ligne : faire exister de nouveaux regards et des voix qui trouvaient jusque-là difficilement leur place.

Le choix d’une opération avec France Parkinson donne une traduction concrète à cette ambition. Il ne s’agit plus seulement de distribuer un film, mais de fédérer autour de ce qu’il raconte.

Le 4 septembre, une séance pour regarder autrement celles et ceux qui accompagnent la maladie

Avec cette opération, Jone Sometimes poursuit donc une trajectoire inhabituelle : après les festivals puis les salles d’art et essai, le film revient sur grand écran dans 40 CGR avec une dimension solidaire.

Pour France Parkinson, cette projection rejoint un enjeu déjà au cœur de son action : rendre davantage visibles les proches aidants et leur permettre d’être informés, accompagnés et entendus.

Pour La Fidèle Studios, elle constitue aussi une manière d’affirmer une certaine conception de la distribution : faire circuler des œuvres capables de réunir des publics différents, et utiliser le cinéma comme espace de rencontre autour d’une réalité sociale qui dépasse largement l’écran.

En savoir plus

Site web : https://www.lafidelestudios.com/jone-sometimes/ethttps://www.cgrcinemas.fr/

France Parkinson : https://www.franceparkinson.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/lafidelestudios/

Instagram : https://www.instagram.com/la_fidele_studios/et @jok_berri

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/jokinetcheverria/fr

Quand les portes du Musée Jacquemart-André se referment, la soirée ne fait que commencer. Dans le silence retrouvé des salons, les œuvres, les voix et les regards se rencontrent autrement.

Depuis 2021, Opera a Palazzo Paris imagine une autre manière de vivre l’opéra, au plus près des artistes et dans des lieux où le patrimoine devient partie intégrante du spectacle.

Pour sa nouvelle saison, cette aventure parisienne ouvre un nouveau chapitre. Le partenariat avec le Musée Jacquemart-André se prolonge pour quatre années supplémentaires et s’enrichit de nouvelles propositions.

Désormais, les visiteurs pourront prolonger leur soirée Opera a Palazzo par une découverte de l’exposition temporaire en cours. Une invitation à composer sa soirée autrement, au gré des expositions qui se succéderont au fil des saisons.

Pour cette nouvelle édition, le public pourra découvrir Éternel Tintoret avant de retrouver La Traviata ou Rigoletto de Verdi dans les salons du musée.

Une même soirée, un même lieu, et de nouvelles façons de faire dialoguer les arts.

Rigoletto

De Venise à Paris, une dramaturgie sans scène ni distance

À Opera a Palazzo, l’opéra se vit autrement. Rien n’est frontal : il ne se déroule pas face à un public immobile, mais se déploie autour de lui, avec lui, parfois presque à travers lui. Dans les salons du Musée Jacquemart-André, les artistes apparaissent, disparaissent, réapparaissent ailleurs. Le spectateur se déplace, se rapproche, recule et choisit instinctivement la distance à laquelle il souhaite recevoir l’émotion. Cette proximité transforme l’écoute : une respiration devient audible, un frémissement de voix prend une densité nouvelle, et l’intensité dramatique naît moins de la projection que de la présence.

Cette approche trouve son origine à Venise, où Marie-Laure de Bello-Portu et Armand Cohen découvrent Musica a Palazzo, dont l’intensité de la rencontre entre artistes et spectateurs le marque profondément. De retour à Paris, il fonde Opera a Palazzo Paris en 2021, avec l’ambition d’inscrire cette relation renouvelée à l’opéra dans des lieux patrimoniaux parisiens, en collaboration avec une équipe artistique française. De la Fondation Dosne-Thiers à la Monnaie de Paris, puis à la Fondation Simone et Cino del Duca, le projet s’est construit au fil de lieux emblématiques avant de s’installer au Musée Jacquemart-André.

Rigoletto

Une nouvelle expérience combinée : l’opéra en dialogue avec « Éternel Tintoret »

À partir de septembre 2026, les spectateurs pourront enrichir leur soirée Opera a Palazzo d’une découverte de l’exposition temporaire Éternel Tintoret.

Première grande rétrospective française consacrée à Tintoret, elle réunit une quarantaine d’œuvres majeures retraçant la carrière de l’artiste et mettant en lumière l’influence considérable qu’il a exercée sur l’histoire de l’art européen.

La formule « Soirée Opéra + Exposition » permettra aux détenteurs de cette offre d’accéder à l’exposition dès 19h30, avant la représentation, dans le cadre d’une visite réservée à une jauge limitée. Cette ouverture privilégiée offrira une découverte plus intime des œuvres, pour une immersion progressive dans l’univers du Musée Jacquemart-André avant de retrouver les artistes dans ses salons.

Au fil de la soirée, deux grands maîtres italiens se retrouveront ainsi réunis dans un même lieu : Tintoret, figure majeure de la peinture vénitienne du XVIᵉ siècle, et Verdi, dont La Traviata et Rigoletto sont au cœur de la programmation d’Opera a Palazzo.

Tintoret, « Suzanne et les vieillards », 1557

La programmation 2026–2027 : La Traviata et Rigoletto

La nouvelle saison s’inscrit sous le signe de la continuité : La Traviata et Rigoletto, déjà présentées dans les salons du Musée Jacquemart-André, y font leur retour et rythment toute la saison.

La Traviata – Le public se retrouve au cœur de l’histoire de Violetta et d’Alfredo. Portée par trois chanteurs et un trio instrumental, cette adaptation resserrée sur les trois rôles principaux – mise en scène de Patrizia Di Paolo, costumes du Nicolao Atelier de Venise – a été primée à l’Argus Angel Award.

Rigoletto – Les spectateurs deviennent les invités du Duc de Mantoue et suivent les personnages d’un salon à l’autre, au plus près de l’intrigue et des émotions. Interprétée par cinq chanteurs accompagnés d’un trio instrumental, cette adaptation immersive fait de l’hôtel particulier du XIXᵉ siècle le décor naturel du drame.

La Traviata

Les artistes

Chanter à quelques mètres du public n’autorise aucun repli : ni fosse, ni recul, ni amplification. Le format exige des interprètes une précision de tous les instants, et c’est sur ce critère que s’est constituée, saison après saison, la troupe d’Opera a Palazzo – des jeunes talents et des voix déjà installées, réunies par le même goût du chant en présence. Beaucoup partagent leur temps entre ces salons et les grandes maisons, des Chorégies d’Orange à La Scala de Milan ou au Gran Teatre del Liceu de Barcelone. Comme les distributions changent d’une date à l’autre, deux soirées ne se ressemblent jamais tout à fait.
Découvrez les artistes d’Opera a Palazzo et leurs biographies sur notre site :  https://opera-palazzo.com/les-artistes/

Une structure solide pour porter une expérience singulière

Derrière Opera a Palazzo Paris, se trouve Music Opera Events, filiale de Musique & Opéra, spécialiste de la musique classique depuis plus de 30 ans. À la fois agence de réservation de concerts, opéras, ballets et festivals, agence de voyages et tour-opérateur, Musique & Opéra accompagne les passionnés de musique classique à travers le monde, notamment via son site music-opera.com.

Opera Palazzo en chiffres

+ 100 soirées publiques
15 soirées privées
3 galas
2 soirées du Nouvel An
+ 8 000 spectateurs

INFORMATIONS PRATIQUES

Lieu : Musée Jacquemart-André, 158 boulevard Haussmann, Paris 8ᵉ
Saison 2026–2027 : du 19 septembre 2026 au 26 juin 2027
Tarifs : à partir de 255 €

Réservations : opera-palazzo.com

Pour retrouver l’ensemble des dates, horaires, tarifs et informations pratiques de la saison, rendez-vous sur opera-palazzo.com.

Contact Presse

Opera a Palazzo – contact@opera-palazzo.com

Marion Barba

marion.barba@opera-palazzo.com

+33 1 47 05 74 61

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Cette réalité, souvent vécue dans l’intimité des familles, est au cœur de Jone Sometimes, premier long-métrage de Sara Fantova. À Bilbao, pendant l’effervescence de la Semana Grande, Jone a 20 ans. Elle tombe amoureuse tandis que la maladie de Parkinson de son père s’aggrave. Deux mouvements contraires traversent alors le même été : l’émancipation d’une jeune femme et la vulnérabilité croissante d’un père.

Le 4 septembre, cette histoire quittera le seul territoire de la fiction pour devenir le support d’une opération de sensibilisation nationale. La Fidèle Studios, société de production et de distribution créée par Jok Berri, organise une projection de Jone Sometimes dans plus de 40 cinémas CGR en France. Une partie des bénéfices réalisées seront reversés à l’association France Parkinson.

À 20 ans, Jone découvre l’amour au moment où la maladie redistribue les rôles familiaux

Bilbao, au mois d’août. La ville célèbre sa Semana Grande. Jone vit avec son père et sa petite sœur Marta. Son père a dû arrêter de travailler en raison des conséquences de sa maladie de Parkinson. Au même moment, Jone rencontre Olga et connaît son premier amour.

Sara Fantova construit son récit autour de cette collision entre deux expériences que tout semble opposer : la sensation d’immortalité propre à la jeunesse et la prise de conscience progressive de la fragilité d’un parent.

Jone Sometimes raconte ainsi le passage de l’adolescence à l’âge adulte sans en faire une abstraction. Pour Jone, grandir signifie aimer, désirer, sortir et chercher sa place, mais également porter attention à sa sœur, observer l’évolution de son père et apprendre à vivre avec la maladie dans le cercle familial.

Cette dimension rejoint directement la question des proches aidants. France Parkinson rappelle que l’apparition de la maladie transforme non seulement la vie de la personne concernée, mais aussi celle de son entourage et peut bouleverser l’équilibre des relations préexistantes. L’association développe notamment le programme national A2Pa pour informer, accompagner et soutenir les proches aidants.

De la première parisienne à une opération nationale avec France Parkinson

Le rapprochement entre le film et France Parkinson est né après sa sortie française en décembre 2025, organisée dans plus de 60 salles d’art et essai.

Lors de la première parisienne, le président de France Parkinson, Jean Louis Dufloux, assiste à la projection. Il est particulièrement touché par la manière dont le film aborde la maladie à travers le regard et l’expérience des aidants.

La discussion se poursuit après la séance. Une rencontre réunit Sara Fantova, le président de l’association, et l’équipe de La Fidèle Studios. De ces échanges naît l’envie de prolonger le film au-delà de son exploitation traditionnelle et de toucher un public plus large.

L’équipe de programmation du réseau CGR, est à son tour convaincue par le film et par le principe de l’initiative. L’opération du 4 septembre prend alors forme : Jone Sometimes sera proposé simultanément dans 40 CGR, avec un principe simple et concret, puisque la moitié des bénéfices sera reversée à France Parkinson.

L’enjeu dépasse ainsi la projection ponctuelle. Le film devient un point de départ pour parler de la maladie à travers ceux dont le quotidien est également transformé par elle : les enfants, conjoints et proches qui accompagnent une personne malade.

Sara Fantova filme la maladie sans lui abandonner toute la vie de son personnage

Jone Sometimes ne réduit pourtant pas son héroïne à son rôle auprès de son père.

C’est précisément l’une des singularités du film : la maladie existe en même temps que le désir, l’amitié, la fête et la découverte amoureuse. La Semana Grande de Bilbao n’est pas un simple décor. Son mouvement et son énergie accompagnent une jeune femme partagée entre la liberté qu’elle découvre et les responsabilités qui s’imposent progressivement à elle.

Réalisé par Sara Fantova, le film est porté par Olaia Aguayo, Josean Bengoetxea et Ainhoa Artetxe. Il est produit par Escac Studio, Escándalo Films, Amania Films et l’ECPV (Escuela de Cine del País Vasco), l’école de cinéma du Pays Basque , et distribué en France par La Fidèle Studios.

Le parcours du film a déjà été jalonné de plusieurs reconnaissances : mention spéciale du Jury au Festival de Malaga 2025, session spéciale au Festival Nouvelles Vagues de Biarritz, Prix de l’élan collectif au Festival D.A de Barcelone, Prix des Nouveaux Cinéastes au Festival du Film de Saint-Sébastien, prix de la meilleure actrice à Cinespaña Toulouse et sélection au festival Cine Horizonte de Marseille.

Ces sélections accompagnent l’émergence d’un premier long-métrage qui fait de la jeunesse basque non pas un sujet périphérique, mais le centre du récit.

Art et essai ou cinéma grand public ? La Fidèle Studios choisit de ne pas choisir

L’opération du 4 septembre porte également une ambition concernant la circulation des films.

Après une première exploitation dans 60 salles d’art et essai, Jone Sometimes rejoint 40 cinémas CGR pour une séance associant diffusion cinématographique et soutien à une cause nationale.

Cette volonté correspond au positionnement développé par La Fidèle Studios depuis le Pays Basque français : produire et distribuer des films d’auteurs, accompagner l’émergence de nouveaux talents, défendre notamment les langues régionales et favoriser la coopération au-delà des frontières locales.

Avec des antennes internationales à Saint-Sébastien et Philadelphie, la structure entend désormais renforcer sa présence dans le réseau national de distribution tout en conservant cette ligne : faire exister de nouveaux regards et des voix qui trouvaient jusque-là difficilement leur place.

Le choix d’une opération avec France Parkinson donne une traduction concrète à cette ambition. Il ne s’agit plus seulement de distribuer un film, mais de fédérer autour de ce qu’il raconte.

Le 4 septembre, une séance pour regarder autrement celles et ceux qui accompagnent la maladie

Avec cette opération, Jone Sometimes poursuit donc une trajectoire inhabituelle : après les festivals puis les salles d’art et essai, le film revient sur grand écran dans 40 CGR avec une dimension solidaire.

Pour France Parkinson, cette projection rejoint un enjeu déjà au cœur de son action : rendre davantage visibles les proches aidants et leur permettre d’être informés, accompagnés et entendus.

Pour La Fidèle Studios, elle constitue aussi une manière d’affirmer une certaine conception de la distribution : faire circuler des œuvres capables de réunir des publics différents, et utiliser le cinéma comme espace de rencontre autour d’une réalité sociale qui dépasse largement l’écran.

En savoir plus

Site web : https://www.lafidelestudios.com/jone-sometimes/ et https://www.cgrcinemas.fr/

France Parkinson : https://www.franceparkinson.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/lafidelestudios/

Instagram : https://www.instagram.com/la_fidele_studios/ et @jok_berri

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/jokinetcheverria/fr

Entre les festivals, les sorties en salle, les plateformes de streaming et les diffuseurs traditionnels, de nombreuses œuvres indépendantes restent invisibles, faute de distributeur ou de fenêtre de diffusion adaptée.

Dans le même temps, les habitudes de visionnement évoluent rapidement et les plateformes numériques deviennent des lieux où le public découvre désormais des contenus toujours plus variés.

C’est dans cette réalité que s’inscrit la sortie de Révolté, le nouveau long métrage de Noël Mitrani.

À compter du 1er septembre 2026, ce film de 101 minutes sera proposé gratuitement et exclusivement sur la chaîne YouTube Marcova Productions.

Une sortie qui porte une double ambition : faire découvrir un drame familial construit autour d’un secret dévastateur et expérimenter une autre voie pour rendre le cinéma indépendant directement accessible au public.

Et si le véritable défi n’était plus de produire un film… mais de le faire exister ?

Pour les réalisateurs indépendants, terminer un film ne constitue souvent qu’une étape.

La plus difficile commence ensuite : trouver un distributeur, obtenir une sortie en salle, convaincre une chaîne de télévision ou une plateforme d’intégrer l’œuvre à son catalogue. Sans cette étape, un film peut rester invisible malgré des années de travail.

C’est précisément ce constat qui conduit Marcova Productions à explorer une autre voie.

Le 1er septembre prochain, Révolté sera diffusé gratuitement, en français et en exclusivité sur la chaîne YouTube de la société de production. Le choix de cette plateforme ne relève pas d’une simple opération promotionnelle : il traduit la volonté de rapprocher directement les films de leur public, sans dépendre exclusivement des circuits traditionnels.

Dans les semaines précédant cette sortie, plusieurs capsules vidéo permettront également de découvrir progressivement l’univers du film et d’accompagner son lancement.

Une expérience qui questionne les modèles de diffusion du cinéma indépendant

Cette stratégie ne naît pas d’une théorie, mais d’une expérience concrète.

Pour l’une de ses œuvres récentes, Noël Mitrani ne parvient à obtenir aucune solution de diffusion. Le film est terminé, mais aucune sortie en salle, aucune programmation télévisuelle et aucune plateforme ne lui ouvrent leurs portes.

Face à cette impasse, il prend une décision rarement retenue dans les stratégies classiques de distribution : proposer gratuitement son film sur Internet.

Le résultat dépasse toutes les attentes.

L’œuvre enregistre plus de 4,5 millions de visionnements.

Au-delà du chiffre, cette expérience met en lumière plusieurs constats :

• Un public existe pour le cinéma francophone indépendant dès lors que les œuvres sont facilement accessibles ;
• L’absence de distributeur ne traduit pas nécessairement une absence d’intérêt ;
• Les circuits historiques ne suffisent plus toujours à assurer la visibilité de toute la diversité de la création ;
• Des films privés de diffusion traditionnelle peuvent rencontrer une audience très importante.

L’expérience agit ainsi comme un révélateur. Elle montre que la difficulté ne se situe pas uniquement dans la création des œuvres, mais aussi dans leur capacité à circuler jusqu’aux spectateurs.

Révolté : un drame familial construit autour d’un secret qui bouleverse toutes les certitudes

Avec Révolté, Noël Mitrani propose un drame psychologique où les liens familiaux sont mis à rude épreuve.

Le film raconte l’histoire de deux jeunes frères qui s’opposent sur la culpabilité ou l’innocence de leur père, emprisonné pour le meurtre de leur mère… jusqu’à ce qu’un secret soigneusement gardé vienne remettre en question tout ce qu’ils croyaient savoir.

Sans dévoiler davantage son intrigue, le long métrage explore les conséquences du doute, les fractures familiales et le poids des vérités enfouies, dans une narration qui laisse progressivement émerger les zones d’ombre des personnages.

Un réalisateur dont le parcours éclaire la démarche

Réalisateur et scénariste indépendant, Noël Mitrani s’est construit un parcours reconnu dans les circuits internationaux.

Ses films ont notamment été présentés à la Mostra de Venise, récompensés au Festival international du film de Toronto et diffusés dans plusieurs pays.

Son travail s’inscrit dans une tradition de cinéma d’auteur qui conjugue exigence artistique et volonté de rester accessible au plus grand nombre.

Le choix de diffuser Révolté sur YouTube s’inscrit ainsi dans la continuité de cette démarche. Il ne s’agit pas seulement de présenter un nouveau film, mais d’expérimenter un mode de diffusion capable de répondre aux difficultés rencontrées par de nombreuses productions indépendantes.

Noël Mitrani est disponible pour des entrevues afin d’échanger sur Révolté, sa démarche artistique et cette stratégie de diffusion qui interroge l’évolution des modèles de circulation des œuvres.

Marcova Productions : rapprocher le cinéma indépendant de son public

À travers sa chaîne YouTube, Marcova Productions développe un espace consacré au cinéma francophone indépendant.

Son ambition est de proposer gratuitement des films d’envergure, en exclusivité, afin d’offrir un accès direct à des œuvres qui peinent parfois à trouver leur place dans les circuits traditionnels.

Avec la sortie de Révolté, la société poursuit cette démarche en faisant de YouTube non seulement un support de communication, mais un véritable espace de diffusion.

Le rendez-vous est fixé au 1er septembre 2026. Plus qu’une nouvelle sortie de film, Marcova Productions souhaite ouvrir le débat sur les nouvelles trajectoires possibles du cinéma indépendant, à l’heure où les plateformes numériques deviennent, elles aussi, des lieux de découverte culturelle.

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Chaîne Youtube : https://youtube.com/@marcovaproductions

La plateforme offre deux modes de rémunération, l’un et l’autre en violation des règles de droit.

• Le paiement « au cachet » : LiveArts se prétend employeur sans en assumer les obligations (convention collective bafouée, contrats et bulletins de salaire non conformes, et absence de lien de subordination). LiveArts organise ainsi un portage salarial, strictement interdit pour engager des artistes du spectacle.

• Le paiement « sur facture » : La plateforme pousse les artistes vers le statut d’« artiste-entrepreneur » et offre une solution de fortune à tous les organisateurs qui ne souhaitent pas assumer le rôle d’employeur. La pérennisation d’un tel système est source de grand danger pour la protection des artistes. En effet, le principe de la présomption de salariat permet de garantir aux artistes un accès à une protection sociale, un système de retraite et des indemnités de chômage adaptés à leur activité (l’intermittence du spectacle).

En tout état de cause, ces paiements sur facture ne sont pas correctement assumés par LiveArts, et le SAMVA dénonce de nombreux retards de paiement.

Dans les deux cas, LiveArts n’est ni producteur ni diffuseur de spectacle, mais un simple intermédiaire qui s’enrichit au détriment des artistes.

À cela s’ajoute une tarification dérisoire : LiveArts impose des prix particulièrement bas (par exemple, 200 € pour trois artistes et deux heures d’animation), sans rapport avec le travail fourni et incompatible avec une juste rémunération.

Cette ubérisation du métier est aussi inutile que dangereuse : le GUSO (Guichet Unique du Spectacle Occasionnel) devrait déjà permettre à toute maison de retraite d’employer un artiste et de lui verser un cachet, en toute légalité. En précarisant les artistes, c’est le lien social et culturel auprès de nos aînés que l’on sacrifie.

Les artistes n’ont jamais eu besoin d’une plateforme pour entrer dans les maisons de retraite. La loi est claire : celui qui se produit est présumé salarié. Nous ne laisserons pas une application transformer nos métiers en faux indépendants corvéables.

 Jean-Luc Icard, président du SAMVA CFE-CGC

Le SAMVA alerte les pouvoirs publics sur ces pratiques qui pénalisent les artistes et précarisent l’activité d’artiste et enjoint à LiveArts de procéder à la mise en conformité de son service.

En Île-de-France, cette présence est forte. Pourtant, les grands événements qui lui sont consacrés restent principalement concentrés à Paris, en Seine-Saint-Denis et dans le Val-d’Oise.

En Seine-et-Marne, il manquait encore un rendez-vous à la hauteur de cette richesse.

Porté par l’association SEMAS – Seine-et-Marne Active et Solidaire –, le Festival des Outre-mer de Seine-et-Marne entend combler ce vide.

Imaginé à Thorigny-sur-Marne pour sa première édition, il veut réunir habitants, artistes, artisans, associations, entrepreneurs, institutions et acteurs culturels autour d’un même élan : faire découvrir les Outre-mer autrement, dans toute leur pluralité, leur énergie et leur modernité.

Un archipel de cultures au cœur du 77

La Réunion, la Guadeloupe, la Martinique, la Guyane, Mayotte, la Polynésie française, la Nouvelle-Calédonie et les autres territoires ultramarins portent chacun des identités singulières.

Le festival veut donner à voir cette diversité sans la lisser.

Il ne s’agit pas d’aligner les symboles attendus, mais de faire dialoguer les territoires, les générations et les disciplines. L’artisanat pourra y côtoyer la création contemporaine. La gastronomie y rencontrera la musique. Les mémoires y croiseront les nouvelles initiatives entrepreneuriales.

Le projet veut faire entendre une idée simple : les cultures ultramarines ne sont pas figées dans le passé. Elles se renouvellent, s’inventent et circulent.

Moins de kilomètres, plus de culture

À l’origine du festival, un constat territorial précis fait par Brice Masseix : près de 800 000 Français issus des Outre-mer vivent en Île-de-France, mais les événements d’envergure consacrés à leurs cultures sont majoritairement organisés en dehors de la Seine-et-Marne.

Pour les familles du département, cela signifie souvent se déplacer jusqu’à Paris ou dans d’autres territoires franciliens pour retrouver ce type de programmation.

Le Festival des Outre-mer entend inverser cette logique.

Il veut rapprocher la culture des habitants, créer un point de rencontre local et offrir aux Seine-et-Marnais un événement capable de parler à la fois de transmission, de découverte et de fierté culturelle.

Un festival à vivre, pas seulement à regarder

Le projet est pensé comme une expérience collective.

On y viendra pour écouter, goûter, découvrir, échanger, transmettre et rencontrer. Les publics ultramarins pourront y retrouver des références culturelles communes. Les autres visiteurs pourront entrer dans des univers souvent méconnus ou présentés de manière trop partielle.

Le festival poursuit plusieurs objectifs :

• Mettre en lumière les artistes, artisans, associations et entrepreneurs ultramarins ;
• Créer un rendez-vous familial et intergénérationnel ;
• Favoriser la transmission des cultures et des mémoires ;
• Rendre visibles les talents présents en Seine-et-Marne et en Île-de-France ;
• Provoquer des rencontres entre les acteurs culturels, économiques, institutionnels et associatifs ;
• Renforcer l’attractivité de Thorigny-sur-Marne et le rayonnement du département.

Cette ouverture constitue l’un des fondements du projet. Le festival ne veut pas parler uniquement aux Ultramarins. Il veut parler avec eux, tout en s’adressant à l’ensemble du territoire.

Les Outre-mer, sans filtre folklorique

Le défi est aussi éditorial.

Les territoires ultramarins sont encore trop souvent racontés à travers quelques images familières : les plages, le soleil, les plats traditionnels ou les rythmes festifs. Ces éléments font partie de leurs identités, mais ils n’en racontent qu’une fraction.

Le Festival des Outre-mer souhaite montrer ce qui se crée aujourd’hui.

Il veut valoriser les savoir-faire, les initiatives économiques, les nouvelles générations, les artistes, les créateurs et les projets qui font évoluer les représentations.

L’événement devra ainsi conjuguer deux exigences : rester accessible et populaire, tout en proposant un contenu dense, actuel et culturellement ambitieux.

SEMAS, une nouvelle force associative pour le territoire

Le festival est porté par SEMAS, pour Seine-et-Marne Active et Solidaire.

Domiciliée à Thorigny-sur-Marne, cette association récemment créée a pour objet de favoriser, soutenir, développer, promouvoir et accompagner les initiatives citoyennes, associatives et territoriales contribuant au développement humain, social, culturel, éducatif, sportif, environnemental et économique durable de la Seine-et-Marne.

Le Festival des Outre-mer s’inscrit directement dans cette mission.

Il doit permettre de fédérer des acteurs, de faire émerger des collaborations et de transformer une idée culturelle en dynamique territoriale.

Les échanges engagés avec Minh-Thu Dinh, adjointe au maire de Thorigny-sur-Marne, ont déjà permis d’identifier des intérêts communs et des perspectives de travail autour de la première édition.

Brice Masseix, plusieurs vies professionnelles pour un même projet

À l’origine du festival se trouve Brice Masseix, entrepreneur, enseignant en stratégie marketing et président de SEMAS.

Depuis plus de quinze ans, il développe et accompagne des projets positionnés sur des marchés de niche, dans des secteurs aussi variés que l’écomobilité, la maroquinerie végane, le CBD, l’événementiel et l’économie numérique.

Pendant près de quinze ans, il a également dirigé une agence de communication implantée à Torcy. Il y a développé une expertise en stratégie marketing, création de marque, communication, relations avec les médias et accompagnement de projets entrepreneuriaux, associatifs et événementiels.

Son parcours dans l’événementiel s’est construit à Paris, dans les univers de la mode, de la culture et de l’entrepreneuriat. Il a notamment collaboré avec la styliste internationale Shaleva à l’organisation de plusieurs fashion shows, dont une série d’événements au Théâtre du Gymnase.

Depuis 2023, il enseigne également la stratégie marketing dans l’enseignement supérieur, notamment à l’ESG Luxe Paris et à l’IMC Luxembourg.

Un pied à La Réunion, l’autre en Seine-et-Marne

Réunionnais d’origine, Brice Masseix est engagé dans la valorisation des Outre-mer et de leurs talents.

Il a été membre du jury de Miss Haïti Prestige France 2024 aux côtés de Joe Dwèt Filé, puis du jury national de Miss Outre-Mer France 2026, notamment aux côtés du député Frédéric Maillot.

En 2016, il a participé au dîner organisé autour du révérend Jesse Jackson par George Pau-Langevin, alors ministre des Outre-mer, lors des commémorations de l’abolition de l’esclavage.

Son engagement est aussi profondément local. Ancien conseiller municipal de Torcy, il a présidé le BNI de Thorigny-sur-Marne en 2020. Il préside désormais SEMAS.

Pour construire le festival, il entend réunir les différentes dimensions de son parcours : connaissance des réseaux ultramarins, ancrage territorial, expertise marketing, expérience événementielle et capacité à mobiliser des partenaires économiques, culturels, institutionnels, associatifs et médiatiques.

Première édition, première pierre

Le projet se construit avec une ambition de long terme.

La première édition devrait être parrainée par une personnalité médiatique reconnue et appréciée du grand public. Des discussions sont engagées, sans qu’un nom puisse encore être annoncé.

L’objectif n’est pas de créer un rendez-vous sans lendemain.

SEMAS souhaite installer un événement annuel, identifiable, attendu et capable de devenir une référence culturelle en Île-de-France.

À terme, le Festival des Outre-mer de Seine-et-Marne veut faire de Thorigny-sur-Marne un nouveau carrefour des cultures ultramarines. Un lieu où les territoires se rencontrent, où les talents gagnent en visibilité et où la Seine-et-Marne affirme sa capacité à accueillir un événement culturel d’envergure.

Un festival pour faire danser les frontières, circuler les histoires et donner aux Outre-mer toute leur place dans le paysage culturel francilien.

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Instagram : https://instagram.com/semas_officiel

Tu ne jugeras point, nouveau long-métrage de Sabrina Nouchi dont la sortie est prévue en novembre 2026, choisit de briser ce silence. Le film bénéficie du soutien de la FFCRIAVS et la campagne de sensibilisation autour du film met en lumière le dispositif national STOP (0 806 23 10 63), un partenariat fort entre cinéma et santé publique.

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Dossier de presse : https://tunejugeraspoint.com/

Ici, elle tient presque du folklore contemporain : des tablées à perte de vue, des assiettes fumantes servies à volonté, des bandas, des conversations, des rires, des échanges, et au centre, ce fil d’aligot qui s’étire comme un étendard gourmand qui réunit.

L’Aligofest prend au sérieux ce que l’aligot-saucisse raconte déjà : la chaleur, le groupe, la fête, le plaisir simple d’être nombreux au même endroit pour partager au moment convivial et festif.

Après une première édition à guichets fermés, organisée en 2025 à Toulouse, qui a réuni 3 000 participants et permis d’établir un record du monde avec 3,9 tonnes d’aligot consommées, l’Aligofest revient les 13 et 14 novembre 2026 au Grand Marché du MIN de Toulouse !

Pour cette deuxième édition, le plus grand banquet d’aligot-saucisse à volonté du monde veut changer d’échelle : 6000 participants attendus, un lieu de 8 500 m², un volume d’aligot doublé et une ambition limpide : battre son propre record mondial.

L’Aligofest est né d’une idée qui aurait pu tenir en une phrase : et si la France avait, elle aussi, son grand banquet populaire autour d’un plat emblématique aimé de tous ?

Mais ce qui fait la force du concept, c’est qu’il ne se contente pas de reproduire les codes d’une fête existante. Certains compareront l’Aligofest à d’autres banquets géants bien connus, d’autres au traditionnel Oktoberfest allemand, … mais la réalité est ailleurs et l’identité est forte : un banquet à volonté d’un plat unique adoré des français, dans une ambiance de féria digne des grands soirs, dans un lieu puissant et imposant, où chaque participant prend part à un record du monde collectif.

Créé à Toulouse en 2025, l’événement s’est immédiatement positionné comme un format hybride XXL : ni simple festival culinaire, ni foire gastronomique, ni soirée festive classique. L’Aligofest occupe un territoire plus rare : celui du rituel populaire réinventé.

Son principe tient en trois piliers :

• Un plat fédérateur, familier et spectaculaire ;
• Un défi collectif, mesurable et mobilisateur ;
• Une ambiance continue, entre gastronomie, musique, et fête.

L’aligot-saucisse devient ainsi le centre de gravité d’un événement qui parle autant aux amateurs de terroir qu’aux publics en quête de moments festifs simples, accessibles et mémorables.

3,9 tonnes plus tard : la deuxième édition entre dans une autre dimension

La première édition a fixé un jalon : 3 000 participants, une billetterie complète et un record mondial de 3,9 tonnes d’aligot-saucisse consommés.

En 2026, l’événement ne revient pas pour rejouer la même partition, mais pour l’amplifier.

Les chiffres clés donnent la mesure de cette montée en puissance :

• Vendredi 13 novembre, de 17h à minuit ;
• Samedi 14 novembre, de 10h à minuit ;
• 6 000 participants attendus ;
• 8 500 m² dédiés à l’accueil et l’animation du public ;
• Un volume d’aligot doublé ;
• Un nouveau record mondial en ligne de mire.

Ici, le public ne regarde pas le record : il le mange

La force du concept tient à sa dramaturgie très concrète : le public ne regarde pas le record, il le mange. Chaque assiette participe au résultat final. Chaque convive devient un fragment de l’exploit collectif. Et on peut suivre l’évolution du record en direct sur les écrans géants. On ne peut pas faire plus immersif !

Chaque participant devient un fragment du résultat final. Ce détail change tout. Il transforme la fréquentation en contribution, la dégustation en participation, le repas en geste collectif.

Et à chaque nouveau passage de tonne d’aligot-saucisse engloutis, un véritable show audiovisuel prend vie, plongeant les milliers de participants dans un moment hors du temps qu’ils ont eux même provoqué.

C’est là que l’événement dépasse le simple registre gastronomique. L’Aligofest met en scène une performance populaire dont chacun détient une part. Le record mondial donne une direction ; la fête donne l’énergie ; la table donne le lien.

Cette mécanique rend l’événement immédiatement compréhensible et médiatiquement puissant : il y a un chiffre à battre, une foule qui participe, un plat emblématique, un décor toulousain et une atmosphère de grand rassemblement.

Bandas, buvette, DJ sets et défis : la marmite devient piste de fête

Au-delà du record, l’Aligofest construit un véritable univers. Pendant deux jours, l’événement mêlera concerts, bandas, DJ sets, animations, défis autour de l’aligot et retransmissions sportives.

Ce mélange donne à l’événement sa signature : populaire sans être passéiste, festif sans être standardisé, gourmand sans être élitiste. On y retrouve l’énergie des férias, la chaleur des repas associatifs, la culture sportive toulousaine et la scénographie des grands rendez-vous contemporains.

L’Aligofest ne choisit pas entre tradition et format XXL. Il fait se rencontrer les deux, en proposant une expérience accessible à plusieurs générations : amateurs de gastronomie, groupes d’amis, familles, curieux, Toulousains attachés aux rendez-vous festifs ou visiteurs venus prendre part à un moment hors norme.

La grande tablée comme antidote à l’événement que l’on consomme seul

Ce qui distingue véritablement l’Aligofest d’un événement grand public classique, c’est sa dimension relationnelle. Les participants ne viennent pas seulement pour manger un aligot-saucisse. Ils viennent vivre une scène collective.

Ils viennent :

• Contribuer à un record du monde ;
• Partager une table avec des inconnus ;
• Retrouver des amis ou venir en famille ;
• Rencontrer de nouvelles personnes ;
• Participer à un moment qui ne peut exister qu’à plusieurs ;
• Danser sur les sons populaires du sud-ouest.

L’événement repose sur une promesse rare : faire de la foule non pas une masse anonyme, mais une communauté qui s’encre dans le temps.

Pendant deux jours, l’aligot devient un langage commun. Il abolit la distance, crée des conversations, autorise les rencontres, rend la fête immédiatement accessible.

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Site web : http://www.aligofest.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/aligofest/

Linkedin : https://www.linkedin.com/company/aligofest/