ÉQUIPE

Comédien-ne-s
Alice Rey
Pierre Lemmel

Danseur-euse-s
Espéranza Cagigas
Kenan Philbert-Zehani

Mise en scène
Alice Rey

Musique
Lionel Boucharlat

Création lumières
Marie Michel

Crédits photo
Caroline Janin

LA COMPAGNIE

Les Écorcés est une troupe de théâtre basée à Lyon et Paris. Elle est née de l’envie commune de quatre comédien.nes de créer des spectacles originaux qui leur ressemblent où défis et quête de sens et d’esthétisme sont mis à l’honneur. Ensemble, et avec la collaboration de nombreux artistes venus d’horizons divers, nous explorons des créations théâtrales variées dans leurs sujets comme dans leurs mises en scène. Nous expérimentons notamment l’outil de l’improvisation théâtrale comme écriture spontanée, de connexion à l’instant et de performance.

Pourquoi Écorcés ? Car sous l’écorce d’un arbre se cache un bois brut. Sous nos masques et ses failles nous aimons toucher à une mise à nue scénique, vulnérable et onirique. Notre compagnie puise aussi ses racines dans nos engagements sociaux, féministes et en constante réflexion sur les rapports de pouvoir et nos corps politiques et sexués. Nos spectacles veulent créer un rapport direct avec le public : porter son histoire sur scène. Nous avons à cœur de mettre l’accent sur notre rapport à la création lumière, à notre engagement physique dans nos spectacles et à l’hybridation des formes artistiques.

Aujourd’hui la compagnie se produit à Lyon, Paris et tourne régulièrement en France et en Belgique. Persuadés que transmettre est le meilleur moyen d’apprendre, nous proposons également une école de théâtre improvisé à Lyon et Paris.

PRÉSENTATION DU SPECTACLE

Quelque chose a changé dans l’air explore les moments qui transforment notre existence. A partir de témoignages du public, danse, théâtre et musique se rencontrent et improvisent ensemble pour révéler les traces physiques et symboliques que les événements marquent sur nos corps. Une matière colorée leur donne vie, sous forme de motifs, de formes et de traînées dans l’air et sur les corps et crée une expérience visuelle et émotionnelle captivante.

Le spectacle commence par une question : “Y a t-il eu un événement qui a changé votre vie, votre manière de penser, qui vous a marqué ?”. Ce moment est précieux à nos yeux. Il s’agit d’accueillir une parole instantanée et brute, mais surtout de lui offrir le rôle central de ce spectacle, de rendre hommage sur scène aux différents vécus dans ce qu’ils ont d’intime et de singulier, comme dans ce qu’ils ont d’universel.

Quelque chose a changé dans l’air traite de la thématique de l’inexprimé : l’impact de nos mots et de nos corps sur nous et les autres. A travers la danse, la musique et la matière colorée, nous donnons à voir l’invisible : les émotions, les souvenirs, les non-dits. Il peint un paysage visuel éphémère, changeant et porteur de sens.

NOTE D’INTENTION

Imfiroviser m fiartir de la matière fiublic

“Y a t-il eu un événement qui a changé votre vie, votre manière de penser, qui vous a marqué ?”. Cette question à la fois large et intime nous connecte de manière directe au public. Ce moment est précieux à nos yeux. Il s’agit d’accueillir une parole instantanée et brute, mais surtout de lui offrir le rôle central de ce spectacle, de rendre hommage sur scène aux différents vécus dans ce qu’ils ont d’intime et de singulier, comme dans ce qu’ils ont d’universel.

Au-delà de l’aspect performatif évident qui consiste à créer sur l’instant une pièce de théâtre entière, l’improvisation instaure un dialogue direct entre artistes et public. A ce titre, elle prend ici tout son sens : c’est un moyen privilégié pour créer un spectacle qui met aussi directement sur scène le vécu des personnes dans la salle. Nous n’avons pas de longueur d’avance sur le public, nous ne sommes pas sachants, nous découvrons et vivons les choses en même temps que lui. Tout le monde sait que cette expérience n’aura lieu qu’une fois et nous partageons ce moment unique et précieux. Tout cela nous connecte – artistes comme public – différemment aux sensations de l’instant et crée un rapport épidermique aux traces reçues, aux corps, à la musique et à la parole.

Pour toutes ces raisons, notre travail consiste à rendre possible ce dialogue spontané et pluridisciplinaire. Créer de nouveaux langages, expérimenter avec la matière colorée comme véhicule des émotions et des bouleversements vécus par les personnages… Tels ont été les piliers de notre création liant les formes artistiques au service du sens.

Traces et changements

Dans les heures de grandes trouvailles, une image poétique peut être le germe d’un monde, le germe d’un univers imaginé devant la rêverie d’un poète. La conscience d’émerveillement devant ce monde créé par le poète s’ouvre en toute naïveté.

Gaston Bachelard, Poétique de la rêverie.

Ces thématiques des changements que nous vivons et des traces laissées nous touchent beaucoup car elles nous renvoient à nous en tant qu’individus, en tant que comédien.nes mais aussi et surtout en tant que personnages que l’on incarne. Nous jouons des personnages créés dans l’instant qui ont un passé, des rêves et des manières de penser. La part de nous en eux est subtile, comme un voile de subjectivité qui rend la performance de jeu ancrée dans des frontières entre expériences de vie, imaginaires et inspirations externes.

Ces sujets que l’on infuse dans nos mises en scènes et nos narrations partent de réflexions sur les traces invisibles ou/et visibles qui sillonnent nos corps et nos esprits, nos personnalités et nos réactions émotionnelles. Les traces transmises par le danseur sont des impulsions pour que les personnages puissent se raconter, transmettre l’essence d’un vécu, d’un ressenti ou d’un lien avec l’Autre.

La danse et les couleurs avec lesquelles elle interagit deviennent un grand terrain de jeu de l’inconscient. S’y baladent les non-dits, l’électricité dans l’air, les pensées les plus secrètes ou les plus basiques, les rêves et cauchemars et les projections qui révèlent et dévoilent le cœur des scènes jouées.

Si le rapport au contact physique au plateau est mis au centre de nos choix artistiques, c’est qu’il est pour nous le chemin le plus sensoriel et évocateur pour faire se rencontrer les thématiques du spectacle. Nos corps sont politiques, porteurs de sens, d’histoires, sensibles et vivants.

Imprimer, tracer, souiller, dessiner, effleurer ou toucher avec la matière colorée… Les impacts des couleurs sont les protagonistes des scènes, des moteurs de jeu à part qui tissent avec la danse, le théâtre et la musique une nouvelle branche de l’arbre thématique que le public aura défini. Les traces de vie peuvent être petites comme immenses, issues de la lumière comme de l’horreur ou des traumatismes.

Cette variété des traces et des changements vécus par nos personnages est importante pour nous dans la dynamique de mise à l’honneur de la parole recueillie, de sa mise en perspective et du rythme voulu. Ce rythme se veut comme un miroir aux changements vécus au fil des existences : parfois effréné, parfois lent, souvent suspendu et virevoltant dans plusieurs réalités.

Ce qu’on ne voit pas, ce qu’on ressent, ce qu’on voit mais qu’on ne comprend pas, ce qu’on comprend sans ressentir : nous avons cherché a créé avec Quelque chose a changé dans l’air un esthétisme de l’inexprimé.

Matière colorée

La matière colorée – pour créer des liens entre les scènes, les corps, la danse et le jeu théâtral – a été un médium privilégié qui nous a porté sur scène et qui nous a forgé l’envie d’une esthétique unique.

Ensevelis, couverts, redessinés… Nos corps deviennent des pages blanches, des tableaux porteurs des changements, des impacts des scènes et des interactions entre les personnages. L’utilisation de la matière colorée est un nouveau langage apprivoisé par le public. Les scènes cumulent sur les corps des couleurs tels des fils tissant des liens visibles et subtils qui se connectent à la toile centrale : celle du témoignage public à travers lequel tout a commencé.

Elle est également une métaphore de ce que nous traversons au plateau dans notre processus créatif. Nous arrivons “page blanche” face au public, puis au fil du spectacle, nous évoluons, marqués par les témoignages du public et les scènes que nous traversons pour repartir différents.

Seule la danse a accès à la matière colorée, comme une extension de sa personne et de ses mouvements. Les comédien.nes ressentent et se connectent aux traces symboliques, telles des ponts entre deux mondes, esthétisant des expériences vécues. Leur cumul évoque la transmission, les blessures comme les forces qui nous traversent au-delà de nous, entre les générations, les cultures, les époques et les formes de beauté qui résident dans nos chairs.

Alice Rey

Comédienne & metteuse en scène

Alice Rey commence à travailler dans la lutte contre les discriminations en milieu associatif en tant que socio-anthropologue.

Elle pratique intensément les arts martiaux (kung-fu et aïkido), ainsi que la danse.

En 2018 elle co-fonde Les Écorcés avec une envie d’engagement corporel et d’expérimentations pluridisciplinaires au service des thématiques liées à l’intime et l’inexprimé.

Que ce soit au sein du LACSE avec la pratique du théâtre forum ou au sein de spectacles comme Les Ordinaires (sur les violences sexistes ordinaires), Ce que la nuit nous raconte (sur le harcèlement de rue), elle porte des thématiques sociales engagées dans ses créations théâtrales et questionne les rapports de pouvoir. Elle fait également partie de la cie du Bleu Miroir, du 13ème Cri, d’Et Compagnie et prend part à différents projets théâtraux tels que NSFW, Oracle, 30, Frichti…

Notamment passée par l’école de Pontempeyrat, l’école de théâtre Âtre, et le théâtre immersif de Simón Hanuka, elle se forme à des pratiques d’expression corporelle et dansée. Elle enseigne depuis 5 ans à l’école de théâtre Âtre à Lyon, à l’école des Écorcés et au sein de différentes troupes en France. Elle développe une pédagogie axée sur l’engagement physique dans le jeu.

Alice est metteuse en scène sur Le bistrot du hasard, La Cabane est sur le chien et dans les créations improvisées des Écorcés (Décorsage, Madeleine…). Elle explore le théâtre improvisé comme un chemin artistique privilégié pour mêler la puissance de l’instant et le jeu organique. Son travail, en passant par un dialogue interdisciplinaire spontané, va puiser dans ses mises en scène une esthétique visuelle et sensible.

Pierre Lemmel

Comédien & assistant mise en scène

Pierre Lemmel est comédien, auteur, metteur en scène, et technicien son & lumière. En 2018, il co-fonde Les Écorcés autour du spectacle Les Mains Bavardes, un spectacle visuel autour de la Langue des Signes et de la culture sourde.

Il est également directeur artistique de la compagnie Tout est dans le Titre, dans laquelle il créé Aléas, En Chiens, Lire une page Blanche…

Il prend part en tant que comédien aux projets NSFW, Système d’exploitation, Zermos…

Passé par les cours d’arts dramatiques du Foyer ainsi que diverses formations en théâtre et danse (Asil Raïs, compagnie Point s Sensibles, Milkshake Project, …) il aborde l’improvisation comme un outil de liberté pour exprimer son identité artistique. Persuadé que l’improvisation peut être bien plus qu’une simple discipline performative, il n’a de cesse d’explorer de nouveaux chemins avec toujours une même envie : créer des spectacles avec une ligne artistique forte et une véritable identité visuelle.

En parallèle de son métier de comédien, il travaille activement sur la place de la régie son et lumière en improvisation théâtrale. Passionné par l’envie d’amener une vraie puissance d’image théâtrale à l’improvisation, il anime des stages sur le sujet, collabore sur de nombreux projets improvisés. Il est régisseur général du festival Impro en Seine, un des plus gros festivals français d’improvisation.

Kenan Philbert-Zehani

Danseur & chorégraphe

Originaire de Strasbourg, Kenan Philbert- Zehani amorce ses débuts dans la danse hip hop dans les rues et battles à Taïwan, berceau de la danse Street en Asie du Sud- Est, avec une variété de styles, du PABE (Popping Animation Boogaloo and Effects) au Voguing en passant par le Krump, s’appropriant ainsi une palette de mouvements très expressifs.

Il enrichit son style en se formant à la danse classique, contemporaine, au buto, à la capoeira, ainsi qu’au tango argentin et à d’autres danses latines.

Chorégraphe et danseur pour les groupes éléctro “Citron Sucré” et “Speciimen”, il a créé les chorégraphies de 5 clips avec jusqu’à 10 danseurs-euses. Sa quête constante d’innovation l’a conduit à collaborer ou danser pour Boris Charmatz, Olivia Granville, Anne Teresa De Keersmaeker, Sumako Koseki, Alina Noir, Nicolas Irurzun et bien d’autres.

Enseignant dévoué à l’Université Lyon 1 (La Doua) et Lyon 2 (Lumière), ainsi qu’au Lyon Art Dance Center, Kenan partage sa connaissance du Hip-hop et des danses actuelles, semant la graine de la créativité dans les esprits des futures générations en Licences d’Arts et en STAPS.

Esfieranza Cagigas

Danseuse

Artiste pluridisciplinaire ayant e ploré les arts graphiques autant que la danse contemporaine et hip hop. Esperanza cherche à transcender les cadres et grandir au f i l des rencontres.

Atteinte d’ une polyarthrite rhumatoïde depuis toujours, la danse est en premier l ieu un e utoire et permet de se réapproprier son corps.

Le mouvement est alors une quête de soi, une rencontre avec soi dans un monde dense toujours en mouvement.

Lionel Boucharlat

Musicien

Attiré depuis toujours par ce qui peut générer un son, Lionel est chanteur dans le chœur de la Cathédrale de Lyon, comédien, et autodidacte sur divers instruments physiques ou numériques.

Il aime particulièrement marier l ‘ électronique et la voix.

Sensible aux émotions que peuvent provoquer les musiques sur nos sens, il se concentre sur l’écriture de bandes originales de pièces de théâtres diffusées ou interprétées sur scène. (Deux pommes pour un chou, Building, Marcel B, Des Choses qui Arrivent, Le Temps l’Emportera),

Lionel développe ces dernières saisons ses créations de musique live via la création musicale en spectacles improvisés (Psykorama, Zermos, Madeleine, La Forêt, Quelque Chose a Changé dans l’Air).

PROCHAINES DATES

PARIS – 16 juin 18h

Théâtre du Gymnase, grande salle, Impro en Seine

AVIGNON – 29 juin au 21 juillet 12h50

Théâtre de L’Oulle, Festival d’Avignon Off

REPRÉSENTATIONS PRECEDENTES

Le Croiseur, Rhizome Festival – LYON Théâtre Mondésert, Semaine de l’Impro – NANCY

Théâtre du Gymnase, Impro en Seine – PARIS L’Improviste – BRUXELLES

En savoir plus

Réserver une place : https://lafactory.vostickets.net/billet/FR/representation-LA_FACTORY-21994-0.wb?REFID=Y3MNAAAAAAB3AA

Teaser video du spectacle (30 secondes) : https://youtu.be/jfNCNQVzyCw?si=Nhvt7SqCaV595la2

Dossier de presse : https://drive.google.com/file/d/1J_IzcIsWqPZrhZU_bEx84IXMNQvD2G9u/view?usp=sharing

Instagram : https://www.instagram.com/lesecorces?igsh=dTBkbXVpOXNoemJs

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Impro en Seine, le plus grand festival français du genre, est un événement à ne surtout pas manquer pour (re)trouver le sourire.

Réputé pour sa créativité, sa spontanéité, et sa convivialité, il réunit, au célèbre Théâtre du Gymnase, situé sur les Grands Boulevards de Paris, les meilleurs talents de l’improvisation théâtrale, de France et d’ailleurs.

Pour sa 10eme édition, le Festival Impro en Seine s’affirme comme l’un des plus grands événements d’impro au monde, en proposant 110 spectacles en 5 jours, du 7 au 11 juin.

Un festival qui reflète TOUTES les facettes de l’impro

Durant Impro en Seine, ce sont plus de 350 comédiens et 1 000 spectateurs par jour qui vont vibrer ensemble dans une ambiance de folie.

Si l’impro est systématiquement associée au match d’impro, venu tout droit du Québec, avec ses comédiens en tenue de hockeyeurs joutant sur une patinoire, Impro en Seine invite surtout à découvrir l’immense diversité de l’impro au-delà du format du match. Vous pourrez ainsi voir des cabarets, des pièces de théâtre, des comédies musicales, des contes, de l’impro sous hypnose, des histoires à la manière de Miyazaki, des duos, des solos, des concerts… bien sûr, improvisés.

La qualité des spectacles est de tout premier plan, notamment dans la Grande Salle, où est programmé un florilège des meilleures affiches du moment proposées par les improvisateurs les plus chevronnés de France et d’ailleurs.

Les troupes viennent de Paris, mais aussi des 4 coins de la France (Toulouse, Rouen, Nantes, Angers, Lyon, Montpellier, Marseille…) et de plus loin encore : il y aura cette année des talents venus de Berlin, de différentes villes de Belgique et même de Californie et de Floride.

Un “Rock en Seine” de l’impro, avec une dimension ludique et interactive

Comme un festival de musique, Impro en Seine rassemble plusieurs scènes, réunies en un seul et même lieu, à la façon d’un village d’impro. Les festivaliers peuvent se procurer un pass pour 4 heures ou pour 1 – 3 – 5 jours, en fonction de leur disponibilité et de leur budget.

Mais au-delà de proposer la plus grande variété de spectacles qui soit, le festival a pour mission de transmettre le goût de l’impro, faire connaître la beauté de cette discipline, et pourquoi pas, susciter des vocations.

Le public va donc pouvoir participer à plusieurs activités telles que :

• Des ateliers gratuits d’initiation à l’impro ainsi qu’à l’impro chantée ;
• Des scènes ouvertes pour vivre pleinement la fête en improvisant soi-même.

Pour que ce soit une fête totale de l’improvisation, nous invitons tous les spectateurs à véritablement vivre les valeurs prônées par l’impro : l’audace, la créativité et la convivialité, en participant et en improvisant eux-mêmes !

Zoom sur 10 spectacles coups de cœur à ne pas manquer

Samedi 10 juin à 21h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
La Vie est une fête – Par la troupe du Grand I Théâtre
C’est l’histoire d’un groupe d’ami.e.s au travers de 4 soirées importantes. 4 fêtes qui ont marqué l’existence des membres de ce groupe, dans 4 temporalités différentes. Un spectacle qui parle d’amitié, de doutes, de joies, de peines. L’occasion de célébrer les fins de soirées qui libèrent les corps et les esprits.

Dimanche 11 juin à 17h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Faîtes-nous confiance – Par Thierry Bilisko et Fabien Strobel
Confiez-leur un secret, ils en font des histoires ! Thierry Bilisko et Fabien Strobel reviennent à l’essence même du jeu théâtral, en pleine lumière et sans artifices musicaux. Incarnant des personnages sincères et colorés, nos deux complices ont plaisir à interchanger leurs rôles, ce qui crée de nombreuses situations désopilantes.

Vendredi 9 juin à 20h30 dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Sabotage – Par la compagnie des Once a poney time
Entrez dans l’univers du jeu de société ! Une histoire punchy et colorée, où chacun.e devra atteindre un objectif imposé par le public en évitant les tentatives de sabotage, afin de rompre la malédiction de la boîte qui bloque ces 4 ami.e.s dans un grenier. Après 150 dates à Paris et en tournée et 4 festivals OFF d’Avignon, SABOTAGE revient au Festival pour une folle partie !

Samedi 10 juin à 14h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Les Lundis d’impro (Québec)
Les improvisateurs les plus déjantés de Montréal sont de retour à Paris ! À tour de rôle ils se placeront dans le rôle du metteur en scène pour réaliser la meilleure scène possible, et c’est à vous, public, de choisir si cette improvisation théâtrale est de l’art ou si elle se mérite un défi !

Dimanche 11 juin à 20h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Le Grand Showtime – Par la compagnie Etcetera
Cocktail molotov composé à 100% d’impro et 200% d’humour : un concentré explosif d’humour qui va vous secouer comme jamais. Sur scène, un présentateur et 3 comédiens improvisent sketchs détonants, doublages improbables, chansons décalées, raps enflammés et le mythique débat mimé, devenu leur impro signature !

Jeudi 8 juin à 22h30 dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Impro Colombo
« Ma femme est une grande fan de la série Columbo. Elle adore l’impro également… Je ne vous dérange pas avec toutes mes questions ? » Que vous soyez fan ou non du lieutenant Columbo, venez découvrir cette enquête improvisée, où l’on sait dès le début qui a fait le coup !

Vendredi 9 juin à 20h30 au Petit Gymnase
Un tribunal de petite instance – Par la compagnie Plusieurs Mots Productions
Pourquoi devrait-on réserver plaidoiries passionnées, preuves accablantes, interrogatoires enflammés, seulement aux plus grands crimes ? Ici seront jugés vos plus simples litiges avec tout le sérieux qu’ils méritent, par des magistrats dont la compétence est peut-être discutable, mais certainement pas la verve et la passion !

Mercredi 7 juin à 21h30 au Petit Gymnase
Impro sous hypnose
Que se passe-t-il lorsque l’on mélange théâtre d’impro et hypnose ? Comment réagissent les comédiens lorsqu’ils doivent jouer sous hypnose ? Des nouvelles contraintes grâce à l’hypnose.

Dimanche 11 juin à 21h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
La Carte Blanche des Eux – Par la compagnie les Eux
Voilà 16 ans qu’ils éblouissent par leur talent. Désormais à l’affiche 2 fois par semaine dans la Grande Salle du Palais des Glaces, la troupe d’impro la plus aimée de France a carte blanche pour ce spectacle et peut laisser libre cours à ses fulgurances et ses coups de génie.

Samedi 10 juin à 11h au Petit Gymnase
Le Professeur Je-Sais-Tout vous explique le monde – Par la Fabrique à Impros (Nantes)

Le festival pense aussi aux jeunes parents avec ce spectacle pour enfants à partir de 4 ans. Journée portes ouvertes au laboratoire du Professeur Je-Sais-Tout qui va répondre à toutes les questions des enfants ! Bon, parfois, on se demande s’il n’invente pas un peu… Grâce à lui et son assistant Célestin, on se rend compte que tout savoir n’est pas possible et qu’ignorer des choses, ce n’est pas si grave !

À propos des fondateurs du festival Impro en Seine

Le festival Impro en Seine a été cofondé par Marc Occhipinti et Eduardo Larrain. Ils sont tous deux membres de l’association Satourne, une troupe d’improvisateurs qui se produit dans 3 spectacles : Les Dictateurs, La Folle Histoire du Monde Improvisée, et Fratrie.
En 2006, quand ils découvrent l’improvisation, hormis quelques matchs d’impro qui se jouent dans des lieux prestigieux, la majorité des troupes se produisent dans des caves, des bars et des scènes parisiennes plutôt anonymes. Et bien rares sont les troupes qui sont à l’affiche toutes les semaines.
Pourtant, ce qui est proposé est génial, courageux et tellement drôle !

Les spectacles vibraient de joie de vivre, d’amitié et de liberté. On trouvait ça injuste que ces talents soient cantonnés dans des recoins obscurs, alors qu’ils méritaient de belles scènes dans de beaux théâtres.

Regrettant souvent que l’impro soit injustement méconnue, ils décident, afin de faire connaître les différentes pratiques de ce courant artistique, de lancer Canal Impro, une chaîne YouTube qui partage des spectacles d’improvisation filmés dans leur intégralité en haute définition.
Aujourd’hui, la chaîne Canal Impro est la principale chaîne d’impro francophone sur YouTube avec plus de 350 vidéos et près d’un million de vues.

Aux origines de cette formidable aventure humaine

Nous avons pensé le festival comme une vraie fête d’impro, rassemblant toutes les troupes qu’on aime.

« À force de filmer les spectacles, nous avons voulu réunir les meilleures affiches dans un même événement », raconte Marc. C’est ainsi qu’est né le festival « Les 12 heures de l’impro », qui a réuni en 2014, 150 spectateurs dans la salle bleue du théâtre L’Archipel, de midi à minuit. Ce qui devait être une simple fête pour se marrer entre amis, fut une véritable révélation. L’événement était un formidable moyen de faire connaître l’improvisation.
Grâce à l’engagement de la troupe Satourne, aidée d’une vingtaine de bénévoles tous passionnés d’improvisation théâtrale, le festival connaît année après année un succès grandissant.
Ainsi, les 12 heures se sont transformées en 24 heures, puis en 72 heures. Le public venant toujours plus nombreux, les spectacles se sont d’abord déroulés dans une salle, puis 2, puis 3 en simultané à partir de 2019. Le festival s’est aussi joué dans des théâtres plus grands : le Théâtre de 10 heures, le Théâtre des Deux Ânes… avant de poser ses valises au Théâtre du Gymnase, où il revient cette année pour offrir une 10e édition qui bat tous les records : 3 salles pendant 5 jours pour 110 spectacles.

Dans l’avenir, les fondateurs du festival rêvent de permettre aux improvisateurs de fouler des scènes plus prestigieuses encore… Leur projet : organiser Impro en Seine durant toute une semaine aux Folies Bergère (rien que pour la beauté du Hall !).

Leur ambition ultime ? Réunir à l’Olympia tous les amoureux de cet art trop méconnu.

Informations Pratiques

• Découvrir le programme complet : https://improenseine.com/programme/
• Réservations : les pass du Festival Impro en Seine sont disponibles sur Placeminute : https://impro.placeminute.com/event/comedie/la-10e-edition-du-festival-d-impro-de-paris-impro-en-seine,39829.html
• Dates : du mercredi 7 au dimanche 11 juin
• Horaires : de 18h30 à 23h30 les mercredi, jeudi et vendredi. De 11h à 23h le samedi. De 11h à 22h le dimanche. Chaque spectacle dure 55 min avec 5 min d’entracte.
• Lieu : Théâtre du Gymnase (simultanément dans la Grande Salle, le Petit Gymnase et dans le Studio Marie Bell) – 38, Boulevard de Bonne Nouvelle, 75 010 Paris
• Tarif prévente : Pass 3 jours du vendredi au dimanche (48,38 €) Pass journalier (à partir de 18,99 €) Pass 5 jours (69,70 €)

Pour en savoir plus

Site web : https://improenseine.com/

Facebook : https://www.facebook.com/improenseine/

Instagram : https://www.instagram.com/improenseine/

Et si l’accès à la culture n’était plus réservé qu’à quelques privilégiés ?

L’essence du métier d’artiste est d’aller à la rencontre des autres, comme le faisait Molière en son temps : les comédiens sont avant tout « des hommes qui viennent parler à d’autres hommes, de l’Homme ».

Fidèle à cette philosophie, le Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL pour les intimes) organise la Tournée des Villages, un événement rural et estival unique : chaque année depuis 2006, un spectacle de théâtre est présenté en extérieur, dans les communes éloignées des lieux de diffusion culturelle habituels.

Année après année, un lien unique s’est créé avec les spectateurs.

L’Avare, Tournée des Villages 2022 © TRPL

Aujourd’hui, les spectacles de « La Tournée des Villages » se donnent dans plus de 40 communes et réunissent plus de 9 000 spectateurs par édition, principalement en Maine-et-Loire mais aussi en Loire-Atlantique et Vendée.

Alors, pour cette 18e édition, « La Tournée des Villages » a vu les choses en grand en proposant 48 représentations en itinérance sur la région des Pays de la Loire avec 3 spectacles :

• Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues,
• L’Orchestre de Jean Anouilh,
• Et Maestro de Xavier-Laurent Petit.

« La demande d’une offre culturelle de proximité se faisant encore plus forte, nous avons rajouté cette année un spectacle supplémentaire, ainsi que quinze représentations », explique Camille de La Guillonnière, le directeur du TRPL.

En parallèle, l’édition 2023 du Temps d’une Troupe change de formule ! Ce projet, qui réunit comédiens amateurs et professionnels, se déroulera pour la première fois dans deux lieux : le Château du Plessis-Macé (comme chaque année) et l’Espace Jean Guichard à Cholet. Ainsi, après huit jours de répétitions, 5 représentations de L’Atelier de Jean-Claude Grumberg seront proposées au public.

Décentraliser le théâtre fait partie de notre ADN ! Nous voulons démocratiser l’accès à la culture pour tous.

Camille de La Guillonnière, le directeur du TRPL

La Tournée des Villages : le théâtre hors les murs au plus proche de son public

Natif d’un tout petit village au nord d’Angers, Camille de La Guillonnière sait ce que c’est de vivre loin de toutes propositions culturelles !

Si certains des spectacles qu’il met en scène sont joués en intérieur dans des réseaux de diffusion dits « classiques » (L’Avare, Cendrillon, Maestro), le cœur du projet artistique du TRPL reste avant tout la décentralisation.

Elle s’incarne pleinement dans l’événement rural et estival qu’il a créé et nommé « La Tournée des Villages ».

L’Avare, Tournée des Villages 2022 © TRPL

Depuis 18 ans, avec sa troupe, il parcourt la région et affiche ainsi une excellente connaissance du terrain et du territoire. Cette expertise séduit de plus en plus de partenaires : chaque année, le TRPL est sollicité par de nouveaux villages pour faire halte « chez eux ».

La Tournée des Villages a ainsi vocation à s’étendre encore plus largement aux cinq départements de la région Pays de la Loire (notamment en Sarthe et en Mayenne).

La Tournée des Villages existe aussi durant l’hiver !

Après une première édition réussie en 2022, la Tournée des Villages d’Hiver va poursuivre son développement cette année en jouant dans des salles des fêtes et petits théâtres, en partenariat avec le Département de la Vendée.

Le TRPL souhaite ainsi étendre ses actions de décentralisation à l’année.

Le financement pluriel

Tournée des Villages 2022 © TRPL

La démarche d’hyper décentralisation du TRPL est de jouer partout et de préférence dans des « déserts culturels ».

Nous n’attendons pas que les spectateurs viennent au théâtre, nous allons à leur rencontre !

Aussi, des formules financières d’accueil différentes sont proposées aux communes, en fonction de leurs moyens.

De même, si une commune ne peut pas financer entièrement la venue de la troupe, le TRPL met en place une billetterie libre, au choix des spectateurs : 4 €, 8 € ou 12 € la place. Chacun donne ce qu’il veut et ce qu’il peut.

La Tournée des Villages atteint chaque année un équilibre financier grâce aux participations des communes, des spectateurs et au soutien du Département de Maine-et-Loire, de la Région des Pays de la Loire, de la DRAC des Pays de la Loire via le dispositif de l’été culturel, ainsi que de l’Agglomération du Choletais et du Département de Vendée par l’aide au fonctionnement accordée à l’année.

Zoom sur les 3 spectacles de l’édition 2023

Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues

Affiche de Tristesse et joie dans la vie des girafes © Stéphane Larroze

Cendrillon © Sébastien Carles

Girafe, petite fille de neuf ans, a un exposé à réaliser sur la vie des girafes, mais depuis que son papa est au chômage, on leur a coupé la télévision. Elle ne peut donc plus regarder la chaîne télévisée sur laquelle est diffusé un grand nombre de documentaires animaliers. Elle part alors à la recherche de l’argent nécessaire au paiement du précieux abonnement. Sur son chemin, elle fera autant de rencontres qu’elle aura de prises de conscience sur le monde qui l’entoure …

Ce conte surréaliste, souvent drôle et touchant, interroge le monde économique et social à hauteur d’enfant.

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Assistante à la mise en scène : Jessica Vedel. Avec Thibault Deblache, Pélagie Papillon, Morgane Rebray, Damien Vigouroux.

Date des représentations :

• Mercredi 28 juin, Feneu, 49, Port Albert, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 29 juin, Les Hauts-d’Anjou, 49, Champigné, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 30 juin, Angers, 49, Parc Bocquel, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 1 juillet, Mortagne-sur-Sèvre, 85, Place du Château, Gratuit
• Dimanche 2 juillet, La Séguinière, 49, L’île du Moulin de la Cour, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 5 juillet, Soulaines-sur-Aubance, 49, Parvis de la Grange aux Dîmes, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 6 juillet, Maulévrier, 49, Château Colbert, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 7 juillet, Candé, 49, Parc de la Mairie, Gratuit
• Samedi 8 juillet, Erdre-en-Anjou, 49, Site du Chevalement, La Pouëze, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 9 juillet, Écouflant, 49, Bords de Sarthe, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 12 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 13 juillet, Cantenay-Épinard, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 19 juillet, Les Garennes-sur-Loire, 49, Place de la Mairie, Saint-Jean-des-Mauvrets, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 20 juillet, Les Hauts-d’Anjou, 49, Parvis de la salle des fêtes, Cherré, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 21 juillet, Seiches-sur-le-Loir, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 22 juillet, Grez-Neuville, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 23 juillet, Nozay, 44, Parc de l’Étang des Loisirs, 4€, 8€ ou 12€
• Lundi 24 juillet, Piriac-sur-Mer, 44, Cour de l’école Notre-Dame du Rosaire, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 26 juillet, Mesquer, 44, Place de l’Hôtel de Ville, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 27 juillet, La Roche-Bernard, 56, Jardin des Garennes, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 28 juillet, Le Coudray-Macouard, 49, La Seigneurie, Gratuit
• Samedi 29 juillet, Vivy, 49, Gratuit
• Dimanche 30 juillet, Tuffalun, 49, Gratuit
• Mercredi 2 août, Villevêque, 49, La Plage
• Jeudi 3 août, Verrières-en-Anjou, 49, Château à Motte, 3€, 6€ ou 10€
• Vendredi 4 août, Lys-Haut-Layon, 49, Place Saint-Jean, Vihiers, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 5 août, Asnières-sur-Vègre, 72, Manoir de la Cour, 6€, 8€ ou 10€
• Dimanche 6 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 9 août, Briollay, 49, Place de l’Eglise, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 10 août, Cheffes, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€

L’Orchestre de Jean Anouilh

Affiche de L’Orchestre © Stéphane Larroze

L’Orchestre © Pascal Riondy

Les cinq musiciennes de l’orchestre de Madame Hortense s’entredéchirent à cœur joie entre deux morceaux sirupeux, sous l’œil du pianiste, seul mâle présent. Les personnages aux vies médiocres de cette tragi-comédie grinçante, essaient tant bien que mal de sauver les apparences.

Tour à tour, les amours, les frustrations et les fantasmes de chacun se révèlent, la musique ne suffit plus à calmer les esprits. Parviendront-elles à ne pas s’entretuer avant le final ?

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Avec Anne-Véronique Brodsky, Sarah Gautré, Camille de La Guillonnière, Juliette Ordonneau, Aude Pons, Alice Raingeard et Mathieu Ricard.

Date des représentations :

• Samedi 1 juillet, Toutlemonde, 49, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 2 juillet, Chavagnes-en-Paillers, 85, Le Pré de l’âme, 4€, 8€ ou 12€
• Lundi 3 juillet, Montilliers, 49, EHPAD Le Prieuré, 4€, 8€ ou 12€
• Mardi 4 juillet, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 7 juillet, Montreuil-Juigné, 49, Théâtre de Verdure, Gratuit
• Samedi 8 juillet, Mûrs-Érigné, 49, Camping Les Varennes, Gratuit
• Dimanche 9 juillet, Champtoceaux, 49, Château de La Colinière, 5€ ou 12€
• Lundi 10 juillet, Saint-Martin-des-Tilleuls, 85, Jardin de la Cure, Gratuit
• Mardi 11 juillet, Entrammes, 53, Le Pré Pourri, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 12 juillet, Avrillé, 49, Avrillé-Adézière, Gratuit

Maestro de Xavier-Laurent Petit

Affiche de Maestro © Stéphane Larroze

Maestro à Feneu, Tournée des Villages 2021 © Yann Choveau

Ils s’appellent Saturnino, Luzia ou Patte-Folle… Ils sont cireurs de chaussures, vendeurs de journaux, nettoyeurs de tombes… Ils vivent dans la misère et la violence des rues. Un jour, ils rencontrent un vieux chef d’orchestre qui les invite à venir chez lui. Ils y découvrent tout un monde d’instruments et de musique.

Ces gamins qui luttaient les uns contre les autres pour survivre comprennent qu’ils peuvent aussi jouer ensemble.

Adaptation et mise en scène : Camille de La Guillonnière. Avec Julien Bouanich, Frédéric Lapinsonnière, Adrien Noblet, Alice Raingeard, Jessica Vedel. Collaboration artistique : Mathieu Ricard.

Date des représentations :

• Jeudi 3 août, Rocheservière, 85, Le bas des remparts, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 4 août, Mallièvre, 85, Place Saint-Gilles, Gratuit
• Samedi 5 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 6 août, Ombrée-d’Anjou, 49, Promenade jardinée, Pouancé, Gratuit
• Mercredi 9 août, Congrier, 53, Parvis de l’école, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 10 août, Gennes-Val-de-Loire, 49, Parvis de La Prieurale, Cunault, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 11 août, Fontevraud-l’Abbaye, 49, Parc de l’allée Sainte-Catherine, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 12 août, Vernoil-Le-Fourrier, 49, Cour de l’école maternelle, 4€, 8€ ou 12€

Le Temps d’une Troupe

Le Temps d’une Troupe, édition 2020 © Pascal Riondy

Le Temps d’une Troupe est une grande troupe éphémère formée d’acteurs du TRPL et d’une vingtaine d’acteurs amateurs.

Ce projet est né de l’envie d’approfondir les échanges avec les spectateurs, en créant un format dans lequel acteurs et spectateurs se nourrissent mutuellement. Nombre de participants venaient au départ voir les pièces et n’ont jamais fait de théâtre auparavant.

Une expérience magique !

En 2023, cette troupe éphémère se présentera sous un nouveau format en donnant cinq représentations de l’œuvre de Jean-Claude Grumberg : L’Atelier. Elles seront précédées de 8 jours de répétition entre le Château du Plessis-Macé et l’Espace Jean Guichard à Cholet.

Résumé de la pièce :

 Dans un atelier de confection, après la Seconde Guerre mondiale, des ouvriers tentent de construire l’avenir en oubliant le passé. À travers les vies d’une femme dont le mari est déporté, d’une autre dont le mari a peut-être collaboré, de jeunes gens à peine touchés par la guerre… On pleure, on rit, on raconte l’inhumanité. Autant de destins différents qui soulèvent tous la même question : comment se reconstruire après l’horreur de la guerre ?

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Assistante à la mise en scène : Jessica Vedel. Avec : Anne Didon, Adrien Noblet, Juliette Ordonneau et 22 comédiens amateurs : Romain Abelard, Eve Blanchard, Emmanuel Blavet, Anaïs Blon, Laure Cassavi, Gaëlle Ecobichon, Josépha Guimbretière, Violaine Jouffrit Daguet, Christel Le Nevez, Anne Marlangeon, Camille Marot, Paul Mauxion, Chantal Paquereau, Anna Penard, Louis Pingeot, Rose Pingeot, Céline Robin, Marjorie Saint-Martin, Eugénie Sekine, Nadège Simard, Nina Tanguy, Ludivine Vaillant.

La pièce est jouée le soir, à 20h30. Prix des places : 4, 8 ou 12 €.

Date des représentations :

• Samedi 22 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
• Dimanche 23 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
• Mercredi 26 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
• Jeudi 27 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
• Vendredi 28 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé

Nous savons que Cholet est une terre de théâtre amateur, nous sommes donc très heureux d’y proposer pour la première fois cet événement.

À propos du Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL)

Le Théâtre Régional des Pays de la Loire est une compagnie au service du théâtre accueillie à Cholet (49), à l’Espace Jean Guichard. Depuis sa fondation il y a 50 ans, le TRPL a toujours fait de la décentralisation théâtrale son battement de cœur.

Dirigée par Camille de La Guillonnière entouré d’une troupe de vingt acteurs, techniciens et administratifs, la compagnie sillonne chaque été les routes de l’ouest lors de la « Tournée des Villages ». L’hiver, les spectacles parcourent ensuite, en salle, le réseau de diffusion classique.

En jouant en plein air, en proposant des stages, en intervenant en milieu scolaire, en partageant le plateau avec des amateurs, les acteurs participent à ce que le théâtre soit une fête où toutes et tous sont invités !

En parallèle de ses activités artistiques et pédagogiques, le TRPL accueille des compagnies professionnelles en résidence. Il met également ses ateliers et ses stocks de costumes, d’accessoires et de décors au service des artistes (professionnels et amateurs).

Une belle aventure qui a débuté il y a 65 ans

La Nouvelle Saison du TRPL, 2021 © Cindy Doutres

Dès 1958, Jean Guichard a posé les premières pierres de ce qui sera l’âme du Théâtre Régional des Pays de la Loire : une compagnie dédiée à la décentralisation théâtrale.

André Malraux lui-même a offert au TRPL sa première reconnaissance officielle, avec pour mission d’utilité publique d’offrir aux villages les plus isolés des spectacles de qualité permettant de développer le goût et le besoin de l’art dramatique.

La SCOP qui existe aujourd’hui a été créée en 1972. Annie Guichard, fille de Jean Guichard et ancienne secrétaire générale de l’institution, en est toujours associée.

À partir de 1991, c’est Patrick Pelloquet qui reprit le flambeau, animé par la même foi en un théâtre populaire et accessible.

Le TRPL a, tour à tour, été implanté à Nantes, Angers, Château-Gontier et Cholet, irradiant la région avec la création du festival de La Baule et des Nuits de la Mayenne par Jean Guichard et du festival de Noirmoutier et du Cabaret des passions par Patrick Pelloquet.

À la demande du Président de l’Agglomération du Choletais, le Théâtre Régional des Pays de la Loire est installé, depuis 2015, dans les locaux du Théâtre Interlude.

Les locaux administratifs, l’atelier de construction et de stockage de décors ainsi que l’atelier de fabrication de costumes et le costumier sont installés dans des espaces mitoyens. L’ensemble de ces espaces et du théâtre Interlude porte le nom de l’Espace Jean Guichard depuis 2018, en hommage au fondateur du TRPL.

Depuis mars 2021, c’est le comédien et metteur en scène angevin Camille de La Guillonnière qui est le nouveau directeur du TRPL. Avec sa grande connaissance du territoire, il continue sa mission de décentralisation en amenant le théâtre aux publics éloignés des pôles culturels.

Portrait de Camille de La Guillonnière, directeur du Théâtre Régional des Pays de la Loire

Portait de Camille de La Guillonnière © Cindy Doutres

Le metteur en scène et directeur du TRPL

Camille de La Guillonnière s’est formé à l’école Claude Mathieu, à Paris. En 2006, il fonde la compagnie Le Temps est Incertain Mais on joue quand même !, avec laquelle il crée une quinzaine de spectacles qui sillonnent la région lors de l’événement de décentralisation théâtrale « La Tournée des villages ».

En mars 2021, Camille de La Guillonnière succède à Patrick Pelloquet à la direction du Théâtre Régional des Pays de la Loire. Il dissout sa compagnie et intègre au répertoire du TRPL l’ensemble de ses mises en scène. En 2021, Maestro, d’après Xavier-Laurent Petit, est sa première mise en scène en tant que directeur du TRPL.

Au rythme d’un spectacle par an, il sillonne les routes de France allant de places de villages en scènes nationales pour jouer ses spectacles, défendant partout un théâtre de troupe et de proximité. Depuis 2017, en partenariat avec l’EPCC Anjou Théâtre, il met en scène des spectacles mêlant comédiens amateurs et professionnels avec Le Temps d’une Troupe.

Le dramaturge et comédien

Pendant 15 ans, Camille de La Guillonnière a été dramaturge et comédien pour Jean Bellorini, l’actuel directeur du Théâtre National Populaire de Villeurbanne. On l’a vu dans Tempête sous un crâne d’après V. Hugo, Paroles gelées de F. Rabelais, La Bonne-âme du Se-Tchouan de B. Brecht, Karamazov d’après F. Dostoïevski, Un instant d’après Proust. Il a également été adaptateur, dramaturge et costumier de la pièce Le Suicidé de N. Erdman pour le Berliner Ensemble. Il a par ailleurs joué sous la direction de Macha Makeïeff dans Les Femmes savantes de Molière.

Passionné de littérature et « du roman au théâtre », Camille de La Guillonnière adapte régulièrement des romans pour ses propres mises en scène, dont Eugénie Grandet et La Vieille Fille de Balzac, et Maestro de Xavier-Laurent Petit. Ses sujets de prédilection sont l’argent et la famille, des thèmes qu’il explore avec une ligne artistique empreinte de simplicité.

Calendrier de l’été 2023 du TRPL

Dates des représentations pour Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues :

• Mercredi 28 juin, Feneu, 49, Port Albert, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 29 juin, Les Hauts-d’Anjou, 49, Champigné, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 30 juin, Angers, 49, Parc Bocquel, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 1 juillet, Mortagne-sur-Sèvre, 85, Place du Château, Gratuit
• Dimanche 2 juillet, La Séguinière, 49, L’île du Moulin de la Cour, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 5 juillet, Soulaines-sur-Aubance, 49, Parvis de la Grange aux Dîmes, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 6 juillet, Maulévrier, 49, Château Colbert, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 7 juillet, Candé, 49, Parc de la Mairie, Gratuit
• Samedi 8 juillet, Erdre-en-Anjou, 49, Site du Chevalement, La Pouëze, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 9 juillet, Écouflant, 49, Bords de Sarthe, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 12 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 13 juillet, Cantenay-Épinard, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 19 juillet, Les Garennes-sur-Loire, 49, Place de la Mairie, Saint-Jean-des-Mauvrets, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 20 juillet, Les Hauts-d’Anjou, 49, Parvis de la salle des fêtes, Cherré, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 21 juillet, Seiches-sur-le-Loir, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 22 juillet, Grez-Neuville, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 23 juillet, Nozay, 44, Parc de l’Étang des Loisirs, 4€, 8€ ou 12€
• Lundi 24 juillet, Piriac-sur-Mer, 44, Cour de l’école Notre-Dame du Rosaire, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 26 juillet, Mesquer, 44, Place de l’Hôtel de Ville, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 27 juillet, La Roche-Bernard, 56, Jardin des Garennes, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 28 juillet, Le Coudray-Macouard, 49, La Seigneurie, Gratuit
• Samedi 29 juillet, Vivy, 49, Gratuit
• Dimanche 30 juillet, Tuffalun, 49, Gratuit
• Mercredi 2 août, Villevêque, 49, La Plage
• Jeudi 3 août, Verrières-en-Anjou, 49, Château à Motte, 3€, 6€ ou 10€
• Vendredi 4 août, Lys-Haut-Layon, 49, Place Saint-Jean, Vihiers, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 5 août, Asnières-sur-Vègre, 72, Manoir de la Cour, 6€, 8€ ou 10€
• Dimanche 6 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 9 août, Briollay, 49, Place de l’Eglise, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 10 août, Cheffes, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€

Dates des représentations pour L’Orchestre de Jean Anouilh :

• Samedi 1 juillet, Toutlemonde, 49, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 2 juillet, Chavagnes-en-Paillers, 85, Le Pré de l’âme, 4€, 8€ ou 12€
• Lundi 3 juillet, Montilliers, 49, EHPAD Le Prieuré, 4€, 8€ ou 12€
• Mardi 4 juillet, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 7 juillet, Montreuil-Juigné, 49, Théâtre de Verdure, Gratuit
• Samedi 8 juillet, Mûrs-Érigné, 49, Camping Les Varennes, Gratuit
• Dimanche 9 juillet, Champtoceaux, 49, Château de La Colinière, 5€ ou 12€
• Lundi 10 juillet, Saint-Martin-des-Tilleuls, 85, Jardin de la Cure, Gratuit
• Mardi 11 juillet, Entrammes, 53, Le Pré Pourri, 4€, 8€ ou 12€
• Mercredi 12 juillet, Avrillé, 49, Avrillé-Adézière, Gratuit

Dates des représentations pour Maestro de Xavier-Laurent Petit :

• Jeudi 3 août, Rocheservière, 85, Le bas des remparts, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 4 août, Mallièvre, 85, Place Saint-Gilles, Gratuit
• Samedi 5 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
• Dimanche 6 août, Ombrée-d’Anjou, 49, Promenade jardinée, Pouancé, Gratuit
• Mercredi 9 août, Congrier, 53, Parvis de l’école, 4€, 8€ ou 12€
• Jeudi 10 août, Gennes-Val-de-Loire, 49, Parvis de La Prieurale, Cunault, 4€, 8€ ou 12€
• Vendredi 11 août, Fontevraud-l’Abbaye, 49, Parc de l’allée Sainte-Catherine, 4€, 8€ ou 12€
• Samedi 12 août, Vernoil-Le-Fourrier, 49, Cour de l’école maternelle, 4€, 8€ ou 12€

Date des représentations du Temps d’une Troupe :

• Samedi 22 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
• Dimanche 23 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
• Mercredi 26 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
• Jeudi 27 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
• Vendredi 28 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé

Pour en savoir plus

La Tournée des Villages : https://trpl.fr/le-trpl/la-tournee-des-villages/

Le Temps d’une Troupe : https://trpl.fr/amateurs/le-temps-dune-troupe/

Site web : https://trpl.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/theatreregionaldespaysdelaloire/

Instagram : https://www.instagram.com/trpl_cholet/

Viméo : https://vimeo.com/user136484854

Afida Turner prépare son nouveau spectacle. Mais elle ne veut pas se livrer. Juste chanter “Etienne” encore et encore. Tantôt fragile, tantôt rebelle face à son metteur en scène, elle va peu à peu accepter de fendre l’armure, de se raconter, le traiter de clochard, chanter et vous surprendre.

Après le triomphe de “Requiem pour une conne”, déjà écrit et mis en scène par le talentueux Baptiste Souriau, Afida Turner est de retour sur les planches !

Que ceux et celles qui l’ont manqué en mars se rassurent : sa pièce à succès se poursuit en avril au Théâtre Trévise du 18 au 20 avril. “Abracafida” partira ensuite en tournée dans toute la France et à l’étranger, à commencer par Bruxelles (Belgique) au mois de juin.

• Auteur : Baptiste Souriau, Afida Turner
• Artistes : Afida Turner, Benjamin Martin
• Metteur en scène : Baptiste Souriau

Découvrir Afida au théâtre : une expérience haute en couleur

Afida Turner, c’est une personnalité hors norme. Connue pour ses punchlines et sa reprise inoubliable de la chanson d’”Etienne”, la chanson de Guesch Patti, Afida sait faire réagir le public. À tel point que chacune de ses apparitions est un événement en soi !

Abracafida, sa nouvelle comédie, séduit par la proximité que l’artiste sait instaurer avec les spectateurs. Fidèle à son tempérament de feu, elle ose un discours sans filtre, des confidences sans tabous, et de l’autodérision maniée avec justesse.

On aime ses performances musicales, dont l’incontournable “Étienne, Étienne”, ses sourires toujours bienveillants, son regard unique sur la vie et sa langue bien pendue.

Abracafida n’est pas un simple spectacle, c’est une expérience en soi !

L’avis des spectateurs.trices

Voici un petit aperçu des critiques laissés sur les billetteries en ligne :

“Une soirée hors du temps. Très bon moment plein de rigolade et de chaleur. À voir et revoir.”

“Superbe pièce, Afida reste elle-même et authentique, belle prestation beaucoup d’humour et d’autodérision avec un peu de vérité aussi, c’est elle-même qu’il le dit.”

“Afida dans toute sa splendeur”

“Mon plus beau cadeau d’anniversaire Merci à Afida, on reviendra.”

“Elle n’arrivait plus à quitter la scène. On est là pour la soutenir car elle nous fait rire, mais aussi parce que même si on ne le dit pas assez, c’est une fille bien. Une vilaine fille bien. Cœur sur toi Afida merci pour le show.”

À propos d’Afida Turner

Chanteuse, actrice, présentatrice TV, Afida Turner est une des personnalités médiatiques françaises majeures depuis 1998.

Elle a participé à différentes émissions de téléréalité sous le nom de Lesly, dont Loft Story 2 en 2002. Après l’émission, elle débute une carrière de chanteuse en prenant le pseudonyme de Lesly Mess.

Elle part ensuite poursuivre sa carrière musicale aux États-Unis. Elle épouse là-bas le fils d’Ike et Tina Turner, et prend alors le nom d’Afida Turner. En 2004, on la voit aussi dans le clip Shut Up des Black Eyed Peas.

En 2010, de retour en France, elle cartonne avec ses singles Come With Me et Born an angel (album : Paris-Hollywood).

À partir de ce moment-là, elle multiplie les apparitions médiatiques, notamment sur les plateaux de télévision. Car Afida est une personnalité médiatique… Chacun de ses passages déclenche ensuite un véritable “buzz” sur les réseaux sociaux. Elle intervient d’ailleurs régulièrement comme chroniqueuse dans l’émission Touche pas à mon poste !

Business woman accomplie, Afida a aussi créé sa propre ligne de maillots de bain, son parfum, et sa ligne de bijoux.

Avant de faire ses premiers pas comme comédienne de théâtre dans la pièce à succès Requiem pour une conne en janvier 2022, Afida avait déjà obtenu des rôles au cinéma dans les films Vision interdite (2013) et “Lumière noire” (2018). Avec son nouveau spectacle Abracafida Afida Turner se dévoile un peu plus à son public sur son parcours, ses motivations et l’origine de ses expressions les plus célèbres.

Pour en savoir plus

Le spectacle Abracafida : https://www.abracafida.com/

Site web : https://www.afidaturner.com/

Twitter : https://twitter.com/AfidaTurner

Instagram : https://www.instagram.com/afida_turner

Formé à l’ENSATT de 1966 à 1969, Eric a très tôt perçu la dynamique théâtrale de l’écriture romanesque. Une intuition qui va devenir une véritable vocation : en 1980, après avoir perfectionné une technique inédite, il abandonne totalement sa carrière pour se consacrer pleinement à cette forme d’expression.

Aux États-Unis où son concept a séduit, Eric lance cette approche qui va résolument changer le regard porté sur les œuvres littéraires. Il est ainsi le premier à démontrer, dans des spectacles captivants de 90 minutes, que des auteurs comme Flaubert, Proust ou Céline peuvent “tenir la scène” et le spectateur en haleine.

Une vision pionnière qui prend un nouvel essor en 1983 à l’ère du développement de la micro-informatique et des supports multimédias : Eric va s’en emparer et faire en sorte que ses récitals littéraires ou mises en voix servent aussi de contenu à l’enseignement interactif alors balbutiant.

Actuellement à l’affiche, il donne son spectacle immersif Le Rouge et le Noir d’après l’œuvre de Stendhal, tous les mercredis à 19h au théâtre “Au port du Salut” 163 bis rue Saint-Jacques à Paris (75005).

De la scène réelle à la scène virtuelle :

Partant de la force sans cesse accrue des algorithmes, sa prestation, une fois captée, sera ensuite intégrée à l’application Rhapsod.IA qui mixe interactivité, IA et 3D-réalité virtuelle pour fournir aux enseignants une gamme d’outils numériques plus étendue et contemporaine. 

Mon art consiste à créer à la fois un effet d’immersion et de proximité qui le rend accessible sans jamais sortir d’une éthique quant au respect du public. Je pratique une sorte “d’hypnose”. Ni décor, ni costume, mais j’entraîne le public à créer les siens propres, à s’approprier l’œuvre jusqu’à ce que, par ma suggestion et par son imaginaire stimulé, chacun oublie toute autre réalité pour n’être plus que témoin invisible des scènes comiques ou dramatiques du roman.

Eric Chartier

C’est un sacré phénomène que cet Eric Chartier : Télérama,-Sortir.

Relever le défi de l’éducation et de la langue pour transmettre l’amour de la littérature

C’est grâce à deux voix emblématiques qu’Eric Chartier a trouvé la sienne. En 1962, il est enthousiasmé par un vinyle enregistré par Maria Casarès et Gérard Philippe, puis par la version du Petit Prince de ce même artiste.

Il comprend alors l’incroyable puissance de la voix et de l’interprétation. Par la suite, lors de ses études à l’ENSATT, ce goût et ses talents spécifiques sont confirmés lors de certaines épreuves de notation : les étudiants devaient dire des textes littéraires mémorisés.

Interview par le Collège de France : lien ci-dessous.

Cette passion ne va plus le quitter, donnant naissance à un répertoire inépuisable (25 spectacles différents à ce jour).

La force d’envoûtement et la richesse de ses interprétations vont faire son succès. Eric tourne notamment durant dix ans dans de grandes universités américaines et se produit dix autres années à l’affiche à Paris.

En parallèle, il fonde son propre théâtre dans une grange à Pornic 44210, où un public fidèle le suit depuis trente-cinq ans. Il réhabilite ainsi un lieu de mémoire : ce bel espace a vu Saint-Exupéry et son avion et Albert Camus y a achevé La Peste.

En 1992, Eric devient l’interprète exclusif du très grand écrivain Julien Gracq et il continue depuis de jouer quatre de ses œuvres culte.

Plébiscités par le public, ses spectacles ont aussi convaincu des institutions telles que le Collège de France ou La Sorbonne.

Le Rouge et Le Noir : une découverte unique de cette œuvre magistrale de Stendhal

Fils d’un charpentier installé dans une petite ville de province, Julien Sorel rêve d’autres horizons. Tour à tour précepteur, séminariste et secrétaire, le jeune homme s’élève peu à peu dans la société et découvre l’ardeur de passions défendues.

Parcouru d’élans contradictoires, il suit un itinéraire semé d’embûches qui ne saurait le mener qu’au drame. En dotant son personnage ambitieux et rebelle d’une âme romanesque, Stendhal transforme un récit d’apprentissage en tragédie moderne.

Dans ce spectacle immersif et jamais interprété en public, Eric Chartier a choisi de se concentrer sur Julien Sorel et Madame de Rénal.

Durant 1h15, son interprétation permet de redécouvrir le roman, mais aussi de voir tout ce qui n’apparaît pas lors d’une simple lecture. Le spectateur va notamment assister en direct au drame vécu par cette épouse aristocratique modèle et pieuse, emportée jusqu’à la folie par sa passion pour ce beau jeune homme .

Les spectateurs sont conquis. Voici un aperçu de leurs avis sur l’Officiel des Spectacles :

“La tragédie de Madame de Rênal, le drame de Julien Sorel et la sinistre comédie sociale de la Restauration sont rendus présents avec beaucoup de force par une diction qui témoigne d’un travail incroyable sur toutes les nuances du texte. Du grand art.”

“Merveilleux acteur, merveilleux personnage, dans un lieu sans décor, Eric Chartier arrive à nous plonger au cœur d’une œuvre, de la façon la plus vive possible, entrant tour à tour avec une grande compréhension à l’intérieur des personnages avec gravité et malice !”

En mettant en lumière les effets de l’écriture, je guide le spectateur dans l’univers de l’auteur et du roman pour lui permettre de le vivre selon son imaginaire personnel.

Théâtre Au port du Salut – 163 bis rue Saint-Jacques, 75005 Paris – Tous les mercredis à 19 heures. Places de 10 à 20 €.

Rhapsod.IA, l’application immersive d’e-learning pour découvrir la littérature autrement

Animé par la volonté de faire de la pédagogie autrement, Eric Chartier a aussi co-fondé en 2022 la start-up Immersive Adventures avec une professionnelle de l’e-learning (fondatrice de Itanova-easyprof).

Avec un objectif : démocratiser l’accès au e-learning immersif en permettant de créer des cours captivants. Cette plateforme “nouvelle génération” permet ainsi, en quelques clics, d’importer une vidéo ou une captation en réalité virtuelle, d’intégrer des fichiers multimédias, d’éditer des contenus, de créer des activités pédagogiques et de suivre, de manière pénétrante, la progression des apprenants.

Grâce à l’IA, les formations évoluent et s’auto-adaptent au profil d’apprentissage de chaque élève.

La start-up Immersive Adventures s’apprête désormais à lancer une levée de fonds de 1,2 million d’euros. Son site web est encore en cours de construction, mais ses produits sont quasiment finalisés et seront rapidement mis en ligne.

Il y aura notamment Rhapsod.IA, une application unique au monde tant dans son principe que dans sa méthode.

Le concept : utiliser les spectacles immersifs d’Eric Chartier pour initier un large public à la littérature. En effet, l’oreille a son génie propre que des siècles d’imprimerie ont occulté. Ses spectacles donnent aussi l’envie de lire.

En mobilisant l’outil informatique, l’intelligence artificielle et la 3D, l’oreille de l’apprenant vient seconder l’œil dans l’apprentissage des plus grandes œuvres et auteurs de notre patrimoine (et bien plus encore).

Chaque spectacle va ainsi servir de contenu pour étudier un auteur, son style littéraire, la beauté de sa langue… Un atout pour toutes les personnes qui souhaitent se former à la lecture, se cultiver ou redécouvrir, via cet autre accès, tel ou tel écrivain.

À propos d’Eric Chartier, ambassadeur de la littérature française

Né en 1947 à Suresnes dans les Hauts-de-Seine en France, Eric Chartier fait ses études à l’École nationale supérieure des arts et techniques du théâtre (1967-69). Il participe à la création du Théâtre Panique avec Fernando Arrabal, puis à celle du Grand Magic Circus avec Jérôme Savary ; il est engagé au cinéma par Stanley Donen, Georges Lautner et Jean-Luc Godard.

À partir de 1980, il crée, produit et diffuse, seul et sans aide, ses spectacles littéraires en Amérique du Nord (Universités, services culturels, congrès, Alliance française).

À partir de 1986, il est régulièrement invité à l’ONU à New York. Il rencontre Paul Auster, Mircea Eliade, Roger Shattuck, Alex Szogy, Gerald Honigsblum, Annette Insdorf, acteurs actifs de la présence culturelle française en Amérique du Nord.

Il travaille au premier programme de recherche pédagogique francophone -multimédia avec l’Université de Chicago. François Furet, qui a vu la vidéo de son spectacle « Michelet » lors des célébrations du bicentenaire, commente très favorablement ce travail et y décèle une voie d’avenir. Eric va alors effectuer dix années de tournées dans plus de cent universités américaines et canadiennes.

À partir de 1988, il s’installe au Château des Brefs à Pornic et y diffuse ses spectacles chaque été.

À partir de 1991, il noue un partenariat avec l’Université de Nantes (vidéo, cours, spectacles, intervention dans les congrès). Il rencontre Julien Gracq et crée quatre spectacles d’après l’auteur (dont un avec la ville de Nantes).

En 2000, il signe un contrat avec les éditions Gallimard pour la production d’un CD audio « Proust » préfacé par R. Shattuck et reçoit la médaille de la ville de Pornic.

En 2004, il rencontre l’écrivain Robert de Goulaine qui l’invite à se produire régulièrement au Château dans ses soirées littéraires ouvertes au public. Il fait la connaissance de Paul Louis Rossi, écrivain originaire de Nantes, pour la création de son spectacle « Nantes ». Il correspond avec Jean d’Ormesson.

Eric Chartier s’est produit également dans des lieux de mémoire : le Musée Jules Michelet à Vascoeuil, le Château de la Duchesse Anne à Nantes, le Musée Marcel Proust à Combray, la Maison de Chateaubriand à Châtenay-Malabry, le Musée Dobrée à Nantes, la galerie Eureka de Chambéry, l’église Sainte-Cécile à Paris et le Château Saint-Simon à La Ferté-Vidame.

Il est invité à siéger en 2006 au sein de la Commission de recherche sur la complexité présidée par le philosophe Edgar Morin (Université de Nantes). Il effectue de multiples tournées en Europe, Amérique centrale, Océan Pacifique et Moyen-Orient. Il crée son spectacle Mémoires d’Outre-Tombe qu’il joue à la Maison de Chateaubriand, puis au Château des Brefs en juillet 2006. Il est élu en décembre « Membre de l’Académie de Bretagne » et reçoit la médaille de la ville de Nantes.

En 2007, il joue au Château des Brefs La Forme d’une ville de Julien Gracq et Les Confessions de Jean-Jacques Rousseau.

En 2008, il crée Le Rouge et le Noir de Stendhal.

En 2015, il crée à la Grange des Brefs « Ainsi naquirent les cathédrales » d’après Histoire de l’art d’Elie Faure.

Depuis 2008, Eric Chartier s’est produit successivement au Théâtre de l’Île-Saint-Louis, à la Comédie Saint-Michel et Au Port du Salut à Paris avec Julien Gracq, Flaubert, Proust, Saint-Simon, Tocqueville, l’Abbé Prévost, Bossuet.

Pour en savoir plus

Site web : https://eric-chartier.com/

Facebook : https://www.facebook.com/eric.chartier.rhapsode

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/eric-chartier-a44383107?original_referer=

Élu meilleur spectacle jeune public 2020, Scarlett est une bulle de magie, de beauté et de poésie qui met des étoiles dans les yeux et dans le cœur de toute la famille.

Un moment hors du temps, qui séduit par sa créativité et par le message qu’il véhicule avec subtilité. Car, Scarlett, c’est aussi une ode à la différence et une sensibilisation à l’autisme qui touche les enfants… et leurs parents, grâce à différents niveaux de lecture.

Fait entièrement à la main et avec le cœur par la jeune compagnie Scarlett en Scène, “Scarlett” déjoue les codes du théâtre contemporain en proposant un projet altruiste et humaniste très interactif et visuel.

À découvrir ce Printemps au théâtre de La Comédie Nation, dans le 11e arrondissement parisien.

Ce projet artistique, aussi social que citoyen, porte sur un thème qui nous unit tous : la “différence”.

Christiana, Marie et Jérôme, les fondateurs de la compagnie “Scarlett en Scène”

Ce Printemps, “Scarlett” pose ses valises à la Comédie Nation

L’histoire raconte le voyage de Scarlett qui vit au Pays d’Arc-en-Ciel. Scarlett est tout en noir et blanc dans ce monde tout en couleurs, alors tous les enfants se moquent d’elle : “Scarletti Spaghetti ! tu as un cou de girafe, tu es tout en noir et blanc comme dans les films d’il y a très très longtemps…”

Là-bas, pour elle, c’est le cauchemar. Scarlett possède un petit sac en voile d’étoiles avec des bonbons magiques à l’intérieur. Alors chaque nuit, elle mange un bonbon magique et hop ! Elle s’envole de l’autre côté du ciel, derrière les nuages. Là, c’est son monde à elle. Elle est toute seule, elle fait ce qu’elle veut, tout ce qu’elle veut et rien que ce qu’elle veut, et toc…

Jusqu’au jour où elle perd cette précieuse clé vers son monde d’illusions. Elle qui n’a jamais parlé à personne, entame alors un grand voyage pour le retrouver. Sur sa route elle rencontre d’étranges personnages, tous prisonniers de leurs peurs et de leurs doutes. En les aidant, en les aimant, elle se guérit petit à petit. Est-ce vraiment son petit sac en voile d’étoiles qu’elle finira par trouver ?

Les prochaines dates à venir

• Mardi 25 avril 2023 à 16:30
• Mercredi 26 avril 2023 à 16:30
• Jeudi 27 avril 2023 à 10:30
• Vendredi 28 avril 2023 à 10:30
• Samedi 29 avril 2023 à 10:30
• Mardi 2 mai 2023 à 16:30
• Mercredi 3 mai 2023 à 16:30
• Jeudi 4 mai 2023 à 10:30
• Vendredi 5 mai 2023 à 10:30
• Samedi 6 mai 2023 à 10:30
• Samedi 13 mai 2023 à 10:30
• Samedi 20 mai 2023 à 10:30
• Samedi 27 mai 2023 à 10:30

Un projet sensible porté avec le cœur

Scarlett est une invitation au rêve, à l’imaginaire, à la féerie.

Les décors, les poupées, les costumes… tous les détails du spectacle sont faits à la main, avec amour, pour offrir une belle émotion.

La musique et les chansons sont aussi des créations originales, toutes jouées en direct sur différents instruments.

On aime…

… un conte enchanteur qui plaît aux petits et aux grands

Les adultes sont aussi émus que les enfants, grâce à différents niveaux de lecture.

…une aventure évolutive

Le spectacle Scarlett peut être complété par des projets d’éducation artistique avec la mise en place d’ateliers théâtre et/ou conte.

…une initiative solidaire

La vente d’un livre musical permet à la compagnie, grâce aux bénéfices, d’apporter le théâtre dans les structures les plus défavorisées.

Un spectacle né d’une rencontre avec une enfant autiste

À l’origine de Scarlett, il y a une belle rencontre : celle de Marie et d’une enfant autiste qui lui a ouvert les portes de son monde.

Pour Marie, cet instant magique va devenir un vivier d’inspirations créatrices.

Elle confie :

“Cette jeune autiste habitait mes pensées et je dessinais sans cesse une petite poupée que j’avais prénommée Scarlett. Du dessin à la poupée, le conte est né. Je voulais qu’il raconte l’histoire d’une petite fille autiste et sensibiliser ainsi les enfants à la différence. Ce spectacle se construit comme un livre d’enfants où les images s’animent sous leurs yeux. Poupées, couleurs et décors prennent vie au rythme des chansons et des notes d’un alto, d’un accordéon, d’une guitare ou d’une clarinette.”

Très vite, le spectacle rencontre un écho favorable auprès du public.

Ce beau conte féerique a déjà été joué dans plusieurs théâtres parisiens, mais aussi partout en France dans des structures destinées à l’enfance (écoles, bibliothèques, centres de loisirs, IME).

Apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer

La compagnie Scarlett en Scène s’est lancée dans une aventure un peu folle, mais tellement essentielle : apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer. Leur faire connaître ces émotions qui font vibrer et cette poésie qui emporte loin du quotidien.

Dans les hôpitaux, dans les IME (instituts médicaux éducatifs), dans les centres spécialisés, dans les orphelinats… ils jouent leur pièce intemporelle pour les aider à mieux appréhender leur “différence”, à un âge où ils ont surtout envie de ressembler aux autres.

Scarlett en Scène lance un appel aux responsables de ces établissements pour donner à tous les enfants, quels qu’ils soient, la possibilité de profiter de ce beau spectacle qui tourne depuis trois ans.

Pour Scarlett en Scène, il est essentiel de jouer aussi dans les théâtres pour sensibiliser tous les enfants à la différence. La vraie magie, c’est la différence, c’est elle qui fait grandir.

Sensibiliser, c’est aussi prendre le temps de l’échange, avant et après la représentation.

Aujourd’hui, Scarlett en Scène ambitionne de :

• “Faire rêver encore et toujours plus” en allant à la rencontre des enfants qui ne peuvent pas se déplacer avec l’acquisition d’un théâtre nomade (Yourte, Dôme Géodésique, Chapiteau …) ;
• “Développer des partenariats ambitieux” à l’échelle nationale avec des professionnels de l’enfance et du handicap ;
• “Donner la parole aux enfants” en développant des ateliers d’éducation et de pratiques artistiques autour du théâtre et du conte (télécharger la présentation).

À propos de Christiana, Marie et Jérôme

Marie Maillot De Corte est musicienne avec un parcours atypique où elle se découvre tardivement une véritable passion pour l’alto.

Elle intègre alors le conservatoire national d’Aulnay-sous-Bois, les classes de Cyril Guignier et d’Olivier Grimoin, altiste à l’opéra de Paris. Elle obtient son prix d’Alto, et ses diplômes d’études musicales. Elle crée le quatuor Scarlett, ce qui lui permet de suivre de 2015 à 2017, grâce à Emmanuel Haratyk (altiste du Quatuor Manfred) qui transformera sa vision de la musique, la formation européenne de quatuor à cordes « Pro Quartet », et de participer à de nombreux festivals et masterclass.

Elle se passionne également pour les musiques traditionnelles tziganes, klezmer, compose et apprend différents instruments (accordéon, guitare…). Depuis son plus jeune âge, Marie dessine et a toujours travaillé avec sa mère, Christiana De Corte, artiste peintre à Barbizon.

Dans son parcours, elle a participé à différents projets mêlant poésie, musique, théâtre. Elle allie toutes ses passions dans son premier conte musical pour enfants sur l’autisme « Scarlett », thème qui la touche particulièrement ayant été bénévole auprès d’enfants autistes. Avec Christiana De Corte, artiste peintre et costumière, et Jérôme Chabaud, comédien conteur, elle fonde alors la compagnie Scarlett en Scène.

Marie souligne :

Pour moi, l’art est un moyen d’offrir de la lumière aux gens.

Jérôme Chabaud a une formation dans le développement des pratiques artistiques et culturelles. Il s’est formé avec les CEMEA, un organisme d’éducation populaire dont il revendique aujourd’hui les valeurs d’écoute, de groupe et de partage.

Tout au long de son parcours, il a utilisé le théâtre comme outil pédagogique avec les jeunes. En 2009, il intègre la formation de comédien à Arts en Scène, tant pour devenir comédien que pour acquérir de nouvelles techniques à mettre au service des jeunes.

Au fur et à mesure de ses formations et de ses collaborations notamment avec Catherine Heargreaves, Christian Taponard, Vincent Rivard, Eric Zobel, la compagnie Atmosphère, Benoît Théberge… et dans le souci de ne pas oublier les fondements de son travail, il devient artiste itinérant.

Vivre en mouvement est pour lui le moyen de s’ouvrir pleinement aux différentes pensées et modes de vies des personnes et groupes rencontrés. L’itinérance est une manière d’interroger nos schémas de vies occidentaux. C’est prendre l’initiative de se déplacer, d’offrir à lire ou à entendre, quand et là, où l’on ne s’y attend pas.

Jérôme est un artiste qui essaie de se construire grâce au subtil assemblage des pérégrinations de la vie et de celles de la création artistique.

Christiana De Corte est une artiste qui a toujours suivi la voie de ses passions, explorant ainsi la peinture, le dessin, l’illustration, la haute couture…

Diplômée des Beaux-arts d’Anvers, elle se rend à Paris et devient l’assistante de Pierre Cardin de 1975 à 1985. Elle est styliste, dessinatrice et suit une formation de haute couture. Par la suite, elle devient créatrice freelance et multiplie les projets et les collaborations. Elle crée et dessine pour de grandes marques de linge de maison (Santens), pour la haute couture (Madame Grès), pour la porcelaine (Dibbern), illustre chez Hallmark…

Véritable passionnée de tissus, elle est costumière pour la scène depuis 2009. En 2011, elle ouvre son propre atelier à Barbizon où elle transmet son savoir aux petits et grands. Depuis, elle a participé à de nombreuses expositions.

Christiana a été touchée par “Scarlett”, le conte de sa fille Marie, tant et si bien qu’elle a décidé d’en réaliser tous les décors et les poupées.

Pour Christiana, les mots ne disent pas tout… les couleurs nuancent mieux les cœurs…

Informations Pratiques

“Scarlett” est à découvrir au théâtre de La Comédie Nation, 77 rue de Montreuil, 75011 Paris.

Tarif : 12 € pour les adultes (ou 10 € tarif réduit) et 10 € pour les enfants (ou 8 € tarif réduit).

Pour en savoir plus

Présentation : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230223094304-p3-document-vlhn.pdf

Réserver une place : http://www.comedienation.fr/content/scarlett

Site web : https://www.scarlettenscene.com/

Facebook : https://www.facebook.com/Scarlettenscene

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/scarlettenscene/

S’il y a toujours quelques contre-exemples, il faut rappeler une vérité fondamentale : être comédien ou acteur s’apprend ! Pour vivre de sa passion, il y a des techniques à connaître (vocales, respiratoires, corporelles) et des styles de jeu à maîtriser.

Sans oublier l’essentiel : identifier « sa » propre manière de raconter.

Dans ce contexte, l’école d’Enchântier Théâtre, créée par des professionnels du métier, fait sa rentrée pour la deuxième année.

Les auditions pour sa formation professionnelle sont désormais ouvertes aux futur.e.s élèves de la saison 2023/2024 jusqu’au mois de juin. 

Notre ambition ? Permettre à nos élèves de travailler et de gagner leur vie avec ce métier. Et surtout leur transmettre le désir d’innover, de chercher de nouvelles choses. D’entreprendre des actions culturelles intenses et fortes.

Benjamin George, membre fondateur et directeur artistique

Une école à taille humaine pour un apprentissage à 360°

L’école d’Enchântier Théâtre, c’est avant tout un état d’esprit, une culture de la transmission.

Fondée par des comédiens professionnels pour des acteurs en devenir, elle n’accepte que 15 élèves maximum et ne forme qu’une promotion par année.

Un gage de qualité qui fait écho à son cursus très pointu au niveau acting, puisque toutes les techniques de jeu sont travaillées (conte, farce, bouffon, clown, burlesque, mélodrame, distanciation, méthode).

Avec, toujours, la volonté d’axer les cours sur le théâtre et sur l’histoire du théâtre, afin que chaque élève sache pourquoi les choses sont racontées ainsi et d’où cela vient.

Les comédiens y gagnent une souplesse de travail avec d’autres professionnels, tout en étant capables de se produire devant une caméra ou sur un plateau de théâtre.

L’école permet de pousser le travail, d’aller plus loin pour donner des outils aux futurs créateurs de spectacles. Le socle, la formation, est très importante car elle sera un indicateur de la qualité culturelle future.

Des professeurs expérimentés et complémentaires

Benjamin George

Comédien, directeur d’acteur et professeur de théâtre, Benjamin George fonde la compagnie Enchântier Théâtre en 2004 à Bordeaux.

Il s’est formé à « Temps d’M espace pour l’acteur », formation professionnelle dispensée par Luc Faugère à Bordeaux. Depuis quinze ans il donne des stages et des cours de théâtre pour adultes.

Mathieu Dubois

Comédien, directeur d’acteur, metteur en scène et formateur. Mathieu intègre la compagnie Enchântier Théâtre en 2012. Il anime des ateliers théâtre enfants, adolescents et adultes depuis 2015.

Geneviève Cauwel

Forte de sa connaissance de la scène, du Grand Répertoire, mais aussi de ses rencontres et du travail partagé avec des chorégraphes tels que Pina Bausch, Jérôme Robbins, Maurice Béjart… elle aborde un enseignement éclairé qui permet à chaque personnalité de s’épanouir dans l’art de la danse.

Des intervenants extérieurs pour s’ouvrir à d’autres expériences

Des intervenants extérieurs, des professionnels, des camarades de routes, rencontrés au fil de toutes ses années, seront invités régulièrement dans l’année afin de partager avec les élèves leur processus de création.

Parmi eux :

• Luc Faugère (acteur et directeur d’acteur)
• Benoît Michel (acteur, plateau et caméra)
• Cie Fil Agathe (théâtre)
• Cie mmm (théâtre)
• Cie Rouge Elea (cirque et musique)
• Cie Branca (théâtre, danse et chant)
• Cie L’arbre à vache (théâtre de rue)
• Hélène Bohy (chanteuse et coach vocal)
• Cie Ici Commence (théâtre et conte)
• Cie Betty Blues (théâtre et musique)
• Sébastien Blanc (comédien)
• Laure Bezolles (comédienne)
• Et bien d’autres encore…

Un cursus qui explore toutes les facettes du métier

1ère et 2ème année

Le training de l’acteur (3h / semaine) : les fondamentaux, l’improvisation, l’écoute, la biomécanique, le schéma actanciel, l’analyse du rôle par l’action, la mémoire.

Les formes de jeu au théâtre (3h / semaine) : le conte, le burlesque, la farce, le bouffon, le clown, le mélodrame, la distanciation.

Le texte en première année (3h / semaine) : lire-dire-jouer un texte au théâtre.

Danse (2h / semaine) : danse classique, travail sur le mouvement et l’espace, du danseur à l’acteur et de l’acteur au danseur.

Le projet en deuxième année (3h / semaine) : en groupe, travail sur une pièce d’un auteur de théâtre avec représentation publique en juin 2024.

3éme année

L’initiative d’acteur (12h / semaine)

Outre de nouveaux entraînements, les comédiens en herbe devront, en une année, enquêter sur un sujet et créer un spectacle de théâtre, authentique par rapport à leur désir et leur mémoire. C’est un moyen de trouver leur manière de raconter, leur méthodologie professionnelle personnelle.

Pratique personnelle

• Préparation : exercices et scènes de théâtre, auditions trimestrielles, passage en 2e année puis en 3e année validé par les professeurs en fin d’année.
• Restitutions publiques : les jeunes acteurs se présentent devant un public à partir de la deuxième année sur Bordeaux, afin de présenter le travail fait dans la formation.

Enchântier Théâtre, la compagnie qui raconte le monde contemporain

La compagnie Enchântier Théâtre est née en 2004 à Bordeaux de la rencontre du comédien et directeur d’acteur Benjamin George avec trois autres amoureux du théâtre et de la littérature.

Tour à tour conteurs, bouffons, clowns et acteurs dramatiques, nous utilisons les différentes formes de jeu traditionnelles, comme le conte, le mélodrame, et la farce, pour raconter le monde contemporain et en donner une vision actuelle et humaine.

La compagnie Enchântier Théâtre partage sa passion du théâtre avec le public par :

• La création de pièces classiques et contemporaines ;
• La formation : elle organise des cours de théâtre à Bordeaux et à Bayonne, qui s’adressent aux enfants, aux pré-adolescents, aux adolescents et aux adultes ;
• La lecture à haute voix, une discipline que les comédiens ont déjà étrennée dans différents festivals et dans différentes communes ;
• Le coaching pour les professionnels & les particuliers (adapté à leurs différents projets) ;
• Les formations pour les entreprises.

À terme, Enchântier Théâtre souhaite proposer aux élèves allant au bout de la formation de travailler un spectacle au sein de sa compagnie. En le montant avec eux, en le tournant, elle leur offrira ainsi une formidable première expérience professionnelle.

Portrait de Benjamin George, directeur artistique de la compagnie

Benjamin George est comédien, directeur d’acteur, metteur en scène et professeur de théâtre. Il s’est formé à Temps d’M espace pour l’acteur, une formation professionnelle dispensée par Luc Faugères à Bordeaux.

Il a fait ses premiers pas dans l’univers du théâtre professionnel il y a une quinzaine d’années, interprétant des pièces classiques et contemporaines. Il écrit également des spectacles tout public et jeune public ; en 2007, il a ainsi écrit et interprété les pièces Vision d’un esprit terre et Richesses d’en bas. En 2017, il a monté Don Juan, Variation pour un acteur, jouant à lui seul tous les personnages de la pièce de Molière. Il fait également du théâtre en entreprise, et donne des cours de théâtre pour adultes. En 2020 il s’attaque à Shakespeare et en 2021 à La Fontaine.

Il a eu l’idée de lancer la formation professionnelle de comédien à Bordeaux en 2022.

Une idée qui mûrissait depuis un petit moment, car Benjamin a animé durant 10 ans des ateliers amateurs pour enfants, adolescents et adultes.

Pour en savoir plus

La formation professionnelle : https://www.enchantiertheatre.fr/formation-professionnelle/

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230301163145-p5-document-wgdf.pdf

Site web : https://www.enchantiertheatre.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/people/Enchântier-Théâtre/100049144583541/

Instagram : https://www.instagram.com/benjamin_enchantiertheatre

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/benjamin-george-67b00ba2

Seraient-ils parents ? Que contient le testament ? Vont-ils toucher le gros lot ? Mais à quelles conditions ? Qui est cette Bernadette qui semble survoler la scène comme un fantôme bien veillant…

L’autrice nous entraîne dans une cascade de rebondissements entre rêve et réalité dans une atmosphère burlesque et mystérieuse à la fois.

C’est l’histoire de la rencontre improbable d’un frère, Roger et d’une sœur, Marie, nés de pères différents et que tout oppose. Ils ignoraient leurs existences respectives jusqu’à leur convocation par le notaire.

Maître Robineau leur apprend que leur mère, Bernadette, qui les a abandonnés enfants, a laissé à sa succession une maison de famille. Ils ne pourront en hériter que s’ils parviennent à y vivre ensemble pendant un an.

Cette comédie fantastique de Antoinette Cros Kachaner, et mise en scène par Renato Ribeiro, est à découvrir à partir du jeudi 19 janvier 2023 à 20h45, au Théâtre du Roi René (Paris 11).

Une belle comédie aux notes parfois mélancoliques

Il arrive un jour où le temps rattrape l’insouciance et les promesses, où le corps stigmatisé se courbe sous le poids des années, où les regrets effacent les espoirs.

Le bilan peut être très lourd quand, arrivé à l’automne de sa vie, on réalise que l’on a fait les mauvais choix, négligeant ainsi l’essentiel ; la famille.

S’il n’est pas possible de racheter le passé, peut-on corriger ses erreurs avec le peu de temps qu’il reste à vivre ?

La transmission de l’héritage dans ce qu’il représente à la fois sur les plans matériel et spirituel est une solution de rédemption.

Ainsi, l’héritage devient un sujet de dramaturgie. Il renvoie à des thèmes forts ; la vie, la vieillesse, la mort. Il produit des conflits. La crise qu’ouvre la mort d’un membre de la famille suscite des rivalités qui nourrissent la cupidité, la jalousie, la haine, souvent attisées par la souffrance. Enfin, elle illustre la condition humaine et ses contradictions : la souffrance et l’amour, la filiation et l’abandon.

Il y avait donc de quoi créer des situations théâtrales avec en toile de fond la crise ressentie par les héritiers après l’annonce du décès de leur mère. L’ouverture du testament est le moment paroxystique où sont rassemblés dans un même lieu et au même instant les membres d’une famille que la vie a séparés.

J’avais un défi à relever, faire de ce sujet grave, une comédie à la fois légère et poétique. Pour cela, j’ai donné la parole à des personnages haut en couleur, animés par des désirs, des passions mais aussi fragilisés par des contractions et des conflits intérieurs.

Antoinette Cros Kachaner

Une mise en scène inspirée

Le titre de la pièce ne pouvait pas laisser insensible le metteur en scène de la pièce : aussitôt Shakespeare s’est imposé dans son esprit. Ce songe sera une fantasmagorie rêvée entre notre monde réel et des univers irréels mais si vivants. Lequel de ces 2 mondes l’emportera…

“N’oubliez pas la formule : Il était une fois…” précise Renato RIBEIRO.

Ainsi, le spectacle est mis en scène comme un conte de fée, à la façon de Tim Burton, avec son côté sombre évidemment et la multitude de couleurs et de lumières qui viendra vaincre l’obscurité.

Contraste de scènes épurées en noir et Blanc pour les situations réelles du temps présent et des scènes très colorées pour les scènes se déroulant dans le songe de Bernadette. Les lumières seront à l’honneur pour créer les différents décors : N&B et obscurité pour la réalité en contraste avec des faisceaux colorés pour les scènes du songe.

Les costumes également colorés et fantastiques seront en totale contradiction avec les costumes N&B de la réalité. Enfin le maquillage aura une place importante pour finaliser la dernière touche à ces personnages fantasmagoriques du rêve, entre Créatures et Monstres. À l’inverse, la réalité sera triste et grise.

Bien entendu le code de jeu des comédiens sera à l’avenant : sage et inspiré pour la réalité – extraverti, cartoonesque, clownesque, proche de la caricature pour interpréter les créatures du songe.

En lisant la pièce d’Antoinette, j’ai tout de suite eu l’impression de lire un conte rempli de magie qui nous fait tellement défaut dans notre quotidien. Je pense qu’il faut continuer à croire à la magie de la vie, de l’amour, des gens, des animaux, des objets… pour combattre le côté sombre, obscur qui s’abat en ce moment sur nos sociétés. Seule la magie et y croire permettra d’en sortir gagnants. La magie a existé de tout temps, et seuls nos temps modernes l’ont abandonné et n’y croient plus… et pourtant…

Renato Ribeiro

Une pièce qui sera reprise en Avignon… mais pas que !

Après les représentations sur Paris, la compagnie reprendra la pièce à Avignon puis partira en tournée dans toute la France.

Et en septembre 2023, “Le Songe de Bernadette” pourrait être joué dans un autre théâtre parisien, encore plus grand.

Distribution

• Compagnie : Entre Les Lignes ;
• Autrice : Antoinette Cros Kachaner ;
• Mise en scène Renato Ribeiro, assisté de Maud Mellé ;
• Avec Fanfan Blondiaux, Bérénice Le Mestre, Benjamin Aboulker, Julien Jaulin, Tarik Jallal.

A propos de Antoinette Cros Kachaner, Autrice

Depuis toute petite, Antoinette évolue dans l’univers du théâtre au travers de sa mère qui est comédienne. Elle décidera de franchir le pas après avoir terminé ses études de droit et être entrée dans la vie active.

Elle s’inscrit au Cours Florent en septembre 2016 où elle travaille avec Adrien Popineau en première année et Hugues Boucher l’année suivante. Elle rejoint une compagnie de théâtre la Cabane formée par les élèves de 2e année où elle donne ses premières représentations publiques.

Pour enrichir son parcours. elle suit ensuite la formation :

• De Raymond Acquaviva où elle bénéficie de l’expérience d’Eric Savin en théâtre contemporain ;
• D’Yveline Hamon en théâtre classique ;
• De Pascale Mariani en improvisation ;
• De Philippe Vela en commedia dell arte et en clown ;
• De David Roussel, directeur du théâtre des Béliers ;
• Et de Raymond Acquaviva qui la fera travailler avec précisions sur les personnages classiques et notamment sur Phèdre.

Aujourd’hui diplômée d’art dramatique, elle se lance le défi de produire son premier texte théâtral pour la compagnie qu’elle vient de créer.

A propos de Renato Ribeiro, metteur en scène

Comédien, metteur en scène, coach, directeur artistique et de production, fondateur de la salle de spectacles LA COMEDIA à Paris 11è, Renato Ribeiro est un passionné de Création depuis toujours!

Sa passion du Cinéma lui permet de jouer dans plusieurs long-métrages dont Par Amour de Laurent Firode, qui lui donna son premier rôle principal à défendre sur grands écrans, Sa carrière au théâtre depuis les années 90, le mène comme acteur, de l’improvisation au théâtre contemporain en passant par la Comédie. N’oublions pas ses différentes mises en scène aux univers très différents. Enfin citons aussi son activité de coach d’acteurs et coach musical.

En 2012, Renato prend ses quartiers d’été à Lisbonne dont il est tombé amoureux. Parfaitement bilingue, il y travaille comme traducteur-adaptateur de textes et romans, coach d’acteurs au Théâtre National Dona Maria II auprès de Tiago Rodrigues, puis devient acteur dans plusieurs télénovelas et films portugais et également professeur-formateur de langue française-littérature et de théâtre au sein de l’Alliance Française et de l’Institut Français.

Actuellement entre Lisbonne et Paris, il continue d’être à l’affiche comme acteur mais aussi à la TV sur la série Scènes de ménage, et au cinéma dans le long métrage Voyage en têtes étrangères, d’Antonio Amaral… Un troisième long-métrage est en préparation pour 2023, entre la France et le Portugal.

Sans oublier ses dernières mises en scène, comme actuellement à l’affiche Belles Amies comédie dramatique féminine, ou encore Molière ou le dernier Impromptu pour l’anniversaire de Molière, GEEK comédie interactive, mais aussi son travail de directeur de production avec Le Secret de Sherlock Holmes à découvrir actuellement dans un des plus grands théâtres parisiens.

Informations pratiques

“Le Songe de Bernadette” par la compagnie Entre les Lignes

• Première : jeudi 19 janvier 2023 à 20h45
• Lieu : Théâtre du Roi René 12, rue Edouard Lockroy – 75011 Paris (métro : Parmentier)
• Jours et horaires des représentations : Du jeudi au samedi à 20h45 (relâche le 11 février)
• Durée du spectacle : 1h30
• Prix des places : 21 € tarif plein, 17 € tarif réduit, 12€ tarif enfant (hors frais de réservation)
• Réservations et informations : Tél. 01 76 40 40 15 -https://theatreduroirene.qidoon.com/events/833 et revendeurs internet

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230105110809-p3-document-ubjx.pdf

Facebook : https://www.facebook.com/LeSongedeBernadette/

Instagram : https://www.instagram.com/lesongedebernadette/

« Ardèle ou la Marguerite » est une œuvre de Jean Anouilh, où l’imaginaire et la fantaisie des personnages sont au cœur d’une histoire d’amour impossible.

Cette pièce grinçante relève du genre comique, mais l’ordre de la comédie y est merveilleusement perverti !

En se lançant dans la création de ce projet, l’association Pax’art Production a vu les choses en grand : ce spectacle théâtral réunira sur scène une équipe de 10 comédiens de tous horizons, un décor avec 13 portes, de fabuleux costumes, une mise en scène signée Christophe Jaquier…

Cette pièce grandiose, à l’envergure nationale et internationale, sera ensuite diffusée dans les salles de spectacle et les théâtres de toute la France et des pays francophones.

Pour la réaliser dans les meilleures conditions et à la hauteur de ses ambitions, Pax’art Production lance une levée de fonds sur Helloasso auprès des particuliers et des entreprises.

L’histoire en quelques mots…

Le Général a réuni dans son château, les membres de sa famille : la Comtesse, sa sœur et son inséparable amant Villardieu, son beau-frère le Comte, son fils cadet Nicolas, sa bru Nathalie.

Ils sont tous là pour essayer de trouver une solution au problème posé par Ardèle, la sœur du Général. Bossue et vieille fille, Ardèle s’est entichée d’un professeur de latin, bossu comme elle, et projette de fuir avec lui. Enfermée dans sa chambre, elle refuse d’en sortir tant que l’on n’aura pas admis sa liaison.

Le Général, la Comtesse, le Comte vont, tour à tour, essayer de « la ramener à la raison ». Cette « raison », propre à la société bourgeoise, qui condamne un amour pur pour simple difformité d’apparence et… de classe sociale.

Tous ces conseilleurs, ces moralisateurs, qui trompent leurs conjoints respectifs, et sacrifient leurs sentiments au profit des apparences, ne se doutent pas que ce sont les amants bossus qui vont leur donner une magistrale leçon d’amour.

Alors que le théâtre actuel est soit contemporain soit très classique, le texte de cette pièce est bluffant d’actualité. Même s’il a été créé en 1948, tout le monde peut se reconnaître dans un de ses personnages, même les plus jeunes.

Un auteur à la plume mordante

Jean Anouilh est né en 1910 et décédé en 1987. Cet auteur prolifique ne s’est pas contenté d’offrir une réécriture moderne d’Antigone, la pièce de Sophocle. Il a lui-même organisé ses œuvres en séries thématiques, faisant alterner d’abord “Pièces roses” et “Pièces noires”.

Les premières sont des comédies marquées par la fantaisie comme “Le Bal des voleurs” (1938) alors que les secondes montrent dans la gravité l’affrontement des « héros » entourés de gens ordinaires en prenant souvent appui sur des mythes comme “Eurydice” (1941), “Antigone” (1944) ou “Médée” (1946).

Après la guerre apparaissent “les Pièces brillantes” qui jouent sur la mise en abyme du théâtre au théâtre, “La Répétition ou l’Amour puni” en 1947, “Colombe” en 1951, puis “les Pièces grinçantes”, comédies satiriques comme “Pauvre Bitos” ou le “Dîner de têtes” (1956)…

L’auteur est représenté par l’Agence MCR, Marie-Cécile Renauld, www.mariececilerenauld.com.

Nous sommes très fiers d’avoir le soutien de Mme Colombe Anouilh d’Harcourt, fille de Jean Anouilh.

Un spectacle d’envergure qui va faire rêver le public

« Ardèle ou la Marguerite », c’est du théâtre version XXL, conçu pour mettre des étoiles dans les yeux de toutes les générations à partir de 12 ans.

Un grand spectacle comme on les aime, de ceux qui créent des souvenirs impérissables.

Christophe Jaquier, le metteur en scène, a travaillé pendant plus d’un an à ce projet. Sa marque de fabrique ? Une esthétique affirmée et la volonté de montrer que, même en France, il est permis de rêver…

Une belle ambition qui a immédiatement convaincu Pax’Art Production, qui a collaboré étroitement à cette aventure pendant plus de six mois entre 2021 et 2022. Portés par la même vision d’un grand spectacle, ils ont choisi ensemble tous les costumes, le décor et la musique.

Zoom sur quelques éléments clés de la mise en scène

Au-delà de la présence des 10 comédiens sur scène, ce spectacle est caractérisé par…

… des costumes choisis par code couleur

Même de loin, les costumes sont facilement identifiables puisqu’ils ont tous un code couleur, tout en restant dans la cohérence de la pièce :

• les sobres : teinte marron pour Nathalie et Nicolas ;
• les fonctionnels : blanc et noir pour le Général, la Générale, et Ada la femme de chambre ;
• les extravagants : rouge et violet pour la Comtesse, le Comte, Villardieu l’amant ;
• les enfants : rose pour la petite fille Marie Christine, et bleu pour le petit garçon Toto.

… un décor avec 13 portes

Ces portes auront plusieurs fonctions : ouverture ou battants, paroi décorative, mur, entrée secrète ou déguisée. L’intention est d’utiliser une porte pour s’y cacher, circuler, devant, derrière, avec en plus la possibilité d’offrir la fonction des entrées et sorties. Les portes permettent moult circulations (entrées/sorties bien définies), tout en utilisant des solutions purement théâtrales.

L’entrée principale, face au public, donne sur un jardin exotique qui ressemble à une jungle tropicale, les couleurs de ce jardin sont violentes et criardes, on y aperçoit de grandes fleurs colorées. Ce jardin – jungle prendra une place importante lors de la scène de la NUIT, puisqu’il envahira cette dernière par l’étalement de grandes plantes exotiques.

… de la musique

La musique sera diffusée à des moments clés de la pièce afin de dérégler l’action par sa présence inopportune et apporter de la confusion à l’action.

Une tournée en France et à l’étranger

La pièce « Ardèle ou la Marguerite » de Jean Anouilh sera d’abord jouée dans un théâtre parisien, le temps d’une série de représentations.

Elle partira ensuite en tournée dans toute la France, avec l’aide d’un diffuseur de spectacles, mais aussi en Suisse, en Belgique puis dans les autres pays francophones.

Le ciblage des salles de spectacle aura une jauge minimale de 400 places avec un tarif compris entre 25€ et 50€.

Et si la réussite est au rendez-vous, une ou plusieurs séances seront exclusivement réservées aux plus démunis.

À propos de Pax’Art Production

Pax’Art Production est une association créée en 2017 pour :

• promouvoir et défendre les intérêts des artistes et des créateurs dans le cadre législatif du spectacle vivant ;
• sensibiliser la jeunesse à la chanson, au théâtre, au spectacle vivant ;
• aider au développement artistique au niveau local, départemental, régional, en Europe et à l’international.

Elle a ainsi produit et diffusé plusieurs artistes en 2018, tels que Kiana, Allan Archer et Maud Célie, par un accompagnement et des évènements promotionnels. Aujourd’hui, l’association continue à accompagner l’Artiste Maud Célie.

Parmi ses diffusions, Pax’Art Production a accompagné en 2020 le spectacle de Mathieu Pelarma “Un pour tous”, mis en scène par Eric Savin, ainsi que la pièce « La dernière phrase ». Il s’agissait de deux comédies contemporaines, légères, joviales et optimistes, sur le thème du questionnement.

En 2013-2014, Matilde Krnjus, fondatrice de Pax’Art Production, a apporté son aide à l’association Nous Même Prod, en gestion de coproduction et en comptabilité, pour le spectacle “Lune Air” de Julien Cottereau (Molière de la révélation masculine 2007, et Prix SACD de la révélation One Man Show 2008). Et en 2016, pour le spectacle “Très chère Afrique” mise en scène par Margaux Meyer & Julien Cottereau.

Aujourd’hui, l’association souhaite réaliser le spectacle “Ardèle ou la Marguerite” écrit par Jean Anouilh en accompagnant le metteur en scène Christophe Jaquier et toute l’équipe artistique.

Pour en savoir plus

Le projet Ardèle ou la Marguerite de Jean Anouilh : https://www.helloasso.com/associations/pax-art-production/collectes/ardele-ou-la-marguerite

Site web : https://www.paxartproduction.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/paxartproduction/

Instagram : https://www.instagram.com/paxart.production/

Cette comédie rose et piquante met en scène deux amies pour qui les sites de rencontre et les hommes vont provoquer débats et divergences mais se retrouver, aussi complices, à rire entre femmes des travers de l’homo Erectus…

Deux amies. Alice, femme libérée, fraîchement divorcée, décide de s’inscrire sur un site de rencontres, histoire de pimenter sa nouvelle vie. Manon, conservatrice, un peu coincée et mariée depuis 10 ans, déboule chez Alice pour lui avouer un secret qu’elle ne peut plus contenir !
Une soirée, un canapé, beaucoup de vin et c’est la débandade pour Alice et Manon qui vont se confronter à la réalité des mecs des sites de rencontres d’aujourd’hui, qu’ils soient mariés ou pas.

Nathalie Cougny, poète et auteur engagée, s’est inspirée de son expérience personnelle, rejointe pour cette nouvelle adaptation par Arthur Loisel, un jeune auteur ayant le sens du tempo théâtral. Ils écrivent ensemble cette comédie acerbe sur l’homme et son pénis et où les femmes peuvent aussi se faire complices, malgré elles, d’un précepte entretenu par cette relation étrange qui mêle séduction et faux semblants.

Dans “Sex & Love”, pendant 1h15 quelques vérités s’égrènent, sans tabou, avec un humour sarcastique, et souvent décalé…

A voir à la Divine Comédie du 30 septembre au 31 décembre.

“Sex & Love est une pièce évoquant les sites de rencontre et qui égratigne au passage le machisme ! Au-delà du succès populaire attendu, c’est aussi, en utilisant l’humour, une dénonciation du comportement masculin”

L’auteur : Nathalie Cougny

Nathalie Cougny, née en 1967, est artiste peintre depuis 1996, écrivain, poète et auteur publiée depuis 2011 et Présidente de l’association nationale « Les maltraitances, moi j’en parle ! » créée en septembre 2020.

En 1998, elle quitte son activité professionnelle au sein de la direction d’un grand groupe pour se consacrer au bénévolat dans le milieu artistique durant plus de 10 ans.

Totalement inconnue et novice dans le milieu de l’édition, elle se fait connaître avec la poésie sensuelle. Elle a publié 17 livres depuis 2011 : poésie sensuelle, livres de société, albums jeunesse, romans et un récit. Elle écrit également un one woman show « Sex&Love.com » joué près de 100 fois en 2016/2017 et un projet de documentaire avec Boris Cyrulnik.

Femme et artiste libre, en 2009 elle s’engage dans la lutte contre les violences faites aux femmes et la maltraitance des enfants. Nathalie fait bouger les lignes et éveille les consciences à sa façon. Elle mène diverses actions personnelles et participe à des projets porteurs : journées événementielles, clips, interventions en milieu scolaire, conférences, débats.

Après des formations en art et en psychologie, passionnée par l’humain et son fonctionnement, elle s’attache à faire ressortir dans son écriture la force des sentiments, la diversité des émotions et tout ce qui nous lie à la vie dans une vision humaniste des rapports, sans tabou.

Le co-auteur : Arthur Loisel

Comédien de formation, Arthur Loisel est un jeune auteur passionné par la scène.

Arthur est un couteau suisse du théâtre endossant tous les rôles, de comédien à metteur en scène. Il fera partie du trio d’humoriste « Triple A » au côté de ces deux acolytes des cours Florent.

À la recherche d’un co-auteur, Nathalie Cougny, auteur de la pièce, est convaincue par ce jeune humoriste talentueux, qui possède un solide sens de la répartie et qui excelle dans les « punchlines ». Il va donc imprégner de sa patte incisive et comique les dialogues de la nouvelle version de Sex&Love.

Il est également à l’origine de 4 pièces de théâtre et d’un one man show.

Le producteur et le metteur en scène : Bruno Romier

Un CAP de pâtissier en poche, mais passionné par l’univers du spectacle, Bruno Romier concrétise une partie de ses ambitions en devenant, à l’âge de 20 ans, organisateur de spectacles au milieu des années 80. Il est également le créateur, en 1993, d’un festival de théâtre et de danse organisé au sein du château d’Angers, sa ville natale.

Après quelques échappées vers d’autres horizons professionnels, Bruno Romier revient à ses premiers amours en montant un café-théâtre de 100 places dans le centre-ville d’Angoulême. Bruno Romier va ainsi se lancer dans différentes mises en scène pour son théâtre et les tournées, dont :

• Une comédie déjantée « Les moustaches de la reine » destinée au OFF d’Avignon en Juillet 2002 ;
• La reprise des célèbres pièces « Le dîner de cons » et « Nuit d’ivresse » ;
• La pièce d’Eve Ensler « Les monologues du vagin », lui vaudra les compliments de l’agent de l’auteur, qui précisera avoir assisté à l’une des plus belles versions de cette œuvre.

Domicilié à Paris depuis 2014, Bruno Romier s’investit dans différents projets artistiques. Il a notamment produit le trio d’humoristes « Triple A » et l’humoriste féminine « FIBS ». Il a également produit le dernier spectacle de Karine Lyachenko « Rebelles » aux Feux de la rampe en 2016.

Il a aussi produit et mis en scène la pièce « Sex&Love.com » avec Elise Lissague et réalisé une tournée de plus de 100 dates avec cette comédie, ainsi qu’un spectacle dédié à Edith Piaf.

Les comédiennes

Alice : Julie Bernatta

Julie est une jeune comédienne de 28 ans, diplômé du cours Florent de Montpellier.

A 23 ans, et à l’instar de Fabrice Lucchini, la jeune comédienne décide d’arrêter la coiffure, son premier métier, et de tenter l’aventure du théâtre. Elle décide donc de monter sur Paris en 2020 pour vivre pleinement sa passion du théâtre.

Artiste polyvalente, elle embrasse d’autres pratiques artistiques telle la guitare, le chant et la danse.

Julie caste pour le rôle d’Alice dans Sex&Love et enthousiasme le metteur en scène, Bruno Romier, pour sa capacité à savoir conjuguer sens du burlesque et sensualité ; Elle est Alice.

En parallèle, Julie continue toujours à coiffer sur les plateaux de tournage et elle est actuellement en écriture de son premier court-métrage !

Manon : Louise Cassin

Comédienne et metteuse en scène, diplômée du cours Florent en 2016, Louise participe à de nombreux projets de la compagnie des Polisseurs d’étoiles, dont un revisité : « Tailleur pour dames » de Georges Feydeau, qui lui vaudra une nomination « meilleure comédienne dans un second rôle » au p’tits Molière d’Avignon 2019.

Elle joue sous la direction de Camille Saintagne dans « La république du Bonheur ». Elle rejoint l’équipe de Louise Robert dans « Pardonne-moi de me trahir » où elle y incarne le rôle principal.

Curieuse, elle s’essaie au nouveau format théâtral et intègre l’expérience immersive Casa de Papel, produit par Fever et Nextflix.

En parallèle, elle intègre un studio de doublage qui lui permet de prêter sa voix à plusieurs personnages de séries.

Informations Pratiques

• A la Divine Comédie, 2 rue Saulnier Paris 9è – Tel : 01 42 46 03 63
• Du 30 septembre au 31 décembre 2022
• Les jeudis, vendredis et samedis à 21h
• Billetterie : points de vente habituels

Pour en savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/Sexandlovetheatre/

Instagram : https://www.instagram.com/sexandlove_piece_de_theatre/