À Hyères-les-Palmiers, une artiste singulière inaugure un nouvel espace d’Art, pensé comme une œuvre vivante. Françoise Dedon, reconnue en France et à l’international, invite à franchir le seuil de son imaginaire…

Peu d’artistes peuvent revendiquer un style aussi distinct

Les amateurs d’art le savent : Françoise Dedon est inclassable ! Ses tableaux, souvent centrés sur des figures féminines, dégagent une élégance étrange, comme suspendue entre modernité, poésie et silence. Son art est reconnaissable entre mille et c’est précisément cette singularité qui lui a permis de conquérir une audience fidèle, bien au-delà des frontières françaises, notamment à Paris, Barcelone ou encore dans la province du Fujian, en Chine.

Mais aujourd’hui, Françoise Dedon franchit une nouvelle étape : elle ouvre à Hyères un espace d’art immersif, radicalement personnel.

Un lieu d’art conçu comme un manifeste

Loin du circuit parisien saturé, l’artiste a choisi de s’ancrer dans le Sud-Est de la France, au cœur d’une ville solaire et créative. Pendant deux ans, elle a façonné cet espace dans une démarche profondément indépendante, presque artisanale.
« Ce lieu est né d’une nécessité : celle d’offrir un écrin à mes œuvres, en dehors des codes, à la fois libre, élégant et cohérent avec mon univers », confie-t-elle.
Ce lieu vivant est bien plus qu’un atelier ou une galerie. C’est un monde en soi, une traversée artistique où le visiteur devient explorateur. Les œuvres y prennent place naturellement, dans une scénographie sobre mais puissante, propice à la contemplation, au mystère, à l’échange.

Une démarche libre, connectée et avant-gardiste

L’inauguration de ce lieu marque aussi un virage stratégique. En supprimant les intermédiaires traditionnels, Françoise Dedon revendique une autonomie artistique rare, tout en restant connectée à une communauté de collectionneurs et d’amateurs d’art dans le monde entier. Un contact direct, pour les architectes, décorateurs ou marques de luxe souhaitant créer des projets sur mesure, en dialogue avec son univers visuel.
Grâce aux réseaux sociaux notamment Instagram, son travail circule aujourd’hui de Tokyo à New York. C’est cette révolution numérique qui lui permet de tracer un chemin indépendant, loin des codes parfois rigides du marché de l’art.

Une œuvre en expansion : site, éditions, collaborations

L’espace d’art de Françoise Dedon, riche d’une scénographie immersive autour de ses œuvres, a vocation à accueillir ses expositions. Il présentera aussi des événements, des rencontres autour de l’art, ou des collaborations transdisciplinaires.
À moyen terme, il sera le point d’ancrage de sa communication artistique, un repère dans le sud de la France, et un lieu ouvert à un réseau de collectionneurs, de journalistes, et de professionnels de la décoration, du design ou du luxe.

Une signature artistique forte

Née dans le Sud, bercée par la lumière de la Méditerranée, Françoise Dedon nourrit son art de cette Provence où les paysages vibrent de matière et d’intensité.
Aussi, ses nombreux voyages y déposent des fragments d’ailleurs, subtils, presque imperceptibles. Des traces qui traversent ses toiles, comme des échos d’une mémoire à la fois intime et universelle.
« J’essaie d’inventer une peinture qui parle à l’œil mais aussi à l’âme. Une peinture puissante, élégante, parfois décalée. Une peinture libre », résume-t-elle.
Peintre mais aussi paysagiste, elle co-dirige l’entreprise familiale Fredon Paysages de création de jardins remarquables.
Cette double pratique se reflète dans ses œuvres : précision du cadre, équilibre des formes, sens des matières.

Un repère artistique à Hyères

Ce nouvel Espace d’Art est destiné à vivre au rythme de la création : expositions personnelles d’œuvres originales, rencontres ponctuelles ou collaborations. Il s’inscrit comme un repère du paysage artistique du Sud, et un lieu ouvert aux professionnels curieux d’univers inédits : journalistes, curateurs, designers ou maisons de luxe.

Visite presse sur rendez-vous

L’artiste accueille les journalistes et professionnels sur rendez-vous dans son espace d’art à Hyères-les-Palmiers.
Merci de prendre contact directement par mail : dedonfrancoise@gmail.com

En savoir plus

Site web : https://francoisededon.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/francoise.dedon/

Œuvres : https://francoisededon.fr/oeuvres-originales/tableaux/

Cette hyperconnexion permanente, si elle favorise l’instantanéité, tend aussi à occulter la complexité de l’expérience intérieure. À force de scrolls et de récits simplifiés, l’espace pour exprimer ce qui est fragile, flou ou inconfortable, se réduit.

Pourtant, cette invisibilisation du soi coïncide avec une montée inquiétante des troubles psychiques. En France, 41 % des adultes déclarent avoir déjà été confrontés à un trouble mental au cours de leur vie, et près d’un salarié sur quatre se dit en mauvaise santé mentale (Ministère de la Santé, 2024).

Face à cette crise silencieuse, l’art devient un moyen de mettre en lumière ce qui échappe souvent à la parole. À travers la création, il aide à exprimer ce qui est enfoui, à accéder à l’indicible et à rétablir un dialogue avec soi-même. Il ouvre une brèche dans le silence de l’âme, et permet d’accéder à une forme de libération et de guérison.

Cette approche est au cœur de la démarche de l’artiste peintre et psychanalyste Lilith : ses toiles, caractérisées par un expressionnisme abstrait, plongent au cœur de l’inconscient pour dévoiler des émotions profondes, à la fois personnelles et universelles.

Le dialogue entre l’artiste et la toile, comme entre le psy et son patient, est là pour donner du sens à l’histoire, à l’événement, à l’expression de l’inconscient.

Des œuvres conçues comme des réponses à un kōan

Un kōan est une énigme ou un paradoxe issu du bouddhisme zen, destiné à dépasser la pensée rationnelle et à provoquer une expérience d’éveil spirituel.

Le travail de Lilith illustre parfaitement cette philosophie : son cheminement est réflexions, méandres, qui sont ensuite projetées sur ces toiles.

“Mes tableaux sont toujours des projections intérieures non préméditées, comme le plein jaillit du vide. Elles prennent vie dans le chaos de la création, dans la maturation, puis dans le calme d’un jardin zen”, souligne-t-elle.

C’est sans doute pour cela que ces œuvres font écho à l’inconscient des spectateurs qui les regardent : elles explorent l’indicible et le caché à travers des thèmes qui renvoient à notre imaginaire commun (énergie, nature, spatial, symbolisme).

Son travail est à la fois très original et cohérent dans sa diversité. Son expression dépouillée, voire minimaliste, est à la fois profonde et libre : cette artiste atypique ose utiliser des techniques différentes et s’affranchir des règles pour aller jusqu’au bout de sa démarche.

Une sélection de peintures emblématiques de son univers créatif

L’oasis de la Paix

Cette huile sur châssis entoilé, au format 50×65, symbolise la paix entre les peuples.

Les palmiers blancs ont en effet une signification particulière dans les cultures orientales (paix, hospitalité et bien-être), mais aussi dans l’art, la littérature et la culture (espoir et prospérité).

Le fond bleu évoque l’eau, essentielle pour offrir une oasis de Paix en Orient, au sens propre (eau potable pour étancher la soif) comme au sens figuré (rafraîchissement et réconfort).

Lame de fond

Créée grâce à une technique mixte sur toile, cette œuvre évoque une force de la nature.

Comme les autres toiles de cette série consacrée à l’énergie, cette mère créatrice de l’univers, elle offre un savoureux cocktail de couleurs vives et sombres qui appellent des vibrations puissantes, des jaillissements, de la vie, de la nature et aussi de la pensée.

Ce tableau crée harmonie, équilibre et rayonnement dans nos espaces de vie, en interagissant avec les personnes de manière à susciter et réveiller des émotions intenses.

Printemps au jardin

Ce tableau utilise une technique mixte : papier, soie et mûrier marouflés sur toile. Il mêle pigments et huile, ainsi qu’un vernis de protection.

Sa force : traduire une dualité et instaurer un climat d’équilibre et de sérénité autant qu’une part d’ombre, de chaos. “Ces deux facettes sont indissociables. Elles provoquent la plupart du temps chez le spectateur une sensation de vulnérabilité, en nous rappelant également la petitesse de l’être humain au milieu de ces éléments naturels incontrôlables”, précise l’artiste.

Bouquet final

Cette peinture en acrylique, de 100×100 cm, exprime la beauté, le silence, l’obscurité et la poésie de la voie lactée, cette surface infinie sans cesse en mouvement.

Elle répond à un besoin d’évasion, de fuite et de liberté.

À propos de Lilith, artiste peintre et psychanalyste

Liliane Cazeneuve, désormais connue sous le pseudonyme de Lilith, est une psychanalyste vivant à Châtellerault qui a toujours été intéressée par la vacuité, cette porte ouverte sur l’inconscient.

Sa quête d’intériorité, de contrôle, de compréhension et même de catharsis l’a naturellement amenée à se passionner pour l’art. D’ailleurs, durant ses études de psychologie, elle a rédigé un mémoire intitulé “L’inspiration mystique et le vide créateur chez l’artiste”.

En tant qu’artiste peintre, elle aime créer, inventer, expérimenter, s’exprimer de multiples façons, ce qui se traduit par différentes périodes dans ses œuvres. Avec une signature unique : chaque toile est née d’un dialogue d’associations libres, comme sur le divan d’un psychanalyste.

Cette liberté, qui caractérise ses poèmes et ses tableaux, se retrouve d’ailleurs dans le choix de son nom d’artiste : dans la légende de la femme initiale, Lilith est rebelle, insoumise et révolutionnaire.

En savoir plus

Site web : https://lilith-peintures.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/lilithnokiala/?hl=fr

Facebook : https://www.facebook.com/lilith.441657

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/liliane-cazeneuve-485a9563

C’est ce que propose Anton Laborde — 25 ans, plasticien français, lauréat des Ateliers d’Art de France, à la trajectoire singulière — dans Concrete Jungle, dans les jungles, la ville. Sa première exposition personnelle est présentée du 11 avril au 30 mai 2025 à Bordeaux chez Christie’s Maxwell-Baynes, dans le cadre d’un partenariat inédit entre la Galerie REVEL et le monde de l’immobilier de prestige.

Au croisement d’une technique ancienne — la marqueterie — et d’une vision résolument contemporaine, l’artiste compose des fresques en bois précieux, entre figuration et abstraction, qui interrogent avec une rare justesse nos liens au vivant, aux objets, à la mémoire. Dans un monde saturé d’images, Laborde taille dans la matière un contre-récit : lent, silencieux, minutieux — mais chargé d’une tension politique sourde.

Loin d’un accrochage conventionnel, Concrete Jungle est une proposition immersive, hybride, à lire comme une cartographie mentale de notre époque.

Anton Laborde, Velocipédeuse (The Cyclist), 2024. Marqueterie hybride. Essences de bois précieux naturel et teinté à la main sur panneau de bois. Dim. :H80 x 60 cm ©Courtesy Galerie REVEL

Une jungle foisonnante au cœur de Bordeaux

Un œil fermé, puis l’autre. Le silence s’installe. Entre les feuillages et les paysages sculptés dans le bois, des figures émergent. Elles ne parlent pas. Elles regardent vers l’intérieur. Autour d’elles, des pompes à essence, des réfrigérateurs, des objets domestiques transfigurés par une jungle débordante.

Ce n’est pas un mirage, ni un songe tropical : c’est Concrete Jungle, dans les jungles, la ville — première exposition personnelle du plasticien Anton Laborde, présentée par la Galerie REVEL du 11 avril au 30 mai 2025 à Christie’s Maxwell-Baynes, à Bordeaux.

Dans cet espace inattendu — une agence immobilière de prestige transformée pour l’occasion en lieu d’exposition — s’élève une œuvre rare : des fresques en marqueterie, entre figuration et abstraction, réalisées délicatement au prix d’innombrables heures de travail. Bois précieux assemblés à la main, narration plastique à la fois méditative et critique.

L’artiste installe dans ce lieu, situé en plein cœur de la ville de Bordeaux, une jungle — non pas pour l’exotiser, mais pour en faire un espace énigmatique — à la fois matrice, mythe et miroir de l’humanité contemporaine.

Vue d’exposition. Œuvre exposée : Anton Laborde, L’apaisement de l’indomptable, 2025. Technique mixte— marqueterie hybride. Essences de bois précieux naturel et teinté à la main sur panneau de bois. Dim. : 180 × 270 cm. © Courtesy Galerie REVEL · Photo : David Loridan.

Entre introspection et critique sociale

Dans les compositions de Laborde, la jungle n’a pas de frontière. Elle envahit tout, sans cadre ni hiérarchie. Elle devient territoire d’ambiguïté, espace de cohabitation entre le vivant, l’objet manufacturé, et la figure humaine. Ces dernières – souvent féminines, les yeux clos – flottent en apesanteur dans un écosystème saturé. Elles sont présences silencieuses, presque sacrées, qui incarnent le repli, l’intimité, mais aussi la résistance.

L’historienne de l’art Nathalie Viot résume : “Ses fresques monumentales, exclusivement consacrées aux jungles, sont à la fois figuratives et métaphoriques. Pour lui, la jungle contient tout : elle incarne l’humanité, ses tensions et son harmonie. [...] Il n’y a pas de cadre, la jungle déborde vers un univers infini, une turbulence cosmique.” Cette turbulence prend la forme de brouettes ailées, d’objets du quotidien surgis de l’enchevêtrement végétal, comme autant de symboles d’un monde en transition.

Anton Laborde, Le Frigo qui cache la forêt, 2025. Techniques mixtes. Dim. : 50 × 50 cm. Feuille d’argent, collage d’essences de bois précieux naturel et teinté à la main sur panneau de bois. Marqueterie hybride © Courtesy Galerie REVEL

Une mémoire gravée dans le bois, le parcours d’Anton Laborde

Anton Laborde n’a pas choisi la marqueterie par hasard. Il s’y initie dès l’âge de 15 ans, auprès des Compagnons du Tour de France, et apprend les gestes fondateurs aux côtés du marqueteur d’art Dominique Ciamarone, Meilleur Ouvrier de France. Très tôt, il comprend que cette technique ancienne peut devenir un langage contemporain. En résidence chez le designer irlandais Joseph Walsh, il affine cette intuition : détourner l’artisanat pour l’inscrire dans une narration critique, sensible, poétique. Son enfance passée à Auroville, cité expérimentale fondée en 1968 sur une terre désertifiée du sud de l’Inde, nourrit en profondeur sa manière de voir le monde. Là-bas, les utopies collectives, la spiritualité laïque et la confrontation à un environnement recréé ont laissé des empreintes. Mais Anton Laborde s’en détache : “Je ne fais pas de la nature un sujet, mais un terrain d’écriture”, semble-t-il dire à travers ses œuvres. Les références picturales sont nombreuses : Rousseau pour les atmosphères végétales, Klimt pour les compositions denses, Botticelli pour la finesse des figures, Van Gogh pour l’énergie de la matière. Mais rien n’est citation, tout est réinvention. Laborde compose sa propre mythologie, où le bois, teinté ou brut, est la matière première d’un théâtre mental. Ses œuvres lui valent plusieurs distinctions précoces : Prix des Compagnons (2017), Prix national du Concours Général des Métiers et Prix du Rotary Club (2018), Prix Jeune Création des Métiers d’Art – Ateliers d’Art de France (2022). Son travail a été salué dans la presse spécialisée (Financial Times, IDEAT, ELLE Décoration, Le Figaro). Depuis 2019, il vit et travaille dans le Sud-Ouest de la France.

Portrait photo Anton Laborde par David Loridan. Courtesy Galerie REVEL

Une exposition dans le cadre d’un partenariat inédit

Depuis 2024, la Galerie REVEL et l’agence Christie’s Maxwell-Baynes à Bordeaux mènent un projet original : intégrer des expositions d’art contemporain dans un lieu dédié à l’immobilier de prestige, créant des correspondances inattendues entre patrimoine, et création artistique.

Concrete Jungle, dans les jungles, la ville est la troisième exposition née de ce partenariat. Ce format hors-normes permet de décloisonner l’expérience artistique, d’attirer un public nouveau, et de redéfinir l’espace d’exposition comme lieu de friction fertile entre architecture, art et société.

Vue d’exposition Christie’s Maxwell-Baynes Bordeaux; 28 Cours du Chapeau-Rouge, Bordeaux. © Courtesy Galerie REVEL; Photo David Loridan

Anton Laborde, Le Jardinier, 2023. Technique mixte. Feuille d’or, Collage d’essences de bois précieux naturel et teinté à la main, sur panneau de bois. Dim. : 90 × 120 cm. © Courtesy Galerie REVEL

Informations pratiques

• Exposition : Concrete Jungle, dans les jungles, la ville ;
• Artiste : Anton Laborde ;
• Dates : Du 11 avril au 30 mai 2025 ;
• Lieu : Christie’s Maxwell-Baynes, 28 Cours du Chapeau-Rouge, 33000 Bordeaux ;
• Accès : Libre, du lundi au vendredi, de 10h à 13h et de 14h à 18h ;
• Organisateur : Galerie REVEL ;
• Site web : www.galerierevel.com.

Anton Laborde, Danser sous les étoiles, 2025. Technique mixte : collage de bois naturel et teinté à la main sur panneau de bois, feuille d’argent et nacre, marqueterie hybride. Dim. 90 x 120 cm © Courtesy Galerie REVEL

La Galerie REVEL, haut lieu d’expérimentations au rayonnement international

Fondée en 2021 et implantée au cœur de la région bordelaise, la Galerie REVEL est un espace dédié à l’art contemporain, reconnu pour son engagement artistique et son ouverture internationale. Portée par la volonté de soutenir des artistes émergents et à mi- carrière, elle propose une programmation d’expositions donnant la parole à des artistes du monde entier, dont les œuvres résonnent avec les préoccupations actuelles et les enjeux de demain.

Défendant des pratiques transversales et critiques, la Galerie REVEL s’affirme comme un espace d’exploration artistique et de valorisation de récits pluriels, ancrés dans les urgences contemporaines. Questions écologiques, identités de genre, cultures postcoloniales, migrations : autant de thématiques explorées par les artistes représentés.

Remarquée à l’international pour la singularité de sa ligne artistique et la cohérence de ses engagements, la galerie a été saluée à de nombreuses reprises dans des revues spécialisées de premier plan, telles que The Art Newspaper, The Financial Times, AD France, AD Italy, AD Spain, Elle Decoration France, The Sunday Telegraph ou encore The Design Edit. Autant de témoignages de reconnaissance qui confortent sa volonté de dépasser les frontières géographiques et de nourrir des dialogues interculturels.

Parmi les talents représentés par la galerie et désormais présents dans les collections muséales : l’artiste textile nigérian Samuel Nnorom, la céramiste zimbabwéenne Xanthe Somers, ou encore l’artiste et activiste espagnole Bisila Noha.

En savoir plus

Site web de la galerie : https://www.galerierevel.com/

Site web de l’exposition : https://www.galerierevel.com/exhibitions/18-anton-laborde-solo-exhibition/

Instagram : https://www.instagram.com/galerierevel

Facebook : https://m.facebook.com/galerierevel/

Alors que le monde entier prend conscience des enjeux liés à l’accélération du réchauffement climatique, les artistes ont toujours eu une longueur d’avance : depuis des années, ils interpellent, alertent et sensibilisent sur la fragilité et la grâce du monde qui nous entoure.

C’est notamment ce qui séduit dans la démarche de la franco-anglaise Joanna Painter, installée depuis 2020 dans l’emblématique village de Saint-Paul-de-Vence.

Cette artiste atypique crée en s’inspirant de la nature, de la lumière et de la beauté. Peut-être pour mieux comprendre qui est Dieu ou ce qu’est La Source ? Aujourd’hui, elle a surtout acquis une certitude : elle explore pour se sentir vivante.

Son travail est conçu comme une célébration et une révérence au vivant, ce qui amène l’artiste à aborder notre inconscience et apparente insouciance par rapport à des sujets en lien avec l’écologie : la pollution, le changement climatique, la protection de la nature, la biodiversité, les ressources naturelles, etc.

Une démarche singulière qui a séduit la mairie de Valbonne ! Le service culturel a proposé à l’artiste de réaliser une exposition solo à la Chapelle Saint-Esprit durant l’incontournable “Loca’Val”, un événement qui valorise depuis quatre ans les initiatives locales pour consommer de manière plus durable et plus responsable.

L’exposition “Les Yeux Fermés” sera à découvrir du mardi 9 au dimanche 21 avril 2024. 

Dans ma quête artistique, la beauté est fondamentale. Je veux partager des sensations que je ne peux pas articuler avec les mots. Envoutée, Ensorcelée…je glisse vers un aperçu d’un autre espace-temps.

Joanna Painter

Un travail hyperréaliste qui intègre aussi le monde des yeux fermés

Par instants, Joanna Painter voit et ressent des choses qu’elle ne peut exprimer qu’à travers le processus créatif, par la peinture surtout, mais également en utilisant le dessin et la sculpture.

Elle essaie de saisir cette expérience ressentie. En la peignant, elle cherche à la faire revivre ou à la capturer dans son intégralité avec son mystère intact ; des qualités qui semblent être en dehors des mots.

C’est cette sensation d’émerveillement à la création, à la nature qui nous entoure, qu’elle rend en détail avec son travail hyperréaliste. Joanna cherche à voir, à vraiment voir.

En même temps, elle intègre aussi le monde des yeux fermés : celui de l’imagination, des rêves, des désirs. Elle se rend compte qu’elle est volontairement aveugle, comme nous le sommes tous.

On fait le choix de voir ou de ne pas voir. Peut-être à cause d’un sentiment d’impuissance face aux souffrances dans le monde, les guerres interminables, la crise écologique. Mais Joanna assume pleinement d’admirer et de vénérer la nature, d’être sensible et à l’écoute.

“La pollution et la dégradation de l’environnement, l’épuisement des ressources et le changement climatique, il ne faut pas laisser faire ! Le devoir envers notre terre est de la respecter et de la protéger”, explique Joanna.

Ce sont tous ces sujets qu’elle aborde avec son exposition personnelle nommée “Les Yeux Fermés”.

Une exposition qui se déroulera pendant le “Loca’Val”

Joanna soutient l’événement Loca’Val depuis sa toute première édition. Pour ce projet dédié aux initiatives locales invitant à consommer de manière plus durable et plus responsable, elle avait animé dès 2020 un atelier de papier mâché avec le public.

L’année suivante, elle avait aussi exposé quelques-unes des œuvres réalisées avec les élèves des classes qu’elle anime en tant qu’Intervenante en art.

En parallèle, Joanna participe aussi depuis plusieurs années avec la ville de Valbonne : elle a notamment intégré l’Artothèque, avec laquelle elle a déjà réalisé plusieurs expositions et événements.

Pour la 4ème édition de Loca’Val, Joanna va présenter une grande partie de son travail durant une exposition où tableaux et sculptures communiquent. Dans certains tableaux, les visiteurs les plus avertis remarqueront aussi une référence visuelle, un élément caché qui évoque une œuvre d’art célèbre.

Joanna, quant à elle, a hâte de découvrir les ressentis des spectateurs…

L’avis de Patricia Civel, directrice de l’Artothèque Valbonne

“Douée d’un exceptionnel talent de dessinatrice, Joanna Painter, artiste anglaise au nom prédestiné, propose sa vision du monde à travers des toiles percutantes où la nature est notamment représentée dans toute sa force.

Joanna Painter, artiste anglaise installée à Saint Paul de Vence, a eu la chance au début de sa carrière d’être exposée à la “National Portrait Gallery” où ses talents exceptionnels ont été remarqués.

La Côte d’Azur lui apporte une qualité de lumière inédite pour elle et la conforte dans sa recherche absolue du détail. Si aucune photographie ni transposition ne s’interposent entre elle et son sujet (techniques souvent employées par les tenants de l’hyper-réalisme), son style s’apparente à ce courant où elle ne se reconnaît qu’à moitié. Sa maîtrise parfaite du dessin lui permet de représenter tout sujet avec une vérité criante.

Mais Joanna ne se contente pas de ce savoir-faire. Engagée au niveau de ses idées, passionnée par les combats de son époque (situation de la femme, lutte pour la protection de l’environnement, etc.), ses toiles prennent des allures de manifestes où elle n’hésite pas à se représenter en personne.

Consciente du pouvoir pacifique des images, elle revendique également une sorte de droit au bonheur pour tous.”

J’essaie d’ouvrir une porte entre la réalité et un autre monde que j’ai entrevu. Je me sens investie d’une mission: créer des tableaux de grande qualité qui ont le pouvoir de transporter les gens à travers leur imagination dans un lieu magique. Je veux qu’ils se sentent exaltés, connectés à une énergie plus forte, comme moi-même quand je peins…

 Joanna Painter

Une artiste bilingue aux multiples facettes

Cette exposition est une porte d’entrée qui permet de s’immerger dans l’univers de Joanna.

Au-delà des tableaux, dessins et sculptures originaux qui seront proposés à la vente de 500€ à 5000 €, les amateurs d’art, de beauté et de nature pourront aussi échanger avec l’artiste et, pourquoi pas, découvrir par la suite d’autres facettes du travail de cette artiste passionnée.

Impressions fine-art

Parce que l’art doit toujours rester accessible à tous, même avec un petit budget, Joanna propose des dessins et des impressions fine-art à des tarifs très abordables (de 45 à 150 €).

Commandes

Joanna réalise des tableaux “la commande” à partir de 500 €.

Cours d’art pour adultes et enfants à partir de 3 ans

Joanna a beaucoup travaillé dans les écoles en tant qu’Intervenante agrémentée en art pour l’Éducation Nationale. Elle a également travaillé avec une compagnie de théâtre pour enfants pour laquelle elle a dirigé les ateliers pour créer le décor et les accessoires pour leurs spectacles.

Un engagement qui lui tient particulièrement à cœur : “Il est fondamental de partager l’art avec les enfants, afin de développer leur créativité et leur expression artistique. Tout simplement parce que le futur leur appartient ! Pourtant, aujourd’hui, il y a peu de place pour valoriser leur inventivité dans le système éducatif…”

Aujourd’hui, de nombreux élèves, adultes comme enfants, participent à ses cours d’art plastique dans son atelier.

À propos de Joanna Painter

Joanna est née à Changi (Singapour), car son père Rod Painter travaillait dans la Royal Air Force (l’armée de l’air britannique). Elle a ensuite grandi dans le Devon, en plein cœur de la campagne anglaise.

Elle a réalisé ses études à l’université de Warwick, mais Joanna a aussi beaucoup appris en regardant les œuvres dans les musées et galeries d’art, comme la Tate Gallery.

Le portrait a toujours été très important pour moi ! C’est en réalisant une série d’autoportraits que j’ai appris à me connaître. J’ai ainsi découvert la joie et la passion, deux moteurs qui m’ont d’ailleurs permis de surmonter une dépression.

Le talent de Joanna est très vite remarqué : en 1993 et 1994, elle est sélectionnée pour intégrer le BP Young Artist of the Year exhibition au National Portrait Galley à Londres.

Quatre ans plus tard, en 1998, Joanna emménage à Nice avec son mari. Puis, suite à la naissance de leurs enfants, toute la famille s’est installée à La Colle sur Loup.

En 2020, ils ont emménagé dans leur nouveau home sweet home, idéalement situé dans le village d’artistes de Saint-Paul-de-Vence.

Un parcours artistique résumé en quelques temps forts

​Formation 

• BA in ART with qualified teacher status
• Warwick Univesity 1989-92

Distinctions et récompenses

• BP Young Artist of the Year Exhibiton 1993 & 1994
• The National Portrait Gallery, London

Expositions Solo

• Beaulieu sur-mer « Force Vitale » 2000 & « Cherchant l’Esprit de la Nature » 1999
• Villefranche sur-mer « Quintessence »2001
• La Colle sur Loup « Portraits d’un Artiste » 2011

Expositions Collectives

• Royal West of England Academy, Beatrice Royal Gallery, Eastleigh, UK. Romainmôtier & Vevey Suisse
• Nice, Bar sur Loup, La Colle sur Loup, Fréjus, Tourrettes sur Loup, Théoule-sur-Mer, Valbonne …..

Expériences professionnelles et manifestations marquantes

• Intervenante en art (agrémentée Éducation Nationale) depuis 2009
• Participation chaque année au Festival d’Arts Plastiques pour Enfants (FAPE à Mouans Sartoux)
• Direction des ateliers pour enfants, création de décors et accessoires pour les spectacles de Beauville Arts (stages artistiques & théâtre musical)
• Enseignante en art ; enfants et adultes avec l’association « Art Expression avec Jo Painter »
• Participation aux manifestations : La Fête de la Rose et les Métiers d’Antan à La Colle sur Loup, Les 500 ans de Valbonne et la Commémoration de la 1ere Guerre Mondiale à Valbonne, artiste de l’Artothèque de Valbonne et de l’association Art Tisse…

Informations pratiques

“Les Yeux Fermés” – Une exposition de peinture et sculptures de Joanna Painter inspirées par la nature.

• Lieu : salle Saint-Esprit, rue de la Paroisse, 06560 Valbonne
• Dates : du mardi 9 avril au dimanche 21 avril
• Horaires : ouvert tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 18h
• Vernissage : à partir de 18h, le mardi 9 avril
• Dernissage : en présence du Maire, pour la fête de Loca’Val le dimanche 21 avril à 11h

En savoir plus

Site web : https://www.joannapainterart.com/

Facebook :

• Pro : https://www.facebook.com/joannapainterart/
• Perso : https://www.facebook.com/joanna.paintermalnoe

Instagram : https://www.instagram.com/joannapainterart/

TikTok : https://www.tiktok.com/@user4276717606121?_t=8i2XvTYYeYK&_r=1

Un concept hors norme, dans un marché dominé par une logique mercantile. Le principe est simple : en supprimant tous les intermédiaires, dans une dynamique de “circuit court”, NO ARTE propose des œuvres contemporaines à prix atelier.

Avec un objectif : démocratiser l’accès à l’art en osant la proximité avec tous ceux et celles qui sont sensibles au travail des artistes et à l’émotion qui se dégage des œuvres.

Une initiative qui cartonne ! Depuis 2019, de nombreux passionnés et néophytes soutiennent ce projet, notamment en achetant des toiles.

Aujourd’hui, le mouvement indépendant va encore plus loin en allant à leur rencontre : NO ARTE exposera du 16 au 27 octobre à l’espace culturel Locu Teatrale, 8 rue Hyacinthe Campinchi à Ajaccio.

Durant cette exposition, NO ARTE sera fidèle à son principe fondateur : l’Art n’est pas la propriété de quelques-uns… mais de tout le monde ! Les toiles cotées seront donc vendues à prix atelier.

Pierre-Paul Marchini, artiste peintre et fondateur de NO ARTE

Une exposition sur le thème de l’Univers

À Ajaccio, NO ARTE casse les codes du petit monde feutré et habituellement très fermé de l’art contemporain.

Indépendant et libre, ce mouvement pas comme les autres a imaginé un événement qui fait la part belle aux échanges et à l’ouverture d’esprit.

“Ce sera un moment de partage, destiné à remercier toutes les personnes qui ont soutenu le mouvement, mais aussi en rencontrer de nouvelles” explique Pierre-Paul Marchini.

Les visiteurs pourront également acquérir des œuvres accompagnées de leur certificat d’authenticité Drouot Cotation et disponibles à prix atelier, avec une facilité de paiement mensualisé.

Des œuvres qui interpellent et invitent à se projeter

Durant l’exposition, les visiteurs vont vivre une expérience unique en plongeant dans l’art pictural de Pierre-Paul Marchini.

Ses toiles, à l’abstraction tantôt lyrique tantôt décorative, interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste les emporte, avec une puissance conférée par une touche réaliste : son art est nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

Un artiste à la renommée internationale

Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Ancien fils d’ouvrier, Pierre-Paul Marchini s’est imposé en quelques années sur la scène internationale. Il a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Il a également remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

Portrait de Pierre-Paul Marchini, un “passeur d’émotions”

Rien ne destinait Pierre-Paul Marchini à devenir artiste peintre. Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier s’est passionné pour le football à l’adolescence. À l’âge de 12 ans, il intègre l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Des années plus tard, Pierre-Paul Marchini se découvre une nouvelle passion en feuilletant un magazine. Alors marié et père de famille, il a un coup de foudre pour la peinture de William Turner. Il se met à étudier son œuvre, et décide de manier lui aussi le pinceau.

Commençant avec la peinture à l’huile, Pierre-Paul Marchini apprend les techniques de base en autodidacte, se formant aux reflets et au jeu de l’ombre et de la lumière. Pour sa première toile, il choisit d’immortaliser les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ». L’artiste avait trouvé sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

Ce style atypique a fait la renommée de Pierre-Paul Marchini en France et à l’étranger.

Informations pratiques

• Exposition NO ARTE
• Dates : Du 16 au 27 octobre
• Adresse : Espace culturel Locu Teatrale 8 rue Hyacinthe campinchi Ajaccio.

En savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier a découvert la peinture sur le tard, à 40 ans. Il feuilletait un magazine quand il a eu un coup de foudre pour le travail de William Turner. Pierre-Paul Marchini a alors étudié passionnément l’œuvre de ce grand maître. Et puis, un jour, il s’est aussi mis à manier le pinceau.

Cela a été le début d’une vocation qui ne va plus jamais le quitter… jusqu’à faire de lui une référence dans son domaine. Car, aujourd’hui, Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence et Palerme.

Zoom sur un artiste multirécompensé qui continue de casser les codes pour démocratiser l’art corse.

Des terrains de foot d’Ajaccio jusqu’aux expositions artistiques les plus prestigieuses

Enfant, Pierre-Paul Marchini se rêvait sportif, footballeur surtout. À 12 ans, il a intégré l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Mais sa vie va prendre un autre tournant… Il mène une carrière différente, il se marie et a des enfants. En lui, il y a pourtant une fibre artistique qui sommeille, puisqu’il s’intéresse depuis longtemps à la musique.

Sa “rencontre” avec la peinture de Turner va tout changer : il va enfin trouver un support qui lui permet de s’exprimer. Pierre-Paul Marchini commence à se former en autodidacte, avec la peinture à l’huile.

Il découvre les reflets, les jeux d’ombre et de lumière. Avec, chevillé au corps, son amour de la Corse : sa première toile immortalise les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Un style artistique unique, reconnu en France et à l’étranger

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ».L’artiste vient de trouver sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

Pierre-Paul Marchini se démarque par la façon dont il se joue de la couleur, qu’il porte jusqu’à son paroxysme. Avec une ambition : aller au-delà de la simple représentation pour plonger dans la pure psyché.

Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces. En filigrane, le spectateur averti peut deviner l’accent chantant et la beauté brute de la Corse.

Salvatore Russo, critique d’art international, écrit à propos de cet artiste au tempérament affirmé :

“Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est en train d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste.”

Un imaginaire puissant, avec une touche réaliste

L’art pictural de Pierre-Paul Marchini explore les multiples facettes de l’abstraction, qui devient sous son pinceau tour à tour lyrique ou décorative.

Le dénominateur commun entre toutes ces toiles ? Elles interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste est aussi nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

Un précurseur qui ose aller à contre-courant en créant le mouvement NO ARTE

Écœuré par les dérives de l’art contemporain, actuellement dominé par une logique mercantile riche en pratiques douteuses (ex. : prix gonflés artificiellement dans les galeries), Pierre-Paul Marchini a décidé de s’affranchir de tous les carcans imposés dès 2019.

Pour démocratiser l’accès à l’art, il a supprimé tous les intermédiaires afin de proposer ses œuvres à prix atelier.

Cette indépendance et cette liberté vont ensuite faire jaillir « NO ARTE », un mouvement qui revendique une réelle proximité avec son public.

En tant que passeur d’émotions, j’apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à mon travail. Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Un artiste reconnu internationalement

Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Qualifié de « grand protagoniste de l’art contemporain » par le critique d’art international Salvatore, il a remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Depuis toujours, le cinéma et l’automobile sont deux univers intrinsèquement liés.

Deux passions fortes qui s’entremêlent et se répondent pour donner naissance à des œuvres d’art singulières, qui prennent vie sous le pinceau de Bixhope Art.

Entre hyperréalisme et pop art, son style unique et coloré réveille l’imaginaire, tout en rendant hommage aux belles mécaniques et à certains films de légende.

Avec une particularité : Bixhope Art peint chacune de ses œuvres originales à la main, sans recours au numérique. Il faut ainsi compter une centaine d’heures de travail pour chaque œuvre.

Un personnage-signature : Bull The Dog

La passion de Bixhope Art pour les belles automobiles est née dans l’enfance, devant une Porsche 911 Orange. Elle ne le quittera plus…

Et un peu plus de 40 ans plus tard, c’est encore elle qui est au centre de toutes ses créations.

Bixhope Art a commencé par prendre le pinceau dans le salon familial, sur la table duquel trônait un petit bouledogue anglais en céramique qui lui faisait face et semblait le regarder peindre…

Un matin, je me suis réveillé avec une idée qui a beaucoup fait rire ma femme et mes enfants… « Je vais créer un personnage ! », un bouledogue anglais multicolore style Pop Art qui comme moi, aime beaucoup l’automobile et le cinéma.

Bull The Dog by Bixhope Art venait de naître ! Depuis, il est devenu le compagnon de route de l’artiste : cette signature indiscutable est présente sur toutes ses réalisations originales.

Et il est aussi indissociable du succès grandissant du peintre français, qui dispose désormais d’un atelier dédié.

Des tirages d’art en édition limitée

Au-delà des œuvres de commandes personnalisées et des créations uniques, l’artiste propose aussi des tirages d’Art en nombre limité (30 exemplaires).

Numérotés et signés, ils sont accompagnés d’un certificat d’authenticité et imprimés en 12 couleurs (très haute définition) sur un papier de qualité exceptionnelle (Arche 310g).

4 formats sont disponibles : 20 x 30 (90 €), 40 x 50 (210 €), 50 x 70 (350 €) et 100 x 70 (670 €).

A propos de Bixhope Art

Bixhope Art est un artiste peintre français, né en 1968.

Passionné d’automobile et de cinéma, cet autodidacte réunit ses deux univers pour donner naissance à des œuvres uniques. Avec, toujours, la signature qui le caractérise : son personnage “Bull The Dog”, un bouledogue anglais multicolore.

Après une carrière commerciale variée, j’ai décidé de me lancer dans l’art automobile. C’est une manière pour moi de prolonger ma passion en couchant sur le papier toutes les voitures qui me font rêver.

L’amour des belles mécaniques, transmis de père en fils

C’est grâce à son père, un authentique mordu des courbes automobiles, que Bixhope Art va découvrir et aimer la beauté et la diversité des mécaniques françaises, italiennes, anglaises, américaines ou allemandes.

Il a eu son premier coup de cœur pour les voitures de sport à l’âge de 8 ans, émerveillé par une magnifique Porsche 911 Targa orange appartenant à un voisin. Ses lignes et le son inoubliable, si particulier, de son moteur, sont depuis ancrés dans son esprit.

Après une carrière commerciale variée, Bixhope Art s’est donc lancé dans l’art automobile en 2019.

Parcours artistique

• Expositions collectives : ART3F Monaco (2020), Art Shopping Deauville (2020), Salon Artshopping Paris (2021)… ;
• Expositions personnelles : La P’tite Galerie 13 à Honfleur (2021) ;
• Événements : participation au salon Auto Moto Retro Rouen (2021), Porsche Casting Deauville (2022), au “1000 ALPINE pour les 100 ans de Jean Rédélé” (2022)… ;
• Publication : Akoun, Guide La Cote des Peintres, 2020 ;
• 2022 : Exposition au Salon ArtShopping Deauville ;
• 2023 : Réalisation de l’affiche officielle du rassemblement Alpine à Dieppe des 19, 20 et 21 mai 2023 pour fêter les 50 ans du titre de Champion du Monde des Rallyes de la marque Alpine Renault en 1973.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.bixhopeart.com/

Instagram : https://www.instagram.com/bixhope_art/

Facebook :

• Page officielle : https://www.facebook.com/Bixhope-Art-101625554682416/
• Profil de l’artiste Bixhope Art : https://www.facebook.com/bixhope.art.1/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/bixhope-art-712a99214

C’est sans doute pour cela que le travail de Pierre-Paul Marchini touche au cœur : ses œuvres naissent d’une émotion forte, qu’il transmet en expression directe.

Car ce peintre atypique crée au couteau, un peu à la manière d’un sculpteur modelant la matière. Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces et nous emporte par la dynamique de ses toiles.

Maître de l’abstraction et de l’informel, il ose la rupture avec les canons classiques et porte la couleur à son paroxysme. “Ce qui m’intéresse, c’est de dépasser la simple représentation pour plonger dans la pure psyché”, explique-t-il.

Ombres, lumières et formes créent alors une unité d’ensemble, qui laisse entendre l’accent chantant et la beauté brute de la Corse natale du peintre.

Sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est en train d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste.

Salvatore Russo, critique d’art international

Un art pictural à l’abstraction tantôt lyrique, tantôt décorative

Les toiles de Pierre-Paul Marchini interpellent ceux et celles qui les regardent. Face aux méandres géométriques qui traduisent les élans de l’âme du peintre, ils reconnaissent leurs propres sentiments et états intérieurs.

L’imaginaire de l’artiste les emporte, avec une puissance conférée par une touche réaliste : son art est nourri par la nature foisonnante, le reflux des vagues et toutes les petites merveilles qui l’entourent.

Ses paysages sensibles et poétiques invitent à la contemplation et à la projection. Car ses œuvres fluides et mouvantes rencontrent un écho différent en fonction de qui les voit.

L’artiste se joue des codes, dépasse le conformisme. Il tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, avec la même liberté : ses mains sont uniquement guidées par l’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, et la virtuosité du mouvement.

Le mouvement NO ARTE : faire éclater les carcans de l’art contemporain

L’art contemporain a-t-il perdu son âme ?

En 2015, la graveuse, peintre et critique d’art Aude de Kerros disait déjà : “aujourd’hui, dans l’art contemporain, quand vous entrez dans un réseau, vous n’êtes plus libre : les acteurs du marché – galeristes, collectionneurs – exigent de vous la taille des œuvres, le style, et surtout l’agenda.” (source)

Un constat toujours d’actualité.

En évoluant dans le monde de l’art, Pierre-Paul Marchini a découvert un univers dominé par la spéculation financière. D’ailleurs, nombre de galeristes et organisateurs n’hésitent pas à gonfler artificiellement les tarifs des œuvres et à adopter des pratiques douteuses pour augmenter leur chiffre d’affaires.

Le but n’est plus de faire découvrir des artistes, ou d’aller à la rencontre du public, mais seulement de vendre. Une approche qui est aux antipodes de la démarche artistique…

Alors en 2019, pour retrouver sa liberté et son indépendance, le peintre corse a décidé de proposer ses œuvres à prix atelier sans intermédiaires. Avec une ambition : démocratiser l’accès à l’art.

Un engagement sans concessions qui a ensuite donné naissance au mouvement « NO ARTE ». Pierre-Paul Marchini revendique ainsi une réelle proximité avec son public, qui le soutient fidèlement depuis des années.

En tant que passeur d’émotions, j’apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à mon travail. Je suis fier d’être un “artiste populaire” !

Un fils d’ouvrier devenu un artiste à la renommée internationale

Pierre-Paul Marchini a signé plusieurs centaines de toiles et participé à des dizaines d’expositions à Paris (au Louvre et à l’Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, et Palerme.

Il a également exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

En 2015, il a été sélectionné par des historiens d’art pour figurer parmi les nouveaux maîtres de l’art abstrait contemporain, aux côtés de Kandisky et Pollock, dans un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie. Il a également remporté le prestigieux titre « Leonardo Da Vinci » à la maison Borghese à Florence.

Il a récemment obtenu le « Mérite Spécial du Jury en Art et Critique en Sémiotique Esthétique du Président » pour son précieux ouvrage Couleurs d’été, un prix décerné par l’Académie internationale de signification poétique et d’art contemporain. Couleurs d’été sera également publié dans l’Academic Art Exhibition Contemporary en ligne.

Portrait de Pierre-Paul Marchini

Rien ne destinait Pierre-Paul Marchini à devenir artiste peintre. Né à Ajaccio, ce fils d’ouvrier s’est passionné pour le football à l’adolescence. À l’âge de 12 ans, il intègre l’ACA (Athletic Club Ajaccien). Suite au dépôt de bilan du club, il rejoint le GFCA (Gazélec Ajaccio) avant de jouer pour l’USHA.

Des années plus tard, Pierre-Paul Marchini se découvre une nouvelle passion en feuilletant un magazine. Alors marié et père de famille, il a un coup de foudre pour la peinture de William Turner. Il se met à étudier son œuvre, et décide de manier lui aussi le pinceau.

Commençant avec la peinture à l’huile, Pierre-Paul Marchini apprend les techniques de base en autodidacte, se formant aux reflets et au jeu de l’ombre et de la lumière. Pour sa première toile, il choisit d’immortaliser les Calanches de Piana. Après les paysages, il peint des personnages se détachant d’un fond sombre aux formes qui semblent dépourvues de toute matérialité.

Au début des années 2000, son style artistique change radicalement. Sur les conseils d’un artiste italien, Pierre-Paul Marchini essaie la peinture au couteau, qui le séduit immédiatement et le fait basculer vers l’art abstrait.

Son habileté et son amour pour la technique lui vaudront le surnom de « Il Spadaccino ». L’artiste avait trouvé sa « patte » : une expression directe, née d’une base de couleurs, qui évolue au gré de son inspiration, et où les couleurs, les ombres, les lumières et les formes diverses s’entrelacent pour faire jaillir une unité d’ensemble.

Ce style atypique a fait la renommée de Pierre-Paul Marchini en France et à l’étranger.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/

Inspirée par le grand Picasso, elle crée des aquarelles qui sont autant d’invitations à se laisser emporter par la beauté et le calme. Un monde de douceur et de gaieté, tout en abstraction, qui insuffle paix et harmonie.

Chaque œuvre est une création originale et unique, Brunelda refusant de céder à la facilité des impressions en série.

Ce nouveau talent de la scène artistique parisienne sera exposée au BHV à Paris du 29 septembre au 5 octobre, où elle présentera sa nouvelle collection d’automne. 

Une artiste généreuse et authentique

Pétillante et chaleureuse, la plus espagnole des Parisiennes distille de la gaieté et de la douceur à travers chacune de ses créations. Brunelda aime à citer le grand Picasso, lorsqu’il déclarait : “Peindre comme les artistes de la Renaissance m’a pris quelques années, peindre comme des enfants m’a pris toute une vie.”

Ses visages sont inspirants, ils racontent tous une histoire, racontée de façon légère et joyeuse.

Un must pour décorer la maison à des tarifs abordables avec de la joie de vivre et égayer le quotidien.

Faire la connaissance de Brunelda, c’est aussi découvrir tout un univers : via son Instagram, la jeune maman partage son quotidien et sa passion pour l’art. En plus de vendre ses illustrations, elle dévoile ses endroits préférés de Paris et ses recettes favorites.

Les portraits et aquarelles personnalisés

Brunelda peint des aquarelles personnalisées, inspirées par l’histoire et les photographies de ses clients.

Ils peuvent même choisir la palette de couleurs et la taille de l’œuvre, pour avoir un portrait qui leur ressemble vraiment, dans le style de l’artiste.

Une sorte de co-création qui donne aussi à vivre une expérience exceptionnelle. On ne met plus chez soi “un” portrait, mais “son” portrait.

L’illustration devient un vecteur de transmission, elle incarne le récit familial. Une œuvre d’art avec un supplément d’âme que l’on aura plaisir à offrir aux générations suivantes.

L’école Brunelda : démocratiser l’art de l’aquarelle

Depuis son bel atelier parisien, Brunelda anime des cours pour que chacun.e puisse apprendre à réaliser des illustrations avec de l’aquarelle.

Dans cet endroit lumineux, propice à la créativité, elle présente des cours d’aquarelle en ligne pour débutants et des masterclasses en direct. Fidèle à son tempérament, la jeune créatrice espagnole en profite aussi pour partager des conseils dans un autre domaine : l’art de profiter de l’instant présent.

Les cours sont dispensés en plusieurs vidéos accessibles en ligne. Ses élèves peuvent ainsi progresser à leur rythme, et prendre le temps d’assimiler chaque leçon.

À propos de Carmen Bruna Alcaide alias “Brunelda”

Carmen est une Espagnole, originaire de Madrid, qui vit à Paris par amour depuis 5 ans.

Elle a commencé à peindre dès l’âge de 5 ans, en prenant des cours tous les samedis. Depuis lors, le pinceau ne l’a plus jamais quittée.

Pour moi, peindre c’est pouvoir exprimer mes sentiments, mes émotions, la beauté du monde qui nous entoure et la capturer à travers mes aquarelles et mes illustrations.

En parallèle, elle s’est aussi passionnée pour le ballet et de la musique, autant de disciplines qui nourrissent sa fibre créatrice.

En 2015, depuis la Chine où elle se trouve en tant qu’architecte d’intérieur, elle lance sa marque Brunelda.

Artiste, rêveuse, amoureuse de la nature et de la beauté des choses, elle perfectionne en permanence son art de l’aquarelle dans son atelier parisien. À tel point qu’en 2020, elle en a fait son métier.

Aujourd’hui, Brunelda ambitionne de devenir une artiste reconnue et d’exposer ses œuvres dans d’importantes galeries d’art du monde entier.

Pour en savoir plus

Les portraits personnalisés : https://brunelda.com/personalizacion/

Site web : https://brunelda.com/

E-shop : https://brunelda.com/shop/

Instagram : https://www.instagram.com/chezbrunelda/

Exposé à Paris (Louvre et Espace Cardin), New York, Vienne, Miami, Venise, Florence, Palerme… sa peinture séduit avec son abstraction tantôt lyrique, tantôt décorative.

Des œuvres fortes, créées au couteau, en expression directe. À partir d’une base de couleurs, il laisse jaillir des couleurs, des ombres, des lumières et des formes qui créent une unité d’ensemble.

Résolument libre, il a choisi en 2019 de s’affranchir des codes du marché de l’art pour proposer ses œuvres à prix atelier sans intermédiaires.

Une démarche avant-gardiste qui va donner naissance au mouvement “NO ARTE”.

Après des débuts réussis sur Facebook et porté par une forte demande, Pierre-Paul Marchini continue à démocratiser l’accès à ses toiles en lançant son tout nouveau site internet : “Un monde ailleurs”.

Mon affaire est de dessiner ce que je vois, non ce que je sais.

William Turner.

Un peintre de la lumière et de l’abstraction

Il n’y a aucune certitude dans l’art. Le peintre tâtonne dans le noir jusqu’à ce qu’il trouve sa voie. Pierre Paul Marchini apprend et expérimente quotidiennement, c’est sans doute l’apanage de l’artiste éveillé.

Couteau à la main, il fait jaillir la lumière dans ses toiles. Son langage est celui de l’abstraction dont il maîtrise parfaitement ses intonations et son champ lexical. Le peintre à son propre accent, chantant, de sa Corse natale. Son regard sonde depuis toujours la beauté brute de la nature.

L’imaginaire de Pierre Paul Marchini est bercé par le reflux des vagues et les petites merveilles qui l’entourent. Son art ne s’affranchit pas du réel et c’est peut-être ce qui en fait sa plus grande force.

Un univers poétique atypique

L’œuvre est accessible, fluide et c’est un tour de force dans la création abstraite souvent déconnectée de l’expérience du regardant.

L’artiste nous offre des paysages sensibles, mouvants, ouverts à la contemplation. Il compose une mélodie qui sonne différemment à l’oreille de chacun. L’équilibre des formes, l’harmonie des couleurs, la virtuosité du mouvement guident les mains du peintre. C’est l’exigence du geste qui fait sa signature.

Son approche est presque celle du sculpteur qui modèle directement dans la matière. Il taille dans la couleur, grave des contours, libère des espaces et nous emporte par la dynamique de ses toiles.

L’artiste tutoie des formes de l’abstraction lyrique, du futurisme ou de l’art cinétique, tout en distillant sa poésie singulière.

Dans la vie comme dans l’art, Pierre Paul Marchini suit le meilleur chemin, le sien.

NO ARTE : une autre vision de l’art contemporain

Lancé en 2019, le No-Arte est né d’une volonté de se libérer des contraintes et des dérives mercantiles de l’art contemporain.

En proposant des œuvres à prix atelier sans intermédiaires, l’artiste ouvre la voie du slow art et démocratise l’accès à ses toiles. La sensibilité, le choc esthétique, le goût des belles choses, la volonté de laisser son empreinte sont universels.

Créer est un acte de résistance contre le temps et le conformisme qui gangrène notre société.

Pierre Paul Marchini est un passeur d’émotions ne se laissant jamais emporter par le courant… à l’image de son île de beauté.

Il a aussi su rester fidèle à lui-même : parce qu’il se considère comme un homme du peuple, il revendique le statut d’”artiste populaire” et apprécie d’échanger directement avec tous ceux et celles qui sont sensibles à son travail.

À propos de Pierre-Paul Marchini, homme et artiste libre

Originaire d’Ajaccio, Pierre-Paul Marchini s’inscrit dans les 50 nouveaux maîtres de l’art contemporain, aux côtés des maîtres comme Kandisky ou Pollock, selon un ouvrage d’art édité en anglais par des professionnels en Italie (diffusé dans des galeries d’art moderne, auprès des collectionneurs).

Peintre de l’abstraction et de l’informel, il a débuté la peinture il y a une quinzaine d’années, trouvant très vite sa voie : le travail à l’huile, qui lui permet de créer des effets incomparables.

L’artiste précise :

En passant du pinceau au couteau avec un geste plus large, je me sens plus proche de ma réalité émotionnelle et artistique.

Ses œuvres absolument modernes oscillent entre un abstrait tantôt lyrique, tantôt décoratif.

Ses méandres géographiques traduisent les élans de son âme. On retrouve aussi dans son travail son amour de la Corse, avec un style qui exprime la diversité de tons et des nuances de l’Île de Beauté.

En détournant la théorie des couleurs et en exploitant chacun des matériaux, il opère une rupture avec les canons classiques. Pierre-Paul Marchini dépasse la simple représentation en plongeant dans la pure psyché. La couleur est portée à son paroxysme sous une grande liberté.

Il souligne :

L’Art est vie, l’Art est violence ! Il naît dans les dissonances, dans les courants tumultueux, jamais dans le calme et le silence. Celui qui crée transmet une idée, il la prend au fond de lui-même mais en fait, elle vient d’ailleurs, de ces mondes inconnus et hauts qui font notre être. Il crée comme il crierait, rompant l’harmonie établie puis redevient serein, un court instant, comme en pause entre deux vies.

Un critique d’art international, Salvatore Russo, écrit à son sujet : « sa peinture se caractérise par le grand génie, avec laquelle l’artiste dessine ses lignes. Il est une peinture à l’action. Une peinture, qui crie fortement situations, impliquant l’homme moderne. Une peinture, qui est entrain d’émerger dans l’art contemporain, et il en est un grand protagoniste ».

Pierre-Paul Marchini expose régulièrement en galeries parisiennes et corses. Il a exposé à la Fiac en 2012 et remporté le 3e prix de peinture au grand concours international d’art contemporain en 2014.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.no-arte-pierrepaulmarchini.eu/

Facebook : https://www.facebook.com/ma4chini

Instagram : https://www.instagram.com/marchinipierrepaul/